Apuntes literatura comparada, Apuntes de Historia del Arte. Universidad Autónoma de Madrid (UAM)
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Asignatura: Arte y literatura comparada, Profesor: castán castán, Carrera: Historia del Arte, Universidad: UAM
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TEMA1 Los conceptos de arte y literatura en perspectiva histórica. La mímesis como principio

• Fuentes grecolatinas de la teoría del arte. • Escritura e imagen en los inicios de la historia del arte: la ekpharasis. • Los orígenes de la estética general y comparada.

1.1.- Arte

La palabra arte viene de Art, artis del latín. Es una palabra proto-raíz que aparece de las grandes lenguas de las familias europeas. La palabra griega que corresponde a Tekhné. La técnica es una destreza o una habilidad en la aplicación de las reglas que conducen a la realización de un propósito, un fin mediante el aprendizaje de pautas.

Contraposición entre técnica y naturaleza, lo artístico no sería lo natural, sino lo artificial, en este sentido puede decirse que lo que se llama Tekhné o arts es una actividad propia del hombre, complementa lo natural.

1.2.- Perspectiva, mitología, perspectiva fisiológica.

Los antiguos basaban el arte y la técnica en relación con la naturaleza. La Tekhné está ligada a Prometeo, ya que Prometeo entrega todas las técnicas al hombre, es un dios filántropo. La mitología griega va ligada al antropocentrismo y el homocentrismo. En perspectiva fisiológica la Tekhné plantea el problema del euterofisismo como suplemento o prótesis de lo natural. Las dos obras de Aristóteles, la física y la metafísica, son dos tratados dedicados al tratamiento de los principios del conocimiento del ser, tanto ontológicos como epistemológicos.

Aristóteles, que tenía una mentalidad estructuralista, distingue entre generación o producción, una cathaphysis y la otra catha-tekhné, es decir, o aparece por una vía o por otra. Los fragmentos que nos interesan físicos, según el libro Betta, la estructura latina, la canónica 199ª, dice que en general la técnica lleva a término o perfección lo que la naturaleza es incapaz de realizar y en otro casos de imitar. Un producto o una gran obra es un ergón, cuando se imita a la naturaleza y parte de antropomorfismo, tiene forma humana, a la puerta es la boca, las ventanas son los ojos que permiten ver, la construcción exige una solidez de la estructura, las cañerías son las vísceras, etc…

La naturaleza de por sí, no produce casas, es necesaria la técnica. El segundo paso aparece en la metafísica, en el libro landa 1070º, dice “pues las cosas se producen o generan, bien por técnica, bien por naturaleza, por azar o suerte. La técnica es un principio que está en la cosa misma”. “La cosa natural sería inherente a la cosa misma”. La técnica o arte necesita la intervención desde fuera. Lo que para los griegos dominar la naturaleza es la necesidad, las cosas que son naturalmente, son necesariamente espirituales, se ocupa de la necesidad.

1.3.- S. XVIII

El punto de inflexión del término arte, hasta el S. XVIII, es que “el arte es un conjunto difuso de actividades técnicas”. Es en este siglo cuando el proceso que culmina Kant es cuando el arte adquiere el significado de bellas artes, de creación original, incluso de obras estéticamente valiosas. En 1790, Immanuel Kant publica “Crítica de la facultad de juzgar”, la parte más crucial es la analítica del juicio, con la analítica de lo bello y la analítica de lo sublime, dividido en párrafos. El arte se distingue de la naturaleza, como hacen de obrar o producir en general y como obra del efecto.

La libertad es algo sobrenatural, el arte es la producción libre, no conoce limitación o que a menos trata de comportarse como si no la hubiese, el arte depende de la sensibilidad en el sentido fisiológico, llenar consigo cierta necesidad de libertad. Abrir lo sensible en la materia da

la posibilidad de una libre producción, el arte es una producción ilimitada, infinita; el arte con mayúsculas incluyen una producción libre.

1.4.- El arte como obra de genio.

Genio ardid de génesis, generar es un monstruo de la naturaleza, ingrediente arquitectónico de la naturaleza o no se puede enseñar a nadie a ser genio, el genio precisa de la técnica, pero la técnica es el medio en el que se expresa la genialidad.

1.5.- Creación de belleza y producción de belleza.

Una de las grades cuestiones es una mínima definición de la belleza, el arte es forma y da un sentimiento inherente, para Platón lo bueno, lo bello y lo poderoso forman una triada de lo trascendental, se suele basar en el efecto de la belleza que es algo que place, satisface teniendo en cuenta que el placer descansa en la perfección sensible. Hay dos concepciones de la belleza a través de la historia:

• La concepción objetivista sostiene que la belleza es una cualidad, propiedad inherente a los objetos.

• La concepción subjetivista de la belleza es el efecto que los objetos suscitan en los mismos. Este efecto no descansa tanto en proporción de la cosa como en una especie de concepción del objeto.

Una de las concepciones puede ser la armonía, la simetría, la euritmia, la alaridad y el esplendor, estamos ante el problema del gusto y el juicio estético. La belleza en el sentido kantiano no descansa en ningún elemento objetivo de las cosas, lo bello sería `plenamente subjetivo, Kant dice “No hay modo de mostrar conceptualmente, a través del entendimiento, la belleza de un objeto”, el juicio estético es sobre el objeto, juicio de reflexión ante lo que solo está reflejado un juicio hacia una cosa, la relación entre dos formas de belleza:

Belleza libre: No presupone concepto alguno a lo que deba ser. • Belleza adherente: Presupone concepto alguno a lo que es.

El arte en una definición genérica es la bella representación de las cosas, dando a cosas un sentido muy amplio. Kant opina “La belleza adherente no es pura”, la belleza pura es la forma geométrica de carácter ornamental (lo que no representa nada).

La simetría aparece como un servicio funcional de construcción e idoneidad práctica a la vez de un principio estético. Las cosas feas son también susceptibles de representación de lo bello, algo que en la realidad resulta desagradable artísticamente representar es un objeto de placer, paradoja, los límites de esta representación placentera se sitúan en el asco (reacción fisiológica no controlable por el sujeto, se apelan a los apetitos, el asco es algo negativo). Un tratado de 1757, del británico Burke, dice “Indagaciones sobre el origen de nuestras ideas entorno a lo bello y lo sublime”.

La oscuridad es negativa, porque limita nuestra capacidad de percepción, es una sensación de resistencia para ver algo en aquello que es confuso u oscuro.

1.6.- La mímesis, la ekphrasis.

La poiésis es la actividad de producción o fabricación de algo, en cambio, la mímesis es la reproducción o imitación de la naturaleza. La mímesis es una facultad innata que distingue al hombre, por lo que tiene el hombre de cognoscitivo y hedonístico. Prueba de ello es lo que pueden ser en la práctica. La capacidad lirica infantil es esencialmente mimética y proporciona una satisfacción que tiene que ver con las formas reales o muy irreales. Si disfrutamos del animal feo y horripilante es porque no nos supone una amenaza, ya que es una representación.

Aristóteles incluye dos subdivisiones en el arte del conocimiento y del placer. Otra definición constante en la historia es “El arte como reproducción o producción de la naturaleza”.

La idea de imagen de copia son conceptos fundamentales en el arte imagen de algo, de una cosa, eikon, la imagen artística como una reproducción transparente de la cosa para los griegos, la mímesis era una imitación del modo de proceder de la naturaleza. Nota: Winckleam es el padre de la Historia del Arte, en 1967 publicó “Historia del Arte en la Antigüedad”, en la que escribió: “Anaximandro, un presocrático, opina que toapheion es el principio, lo ilimitado, es lo que procede a todo lo que existe, la obsesión, ritmo es un patrón o un modelo basado en la inscripción de límites internos, también se conoce como metrón”.

En el pensamiento platónico hay un aplastamiento hacia la mímesis, la mayor parte del pensamiento platónico nos ha llegado a través de los diálogos: República y Sofista. La mímesis de Platón tiene un sentido ontológico y metafísico.

La República: Para Platón, la realidad es un fantasma (imagen), copia de la idea. La verdadera realidad no es la visible, sino que lo ideal (la apariencia invisible de las cosas), pero para Platón lo ideal es lo no visible. Para Platón las cosas sin ideales o menos reales (copias), la escultura clásica griega nos presenta una especia de abstracción, donde se da una serie de individuo clásico de la representación perfecta del cuerpo humano, para la cual es necesario el conocimiento, es decir, es necesaria la idea, y la idea se fundamenta por ejemplo, en la teoría de las proporciones, es una condición para la bella representación de la figura del cuerpo humano. Para platón el conjunto de las cosas que vemos como fantasmas son una degradación respecto de idea, digamos que siempre será más las sillas que la idea perfecta de silla. Platón opina que la mímesis artística es una degradación del arte, la apariencia del retrato es ilusoria (irreal), la copia de una copia es platónico, la copia es como una especie de vampiro que va retirando realidad.

La Sofista: El no ser es la paradoja de la mímesis, describe dos tipos de mímesis: • Mímesis icástica. Aquella que reproduce fielmente el aspecto de la cosa, lo

más fielmente posible. Por ejemplo el retrato de una persona que mida 1,80, pues el retrato debe ser igual.

Mímesis fantástica: Aquella que deforma de múltiples modos el original, cambia el tamaño de la forma (las proporciones), lo que sería por entonces el criterio de lo irrealista, lo que damos de la idea de lo fantástico es lo grotesco. Hoy día un ejemplo sería un holograma.

Hay un tercer concepto de mímesis que aparece en la época helenística, entre los S. III y I a.C., en el que Demetrio Dejadeo, o Dionisio de Halicarnaso, llega a un tratado muy importante de Longino, “El Tratado sobre lo Sublime”. La mímesis en este periodo se entiende como emulación, imitación de obras de arte anteriores, que se imita el cuarto estadio de la realidad, el principio de fundamentación del canon poético y artístico, es también el principio del Manierismo, que consiste en crear una obra de arte a la manera de una tendencia estilística anterior o de otro autor, el canon con la idea de obra de arte canónica descansa justamente en el de la obra digna de ser imitada, lo mismo se puede decir del autor, digno de ser imitado, el paradigma o modelo de que otros artistas emulan.

Se tienen tres distintos conceptos de mímesis, el platónico de carácter metafísico, el aristotélico, en el que la mímesis es una facultad de la naturaleza humana para aprender a gozar, y la mímesis de emulación. La mímesis ha sido algo trascendental en la historia del arte y el porqué del principio mimético está en lo llamado “los principios de las bellas artes”, aun que esto no se reconozca hasta el S. XVIII, que es cuando esa especificación y esa diferencia se va a establecer y se va estableciendo al mismo tiempo que se funda un modelo de las bellas artes, responde a la idea kantiana de la libre producción de belleza. Como no se puede hacer una búsqueda intensiva, podemos recurrir a 1746, la obra que sintetiza todo esto fue publicada en este año, escrita por Ch. Batteux, el principio es la mímesis, todas las artes son imitación de la bella naturaleza, en el primer capítulo de la obra de Batteux distingue entre las artes bellas, cuyo fin es primordial y casi exclusivo, y las artes mecánicas marcadas por la utilidad, distingue entre artes puramente bellas y artes impuramente bellas:

Artes puramente bellas: Como son la música, la poesía, la pintura, la escultura y la danza.

Artes impuramente bellas: Como son la elocuencia, la oratoria y la arquitectura.

Esta separación se debe a un elemento prácticamente utilitario, la oratoria tiene una dimensión práctica. La considera arte porque hay muy sofisticados modos de preparación, todas ellas tienen como principio la definición de Arte.Esta clasificación surge en el momento de la clasificación de la producción, se da una división del trabajo, mayor funcionalidad práctica y lo disfuncional, las artes quedarán clasificadas como menos útiles frente a la producción.

La obra de Aleexander Amadeo Baumgarten “Ahestética” es la primera obra en la que la estética significa bello, y naturalmente también conocimiento de nuestra experiencia de lo bello, ya sea natural o ascética (antes Baumgarten lo referente a lo estético). Es un autor alemán basado en el ideal cartesiano, que utiliza la aisthesis, significa sensación y la definición que da es ciencia del conocimiento sensible, define dentro del conjunto de saberes como la gnoseología inferior (lo parecido a la epistemología, la teoría del conocimiento). Distinción ente lo sensible y lo inteligible, lo estético está relacionado con la percepción, la percepción por sí es siempre particular, sobre lo particular no habría ciencia posible, lo inteligible es por tanto aquello que es objeto de concepto intelectual. La diferenciación y cualificación de esos sentidos, por ejemplo el sentido teórico por excelencia es la vista contemplativa, porque cuando menos toque mejor, el tacto y el gusto sería los sentidos más ligados a lo corporal en los que la teoría del arte y posteriores son hápticos. El oído es el sentido mélico-musical es el sentido, tratan de ilustrar algunos de los análisis de la estética. El grito como grito artístico, el grito es una expresión de sentimientos.

La Ekphrasis es la descripción, procede del verbo griego que significa evocar, cierta relación con mímesis. Se entiende la descripción verbal de un objeto sensorialmente sobre todo visualmente perceptible. Para describir los objetos del modo más detallado y eficaz no basta contar con la imagen, no libera en absoluto al historiador de describir la obra, tiene varias consecuencias.

En una segunda aceptación, se entiende por Ekphrasis por la descripción verbal de una obra de arte. En términos históricos se dio lugar a dos formas: poesía ekphrastica o descriptiva. Es un tipo de poema cuyo tema es justamente una obra de arte que se describe, el precedente más antiguo en la literatura occidental se encuentra en el Canto XVIII de la Ilíada, en la descripción del escudo de Aquiles, Homero dedica numerosos versos para describir la talla en la que aparece una especie de cosmología de la concepción del mundo; otro ejemplo está en Kead ´s, con la oda a una urna griega, el soneto XIII de Garcilaso a un tapiz donde se representa a Apolo y Dafne en su metamorfosis. Con la ekphrasis como descripción de una obra de arte oral y el discurso descriptivo en la historiografía artística.

Ekphrasis es un término conectado a la mímesis, en un sentido de descripción de una obra de arte por medios verbales de forma visual, una mímesis verbal de algo no verbal, la transformación de algo corpóreo a albo verbal y puede volver atrás; como por ejemplo en “Don Quijote de la Mancha”, en el que la descripción del personaje es posteriormente transformado en una imagen. La mayor parte de la representación icónica medieval se basa en la descripción de textos bíblicos. Problemas de traducción de una forma hacia la otra. Hay ciertos problemas semióticos, el Morse es un sistema semiótico, una obra está compuesta de señales y contenidos, dentro del estudio de los signos y los procesos de comunicación.

Las lenguas humanas se caracterizan por linealidad, susceptibilidad, y discreción. Una discreción verbal puede detallar objetos, para describir algo no puedo dar una imagen, y la percepción de la imagen y un problema más complejo es la posible fidelidad de la descripción al objeto, ya que como puede ser fiel una descripción al objeto, eso se soluciona con el llamado iconismo y diagramatismo. El iconismo es algo muy elemental, los poemas de Apolínea es un signo de iconismo, los resultados suelen ser un tanto ingenuos. El diagramatismo es un esquema de las relaciones que se dan en el objeto, por ejemplo, “Veni vidi viçi”, la sucesión de verbos relata las relaciones del hecho de la acción (hipérbaton) para el desorden de la sintaxis.

Al estar frente a una obra de arte tenemos una actitud holística (captación del todo) y otra visión de detalle. Entre ambas se mantiene una relación dialéctica y una necesaria combinación, derivar o deducir que la percepción total es intraducible a una descripción verbal. Wilkelman es un gran defensor de la descripción de las obras de arte con propósitos historiográficos y académicos. Adolf Hildebandt, en la obra de “La balsa de la medusa”, la obra de arte es intelectualizar, reducirla a formas geométricas. Nunca se puede ver todo eso, solo se puede ver una faceta o perspectiva. La obra puede sufrir desfiguraciones, la imagen aparente siempre es bidimensional como diferencia entre claro y oscuro.

La forma efectiva incluye todas las impresiones que la obra desencadena en todo el espectador, influye lo emotivo, lo perceptivo e incluso intelectual, desde el punto de vista del espectador resulta inanalizable. La práctica de la ekphrasis tiene mucho que ver con la empatía, einfuhlung. La empatía del contemplador en relación con el objeto, primero pasa con la observación detenida de la obra para establecer un trato o diálogo con la obra, en la concepción de Wilkelman es una contemplación que lleva a recrear en el observador el contexto artístico, una referencia entre objetivismo y subjetivismo, el caso del Laoconte sería wilkelaniano y Wilkelman pasaría a ser laocoontoniano. El espectador debe hacer que se revivan las formas artísticas. Toda forma artística tiene una anti tendencia, la escultura tiene una hacia el movimiento, tiene que ver con lo prodigioso del arte y la forma artística, el momentode estatismo y movimiento.

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