Arte Actual, Apuntes de Historia del Arte. Universitat de València (UV)
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Arte Actual, Apuntes de Historia del Arte. Universitat de València (UV)

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Asignatura: historia del arte actual, Profesor: No me acuerdo, Carrera: Història de l'Art, Universidad: UV
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Nacimiento del arte actual

El gran cambio de paradigma del arte es lo que significa la obra de Magritte, Esto no es una pipa, porque es una imagen, una representación. Estamos tomando la imagen por la realidad, la representación por la realidad. Muchas veces esta imagen está manipulada, y solemos confundir imagen con realidad. Aunque Magritte avisa, esto está a la orden del día. Los medios de comunicación construyen la realidad. Muchísimas prácticas artísticas de la actualidad se dedican a poner esto en evidencia (Banksy). Muchas veces, estas prácticas que nos asombran como herirse, tienen que ver con eso: necesidad de despertarnos. El artista está rompiendo las fronteras diciendo “vivimos en un simulacro”, nosotros somos imágenes. Todo el arte hasta bien entrado el XIX, lo que hace es imitar la realidad (“ventana abierta al mundo”, Alberti), incluso el romanticismo. La vanguardia lo que hace es romper esto.

Las señoritas de Avignon, es una pintura, no es la realidad. Es cuando se da el salto real. A partir de aquí, todo vale, en el s XX el arte se define por la libertad creativa. Todo depende de la mirada, todo es subjetivo de ser arte. Se han inventado nuevas maneras de crear.

Abstracción. Composición A,Mondrian. Cuesta mucho de entender, no hay anclajes. Es un acto de liberación de la obra profundo. No hay tema, no hay nada. Esto lleva en realidad a un callejón sin salida: al grado 0 de escritura. Blanco sobre blanco, Malevich. También puede ser un punto de salida, aquí se llega a través de buscar la esencia de la pintura, quitarle la hojarasca (la belleza, el tema, la línea, el punto), que se llega a través de la reflexión. Hoy en día esto se sigue haciendo.

Surrealismo. Es otra frontera, que separa el arte de la realidad. Todo esto nace de lo que está sucediendo en el arte en el mundo. Ha aparecido la física cuántica, obliga a reformular nuestros conocimientos, Einstein… todas esas certezas científicas a principios del XX se cambian por otros. La realidad es el sueño, aquello que nos domina, que hay más real que eso? El surrealismo llega para quedarse, y gran parte del arte actual es surrealista. Eso no es un movimiento, es traer al mundo del arte otra realidad. (El Bosco, Goya…)

Dadá. No se entiende nuestro siglo sin el dadá y Duchamp. El recurrir al absurdo, la ironía, el gesto infantil... Pretende liberarnos de la razón y vayamos al estadio previo. Mona Lisa, Fontana, inventa el ready-made, cogiendo un objeto de uso cotidiano y entra en un museo. Desde el momento en el que esto entra en un museo, cualquier cosa puede hacerlo. Acto totalmente revolucionario y lógico en el momento en el que se produce. Idea de progreso. El mundo cambia y nosotros aportamos. En el arte actual, esta idea se quiebra. Muchas prácticas políticas hoy en día viven de eso, la provocación, poner en evidencia los valores que sustentan la sociedad.

Guernica. Todo lo que empieza en las vanguardias acaba en canon, se convertirá en el arte dominante, dentro del mundo del arte, no de la sociedad. El Guernica es un icono total, hay una cierta academizarían de la propia vanguardia. Los más lúcidos acaban

ARTE ACTUAL

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renegando de la propia vanguardia por haberse convertido en institución. Gran parte de mitad del siglo XX estará en eso, rechazando (caca de artista).

Movimiento moderno. Arquitectura que pretende ser útil, menos es más, funcionalidad, bello pero simple, elementos mínimos, que sea replicable… ideal social que luego se pervierte totalmente, pero nace de la utopía, la necesidad de un mundo mejor.

Pollock. Tras las IIGM, que se caracteriza por un bando el genocidio (matanza sistematica de millones de persones, la ciencia al servicio del mal), y por el otro lado la bomba atómica. ¿Cómo hacer poesía después de Auschwitz? La reacción es el caos. Hay una especie de planteamiento según la pintura del gesto, el artista lanzando pintura, especie de representación con emociones muy mezcladas, arte sin forma (informalismo) y expresión de dolor, angustia… me expreso pero no tengo nada que expresar más que angustia.

Giacometti. Tres hombres que caminan, 3 hombres frágiles, sin rostro, arrugados… expresión de cómo se siente la gente tras la destrucción máxima. Desde la figuración aquí, otra respuesta, el cuerpo se desmaterializa, será una constante en el arte.

Informalismo. Dubuffet, Madre con su hijo, formas muy sencillas pero siniestra. Expresa los temores, las dudas… si la razón nos ha llevado a esto, de que nos sirve la razón? Regresión a formas infantiles, aunque el tema sea desagradable. Negar todo lo que nos ha llevado a esto. Bacon. El que mejor representa esa angustia del sujeto contemporáneo, pérdida de identidad, con retratos con expresión de horror. El sujeto se desvanece, no hay identidad, hay medio rostro, tinieblas…

Pop art. El arte actual se podría entender como continuación del pop. Sociedad de consumo, de masas, los 60 son años de recuperación económica, bienestar para el primer mundo… la publicidad será el gran tema del arte. Esto ya son ejercicios de reapropiación, Warhol ya juega a ser banal voluntariamente: en el futuro todo el mundo tendrá sus 15 minutos de fama. Lichtenstein. Equipo Crónica, apropiacionismo para hacer un mensaje crítico.

Arte conceptual. Una y tres sillas, obra inaugural, plantea que el lenguaje construye la realidad, cual es la silla? La silla es una convención. Habla de esto no es una pipa.

Todo vale. Se rompen fronteras. Piero Manzoni y la mierda de artista, o el huevo con impresión. La filosofía del Manzoni tiene sentido en ese momento, si arte es lo que hace un artista, todo lo que hace un artista es arte? Esto juega con la institución arte y la cultura, es un discurso muy cínico. Por un lado es arte y por otro está denunciando eso mismo. Fuera del sistema no sabemos si existe. La última frontera es el cuerpo:

El happening. Yves Klein, Antropometrias, la obra es todo. Laperformance con una orquesta que solo toca una nota, el artista como maestro de ceremonias, las mujeres, y el resultado. Parte efímera y parte que permanece. Por tanto hasta la definición de obra se ha perdido. La obra no perdura. Y la provocación a través de esto.

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Joseph Beuys. La obra de arte reside en el espectador. Puede provocar asco, violencia, compasión… lo importante es despertar algo. Se encierra con un coyote varios días, son formas de despertar en el espectador frente a la pasividad cotidiana.

Abramovich. La última frontera, el cuerpo de la mujer es un objeto político, es legislado. A partir de los 70 gran parte de las artistas mujeres pondrán eso en evidencia.

Land art. El lienzo es el mundo, arte efímero, está en su esencia.

Judy Chicago. La cena. Reinterpretar la última cena desde el punto de vista de las personas que han preparado la cena.

Posmodernidad INTRODUCCION

Se trata de un concepto muy discutido, ya que tiene varias acepciones según se trate en el arte, llamado modernismo o posmodernismo, o en las ciencias sociales llamado modernidad o posmodernidad.

La modernidad canónicamente se supone que empieza cuando se producen los cambios de las ciudades del antiguo régimen a las ciudades que conocemos ahora, aunque en cada país funciona de una manera distinta. Digamos que se trata de la sociedad que surge de las grandes revoluciones, una sociedad que progresa sobre una serie de valores que dan la razón de ser a esta sociedad. Se en el siglo xix, cómo se va creando, según cada país, y ya en el siglo XX tenemos esta modernidad, ya se transforman las formas político sociales del capitalismo. En algunos casos se remonta esta idea de modernidad hasta el Renacimiento, donde predomina la razón, aunque digamos que de forma convencional la tratamos a partir de la Ilustración que va desarrollándose en los próximos siglos.

¿Cuándo acaba esta modernidad? No hay consenso, aunque se suele entender como el momento después de la Segunda Guerra Mundial. Se acaba con el progreso y la emancipación, renunciándose a las utopías y la idea de progreso. El motivo es que se sufre una violencia provocada por esta modernidad, lo que lleva a su ruptura.

En general, desde la sociología, se suele colocar ahí, desde la segunda guerra mundial hasta los años 60, que se va rompiendo ese proyecto moderno.

En el campo del arte también se plantea eso pero se habla de posmodernidad muy claramente en los años 80, ya que es aquí cuando las obras son ya muy posmodernas.

Las ideas centrales son:

✓ El fracaso del progreso, la idea de que estamos destruyendo el planeta.

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✓ Renuncia a las utopías, a la idea de poder crear un mundo mejor.

✓ Supone el final de las grandes narrativas, por ejemplo la Ilustración o el Marxismo. De hecho se habla en estos años del final de la historia.

✓ No hay certeza. Se instaura un relativismo cultural, donde cualquier punto de vista vale.

✓ Fin de las ideologías fuertes. Un periodo de cierta frivolidad.

✓ Importancia del proceso de globalización, donde se acelera a partir del siglo XX. La idea de que mis actos pueden tener efectos globales. Nuestra percepción del mundo es mayor.

✓ El lenguaje construye la realidad, sin el lenguaje no podríamos tener una visión del mundo.

✓ La verdad es cuestión de perspectiva o contexto, no hay una verdad absoluta pues cada uno vive el mundo de maneras diferentes. No hay certezas, sino puntos de vista.

✓ El medio es el mensaje. El mensaje no es tanto lo que digo sino cómo lo digo, o dónde lo digo.

✓ Globalización, libre mercado, capitalismo, consumo. Todo es un objeto de consumo, incluido el arte. Responde al hecho de que estamos en un mundo capitalista, aceptación del capitalismo como algo inevitable.

✓ Muerte del sujeto: mass media. Cultura del simulacro.

✓ Desmaterialización de la realidad. Realidad virtual gracias a las máquinas.

✓ Pensamiento débil, pensamiento que no crea discurso ni transformación.

✓ Predominio de lo individual sobre lo universal, de lo psicológico sobre lo ideológico, de la comunicación sobre la politización, de la diversidad sobre la homogeneidad, de lo permisivo sobre lo coercitivo.

✓ Fin de las jerarquías culturales: consumo de masas. No hay distinción entre “alta y baja” cultura.

✓ Somos conscientes de que pertenecemos a un sistema que no funciona. Es cómplice y crítico a la vez

✓ Las diferencias locales y regionales cobran importancia. También lo marginal. Compromiso ideológico con las minorías políticas, sexuales, lingüísticas, etc.

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Características de las obras • Fragmentación y deconstrucción

• Pastiche, kitsch, parodia, intertextualidad (obras que remiten a otras obras)

• Hibridación, mezcla, descentralización de la autoridad intelectual, ironía

• Subjetividad, narcisismo y hedonismo (la cultura del placer, de vivir al día). Neoindividualismo o hiperindividualismo

• Inmediatez

• Desencanto, desilusión, cinismo. Nihilismo y escepticismo (la falta de creencia)

• Barroco/ Neobarroco

• Reapropiación, remake

POSMODERNIDAD

Es un concepto con varias acepciones, en función de si se utiliza para las ciencias sociales, el cine, el arte… si hablamos de las cs sociales es modernidad/posmodernidad. Si es arte, modernismo/posmodernismo que son movimientos artísticos. Para explicar la posmodernidad, aclarar modernidad: canónicamente, se supone que empieza con los cambios del AR, el proceso de industrialización, sociedad burguesa, a lo largo del XIX pero de manera muy diversa, en cada país funciona de una manera. Básicamente una característica sería la sociedad que surge de las grandes revoluciones con el ideal de progreso, la sociedad progresa porque está fundada sobre la razón, la ciencia y una serie de valores que son los que dan razón de ser a la sociedad. Ese proyecto moderno que se va creando en el 19 muy distinto según el país, pero en el xx se habla de modernidad. Baudelaire hablaba del pintor moderno. Una forma de sociedad distinta, se han transformado las relaciones sociales, del trabajo, uno trabaja por un salario. También se podría remontar al renacimiento, pero de forma convencional seria el XIX-XX, a partir sobretodo de la Ilustración. La modernidad acaba, pero no de manera tajante, no hay hitos. Es toda esa construcción del mundo moderno. Y se rompe generalmente después de la IIGM, cuando se rompe el proyecto de moderno. Aplicación de la ciencia al mal, Alemania nazi, bombas atómicas, todo ese mundo violento pero sobretodo el hecho central es que es una violencia engendrada por una sociedad progresista, científica, moderna y racional. Se da como resultado de un proyecto de modernidad. Ahí se rompe, y para algunos comienza en la posmodernidad. La idea de progreso, de razón, sigue existiendo, pero se va disolviendo. Para otros en los 60.

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Se suele colocar desde la IIGM hasta los 60. El proyecto nace en la ilustración seguro. En el campo del arte, se plantea eso pero se habla de posmodernidad en los años 80. Hay como bases que están previas, es ahí donde se ve. Ese arte social todavía es moderno, cree en los objetivos sociales y se desarrolla como tal. A partir de los 80 se generalizan estas ideas que iremos viendo.

Idea central: fracaso de la modernidad. No hay progreso, no hay emancipación. Vinculación con la naturaleza. Idea de que estamos destruyendo el planeta, idea que nace en los 60 pero sobretodo 80 y actualmente. El progreso constante solo conseguirá la destrucción. El progreso ha fallado y por tanto renuncia. Renuncia también a las utopías, y a la idea de un mundo mejor. El proyecto de los ilustrados es utópico: sociedad igualitaria, libertad… la revolución rusa es utópica también, sociedad del proletariado. El cine se llenara de distopías. Mundos futuros inhabitables.

Final de las grandes narrativas: la Ilustración. Ese relato ya no vale, ni el del marxismo por ejemplo. Narrativas que han construido la realidad pasada, porque se habla del fin de la historia. Es un concepto muy rebatido a posteriori.

Todo esto se basa en la idea de que no hay certeza y que hay un relativismo cultural. Cualquier punto de vista vale. Es uno de los ejes centrales.

Esto también implica el fin de las ideologías porque también se entienden como un relato. Los 80, como crisis económica, se entienden como especie de frivolidad, el vivir al día. Adquiere mucha importancia el consumo cultural, las drogas se expanden. Idea punk de No Future. Se refiere a ideologías fuertes como marxista o comunista. Aquí tiene mucha importancia el proceso de globalización. Esto se acelera con el siglo XIX, y será en el s XX cuando la idea de global se hace realidad. Esa sensación de vivir en un mundo global, asistimos ahora a otros muchos puntos de vista.

Otro de los planteamientos centrales es que el lenguaje construye la realidad, de hecho gran parte de los estudios teóricos proceden de estudios lingüísticos por la escuela estructuralista. Estudian como nuestro cerebro funciona de una manera por como utilizamos el lenguaje. Esto significa que todo lo que tiene que ver con el lenguaje tiene mucha importancia. La verdad, por tanto, es idea de perspectiva y de contexto. No hay verdad absoluta porque cada uno vivimos nuestro punto de visto. A veces el relativismo cultural se convierte en relativismo moral. Esto que se dice de todas las opiniones son válidas.

El mensaje no es tanto lo que digo si no como lo digo o donde lo digo. Los medios de comunicación a veces han dejado de ser medios para pasar a ser el mensaje, ocupando la centralidad de la comunicación. Todo esto responde a que vivimos en una sociedad capitalista, y lo que hace la posmodernidad es una especie de aceptación del capitalismo. Fuera del capitalismo no hay nada, o lo que hay no es útil. De ahí también esas faltas de utopía. El libre mercado es el que manda, aunque no es libre. Las mercancías pueden circular libremente pero las personas no. Esto lleva a veces a desde dentro jugar a dinamitar. Discurso anticapitalista desde dentro del capitalismo. Eso

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implica que todo es objeto de consumo. En el pop art, años 60, empieza a creerse que todo es objeto de consumo.

Todo esto lleva a la muerte del sujeto, que estaba entendido como concepto teórico, controla la naturaleza, la ciencia, la realidad. La ciencia se basa en esta idea, vamos a controlar el mundo. Siglo XIX y la fuera por catalogarlo todo, taxonomías. Creencia absoluta por controlar el mundo, y al final de la modernidad se deshace esa idea: no controlamos nada. Todo ese discurso positivista que construye el discurso positivista, desaparece. Antropología es una ciencia burguesa que nace para controlar los tipos humanos. La posmodernidad dice: no puedes catalogar.

Cultura del simulacro, no de la realidad, rodeados de imágenes.

Uno de los conceptos centrales el de pensamiento débil. Idea de pensamos, pero flojito. No crea discurso ni transformación. El de los grandes relatos que la posmodernidad no cree, se ha acuñado para todo lo demás, fascismo light, comunismo light…

•predominio de lo individual sobre lo universal, de lo psicológico sobre lo ideológico (lo que siento antes que lo que creo, discurso publicitario, apela a la emoción), de la comunicación sobre la politización (importa comunicar más que estar politizado, mientras el mensaje cale no importa), de la diversidad sobre la homogeneidad, de lo permisivo sobre lo coercitivo (tiene una parte que se fundaría en “vive y deja vivir”, lo que conlleva a la permisividad en todos los campos tanto diversidad sexual, étnica lo cual es positivo para las minorías).

•fin de las jerarquías culturales: consumo de masas. No hay distinción entre alta y baja cultura y todo vale. Lo que hay es una idea de falta de jerarquía. Ej Almodovar, en la que convive la telenovela y la opera. Lo veíamos en equipo crónica, la convivencia de la alta y baja cultura. Puedes elegir entre millones de imágenes. Desacraliza gran parte de la cultura, pero complejiza mucho. ` [Artículo de Kevin Power]

•somos conscientes de que pertenecemos a un sistema que no funciona. Es complica y critico a la vez. Esa conciencia es la que nos permite crear cosas, ser anti todo, criticarlo… idea muy importante para entender como es el arte. Soy cómplice y reconozco mi impotencia, pero soy capaz de criticarlo. Ej Marina abramovich, han hecho una ópera, se ha convertido en objeto de consumo.

•las diferencias locales y regionales cobran importancia. También lo marginal. Compromiso ideológico con las minorías políticas, sexuales, lingüísticas… yo como individuo puedo tener muchas identidades. Defensa de la diversidad, nace de aquí (aunque haya habido movimientos sociales anteriores).

Posmodernidad, concepto difuso por la época y por el pdv teórico. El artista es libre de utilizar todos los referentes como quiera.

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Piazza d’Italia, Charles Moore. Apropiación en arquitectura. La influencia del cine está clara, el concepto de simulacro o decorado, lo cual influye en la arquitectura de estos años. Deliberadamente parecen falsos.

Las Vegas. El lugar de la posmodernidad, falta de jerarquía, todo mezclado en una ciudad que es pura imagen.

Blade Runner. El cine de los 80 es de mezcla de géneros, ciencia ficción + cine negro. Toda la mezcla de géneros es lo propio de la posmodernidad. Presencia de la publicidad, imágenes dentro de imágenes.

Sangre fácil. Terror, wetern, parodia… ironía constante, otra característica posmoderna.

L.A.Confidential. Como si se hiciera una copia de cine negro de los 50, pero rodada hoy. Ejercicio de apropiación.

Almodóvar, Mujeres al borde de un ataque de nervios. Consigue hacer obra de total personalidad, hecho con retazos de otros mundos. Otra de las cara, todo es simulacro, imagen, falso… se supone que es el ático donde sucede la acción. Es muy evidente deliberadamente que es falso. Estas muy evidentemente delante de una construcción.

Tarantino. En p ficción, la historia esta desordenada cronológicamente, hay citas de todo tipo. Cita a Godard, que es cine intelectual al que el admira, eso está mezclado con cine de acción, de artes marciales, serie B, manga… la propia idea de p fiction nace de esto, relatos que leía todo el mundo pero que no tenían prestigio cultural.

Moulin Rouge. Toulouse Lautrec, es un tipo de películas para las que no tenemos categoría. La crítica se enfrenta a un problema frente a estas obras.

Cyberpunk. Movimiento nihilista que plantea el no future y el hazlo tú mismo. Nace esta idea a partir de un escritor fundamental para nuestra cultura que es William Giboson con obras como Neuromante. La presencia de lo digital, es de los 80 y los ordenadores están empezando. Idea central del cyborg. Un ejemplo es Jonny Mnemonic, dirigida por artista plástico protagonizada por Keanu Reeves (comercial), mezcla. Esto ha dado lugar a obras de creación como Black Mirror.

Jeff Koons. Inclasificable, es posmodernidad pura, frivolidad, todo muy banal, muchos colores… frivolidad absoluta. Su arte está muy discutido justamente por eso, no decir nada cuando probablemente es lo que él expresa. Ha sido denunciado muchas veces por utilizar las imágenes de otros. Su obra es muy kitsch. Eleva objetos a la categoría de arte.

Claes Oldenburg. Obra desprejuiciad, irónica, divertida… falta de categoría cultural. A esta época se le llama un poco manierista, asumir la impotencia. Una parte de reírnos y utilizar las imágenes de otros que consideramos más grandes y por otra que no vamos

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a llegar a eso y aceptarlo. La tv nos ofrece la idea de que tu identidad sea ser consumidor y nada más. Imágenes banales, que por lo menos nos reímos.

Claes denuncia contradicciones que nos dice cosas de nuestro mundo, descontextualiza cosas para obligarnos a fijarnos y pensar en la relación que tenemos.

Keith Haring. Por una parte remite a cierta idea de marca.

-Neuromante. William Gibson, 1984.

Apropiación El concepto de “reapropiación” o “apropiacionismo”, es una idea central que existe

en toda la historia del arte, pues los artistas avanzan sobre imágenes que otros han construido, aunque hoy día sí que hay una concepción de la copia de imágenes. Se pierde el aura de la obra, ya que se consume de forma masiva, ya no es de uso exclusivo de una minoría elitista, ahora son propiedad de todo el mundo. Esto provoca muchos problemas, cuando una obra se populariza pierde su aura, su sentido y su propiedad.

Las obras del arte han tenido esta aura que las convierte en sagrados. Las obras pierden el aura en la fotografía y el cine, porque son copias, nunca accedes a la obra original. Esto aplicado a las obras de arte y a su difusión masiva hace que las obras pierdan el aura. Sigue existiendo el cuadro pintado por Leonardo, pero ahora está en todas partes. Además tu no ves la obra, ves simulacros. Las obras son de consumo masivo por parte de todo el mundo. Esto tiene dos partes: cualquiera puede verla, pero la popularización les quita el aura. Esto provoca muchos problemas muchas veces muy elitistas. Ahora hay muchas críticas a los museos que organizan exposiciones masivas, porque ponen en entredicho lo elitista de la obra. Con la llegada de los medios de la comunicación pasan estas cosas.

Pone en cuestión el concepto de autor, y que las imágenes están ahí y es de todos. Pone en cuestión la idea de originalidad, también tiene relación con el concepto de que ya se han creado todas las imágenes.

Otro ejemplo es la obra de Joseph Cornell de 1936, que era coger una película y la remonta. Rosa Hobart, que es el nombre de la actriz, coge las imágenes donde sale ella y las monta de otra manera. Nace aquí otra cosa que hoy en día está clara que es imposible diferenciar el cine convencional de la práctica artística. Son distintas las dos pero no están hechas por él.

La posmodernidad entra de lleno en esta idea, el mejor ejemplo es la obra L.H.O.O.Q de Marcel Duchamp del año 1919.

El concepto de apropiacionismo pone en cuestión el concepto de autor, ya que el arte pasa a ser de todos, pone en cuestión la originalidad, las imágenes se cogen y se

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utilizan como se quiere. Uno de los ejemplos cinematográficos es la obra de Joseph Cornell, que es coger una película y remontarla, llamada Rose Hobart, haciendo una película totalmente distinta.

Otro ejemplo magnifico es el Retrato de Inocencio X de Francis Bacon, aquí sí aparece el sentido de reinterpretación. Esa reapropiación que se hacía en otra época era para reconocer la excelencia de la obra, no había ironía ni reinterpretación. En ese caso hay una enorme diferencia.

Andy Warhol. Coge otra imagen de la soc de consumo. Robert Rauschenberg. No está clara la función. Ensamblaje con las imágenes porque todas son iguales y no acaba de ser inocente.

O la obra de Asger Jorn que coge obras más bien mediocres y les añade otras figuras como El patito inquieto de 1959. Coge cuadros de género, bucólicos, y los convierte en algo siniestro. Estilo típico del expresionismo abstracto el que el utilizara. La otra, a su vez reinterpretando la obra con bigote como la Gioconda.

Otros artistas hacen la reapropiación su forma de expresión, una artista muy polémica es Sherrie Levine, que lo que hace es refotografiar las fotografías, hasta el punto que no se distingue, (ejemplo, After Walker Evans, de 1981), su planteamiento teórico se basa desde el punto de vista de que esta obra forma parte de nosotros, que nuestra identidad cultural es común a los demás y lo que pretende también es poner en evidencia el sistema del arte (toda la idea de la autoría y demás). . Que es lo que vale? La firma, la técnica? La firma. Ponen en evidencia que el sistema del arte es un sistema artificial que tiene que ver con otros valores que todos tienen que ver con el dinero.

También realiza la de Van Gogh y Duchamp. Le quita la característica central a van Gogh que es quitarle el color y hacerlo en bn. Por otra parte, esta es la manera en la que todos estudiaban en bn antes. También es un modo de hablar del modo de la circulación de las imágenes. Nos obliga a plantearnos el porqué, que nos está diciendo.

Otra técnica es reduciendo a pixeles obras famosas, los pixeles básicos y los colores. Deconstrucción de imágenes y categorías culturales. Esto se está haciendo con las películas. Ahí está escondida o reducida a su esencia la obra.

Otra artista, Barbara Kruger, que recuerda al arte de la cartelería soviética, lo que hace es inspirarse en esto, copiando imágenes de revistas y les añade un texto que le da un sentido irónico a la imagen o recontextualizarla. Reinterpretando todo lo que se ve en medios de comunicación de masas. Utiliza el rojo, helvética bold, siempre la misma tipo, colores y esquema. Una de sus ideas es poner en evidencia los roles de género. Mensajes irónicos muy potentes. También lo hace a modo de instalación. Mensajes con los que consigue llamar nuestra atención con las imágenes y con el texto. Cuando ves otras imágenes del estilo inmediatamente el sentido se moviliza, por tanto son obras de largo alcance.

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La obra de Louise Lawler, es más autorreferencial, hace una serie de fotos de casas de coleccionista, y coge esa idea de imágenes dentro de imágenes, como Living Room Corner, composición del Sr. y la Sra. Burton Tremaine, dándoles a las obras una nueva mirada. Ve el arte de otro modo, hacer fotos donde no te esperas. Te hace plantearte el valor de las obras. La mayoría de sus fotos son salas de museos, casa de colecc, y son fotos que no te esperas. En Freuds Shirt, lo que vemos atrás es la obra, en la mesa se refleja la mesa. Habla del arte de manera crítica, nos hace reflexionar. Para qué sirve el arte contemporáneo? Para ver la tele con la obra detrás? Otra obra, Rabbit de jeff koons, para que sirve hoy en día una obra de arte? Nos muestra el otro pdv. La de life after son obras amontonadas que entre ellas tienen otro sentido. Al seleccionar el encuadre, le da otro valor, ahí está el valor de la fotografía. De pronto es todo un discurso. Ejercicio de decontextualizacion sin alterar la realidad, solo le da otro marco.

Braco Dimitrejevic, hace algo similar pero más trabajado, hace trípticos con obras reales, resituando, desconfigurándo y resignificando, Triptychos Post Historicus de 1991. Y fuera un poco del sentido de la reapropiación es la idea de colgar fotos gigantes en edificios significativos (The casual passer by I met at…) reconvirtiéndolos en arte.

Uno de los artistas más importantes es Richard Prince, coge anuncios y les quita la publicidad, son imágenes reapropiadas, Serie Cowboy and Girlfriends de 1989. Otras series como tres mujeres mirando en la misma dirección son fotos que va encontrando. Serie Prince/ Picasso (2012).

Mike Bidlo, reproduce exactamente igual la obra de otro, Not Picasso, Not Yves Klein de 1986.

Daniela Ortiz recoge una serie de fotografías de las redes sociales de familias adineradas de Perú (su país de origen), viendo más allá de los integrantes de la familia sonriente y crea esta serie llamada 97 empleadas domésticas en 2010. La empleada doméstica es el denominador común de las fotos, que suele aparecer en el fondo atareada en sus quehaceres. Podemos decir que es un ejercicio de reapropiación, ya que las fotografías no están realizadas por ella, sin embargo ella realiza la recopilación, les da un título concreto y nos obliga a mirar esas imágenes de otra manera, atendiendo a otros detalles y así muestra una realidad social concreta a modo de protesta política. Normalmente llevan uniforme, ya que son internas, son indígenas… una serie de rasgos en común que motiva la selección. Fue un trabajo polémico ya que utilizó unas fotos que “no eran suyas” para criticar las diferencias de raza, las diferencias sociales y económicas.

Nancy Burson se basa en experimentos fotográficos realizados en el siglo XIX de control social, reduciendo lo humano a tipologías y creando “tipos”, como hacía Arthur Batut. Más de 100 años después esta artista creará obras como Big Brother, mezclando los grandes dictadores que controlan la sociedad: Stalin, Hitler, Mussolini, Mao, Jomeini. Otra obra es la raza humana (oriental, caucásica y negra evaluada según las estadísticas de población actuales).

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Andy Freeberg crea un juego de imágenes en su serie Guardianes de los museos rusos, en que retrata a gente en museos, observando las obras, pero a la vez estas personas forman parte de la fotografía, descontextualizando y advirtiendo nuevos detalles.

También realiza otra serie en la que retrata a los dueños de las galerías en una serie llamada Serie Art Fare, estableciendo un juego entre las obras y las personas que retrata. Pone en juego el mundo estrictamente prosaico con las obras a la venta en las galerías, de algún modo poniéndolas en valor. Se puede ver el valor económico de esas obras, aunque también su valor artístico.

Equipo Crónica trabaja el apropiacionismo en el pop-art. Contestación al modo de vida americano, a la repetición, al belicismo de la bomba atómica… también mezclan cuadros del barroco español con elementos mecánicos e informáticos, influencias del mundo del cómic, etc. Tienen un gran componente de crítica política. Las mininas son un referente constante.

Colectivo ninaismo. Pervierten el sentido original de la obra en su época, dándole la vuelta y haciendo mensajes actuales políticos y sociales.

Alexey Kondakov trabaja el límite final de la perdida de aura de las obras de arte tradicionales. Se acabó el arte sagrado, es un concepto impertinente que coge la consideración tradicional de la belleza y la destruye en un ejercicio de reconstrucción que sitúa a los personajes famosos de la historia del arte en nuevas situaciones. Otros artistas que utilizan esta técnica son Dorothre Golz, Tacita Dean, etc. Inge Prader realiza tableaux vivants de obras de Klimt, en un proceso de banalización.

Transvanguardia italiana Es en los 80 cuando conforma de algún modo un movimiento, perteneciente a la

posmodernidad de los años 80/90.

La transvanguardia italiana pretende hacer una pintura inspirada en el pasado. La innovación ya no es posible y por lo tanto no se pretende innovar.

Tiene cosas que si nos recuerdan a la vanguardia, como por ejemplo ocurre con Hopper o Antonio López.

-Mauricio Calvesi, uno de los teóricos del momento, defiende el formalismo ligado a la tradición pictórica clásica, barroca, clasicismo francés.

-Por otro lado Ana María Guasch defiende la idea de la transvanguardia italiana como “genius loci”, referido como la idea de ir a la esencia del espacio cultural, ir a buscar el origen de todo eso, buscando en las raíces culturales la legitimación.

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-Reacción al arte conceptual y al arte póvera, superando las ideas de la abstracción y a idea de la innovación/invención como progreso.

-Sino que reivindican la pintura como pintura, el placer de hacer pintura y piden a los espectadores el placer de ver pintura.

-Vuelven al pasado para interpretarlo sesgada y oblicuamente.

-Esta actitud nómada tanto plástica como vital, se suele visitar tanto África como Oriente en general, mezclando distintas ideas.

SANDRO CHIA, Coctail, 1981-2, nos hace una vuelta al pasado clásico de forma reinterpretada, le quita toda la solemnidad que las esculturas clásicas tenían, con técnicas que recuerdan a los fauvistas como Matisse, Cezanne…

Otras de Sandro Chia son Génova (1980) que se inspira en Picasso y Marc Chagall y La ociosidad de Sísifo (1981), Leda y el cisne (2000), Solos en casa (2006), Juegos de manos (1991).

ENZO CUCCHI hace pintura muy matérica, recuperando su prestigio, además de hacer referencias mitológicas como en Calvario mediterráneo (1981- 1982), un tema clásico pero con tratamiento fauvista.

El mayor representante y más conocido es la obra de Francesco Clemente, que hace una obra más diferente, trabaja mucho el autorretrato, con tratamientos totalmente distintos, es un artista totalmente ecléctico (una de las características de la posmodernidad) con referentes muy distintos. Viaja a la India, teniendo temas un poco distintos, más provocadores. Su pintura a cambiando, modificándose, recuperando ideas de otras culturas…

El otro pintor importante de la transvanguardia es Mimmo Paladino, que si se refiere continuamente a otras obras como en Ronda Nocturna (1982) y El sueño (1982). Otras que hacen referencia a las meninas como Visitante de la noche (1985). También es escultor, como Los testigos (2016) que sí hay una especie de vuelta a las formas escultóricas más convencionales.

Nino Longobardi, que pertenece también al grupo es bastante distinto de los anteriores. Su obra recuerda más al dadaísmo, a la idea del ready made. Su obra está en otro lugar porque no hace referencia a obras clásicas.

En el caso de Nicola de María tiene que como referente la abstracción, recuerda a un Paul Klee, Kandinsky… es una minoría en la posmodernidad. Algunas de sus instalaciones como Instalación (2001) son de gran tamaño, con las paredes de color y el juego e maleta que crean espacios muy singulares. U otros como Instalación (Centro per l’arte contemporánea Luigi Pecci, Prato, 2012).

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Neoexpresionismo alemán o neofauvismo Alemania tiene en estos momentos unas características distintas a otros países, como

es el genocidio nazi y la posterior división del país en dos, algo que se nota mucho en el ámbito artístico.

Algunos ejemplos importantes es el caso de Georg Baselitz, con el ejemplo de El hombre en la luna (1965), jugando con la pintura e inspirado en la Madona del Cuello Largo de Parmigianino. Comiendo naranjas (1991),La señora Lenin y el Ruiseñor (2008) retoma una obra de Otto Dix, y realiza una serie de 16 figuras de Lenin y de Stalin haciendo un retrato irónico y dándole la vuelta.

La otra obra de uno de los artistas más importantes de las últimas décadas es La jerarquía de los ángeles (2000) de Anselm Kiefer, con la idea de ruina y destrucción, espacios difíciles de habitar. Fusiona pintura, escultura y fotografía. Su obra se refiere a la cultura Alemana pero también Mesopotamia y Egipto. El pintor desconocido (1982) u Sulamith (1983).

La obra de Markus Lüpertz también nos habla de reinterpretaciones.

A.R. Penck, una obra diferente que nos recuerda al mundo de comic, un mundo más desenfadado o el de Jorg Immendorf que hace referencia a temas conocidos y hace una reflexión del mundo alemán Café Deuthland.

Figuración libre (Francia) Remy Blanchard

Robert Combas

Posmodernidad en España En la obra de MIQUEL BARCELÓ tiene una parte muy ecléctica aunque la basa de

su forma de expresión es un tipo de pintura muy matérica, muy vinculada a la naturaleza, muy orgánica (trozo de pared, polvo) con temas centrales como el bosque o el mar y que darán como resultado estas obras como Macho cabrío y hembra (1992) y El diluvio (1990). Algunas de sus obras más conocidas y provocadoras son la Catedral de Mallorca (2007), muy llamativa y donde hace referencia de nuevo a motivos vegetales. La decoración del Palacio de los Papas de Avignon y la otra gran pieza problemática fue la Cúpula de la sala de los DDHH del palacio de las naciones unidas de Génova (2007). Obras primerizas como Almuerzo sobre la hierba II (1988) o El taller de esculturas (1993).

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GUILLERMO PÉREZ VILLALTA, Gente a la salida de un concierto de rock, representa a la escuela madrileña. Hace un retrato del grupo que confrontó la movida madrileña. El encuentro (1991), Sansón y Dalila o el triunfo de Venecia (1981), La estancia (1982-83).

Arte en EE.UU a partir de los 80

Arte posmoderno en EE.UU, 1980-1985:

NEOEXPRESIONISMO Una de las figuras centrales es JULIAN SCHNABEL, todo un personaje público,

con personalidad muy expansiva que ejerce mucha influencia, un hombre absolutamente multidisciplinar, dirigiendo películas muy relacionadas con el mundo del arte, como un película sobre Basquiat, donde se ve muy bien el contexto del artista, una gira de Lou Reed por Berlín, “La escafandra y la mariposa” o “antes de que amanezca” basado en la vida del poeta cubano Leonardo Arenas, no es un cine marginal, que se mueve dentro de los circuitos comerciales, una dimensión más popular.

“Veranda (1974)” utiliza la idea del collage, de mezclar elementos a priori que no

tienen nada que ver entre sí. Está muy presente el mundo del comic, de la ilustración, de

la publicidad, con obras exageradamente grandes, pretendiendo una experiencia de los

espectadores con las obras.

Él dice que las pinturas son objetos físicos que tienen que ser vistos en persona. Es

difícil apreciar la intensidad de una pintura desde una reproducción, por ello para él es

tan importante el tamaño y el color en directo, ofrece algo no solo visual sino que

también tiene que ver con la sensación del espacio.

En sus primeros hace montajes con obras con platos, una influencia directa de la obra de Gaudí del trencadis, “Los pacientes y los doctores”, en la necesidad de desmarcarse y hacer diferente, en la necesidad de crear un efecto emocional, sin apelar a la razón. La impresión era la idea de una obra adherida, de una obra viva, provoca la

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sensación de estar ante algo orgánico, un planteamiento que nos sirve para otros artistas que ya hemos visto.

Otros ejemplos de platos rotos es “Retrato de una muchacha (1980)”, “Desnudo azul con espalda “1979”, “San Francisco en éxtasis (1980)”, un tema religioso que le interesa por recurrir al mito, a algo que forma parte de la cultura seas religioso o no lo seas, o “El mar (1981)” con obras mucho más figurativas.

La influencia española, a donde viajó cuando era joven es apreciable en la obra “La voz de Antonio Molina (1992)”, que compone toda una serie, con elementos abstractos mezclando muchas cosas como arenas o colorantes, pretende expresar a través de la pintura el sonido, la voz.

Algunas otras son “Las monjas al ajillo (1993)” o “Las monjas de calle con buen ojo (1993)”, donde aparecen rótulos con referencias a Lorca, a eslóganes publicitarios, a pensamientos… usa también los dedos como herramienta. Incluso cuando no utiliza elementos de la pintura como arena, lo hace de manera muy compleja como en “Olmo #5” donde utiliza óleo y barniz sobre papel con grabado montado sobre lienzo.

Hace algunos autorretratos como “David y Goliat” del 2011.

En oras usa otros elementos como fotografías, imágenes religiosas o de tradición hindú como en “Edie Stern (Shiva),” 2007.

Otro de los grandes nombres de la pintura americana es DAVID SALLE, se mueve

más en un mundo del pop art, trabajando con imágenes de revistas, de comic, de

publicidad, no se ve tanto el gesto del pintor, sino que ensambla estas imágenes

haciendo collages más ordenadas. Mezclando imágenes de cultura popular con

imágenes más elitistas, algo muy típico del pop art, además introduce objetos reales. Un

ejemplo es “King Kong”, 1983.

Otras son “Pay only 39,95”, 2014- 2015 o “Silver 1”, 2014.

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Imágenes que a su vez contienen otras imágenes, completamente saturadas sin haber blancos. Utiliza también la forma de díptico y tríptico.

La obra de ERIC FISCHL es un poco distinta; “Sonámbulo”, 1979, “El perro del anciano y el bote del anciano” 1982, con pintura más figurativa, pintando muchos desnudos con una carga más erótica. O “Bad boy, 1981”, que recuerda mucho a la pintura de Edward Hopper, y la obra de Lucian Freud.

También hace la reutilización de obras previas como la obra de “Beata Ludovica” 1996 o “Mary” 1988 con gran carga de erotismo, y perturbación como “Simon and Anh”, 2003

JEAN –MICHEL BASQUIAT, que forma parte del grupo de Andy Warhol, uno de los artistas que más destaca. Con un personalidad muy acusada, brillando incluso al lado de Warhol. “Bautismo”, 1982 o “Boxer” aparece de forma deliberada una influencia africana mezclado con la técnica del graffiti.

Ejemplo de revista digital valenciana para ver criticas de arte: MAKMA, asociación AVCA.

Fue un artista negro, importante porque él hace una reivindicación de sus raíces mediante su obra. Muere a los 28 pero a pesar de ello su obra es una de las más cotizadas. Se convirtió en una figura mediática, prototipo de artista maldito.

Películas como la Schnabel, o un documental que muestra muy bien el mundo de Basquiat.

Sus influencias son todas contemporáneas (ver en el power point), empieza pintando en el metro, y mantiene esta idea del grafiti como un modo de expresión sobre todo en las tribus urbanas especialmente de latinos o afroamericanos en Nueva York, es un acto subversivo y de provocación pues forma parte dentro de la ilegalidad. Traslada esa forma de expresarse a través del grafiti en lienzo de gran tamaño, teniendo como principales referentes como Pollock.

Referentes de su trabajo:

• Trazos gestuales de Kline.

• Primeros trabajos

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Siempre aparecen en general hombres negros de forma esquemática como Bautismo de 1982 o Boxer del 1982, con un carácter muy expresionista.

Uno de los más conocidos es 50 piece que da la sensación de ida directa de la pura emoción y el trazo directo que deja en la obra, utiliza también la escritura automática tan ligada al surrealismo. Una forma de expresión pura del “yo” del artista.

La forma de tríptico, esta necesidad de expresar algo o con un punto de vista narrativo, cuadros dentro de cuadros, como en Horn Players.

La obra de KEITH HARING, tiene obras que han alcanzado gran cotización. Uno

de los artistas más discutido dentro del debate de si es arte o no por su carácter frívolo.

Empieza como grafitero.

Otros artistas vinculados a este movimiento muy pop y frívolo como KENNY

SCHARF con La jungla, 1982 y Jungla de esperma, 1985.

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Otros que hacen grafiti y se dedican a la decoración de tiendas, de pintadas en metro… como LEE QUINONES, con obras como Ice Cream Truck o Levi Mural de 1997.

Simulación y posapropiacionismo en Europa y EEUU. 1985-

1990. Cosas que recuerdan a todo a la vez, es aquí cuando se complica todavía más.

Parte de la filosofía estructuralista de Roland Barthes. • el capitalismo ha sustituido a la realidad por sus símbolos y apariencias (todo es

objeto de consumo) • El objeto ya no es valorado por su significado o su uso, sino por su apariencia,

por su imagen

La imagen ha sustituido a la realidad, es el mantra de la posmodernidad en general. La pujanza económica ayuda a esta porque convierte al arte en mercancía. Los simulacionistas se valen de un medio de distanciamiento filosófico del viejo estilo en el arte a través del mundo de los productos de consumo y del comercio del arte. No solo simulan, sino que intentan reproducir el poder de seducción que el objeto de consumo ejerce sobre el público: frontera entre arte y comercio.

Hay dos tendencias principales: • Artistas neo-objetuales. Se basan en la producción de objetos tridimensionales.

Principalmente copias de objetos de consumo populares, y los trasladan a las salas de arte o a los espacios públicos como invención.

• Artistas neo-abstractos o neo-geo. Basan su producción en pintura de temas geométricos, cercanos a la abstracción.

Jeff Koons El mejor representante del simulacionismo. Perritos de globos de tamaño monstruoso y mucho brillo. Es una frivolidad deliberada. Eleva lo kitsch a la categoría del arte, añadiéndole ironía. El gran tamaño ayuda a descontextualiza las figuras, lo que produce que de pronto los objetos adquieren otro valor de crítica a lo estúpido que se ha vuelto el mundo. Denuncia el sistema desde dentro del sistema, ya que hace estos objetos ridículos y luego los vende a precios desorbitados. Sus exposiciones son divertidas, pero irónicas y críticas. Nos coloca ante nuestra problemática relación con los objetos, en nuestra naturaleza de consumista.

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Habla de su concepto de belleza identificándola con la aceptación. Es un movimiento rápido, pop, pero a la vez bebe de las obras de arte de la antigüedad. Los griegos trabajaban con vivos colores y efectos ópticos, tal y como lo hace Koons. Balloon Venus o Metallic Venus son buenos ejemplos de esculturas clásicas hechas con nuevos materiales y acabados.

De repente las connotaciones de ese Michael Jackson tan absurdo nos recuerdan al arte egipcio. El rey del pop como una figura espiritual que recuerda a Tutankamon. La composición de la escultura recuerda a las 3 pirámides de Giza, el maquillaje de los ojos, marcado al igual que en las máscaras egipcias de faraones.

Koons dice en una entrevista que se inspira en la vida cotidiana, en el mundo real y su entorno. Se centra en sus intereses y energías, que él dice que es lo único que podemos hacer en la vida y todo se vuelve metafísico. Eres capaz de encontrar sentidos especiales que otras personas no ven. El trabajo de los arquetipos.

Convierte su vida privada y la intimidad de su matrimonio como un producto artístico a la venta en la serie en la que retrata a su esposa Ilosa Staller (ex-actriz porno y luego diputada en Italia) y a él mismo en la cama, como en Made in Heaven.

El proceso de creación de su obra, descrito por él mismo. Él se apoya en un taller de trabajadores. Sus obras cuestan mucho tiempo de hacerse. En su estudio hay un sentido de comunidad, ya que él siempre ha sido autosuficiente y le gusta proveer. El reconoce repeticiones en las metáforas de las personas que convierte en objetos, como ideas que se mantienen a lo largo de los años en su obra. Compone las imágenes en el ordenador y su taller reproduce el dibujo a gran escala a través de mapas, buscando con pintura el color exacto de la imagen del ordenador. Dentro del taller los trabajadores se especializan en determinadas cosas, como la pintura de hinchables. Generalmente hay siempre 3 personas pintando a la vez. Koons sólo trabaja en el ordenador, componiendo la imagen, y supervisando el trabajo del taller.

Hay dos tendencias dentro del simulacionismo, una más figurativa y otra neobjetual, aquí encontramos la obra de HAIM STEIMBACH, con la idea de coger un objeto de uso cotidiano descontextualizándolo. Ejemplo es Oxygen o Rodchenko 1A. Vincula objetos que adornan con otros que no, estamos ante esta idea de que suponen los objetos para nosotros, planteando la vinculación que tenemos con los objetos.

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Juntas determinados objetos nos evoca algo, como la idea de a military theme. Funciona con elementos que repite constantemente. En una época en la que vivimos para los objetos.

NEO GEO Usan el objetualismo, es una abreviatura de neogeométrico con influencias del

minimalismo del Pop art y de la abstracción geométrica. Busca expresar mediante elementos mínimos geométricos. Hay ausencia de todo planteamiento filosófico.

PETER HALLEY Sus obras nos recuerdan al constructivismo ruso y también nos recuerdan a una idea como de prisión, o la idea de circuito. Dos celdas con cañería de circulación, 1985. Un mundo muy colorista.

La obra de PHILIP TAAFFE, tiene una parte que tiene que ver con las estructuras del mundo informatico pero a lo que acude es al mundo del tejido, las alfombras turcas, del mundo árabe, un hombre que viaja mucho. Hace obras profundamente geométricas que parece patrones que recuerdan a tapices y tejidos.

Sanctum. 2015 nos recuerdan al arte prehistórico, su inspiración está fuera de Europa, va a otras ciudades. Además sus obras son de gran tamaño.

ARTE FEMINISTA “La historia del arte es la historia del arte del hombre blanco occidental”, esto es lo

que aprendemos. Solo tenemos en cuenta el arte oriental cuando este se acerca a nosotros.

La funciona de la mujer en el arte: el hombre como sujeto creador y sujeto activo, y por otro lado, la mujer es el espectáculo, una hipervisibilidad de la mujer como objeto y una invisibilidad como sujeto creador. La mujer siempre ha creado, pero ha creado cosas que no han interesado (como artes menores, o telajes…)

John Berger, escritor que ha tratado mucho este tema dice que “los hombres en los cuadros actúan, y las mujeres aparecen”, la mujer suele estar para ser vista y deseada y el hombre es el que actúa.

Algunas mujeres, se pusieron a denunciar esto, como las GUERRILLA GIRLS que siguen en activo, que se dedican a denunciar la inexistencia de mujeres.

Lo que ha sucedido con las mujeres artistas en el mundo del arte oscila entre tres opiniones:

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1. excepción en su género: parece mentira que lo haga tan bien a pesar de ser mujer

2. búsqueda de la sensibilidad femenina en su obra

3. ensalzar virtudes de la mujer frente a las de la artista

4.

Las mujeres artistas

1. Sometidas a estrictas reglas sociales

2. Suelen pertenecer a familias de artistas

3. creando bajo la sombra de una hombre (marido o padre)

4. Si se independizan no conseguían trabajos importantes

5. Les pagaban menos, lo que afecta a la calidad de los materiales empleados: obras desaparecidas

6. Para subsistir se especializaban en géneros menores y obras de pequeño formato, desprestigiadas

7. De muchas de ellas su obra ha desaparecido o ha sido atribuida a otros pintores masculinos

Cuando las academias empiezan a surgir, las mujeres n pueden entran, con el agravante de que cuando pueden entrar no pueden optar al estudio del cuerpo femenino y masculino por obscenidad, por tanto se tienen que dedicar a géneros menores, aumentando la discriminación haciendo complicado poder salir de ahí.

La teoría feminista del arte que surge partir de los 70, es darle la vuelta a la historia del arte como está construida y cambia el relato, acabando con la noción de genio que es un concepto masculino.

HISTORIAS DE MUJERES, HISTORIAS DEL ARTE- PATRICIA MAYAYO

Tenemos el caso de ROSA BONHEUR, es un perfecto modelo de lo que estamos contando. Es del siglo XIX, toda su vida quiso ser pintora pero no podía, solo podía pintar cierto tipo de géneros. Se dedicó a pintar pintura de animales, se iba vestida de hombre, y pinta obras al aire libre. Acabó siendo considerada como una excéntrica. Y nos ha dejado mucha pintura de animales.

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CAMILLE CLAUDEL, es más conocida porque su historia es muy trágica, y por tener una relación con August Rodin. Acaba recluida en sanatorios por problemas mentales. Se le ha reconocido hace unas décadas, y se ha visto oscurecida por la obra de Rodin.

En el caso los impresionistas, hubo mujeres pintoras, con temas distintos como la obra de Mary Cassatt, que se dedicaba a pintar sobre el mundo interior, con niños, etc, pues era el mundo en el que vivía. También es un mundo real pero no es tan vitalista como lo que el resto de pintores hacían en esta época.

BERTHE MORISSOT, se relaciona mucho con la obra de Monet, con exteriores plácidos, señoras paseando…

Tenemos el caso de mujeres arquitectas, una profesión hipermasculinizada, Jane y Mary Parmentier, Gertrude Keckyll, Julia Morgan que es la primera mujer que estudió bbaa en París y construyó de todo, o el caso de Marion MAhony Griffin que trabajó con Frank Lloyd Grith. Además en el siglo XIX en América, las casas a menudo eran diseñadas por mujeres. Muchas de ellas diseñaron y publicaron proyectos de construcción para sus casas y graneros. Como Eileen Gray, O Denise Scott Brown.

En la Edad Media, se piensa que igual que tenemos la imagen del monje haciendo libros mineados, también hay libros hechos por monjas. Sí que está documentada la pintora ENDE, que trabajó en la catedral de Gerona.

Algunas de las principales mujeres artistas, tenemos el caso de PROPERZIA DE’ROSSI del Renacimiento. Y uno de los casos más famosos es el de SOFONISBA ANGUISOLA, se cree que la mayoría de obras del Escorial eran suyas, pero que no podían ser firmadas por ella, además de ser de la realeza.

El caso de LAVINIA FONTANA, de familia noble como la mayoría. Muchas de sus obras no están firmadas sino que se han descubierto con el tiempo.

ARTEMISIA GENTILESCHI era hija de un pintor, y tuvo que demostrar que las obras eran suyas pues se creían que eran de su padre. Un ejemplo de mujer libre, convirtiéndose en una pintora cotizada por su rareza. Su obra de Susana y los viejos, tiene un planteamiento diferente a otros cuadros que tratan el mismo tema. En su caso, Susana aparece con exagerado rostros de repulsión.

JUDITH LEYSTER, hace interiores de borrachines, típicos de la sociedad burguesa holandesa.

HILMA AF KLINT, es el primer artista de la historia que pinta abstracción, antes que nadie. Empieza como una pintora tradicional de finales del siglo XIX y principios del XX pero pinta secretamente pintura abstracta, que es como el reflejo de la expresión a través del color, relacionada con su propio mundo esotérico. Deja en su testamento que esas obras no se conozcan hasta tiempo después de su muerte.

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En las vanguardias hay mujeres con una posición complicada con sus compañeros masculinos. Tienen un lugar menor en este grupo de excéntricos, en el mejor de los casos acababan siendo compañeras, y en el peor, las musas.

En la Rusia soviética sí que hay una mayor idea de igualdad, en el caso de NATALIA GONCHAROVA sí que ocupa un lugar al mismo nivel que sus compañeros. Una artista muy experimental que va probando por las vanguardias.

La obra de HANNA HOCH tiene una obra dadá, vinculada al movimiento dadaísta usando la técnica del collage. Cuando llegan los nazis al poder, se queda en un lugar salvando mucha de la obra de vanguardista. En su obra se plantea mucho la imagen de la mujer, poniendo en tela de juicio la idea de belleza.

SONIA DELAUNAY asume el apellido de su marido, pero ella tiene una obra extraordinaria ensombrecida por su mujer. Acabará dedicándose al diseño, tanto textiles, escenarios teatrales, revistas…

DORA MAAR, es conocida como fotógrafa por los retratos que le hace a Picasso, pero ella ya era un artista con obra, pero al convertir en musa de Picasso acaba desplazando a su faceta de artista.

El caso más llamativo es el de MERET OPPENHEIM que se convierte en musa de Man Ray, pero ella era una artista. Hace los ready mades reformulados, objetos surrealistas como Desayuno en Piel.

CLAUDE CAHUN, era considerada raro entre los raros. Hace a través de la fotografía y del disfraz todo un trabajo en torno a la identidad sexual. Toda su obra son autorretratos tratando el tema de la dualidad y tomando identidades.

ROMAINE BROOKS, fuera de las vanguardias, que pinta figuras de otras mujeres y autorretratos, más vinculadas al art decó.

La obra de TAMARA DE LEMPICKA tiene una obra muy art decó. Tiende mucho a no valorarse porque representa un mundo frívolo de riqueza, pero su obra muestra personajes femeninos vinculados a la modernidad.

Una pintora importante de los años 30 y 40 es la obra de GIORGIA O’KEEFFE, es conocida por ser la señora de Alfred Stieglitz, pero ella tiene una obra propia muy lejos de la de su marido. La obra de O’keeffe, está dedicada a los motivos florales y vegetales convertidos en grandes lienzos, de gran tamaño, que son casi abstractos. La crítica del momento la considera como pintura femenina, frente al mundo osco de acción masculina como podría ser la obra de Pollock.

Dentro del mundo surrealista a MARUJA MALLO, son artistas vinculadas a la generación del 27. Tiene una parte de su obra dedicada a naturalezas vivas alusivas al mundo femenina, como conchas y flores. Y la obra de REMEDIOS VARO hace un mundo de sueño o de pesadilla repleto de figuras monstruosas, con elementos de magia.

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Vinculada a ella está LEONORA CARRINGTON con una obra muy similar.

FRIDA KAHLO, es la única artista mujer que ha conseguido en el canon de los genios, probablemente por motivos ajenos a su pintura, sino que tiene que ver más con su figura, tiene la condición exótica, porque es mexicana, mezcla el surrealismo con la pintura popular mexicana. Siempre vestida al modo tradicional pueblano, y además es activa políticamente. Su obra era autobiográfica. En sus autorretratos no aparece expresión facial sino que se expresa mediante los símbolos que le acompañan.

ALICE NEEL hace retratos lejos de los cánones estéticos. El caso de NANCY SPERO hace como una especie de libro donde habla de la violencia hacia la mujer que muchas ilustraciones relaciones, trabaja sobre todo como el papel. Tiene una gran influencia del arte etrusco y del arte egipcio, en muchas obras usa la imagen de las diosas.

Dos ejemplos muy concretos que hacen una obra extraña, pues no es muy normal ver artistas escultoras, pues es mucho más cara y está más vinculada a lo masculino. Aquí encontramos a BARBARA HEPWORTH, los vacíos hacen referencia simbólica al cuerpo de la mujer. Y dentro del mismo campo de la abstracción.

Hay dos hechos fundamentales que impulsan el feminismo en el arte. Uno de ellos es el movimiento por los derechos civiles de EEUU, la llegada de la contracultura, un proceso de renovación total. En los años 60, llegan el feminismo de la segunda ola, y con ella grandes figuras del feminismo como Ángela.

Dentro del mundo del arte llega un artículo revolucionado de Linda Nochlin que es ¿Por qué no hay grandes artistas mujeres? empieza a establecer la necesidad de cambiar la mirada sobre la historia del arte para empezar a entenderla de otra manera.

Empieza la necesidad de cubrir huecos y crear esa genealogía de las mujeres.

En 1978 llega una exposición “Artistas mujeres 1550- 1950” a cargo de Griselda Pollock y Ann Sutherland Harris. Esta exposición supone un trabajo anterior de investigación sobre artistas mujeres, creando una genealogía y descubriendo que hay muchas más mujeres en la historia del arte de lo que se piensa. Empiezan a impulsar estudios universitarios en torno a este tema en dos vías: una que investiga la mujer como creadora y otra vía que investiga el modo en que se representa a las mujeres.

La falta de representado de mueres antes en el mundo del cómic, es un terreno en el que hay ene l momento una batalla por conseguir visibilidad.

La obra de JUDITH CHICAGO, la primera que se pone la etiqueta de arte feminista como tal, es activista. Habla directamente de arte feminista. Trata temas como la regla, el embarazo. Hace la obra de Dinner Party, lo que hace es una obra pensada y reflexionada, donde aparece una escena de 39 comensales, con diosas o míticas, hay 3 a cada lado, que son los comensales de la última cena pero también el grupo de brujas,

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