El concepto de creación, Apuntes de Historia del Arte
pepepo-3
pepepo-3

El concepto de creación, Apuntes de Historia del Arte

32 páginas
50Número de visitas
Descripción
Asignatura: Narrativa Audiovisual Interactiva, Profesor: pepe pepe, Carrera: Multimèdia, Universidad: UVic
20 Puntos
Puntos necesarios para descargar
este documento
Descarga el documento
Vista previa3 páginas / 32
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales

CONCEPTO DE CREACIÓN

TEMA 1: INTRODUCCIÓN

1. 1 Historia del arte y Teoría del arte

Una teoría es un conocimiento especulativo con independencia de toda aplicación, pero

aplicado al arte, la Teoría artística es una reflexión (especulación) sobre el fenómeno

artístico (pasado y presente), mientras que la Historia del arte es la aplicación de los

procesos artísticos y sus resultados a través del tiempo (cómo se ha hecho, quién y

cuándo).

Erwin Panofsky (1892-1968) determina que la Teoría del arte formula, ordena y

construye un sistema de conceptos generales que ayudan a comprender el producto

artístico, y establece una serie de conceptos.

Moshe Barasch: a la mayoría de las épocas, las obras del arte han causado admiración

(… subirá un documento con todas las citas)

Áreas de la Teoría del arte:

 Literatura artística, todos aquellos escritos que abordan la cuestión del arte desde

la visión de su propia época, pueden ser de tipo técnico, conceptual o

descriptivo. Interesan los escritos especulativos o normativos que contienen

elementos que ayudan o bien a la práctica artística o a la comprensión de la obra

de arte. Ej: tratado de Vitruvio

 Crítica de arte, los juicios de valor que se han hecho a la largo de la historia

sobre las obras de arte. Nos interesa aquella que expresa la teoría del arte de su

tiempo (muestra lo que se esperaba del arte en cada momento).

 Estética, de manera general es la ciencia que estudia el concepto de belleza,

puede contener muchos significados (estética filosófica, de la poesía, de la

música…), nos interesan las ideas estéticas aplicadas a las artes visuales, la idea

que ha habido sobre la belleza que ha afectado al artista y en el público a la hora

de crear o recibir una obra.

 Historiografía del arte, todos aquellos escritos que nos dicen cómo estudiar,

cómo comprender y cómo interpretar una obra de arte. Proporciona sistemas e

instrumentos de análisis al historiador del arte.

Veremos cuál ha sido el concepto y el papel del arte en cada momento de la historia,

mientras que la historiografía, los lenguajes artísticos y la estética se verán en otras

asignaturas.

Esta asignatura es considerada el paso intermedio entre la Teoría y la Historia del arte,

veremos el aspecto teórico del concepto de creación y los agentes del arte (promotores,

clientes y artistas) en su aspecto social.

1. 2 La naturaleza del objeto artístico

El objeto artístico de la Historia del arte es (definido por Panofsky) el estudio o análisis

de aquellos testimonios del hombre que han llegado hasta nosotros en forma de obras de

arte, se centra en el aspecto históricocultural.

El problema viene al intentar definir el arte de forma inmutable y universal, es

imposible. El arte pertenece al terreno normativo, generamos normas, características

que nos dicen qué es una obra de arte y qué no, pero varían históricamente. Aunque sí

que podemos establecer unas cualidades inherentes al hecho artístico:

(Fernández Arenas) Una obra de arte es un producto original elaborado por el hombre

artificialmente con la intención de comunicar.

El arte es un lenguaje visual, un medio de expresión del artista (a veces subordinada a

una finalidad utilitaria), con contenido estético*.

Una obra de arte implica formular juicios de valor* hacia estos productos de creatividad

humana, formando tres componentes: utilitario, expresivo/comunicativo y estético.

Dependiendo del lenguaje artístico, del tiempo histórico y de la cultura tendrán más

peso uno u otro.

*texto de Vicenç Furió, Introducción a la Historia del Arte sobre las funciones del arte

*cita John Boardman “todo arte poseía una función (…), los artistas…”

* Contenido estético de la obra de arte: la estética es una ciencia que surge en el

contexto de la Ilustración (s. XVIII), cuando se realzan las formas clasicistas. Hace

referencia a las sensaciones, la sensibilidad, por lo tanto estética no es belleza sino

reflexión sobre el arte. Decimos que una obra tiene un contenido estético cuando nos

reclama a ser contemplada y nos produce unas sensaciones por ella misma (sus

elementos formales y materiales).

* Valoración de las obras de arte: son las diferentes posturas ante el arte: por un lado el

crítico de arte da su opinión subjetiva sobre la cualidad de un producto, y por otro el

historiador del arte analiza, describe e interpreta el arte en su contexto cultural, crea un

marco para el crítico de arte. Se ha de tener en cuenta si la obra en su momento supo

expresar lo que se quería de ella, y se puede tener en cuenta las cualidades técnicas pero

siempre dentro de las convecciones de cada estilo y época.

Panofsky dice que el historiador del arte no se tiene que encargar de valorar si la obra es

arte o no, simplemente tiene que ocuparse del fenómeno en sí (…)

La Historia del arte se puede entender como la recopilación, la historia de valores sobre

el hecho artístico, teniendo en cuenta el creador y el espectador (quien eleva la obra a la

categoría de obra de arte). Cuando estudiamos la Teoría del Arte, los juicios de valor, es

muy importante tener en cuenta el contexto de la obra, pero también el

condicionamiento contextual del teórico o historiador que valora.

1. 3 Los agentes implicados en el proceso de creación

Promotores y patrocinadores

Motivos: utilitarios, de poder y prestigio social, convenciones religiosas o por posesión

de objetos de lujo. El término mecenas proviene del Gaius Maecenas, personaje

histórico protector de literatos, y se usa para definir un promotor y patrocinador de arte,

pero siempre con la conciencia del arte (de protección del artista). Aparece de forma

esporádica, algunos ejemplos aislados en el mundo clásico y sobre todo en el

Renacimiento, aunque aparece de forma puntual por lo de conciencia artística, que no

siempre se tiene. Un mecenas es como una categoría elevada de los patrocinadores y

promotores.

Artista

Condicionado por el promotor y por la consideración social, muchas veces las obras ya

están descritas en el contrato inicial.

La relación entre promotores, productores y la finalidad a lo largo de la historia permite

entender todos los aspectos inherentes a la obra

Público

Siglo s. XVIII, el concepto aparece con la Ilustración también, cuando la sociedad (solo

la parte de la burguesía) accede a los bienes de la cultura. Aparecen nuevos canales de

trasmisión de arte: salones y posteriormente (s. XIX) museos, hasta que en el s. XX ya

llega a un público de masas (heterogéneo y plural), con nuevos canales como las

galerías, ferias, diseño y publicidad, medios de comunicación…

Crítica de arte - En el s. XVIII aparece como intermediario entre la obra de arte y el

público, nace en los grandes salones y emiten juicios de valor que el público aceptará.

Son orientadores del gusto

En el s. XX se promociona el arte muchas veces de manera institucional y el arte pasa a

ser público.

*Bibliografía de cada tema (introducción también) en Campus Extens.

TEMA 2: Edad Antigua y Clásica

2.1 La consideración mágica del arte durante la Prehistoria y las culturas agrarias.

PLEISTOCENO, 3 ciclos (paleolítico inferior 600000-100000, medio 100-50000 y

superior 50000-10000), será durante el paleolítico superior (Homo Sapiens con

capacidad intelectual) cuando nace un arte con sentido social, de larga pervivencia. 2

tipos de arte: mobiliar (hueso, piedra, argila) y rupestre (sobre paredes de las cuevas,

pinturas no solo naturalistas sino también abstractas, muestra de cierta complejidad

mental al sustituir la imitación de la realidad por representaciones simbólicas). Durante

el paleolítico medio solo astillas de sílex, pero interesa el paleolítico superior con las

representaciones animales de visones, caballos o ciervos (ej.: vuelta de Altamira),

también signos (manos, puntos, líneas…) y con carácter marginal: representaciones

antropomorfas, no abundantes hasta el neolítico. Venus de Willendorf. No hay una

teoría consolidada, pero una de las más aceptada (por Giedion, Hauser y Gombrich) es

la del abad Breuil (principios s. XX), él considera que estas representaciones tienen un

carácter mágico, analiza las prácticas que llevan a cabo los pueblos primitivos

(etnografía) y extrapola a los pueblos prehistóricos, señala que el hombre del paleolítico

superior vivía de la caza y la recolección, y a partir de las representaciones, se supone

que el hombre adquiría poder sobre el animal representado (magia cinegética), pintura

como esencia del animal, como su doble con las mismas propiedades. Esta teoría tiene

dos vertientes: magia simpática o benefactora (el animal se pinta para protegerlo y por

tanto asegurar su caza) y la magia destructiva (parte de la teoría anterior pero cambia la

finalidad, no protege el animal sino que lo destruye para asegurar su muerte, de ahí

representación de animales heridos). Ej.: Lascoux

Por tanto arte nace con una función de culto, mágica. La acumulación mágica explica

aquellos lugares en los que aparecen muchos animales repetidos y superpuestos, que

serían una forma de renovación o aumento del poder. Ej.: Altamira

A finales de los años 60 del s. XX aparece la teoría de Leroi-Gourhan, según la cual

todas las representaciones son a partir de la elaboración de dos conceptos contrapuestos:

masculino y femenino. Complementa la teoría mágica de figuras humanas, femeninas:

Venus de Laussel y Venus de Dolni Vestonice, como amuletos que aseguran la

reproducción del clan, y como masculinas destacan figuras híbridas (mezcla de

diferentes animales) como el Brujo de Trois Freres, que podría ser un chamán o un

primitivo dios de la casa (posible precedente de Cernnudos en Dinamarca).

Promotores y artífices del paleolítico superior: hay diversas opciones, podrían ser

realizadas por los chamanes (en momentos de contacto con el Más Allá) o encargadas

por un jefe al chamán. Lo que sí sabemos es que había objetos como bastones de

mandato, de los que el promotor es el jefe del clan y el que lo realiza un artesano.

NEOLÍTICO, 7000-4000 a.C, aparición de agricultura y ramadería, sigue el culto a la

fertilidad mediante las Venus (diosas madre), pero van desapareciendo las

representaciones animalísticas de carácter mágico a favor de las representaciones de la

vida del pueblo, se representan grupos humanos realizando una acción y cambia la

ubicación de las pinturas, ya no en el fondo de las cuevas sino en lugares visibles, a la

entrada.

EDAD ANTIGUA, civilizaciones agrarias (Mesopotamia, Próximo Oriente, Egipto y la

Grecia ¿? Prehelénica). Durante esta época conviven algunas concepciones artísticas

prehistóricas como el poder doble de la imagen, la representación mantiene la esencia y

las características de lo representado, por ejemplo con los faraones egipcios, la imagen

se volverá objeto tras la muerte. Pero si en la prehistoria se habla de magia, ahora se

habla de religión, unos ritos a unas divinidades para obtener cosas, aunque no siempre

hay un corte tan claro.

Las culturas tienen en común: cultura cosmológica (fuerzas naturales y divinidades en

relación al ser humano), una base social estable (poco a poco se establecen estamentos

que determinan las clases sociales) y destaca el poder civil/religioso (a veces

concentrado en una sola persona, como el faraón o Gudea). El arte sigue teniendo una

función simbólica, pero como novedad será también símbolo de poder personal.

El artista en la Edad Antigua: clara diferenciación entre los productores de imágenes y

los arquitectos, a quienes se les da una mayor importancia. Algunos de estos pueblos

dejan constancia en sus textos de que las formas arquitectónicas son reveladas

directamente por la divinidad al rey o faraón, a quien tenga el poder civil/religioso (ej.:

dios Enlil le informa e incluso le da un plano al rey Gudea, aunque el encargado de

hacer el trabajo era un arquitecto).

En Egipto destaca el arquitecto de la pirámide escalonada de Zoser, Imhotep, que

además era escriba, astrónomo, mago y curandero, socialmente muy considerado y

divinizado. Había archivos con recopilación de textos que servían de guía para futuros

arquitectos. Ejemplos de Senmut (arquitecto de Hatshepsut que se documenta bien) y

Bek (arquitecto de Akhenaton, quien deja constancia de la unión entre arquitecto-

rey/faraón).

Los arquitectos estaban ligados a la clase sacerdotal, y era un oficio que se traspasaba de

padres a hijos en la misma familia, de ahí que no haya grandes innovaciones en el

terreno (conservadorismo), incluso secretos familiares de tipo técnico.

2.2 Idea de techné y ars en Grecia y Roma

Hay un cambio de concepción, aparece el pensamiento racional que abre un camino

hacia la creación intelectual, y el arte se verá con un carácter humanista (se centra en la

figura del hombre). En Grecia surge la conciencia estética, la reflexión sobre la belleza,

y por tanto la Teoría del Arte, que emanan del campo de la filosofía. Pero no es un

hecho sistemático, habrá tratados sobre música, poesía… pero no habrá tratados sobre

arte hasta Vitruvio, arquitecto romano, con su De architectura, y el segundo tratado que

se conoce es Naturalis historia de Plinio el Viejo (donde recopila todos los saberes de

todos los campos de la Antigüedad Clásica). Antes de eso solo había pequeños textos

descriptivos de alguna obra en concreto, formulaciones estéticas o de carácter más bien

filosófico, por ejemplo Geografia de Estrabón, Vida de Apolonio de Tiana de Filostrato

o Descripción de Grecia de Pausanias, de donde se puede extraer la concepción griega

del arte.

Términos de la época:

Techné término en griego y Ars, término latín para referirse a la destreza en actividades

manuales, en un campo tan amplio como lo que hoy denominaríamos oficios. Shiner

dice que de hecho, los 2 términos no se refieren tanto a una clase de objeto sino a la

destreza humana de hacerlos.

Esta destreza se basaba en el conocimiento y aprendizaje de unas normas, en Grecia no

habrá arte sin reglas, sin unas directrices necesarias para poder ejecutar el objeto. Y

estas normas se trasmiten mediante la educación. Esta idea de norma se incorpora en la

idea de arte, Platón decía “Arte no es un trabajo irracional” y en Roma Galeno de

Pérgamo define el arte como aquel conjunto de preceptos universales, adecuados y

útiles que sirven a un propósito establecido, como el conjunto de normas. Esta idea de

arte se mantendrá hasta el Renacimiento y no llegará a desaparecer del todo hasta el

Romanticismo. El mundo Griego considera que la arquitectura, la pintura y la escultura

eran oficios manuales (equiparable a las artes artesanales de hoy en día), en Roma se

incluye en este conjunto de arte a la gramática y la lógica, porque requieren unas pautas

a seguir (pero aquí las normas son de carácter intelectual). La poesía sin embargo no se

incluía en el mundo de las artes, porque según los griegos, la poesía era por inspiración

de las musas, por lo que no seguía unas normas aprendidas. De hecho todas aquellas

disciplinas asociadas a la inspiración de las Musas no se consideraban arte (historia,

música, comedia, tragedia, danza, elegía, lírica, astronomía y retórica o poesía heroica).

Concepción del artista:

La idea de destreza manual lleva a la reflexión de que el artista tenía una escasa

consideración. Esta consideración se puede ver desde el punto de vista social: en el

mundo clásico la mayoría de los trabajos manuales los hacían los esclavos, por lo que el

resto de trabajos manuales no son mejor considerados, estaba mal visto, además está la

idea de que hacían trabajos manuales por dinero. Plutarco, 50-120 d.C dice “disfrutamos

con la obra y despreciamos el autor…” y Luciano de Samóstata “… serías considerado

como un artesano que vive del trabajo de sus manos, aunque dentro de esta

consideración tenía ventaja el pintor ante el escultor (incluso Leonardo da Vinci usará

este argumento de que el pintor realiza menos trabajo manual).

División de las artes en el mundo antiguo: (realizada posteriormente)

 Artes vulgares o serviles: pintura, escultura y cerámica

 Artes liberales, de carácter intelectual llevadas a cabo por personas de clases

sociales más elevadas: verbales (gramática, retórica y dialéctica) o matemáticas

(aritmética, astronomía, música y geometría).

 Artes mixtas: navegación y arquitectura.

Por otro lado concepción desde el punto de vista filosófico: Platón desprecia el arte

figurativo porque se basa en la imitación, porque capta la apariencia de las cosas, no la

esencia, arte considerado copia de la copia.

Los artistas por su parte defenderán que su actividad tiene parte de profesión intelectual,

de teoría. Muestra de ello es la literatura artística del s. V a. C, que no se ha conservado

pero nos ha llegado por fuentes posteriores. El canon de Policleto sobre las

proporciones del cuerpo humano (7 cabezas) es un ejemplo de ello (a raíz de normas

matemáticas y geométricas de la filosofía pitagórica, pretende que todas las partes estén

proporcionadas entre sí y con la totalidad de la obra, y lo sabemos por ejemplo por los

textos de Galeno de Pérgamo), así como un tratado sobre simetría y color de Eufranor, o

la teoría del arte de Apeles (a través de Plinio el Viejo) sobre la pintura de paisajes.

El arquitecto por otro lado, tiene una consideración especial, su trabajo se basa en una

elaboración intelectual, será mejor considerado, era un campo muy amplio (urbanismo,

ingeniería…). No se ha conservado ningún dibujo arquitectónico, pero autores como

Kostov consideran que sí había planos previos, porque Vitruvio recogió dibujos

(posiblemente copiados de alguna biblioteca) y cita textos de arquitectos griegos, que

tratan temas teóricos. Pero el objetivo de Vitruvio era consolidar la arquitectura como

arte liberal, por lo que recurre a textos griegos para apoyar su idea (a tener en cuenta la

intención).

En Grecia, la arquitectura será una ocupación de las clases superiores, los alumnos se

formaban con una educación teórica y de carácter constructiva. Relación entre

arquitectura y escultura, lazos que se ven por ejemplo en Escopas que diseña el Templo

de Atenea en Tegea (s. IV a.C), Policleto se encarga del Tholos de Epidauro (s. V a.C) y

Fidias de la reconstrucción del Acrópolis de Atenas (s. V a.C).

En Roma la cosa cambia un poco, arquitectos de carácter profesional para obras

importantes, mientras las obras menores se encargan a constructores. Mientras que en

Grecia eran las clases altas, la arquitectura surge más bien de las clases bajas, ya que las

clases altas no podían entrar en el mundo de los negocios, no estaba bien visto. Por

tanto había diversas vías para llegar al estatus de arquitecto: formación en las artes

liberales y trabajar con un maestro, formación en el ejército (licenciatura militar y al

salir aprenden los demás conocimientos, por ejemplo Vitruvio en esta segunda vía) o

bien ir subiendo escalones en el entorno imperial (como Apolodoro, s. II d. C arquitecto

de Trajano).

La consideración de la destreza manual en Grecia y Roma tendrá un pequeño cambio

en la época helenística (arte como fuente de placer, artista muy relacionado con el

mundo de la corte, obra como creación individual, más importancia a la inspiración del

artista para crear, aunque los textos son contradictorios a veces y no se llega a

abandonar la consideración tradicional de las artes) y en el Bajo Imperio, aunque

después se vuelve a retomar.

En conclusión, no se valora la creatividad, el arte es un trabajo manual, y la perfección

solo se consigue si seguimos unas normas fijas, el arte básicamente es la evolución de

las normas, sin ningún tipo de inspiración del artista. “El artista tendrá que eliminar las

pisadas personales que puedan existir en su obra” Aristóteles, Poética, s. IV a.C.

2.3 Arte como imitación: la mímesis en el arte clásico

A lo largo de la historia básicamente dos maneras de comprender el arte, o bien como

destreza, con unas normas sujetas a variación, noción duradera, su función es imitar la

naturaleza, porque la naturaleza es perfecta y el arte se tiene que limitar a reproducirla,

en Grecia será en el campo de la filosofía donde se reflexiona sobre la función del arte:

la mímesis. Sócrates (a través de Jenofonte), primera referencia de la función mimética

del arte “pintura y escultura: construir el semblante de las cosas” “realizar una imagen

de lo que vemos con nuestros ojos”. Mímesis significa imitación (latín: imitatio), y

puede tener diversas concepciones: imitar la naturaleza (dos significados posibles, o

reproducir fielmente la realidad sensible, es lo que defiende Sócrates, Aristóteles y

Vitruvio, o reproducir los procesos y leyes que rigen la naturaleza, defendido por

Demócrito de Abdera y Vitruvio “en el arte imitamos cómo funciona la naturaleza…

cuando tejemos imitamos una araña…”), imitar la idea (dos significados, o mejorar la

realidad a partir de la selección, defendido por Aristóteles o reproducir las esencias

intangibles como la verdad, defendido por Platón) o imitar el arte (se basa en la

imitación de las obras del arte del pasado, modelos ejemplares) defendido por

Quintiliano.

O bien como creatividad (fruto de la invención individual que no sigue normas, que se

consolidará de forma más tardía), siempre sobre uno de estos dos conceptos que influirá

en el artista.

* Ampliación de lo anterior:

GRECIA, Platón, 427-347 a.C, La República con su teoría de las ideas. Realidad en dos

niveles: mundo de las apariencias (a través de los sentidos) donde las cosas son

imperfectas, y el mundo de las ideas perfectas (a través del conocimiento). Mito de la

caverna.

Platón considera que el arte solo imita la apariencia de las cosas, no las ideas, lo

esencial, por lo que lo menospreciaba. Mito del carro alado (alma cae del carro y se

queda enganchado a un cuerpo material), concepción del universo, según él hay que

subir escalones desde apariencias hasta mundo de las verdades absolutas a través de

diversas etapas (se observa la belleza en un cuerpo material, conocer después el

arquetipo, la generalidad de la belleza aún en el mundo material, luego la belleza del

alma como intuición de la belleza absoluta, y por último la belleza suprema, la idea,

esencia) camino a través del intelecto, la inteligencia. La obra de arte tiene que recordar

a la belleza suprema, tiene que reproducir las cualidades de esta Idea de Belleza, una

imitación de la verdadera belleza del universo. Él elogia la pintura egipcia porque está

regida por unas leyes inmutables, Platón defiende que el número rige el universo, las

leyes matemáticas, y que por eso es bello (influencia del pensamiento pitagórico,

esencia = número), atraen las cosas organizadas matemáticamente, proporción y

armonía.

Aristóteles, 384-322 a.C, Platón fue su maestro, en la concepción del arte hay variedad

de conceptos, hay diversas interpretaciones sobre su pensamiento, teoría mimética de

las artes pero a partir de sus textos vemos una defensa de la expresión individual del

artista, por primera vez en el Mundo Clásico. Parte de la concepción propia de la Grecia

Clásica, arte como techné. Valora la realidad sensible (artes plásticas) y le da un valor

diferente que Platón, importancia de la vista, defenderá la imitación como medio de

conocimiento. 3 significados de mímesis, 2 relacionados con la naturaleza (el primero

Aristóteles defiende la imitación realista de la naturaleza, aunque no sea agradable con

el objetivo de aprender, el segundo es una mímesis selectiva, según Aristóteles lo que

escojamos es aquello más bello) y uno con la creatividad.

ROMA, ideas heredadas de Grecia: imitación de la idea, imitación verídica de la

realidad e imitación selectiva de la realidad.

Vitruvio (arquitecto, cada parte relación con el conjunto y el resto de las partes).

Mimesis como imitación de los procesos y leyes naturales (Demócrito),

Quintiliano (escritor y maestro de retórica) se tiene que imitar las obras de arte de la

Grecia clásica, mímesis como imitación del arte.

La variante aristotélica en el pensamiento clásico, la configuración del libre enfoque de

la realidad por el artista:

Grecia s. IV – arte como expresión, hombre con capacidad inventiva, supera la

naturaleza. Aristóteles amplía un poco la segunda concepción, Pohética dice que aparte

del conocimiento de las normas, también puede venir de la facultad y el talento

intelectual del artista, dar forma a la materia (mejorar la realidad).

_

Primer paso: personalidad intelectual del artista; segundo – imaginación, fantasía y

creación en Helenismo y Roma. Después pintor/escultor como personalidad

privilegiada, y por último la consideración de la inspiración en éxtasis (artista-poeta).

Horacio “Ut pictura poesis”. Texto filóstrato, “estatua de Zeus por Fidias”. Séneca hará

referencia a lo mismo en las “epístolas de Lucilio”, dice que un artista puede imitar un

ideal, no tiene por qué ser modelo natural, puede llevarlo dentro el artista.

Conclusión: función = mimesis con pequeña variante puntual de concepción de

creatividad del artista. Texto Barrasch. Para que esta pequeña variante tenga fuerza hay

que ir hasta finales del s. XVI, durante el manierismo, y no generalizada hasta el

romanticismo. Naturaleza perfecta, arte como imitación selectiva. A continuación

periodos de progreso, perfección y después decadencia. Autores (como Platón) idea de

belleza objetiva (proporción y harmonía). Arte como concepción racional del arte

(capacidad científica y unidad social).

2.4 Utilización religiosa y política del arte

Grecia arcaica, clásica y post-clásica, arquitectura solida, útil y bella. Escultura, pintura

y cerámica de uso cotidiano, cultural y político. Función utilitaria del arte. Poesía y

teatro, uso político, religioso y enseñanza. No arte por el arte. Arquitectura vinculada a

la religión, el culto (templos). La escultura también nace vinculada a la religión, pero

poco a poco comienzan a representar personajes humanos (no solo dioses), vencedores,

ilustrados, muertos… es el culto antropomorfo, la humanización de los dioses, y los

tipos humanos, no individualizados, sino generalizados.

Arte para trasmitir mensajes políticos.

Periodo helenístico, cambio de concepción del arte y el artista. Se construyen poco a

poco palacios, teatros o termas (no solo religiosa), así como expansión de Alejandro el

Grande con urbanismo. Pinturas, retratos, escenas de género y decorativos. Lujo y

ostentación de las otras clases sociales. Cambio social e ideológico, espírito

individualista. Cínicos defienden la austeridad mientras que el epicureísmo defiende el

placer, hedonismo, Es la época de la aparición de retrato.

Función propagandística del arte, al servicio del poder político. Culto al gobernante.

Maestro de iconografía regia = Lisipo de Sición, retratos de Alejandro (su artista

particular, la imagen oficial). Plutarco, areté y ethos, se convertirán en el tipo de

gobernante-héroe.

Pintura: Apeles y las monedas, busca resaltar el carácter divino.

Gestas y monumentos reales para conmemorar sus victorias, pueden ser: escenas de

caza (monumento del Gránico ¿?), batallas (sarcófago de Alejandro Magno) o

procesiones religiosas o militares.

Decoración y realidad social: función decorativa (arte privado y doméstico), pequeñas

figuras (exvotos) o de mayor tamaño, escenas de la vida cotidiana y nuevo sector

(mercaderes e intelectuales). 2 posibilidades: obras encargadas por particulares u

estatuas votivas sobre todo para fiestas populares (Lagynophoria de Alejandría).

Roma como centro del arte helenístico, desde s. II-I a.C por el gusto y el patronaje

romano nace el arte grecorromano. Por primera vez el Europa mercado artístico,

coleccionistas y mecenas de arte. Preferencia por la Grecia clásica, arte como símbolo

de opulencia y riqueza. Adriano uno de los más coleccionistas. Termas romanas como

lugar de integración social y promoción imperial (altares de emperadores con complejo

de Dios).

TEMA 3: EDAD MEDIA

3.1 Herencia clásica en la concepción del arte

Herencia del concepto de techné como destreza manual, normas… pero arte desde otra

perspectiva, con otra función.

Literatura artística de la época se reduce a:

 textos descriptivos (literatura periegética, de viajes), principalmente viajes de

peregrinación como Roma y Santiago, se conservan ejemplos del s. XII: Liber

Sancti Jacobi – Codex Calixtinus con peregrinación a Santiago de Compostela,

especie de guía turística / Mirabilia urbis Romae guía de Roma.

 literatura técnica (manuales de taller), se redacta entre los s. XI y XV, ponen por

escrito lo que normalmente se trasmitía de forma oral (maestro-aprendiz), es

producto de un taller artístico y va dirigido a artesanos, no se suele hacer

referencia a cuestiones teóricas, solo técnicas. El objetivo es difundir dichas

técnicas y tradiciones. Contenidos técnicos hacen referencia a dos aspectos:

fases de trabajo (pigmentos, materiales…) y modelos iconográficos o formales.

Los 5 textos más importantes son:

o Heraclio, De coloribus er artibus romanorum, s. XI-XIII, aunque

Heraclio citado como autor, en realidad realizado por diversos autores.

Según Schlosser, este manual se usó hasta el s. XV. Contiene cómo se

tiene que trabajar la miniatura, la manipulación del vidrio, la talla de

piedras semipreciosas y el trabajo con metales (sobre todo el oro).

o Teófilo, Schedula, principios s. XII, atribuido a este monje que lo

escribió en algún monasterio benedictino de la zona alemana. La obra

trata sobre todo el trabajo de la pintura, del vidrio y metales. En su libro

dice que cuenta lo que ha visto y lo que ha oído, e interesa porque trata

tanto técnicas occidentales como orientales (lo que demuestra un

importante intercambio de conocimiento, por ejemplo las cruzadas de

Tierra Santa).

o Villard de Honnecourt, Álbum, s. XIII, básicamente formado por dibujos,

figuras completas con una leyenda que identifica lo que representa, y con

una parte innovadora que se llama art de portraicture, que enseña a los

artesanos un método para dibujar figuras en actitud dinámica, basado en

figuras geométricas (triángulo, estrella, círculo…), por lo que a través de

esta obra no se pregoniza una imitación de la naturaleza.

o Manual del pintor (conservado por copia del s. XVII), de la zona

bizantina, monte Athos. Centrado en la pintura y dividido en 3 partes:

técnicas (elaboración de pigmentos), iconografía religiosa que sirve de

modelo al pintos y distribución de las imágenes religiosas dentro de la

iglesia. En Bizancio del s. XI, época de resurgimiento de la iconografía

religiosa con normativización de larga duración.

o Cennino Cennini, Libro dell’Arte, s. XIV (finales) zona de Padua, en

época de transición del arte gótico al renacentista, aunque las que

muestra son de tradición medieval. Muestra fórmulas del uso de

materiales, pigmentos y diferentes superficies. Importante porque por

primera vez pregoniza la observación de la naturaleza como base de las

artes visuales, lo que le diferencia del resto y nos aproxima a la época

moderna. Influencia por ejemplo a Giotto.

División de las artes en la Edad Media:

Continuación de la visión greco-romana pero se va un poco más allá ampliando el

concepto,

Artes liberales (relacionadas con el intelecto, más elevadas), por un lado el

trivium (retórica, gramática, dialéctica “y lógica”) y quadrivium (aritmética,

geometría, astronomía y música como teoría de la armonía). Se imparten en las

escuelas monásticas y catedralicias.

Artes vulgares o serviles, trabajo manual (incluido pintura y escultura) pero

con modificaciones, Boecio denomina “artificium” a las artes vulgares (en

sentido peyorativo) y perdurará hasta el s. XII, cuando un teólogo llamado Hug

de Sant Víctor sustituye el término por “artes mecánicas”, se basa en una

disciplina romana que aplicaba las matemáticas para mover objetos (mecánica),

y se dividen en diferentes ramas: lanificium (la que da vivienda y herramientas

al hombre), armatura (arte de la construcción, arquitectura), navigatio,

agricultura y venatio (proporcionan alimento), la medicina y por último la

theatrica (para el entretenimiento). Por lo que escultura, pintura y orfebrería se

excluyen de la clasificación.

3.2 La función religiosa del arte: concepción trascendente de la imitación en el arte

medieval.

En el Medievo se produce una trasformación ideológica en occidente basada en la

concepción cristiana, que a su vez se basaba en un sentido trascendente tanto del

hombre como de la naturaleza, por lo que la dimensión espiritual está mucho más

valorada de la natural, por lo que se trasforma la visión racional y naturalista de la Edad

Clásica. El arte siempre hay que verlo desde esta espiritualidad.

Inicio de esto en el final de la antigüedad, durante el contexto tardorromano del s. II –

caída del imperio en s. V d. C, el Imperio entra en crisis social, económica, política y

también en ámbito espiritual y religioso, se sustituye el politeísmo por pensamientos

religiosos orientales, el cristianismo será una de ellas, caracterizada por el monoteísmo

y la irracionalidad, alejar al hombre de la realidad, del mundo, y hacerlo elevarse hacia

otra realidad donde está el Dios único y supremo. Por lo que el concepto de razón deja

de tener el papel importante que tenía anteriormente. Esta espiritualidad afecta también

al campo de la filosofía, a partir del s. II con el neoplatonismo, tendencia filosófica que

recupera a Platón y le da otro sentido, destacan Plotino y los Padres de la Iglesia, que se

encargan de incorporar el pensamiento clásico a las nuevas necesidades de la ideología

cristiana. Será en el s. IV cuando se establezcan las bases del pensamiento medieval.

En cuanto al arte se sostiene que si tiene que imitar debe de hacerlo con el mundo

invisible (ya que es eterno y perfecto), pero si no puede llegar tiene que imitar el mundo

visible pero no tal como es sino buscando las marcas de la belleza eterna. Concepción

que formulan Pseudo-Dionisio y San Agustín, recuperando Platón.

PLOTINO, uno de los teóricos del neoplatonismo, del 205 al 270 d.C, filósofo griego,

su principal obra son las Enéadas, la base de su pensamiento es Platón y desarrollará

aspectos concretos a la vez que desprecia otros.

 Concepción jerárquica del universo (de acuerdo con Platón), pero él ya asocia la

Idea platónica (belleza, bien…) con la divinidad, aunque no concreta.

 Nuevo concepto: emanación, la belleza absoluta es como un foco que emana luz

y nos permite ver la belleza material (derivada por tanto de la divina).

 Esta luz metafórica será muy importante en toda la época, y cambia el concepto

que tenía Platón sobre la imitación, Plotino considera que aquello esencial que

se tiene que imitar es una cosa simple, que no se divide (como la luz), una

esencia incorpórea que se relaciona con el resplandor divino.

 Por tanto el espectador de la época según Plotino no tiene que apreciar una

simetría, ley numérica… sino que tiene que apreciar una cualidad que brilla y

que le vincule directamente con el alma (conexión).

 Aproximación a Dios no a través de la razón como Platón, sino a través de un

proceso de contemplación espiritual (proceso místico, interior, visionario…) que

para llevarlo a cabo tenemos que estar en soledad, porque no se apoya en las

cosas materiales que vemos, sino que está en nuestro interior (posteriormente se

llamará la comunión espiritual entre alma y Dios).

 El artista por tanto tiene que imitar una idea de su interior, pero no como

Aristóteles con el artista que representa a su manera según su creatividad, sino

una idea universal, eterna. Texto

 De Platón también hereda que la materia se considera como un mal, por lo que

una obra siempre será inferior a la visión interior del artista, la belleza absoluta

es más perfecta que el arte. Texto

 Por lo tanto, Plotino niega la posibilidad de éxito del arte por su invalidad

inalcanzable, por lo que pone en peligro la validez de las artes (como Platón).

Todo esto irá ligado con la evolución antinaturalista del arte tardo-romano.

 Las características del arte medieval derivarán de este pensamiento: se tiende

hacia la desmaterialización de las figuras, interesan la brillantez de los

materiales así como los colores puros (ej. mosaico bizantino, resplandor que

remite a luz divina).

LOS PADRES DE LA IGLESIA

 Pastores y escritores eclesiásticos del primer Cristianismo

 Los textos que nos llegan suyos ponen los fundamentos de la ortodoxia de la

Iglesia.

 Son figuras claves para consolidar el pensamiento cristiano medieval.

 El estudio de su obra es la Patrística, mientras que la vida de la persona es la

Patrología.

 Padres orientales (surgen primero): San Anastasio el sinaita, Basilio de

Cesaerea, Gregorio Naziancè, Joan Crisostom.

 Padres occidentales: san Ambrosio de Milano, Agustín de Hipona, Jeronimo de

Stridon, Gregorio Magno (importante por defensa de la imagen para función

utilidad didáctica)

 Concepción amplia: escritores cristianos del s. III al s. VIII reconocidos por la

Iglesia (occidente-latín, oriente-griego, sirio, copto y armenio).

 Se basan en la cultura griega y latina para explicar los misterios cristianos

(neoplatonismo)

 Ejemplo de San Isidoro de Sevilla, s. VI-VII

 Aportaciones: no hablan directamente de problemas estéticos, pero Humberto

Eco ya comenta que es por medio de paralelismos acerca de la belleza sensible.

Recuperan la estética neoplatónica y van más allá identificando al Dios cristiano.

Teoria de les Idees (Plató) → significat religiós

Perllongament al llarg de l'Edat Mitjana

Edicte de Milà (313): àmbits per a la litúrgia → art

 Factores contrarios a la imagen: veneración de los ídolos clases populares /

raíces judaicas: prohibición de imágenes, idolatría.

 Factores favorables a la imagen: culto al emperador / tendencia popular al

primer cristianismo (reliquias). Lo que lleva al posterior culto hacia los iconos.

 Controversia sobre la imagen: San Climente de Alejandría rechaza la imagen

porque según él corrompe a los hombres, pero por otro lado San Basilio las

defiende como “símbolo” divino (a partir de Plotino y su concepto de

emanación). En el Imperio bizantino es lo que llevará a la querella iconoclasta,

durante más de 100 años se prohíbe la realización de imágenes religiosas. San

Gregorio Magno por su parte defiende las imágenes con función didáctica y

utilitaria, acabará con estas controversias, contestando una carta del Bisbe de

Marsella conocemos su posición, imágenes potencian contenidos orales y

estimulan al pueblo, además educación para los analfabetos “biblia paeperum”,

instrumento de aproximación a Dios (nueva posibilidad para el arte, se abandona

el arte como imitación de la naturaleza) y el arte reproduce contenidos morales.

 La reproducción de los contenidos morales se consigue mediante la abstracción,

la simbología: teofanía (aparición, revelación divina), y la naturaleza expresada

en clave simbólica y alegórica (luz divina por los materiales y bestiario) p. ej.

pelícano como Cristo en sacrificio.

- ¿? La doctrina es el fundamento de la ortodoxia de la Iglesia. Estética neoplatónica,

dios cristiano.

 San Agustín adapta al cristianismo el concepto de proporción, la figura de dios

como una unidad, inmutable e invariable, Dios creó el mundo a partir de un

orden matemático (aparece con un compás…). San Agustín también jerarquiza

las artes, acepta las matemáticas (arquitectura y música) y desprecia las artes

plásticas porque dice que tienden a algo ilusorio (concepción platónica). A partir

de San Agustín el número se convierte en un símbolo religioso (8 = regeneración

por lo del octavo día tras la pasión… y se aplica a plantas arquitectónicas como

las ortodoxas / 1 y 3 = unidad y la Trinidad).

Arte medieval = orientación consciente hacia un contenido no natural (divino o

trascendental), muchos textos exaltan la calidad de los materiales, la belleza de los

colores, la luminosidad… pero este interés siempre tenía un trasfondo espiritual. En

la cultura medieval predomina la idea (el contenido) sobre la forma, por lo que no

era necesario el realismo. Arte con finalidad, como en la antigüedad.

3.3 El artesano/artista: los artífices y el trabajo de taller.

Nuevo término: artífice = el que realiza artes mecánicas (“el artífice ejecuta pero no se

entiende como creador, ya que el creador es Dios”), mientras que artista eran

anteriormente los que cultivan las artes liberales. Esta concepción es un tanto diversa,

no se mantiene durante toda la Edad Media (a tener en cuenta lugar y tiempo), los

cambios más importantes fueron en el s. XI con la vida urbana.

En la Alta Edad Media (s. IV-X) – artífices itinerantes (se mueven dependiendo de la

demanda), incluidos los monjes (arquitectura o miniaturas).

Florencio y Magio eran dos ilustradores mozárabes que fueron solicitados por diversos

monasterios.

En la Baja Edad Media (s. XI-XV) – cambio en la vida de los artífices, en su mayoría

dejan de ser itinerantes para establecerse en talleres o collas/cantiere (grupo que trabaja

en fábricas arquitectónicas). Caso del Maestro Mateo, arquitecto-escultor de Santiago de

Compostela, 1168, en un documento por parte del rey se le otorga una pensión vitalicia

y se le da la posibilidad de vivir en la ciudad.

Por su parte el arquitecto sufrirá un cambio, pasa de ser considerado un trabajador

intelectual (Edad Clásica) a ser considerada habilidad práctica (tras la caída del I.R).

El honor y mérito de las construcciones caía normalmente en los promotores de las

mismas (figuras destacadas como nobles, señores feudales o monarcas). El máximo

arquitecto será Dios. Sapiens architectus. Poca referencia a las fuentes escritas. Pasos

para llegar a maestro constructor: aprendizaje empírico. Concepción del edificio y

supervisión de las obras.

Oriente: El imperio bizantino destaca como heredero de Roma (Hagia Sofia). El s. IX y

siguientes con directrices muy estrictas de la Iglesia y el Estado, reglamentación y

restricciones. En cuanto al islam, había poca formación teórica y no figura destacada

sobre la colla de trabajadores, por lo que podrían venir de otros campos como fusteria o

cerámica.

Occidente: 3 periodos según Kostov – 1. Transición, del ideal vistruviano al concepto

medieval del maestro constructor. 2. 800-1150 economía rural, artesanía a pequeña

escala y materiales locales. 3. Siglos del gótico, XIII-XV, documentación, grandes

arquitectos, avances en estereotomía, conocimientos de geometría… separación de

idea/práctica en el renacimiento.

El pintor: se formará en talleres, el aprendizaje era práctico y teórico, tenían estructura

jerarquizada (maestro, oficiales y aprendices, este último con un contrato notarial,

vivían allí y ayudaban en la preparación de los materiales). El maestro hacía los dibujos

previos. Evolución a corporaciones (artes) se van organizando. Corona de Aragón:

cofradías y gremios. Los estatutos gremiales más antiguos conocidos son los de la

Toscana, s. XIV, en los que se incluyen reglas y obligaciones del producto (la calidad de

los materiales), funcionamiento de los gremios: trato, festividades…, protección social,

exámenes de aprendices, condiciones de trabajo, artistas extranjeros…

Artífice medieval polivalente (versatilidad) debido a la diversidad de demanda, por

ejemplo pintores sobre tabla, mural, blasones, banderas… Caso curioso de Tutilón,

monje de monasterio Benedictino, compositor, músico (arpa) y pintor. Artista laico /

artista monástico, el laico cada vez más importancia en el contexto de las ciudades.

Además, artista de la Corte (desde época carolingia), en el s. XIII al servicio del Seór

feudal o rey, también polivalentes (hasta diseño de moda) y cada vez más importantes.

Ejemplo: Jan Van Eyck, Sluter o Gullen Sagrera. Y el artista-empresario, documentado

del s. XIV-XV, arquitecto constructor que además de controlar la obra se encarga de los

pagos y documentos… ej. Guillem Sagrera. El artífice medieval se caracteriza por el

anonimato generalizado (con excepciones, algunos se autorretratan), y trabajo colectivo.

Excepciones: “Gilabertus, que no era un desconocido, me ha esculpido”, firma sus

obras (bajorrelieves de San Andrés y Santo Tomás).

El término arquitecto no suele usarse: lapiscida, lapicida o sculptor, magister

operis/fabricae…

Claustre Catedral de Girona s XIII → autorepresentacions de els treballs dels “artesans”

Relacionat amb Benedetto Antelami

Promotors i usuaris de l'art. La figura del donant

CENTRES DE CREACIÓ (promotores)

Les Corts

Els monestirs

Les ciutats

→ Paper actiu dels comitents: indicacions, suggeriments

ARQUITECTURA (promotores y usuarios de arte)

Abad Oliva: impulsor romànic català

Abad Suger: impulsor del gòtic a Saint Denis

fecit, construxit, aedificador,fabricator

El promotor podia posar altres edificis com a models

Política arquitectonica_ Renovatio Carolingia /Programa ideológico

Pintura y escultura

En los contratos se especificaba el tema y el detalle, el pago y las condiciones de

entrega, los materiales (el color, sobre todo cuando eran materiales preciosos), modelos

a seguir: obras y a veces bocetos, así como otras informaciones derivadas de los

conocimientos del promotor. Modelo catalán / italiano.

Representaciones de los promotores en las artes plásticas:

Muchas veces su importancia dentro de la propia obra de arte, una de las más

importantes en San Vital Ravena del s. VI, Justiniano como rey, personaje sacro y con

un plato de oro para hacer una donación, mientras que su esposa (emperatriz Teodora)

lleva la copa para hacer la eucaristía. Otro ejemplo también bizantino: s. IX-XII con

representaciones promovidas por los emperadores donde ellos salen reflejados (por

ejemplo en el nártex de Santa Sofía de Constantinopla, ejemplo tribuna con Theotokos

con Juan II e Irene XII, actitud de donación, mismo ejemplo con el Pantocrator con

Constantino IX y Zoe). Ejemplo del románico: San Pedro del Burgal, s. XI-XIII, en el

ábside, representación de Coneitissa con inscripción (condesa de una orden). Ejemplo

del gótico: Capilla de los Scrovegni, Padua s. XIV Giotto, retablo de San Pablo… En la

pintura flamenca (ejemplo s.XV con Reyes Católicos) el promotor se incluye en la

escena como un personaje más. Cada vez el personaje se irá individualizando, lo que

adelantará la importancia del retrato renacentista…

Público

Diversos sectores: uso exclusivo de los comitentes (libros de horas), círculos reducidos

(arte cortesano) y sector amplio (arte religioso). Dobles lecturas.

Ejemplo tímpano catedral de Jaca

El mercado artístico:

P. B: surge el mercado artístico en s. XIV-XV. Sobre todo en las artes plásticas, cuando

se compran obras que ya estaban acabadas. Mercaderes comercian con obras de arte,

más libertad para el artista, pero por tanto más inseguridad (precios). Explotación de las

cualidades del artista.

TEMA 4: LA EDAD MODERNA

4. 1 Concepción científica del Renacimiento: actividad artística como arte liberal.

Un síntoma de este cambio es la aparición de una teoría de las artes visuales, un

fenómeno italiano mientras el resto de Europa sigue la tónica medieval hasta bien

entrado el s. XVI-XVII.

Este fenómeno muestra una gran homogeneidad, aunque dependiendo del siglo se

debatirán unos temas u otros.

La teoría artística del s. XV está hecha para el artista, se ocupa principalmente entre la

relación que tiene que haber entre arte y naturaleza.

- Lorenzo Ghiberti: Comentarii

- Leone Battista Alberti: Della Pintura, De re aedificatoria, De statua.

- Piero della Francesca: De prospectiva pingendi

- Leonardo Da Vinci: Trattato della pittura

- Luca Pacioli: De divina proportione

Arte como destreza, basado en conocimiento de unas normas que se trasmiten de

generación en generación. Texto Alberti (Inventio no como forma de representar la

obra sino a su temática, que proviene sobre todo de la literatura). Pero cambio en la

concepción de dichas normas, poco a poco se dará más importancia a los aspectos

teóricos y científicos de la actividad artística (no tanto como actividad manual y

normas técnicas). Texto Alberti Della Pittura (cómo tiene que ser la forma, la

temática y sobre todo la ciencia de la perspectiva, además de orientación general del

arte). Da Vinci por su parte se centra en la pintura, como matemática, estudio de la

naturaleza, pintura es una ciencia basada en la perspectiva matemática. Los dos

principios: perspectiva y estudio natural, se pueden probar, ya que son científicos. Y

el público se tiene que adecuar a estos criterios. Texto de Luca Pacioli, también

concepción matemática. Artista del renacimiento – cambio en la concepción,

posición social y sistematización del conocimiento, ascenso intelectual y afirmación

de su personalidad individual, además, ruptura de las barreras medievales entre

actividad intelectual y trabajo manual. El artista sale del taller en el s. XVI poco a

poco, como humanista, una de las figuras principales del Renacimiento y entra en

contacto con las élites cultas del contexto. Los artistas reivindicarán entonces el

carácter de arte liberal por su actividad que implica conocimientos científicos

(aritmética y geometría). A finales del s. XV piden que se les equipare con los

poetas (por el hecho de imaginación, de inventio). Introducción a la invención,

inspiración, creatividad… como inherentes a las artes visuales. Germen de la idea de

artista como genio. Pietro Aretino y Giovanni Paolo Lamozzo, idea de que se tiene

que nacer artista, formación imprescindible pero no suficiente, necesario un don.

En cuanto a la concepción de las artes, podemos hablar de arq. pintura, escultura y

música. Conciencia de la especificidad de cada arte. Vasari a finales del s. XVI: Arti

del disegno, diseño como dibujo, lo que unifica las artes.

En las primeras décadas del s. XVI habrá un carácter especulativo, de reflexión sobre la

naturaleza y finalidad del arte, dirigida más al público que al artista. Un público culto y

elitista.

4. 2. Relación del arte y la realidad: mímesis, invención e imaginación en el arte

moderno.

Vuelve a coger importancia la relación del arte con la realidad. En cuanto a la mímesis y

a pesar de la diferencia de opiniones, las artes visuales imitan la naturaleza (texto

Barasch), pero cambio respecto a la concepción antigua, el más importante es que antes

la imitación se entendía como un hecho, ahora como deber. Y dentro de la naturaleza el

mayor protagonista será el hombre por la influencia del humanismo. Aspectos

socioeconómicos, ideología: a finales de E. Media, Florencia como centro de modelos

culturales y artísticos. Burguesía centrada en los negocios, los Mèdici. Privatización de

la vida (predominio de la vida civil y reivindicación del ser humano), entonces el

hombre se entiende como un microcosmos (humanismo, aunque siempre Dios por

encima). Inspiración en la Antigüedad Clásica, el pasado nacional. Modelos de sistemas

de pensamiento para la ciencia y el arte, aunque no solo es recuperación del mundo

clásico, sino elaboración con rasgos propios. Los primeros teóricos del Renacimiento

eran conscientes de que se estaba creando algo nuevo, por lo que: “maniera

antigua/vecchia/moderna. Antecedentes: Baja Edad Media – acercamiento del hombre a

Dios. En el Renacimiento: sistematización de la imitación de la naturaleza, pero sin

ligarla a factores trascendentes, divinos (a diferencia del gótico, por ejemplo). Cennino

Cennini, s. XIV, Padua, El Libro del arte, recetario de técnicas de taller, pero primera

referencia a la imitación de la naturaleza des de la Antigüedad. Modelo extraído de la

realidad, pero los mayores exponentes en esta teoría mimética serán Alberti y Leonardo.

Alberti, s. XV, el deber es imitar la naturaleza porque sirve para conocer la verdad, la

realidad. Las obras de arte tienen que ser verídicas. En sus tratados da una serie de

normas o consejos que faciliten al artista imitar la realidad. Habla de una imitación

correcta, tanto en los procedimientos como en los temas tratados (perspectiva, anatomía,

geometría, modelos científicos y temas naturales). Texto Alberti, insiste en la

verosimilitud, inspiración en obras antiguas y experiencia natural a partir de la

observación. Criterio de selección de lo más bello. Texto Alberti. Pero, el criterio de

selección de lo más bello: recuerda al mundo clásico, armonía entre las partes

interrelacionadas (texto), de manera que no podemos cambiar nada. En Della Pittura /

Della Statua se habla de idea de belleza, no da unas proporciones del cuerpo humano, de

lo particular llega a la belleza perfecta. Lo más típico, lo general, la esencia también

idea de belleza (por lo que influencia del neoplatonismo).

Panofsky dice que el hecho de que la palabra idea aparezca en Alberti es la prueba de

reminiscencia a Platón. Pero diferencia es que aquí la idea de belleza parte del análisis

de la realidad sensible. Belleza objetiva que demuestra la influencia de las leyes

matemáticas, por lo que remite a la antigüedad clásica de nuevo (Pitágoras, Platón…).

Tras Alberti (finales s. XV) habrá un cambio: por un lado sigue la idea de la imitación

anatómica, perspectiva… pero por otro lado habrá una corriente en la que se dará un

énfasis especial a la belleza ideal, dejando un poco de lado la realidad, y para ello se

promulga la selección (pero superando la realidad), por ejemplo Boticelli.

Leonardo Da Vinci recuperará el cientifismo, empirismo, experiencia natural, defiende

la corrección objetiva, la representación de todos los elementos de la realidad, sin

prestar mucha atención al tema de la belleza estética. Opuesto a Alberti defenderá la

variedad de la belleza, no solo la selección o lo agradable. La obra tiene que tener

cualidades emocionales (o público o considerado por el artista) como la gracia y el

encanto.

Acuerdo entre teoría y práctica del arte:

1500-1530 se abandona la relación arte-realidad de Leonardo, y triunfará la teoría de

Alberti, selección para llegar a belleza ideal. El máximo exponente de ello será Rafael

Sanzio, uno de los más destacados del cinquecento, propone que la belleza es superior a

la naturaleza a pesar de la variedad de la belleza en la realidad, y habla del espíritu

artístico como método para transformar la naturaleza en belleza, de forma intuitiva, se

recupera la idea de facultad innata del artista. (texto Rafael).

1530-1600, Renacimiento tardío (o manierismo). Diversidad que viene influenciada por

el periodo de crisis política y religiosa (contrarreforma). Corrientes manieristas se

produce una crítica y ruptura de las normas establecidas: o bien de carácter intelectual

(+ importancia al sujeto creador que al objeto natural), o bien cambio espiritual en el

mundo religioso, la trascendencialización de la imagen, adaptado a la iglesia. Texto

Vicenzo Danti: redactar, reproducción fiel, imitar, reproducción de lo más bellos,

recuerda a Aristóteles. Para la representación de los cuerpos en movimiento (texto).

Nuevas tendencias en teoría del arte a finales, imitación del estilo de los grandes

maestros (como creía Quintiliano), solo podemos aspirar a imitar la “maniera classica”.

Arte ilusionista??

El concepto de invención e imaginación (no se incluyen en la idea de arte como

mímesis). Habrá una línea crítica del primer renacimiento, rompen con las normas,

imaginación e invención como opasos para la creación artística. La Inventio surge con

Alberti, el tema de la obra, mientras que irá más relacionado con el carácter científico,

imitación de la realidad en el s. XV. Texto Federico Zuccaro, aportación en el

manierismo de invención/imaginación, operación interna del artista (razonamiento y

deseo). 2 visiones enfrentadas en la época: creatividad espontánea del artista /

tradiciones y normas establecidas.

Idea del artista como genio de Miguel Ángel, la última dentro de la teoría

invención/imaginación: diversas fuentes de su pensamiento, escritos, cartas, poemas,

Vasari, Francesco de Holanda y la más fidedigna la de su discípulo Ascanio Condivi.

Anthony Blunt estipula 3 periodos de M. A:

- 1490-1530, heredero de la tradición científica del s. XV, pero influencias

neoplatónicas de la Corte de los Médici, porque busca un ideal de belleza. Texto.

- 1530-1545, marcada por la crisis de Roma donde él trabajaba. 2 elementos

importantes: mayor religiosidad y nueva concepción del proceso de creación artística.

Lo que le lleva a un desinterés por la naturaleza o la belleza física, que se convierte en

un medio para llegar a un estado espiritual, belleza visible como símbolo de la belleza

espiritual. Texto. Concibe el origen del arte como que la idea está en la mente del artista

(concetto) imprescindible (como Aristóteles en cuanto a idea de obra dentro del artista).

Textos (insatisfacción por no poder reflejar el ideal). Este concetto es un don divino

(remite al neoplatonismo) gracias al cual se puede convertir la materia prima en obra de

arte. Carácter individual del proceso de creación (imaginación e inspiración) por lo que

MA desprecia las normas establecidas.

- 1545-final, se cierra en él mismo (misticismo introspectivo) y sus obras pierden el

carácter corpóreo

HASTA AQUÍ EXAMEN 2ª EVALUACIÓN / preguntas de diferente extensión sobre

Edad Media y primera parte de la Edad Moderna.

4. 3. La metamorfosis y el mercado artístico: clientes y mecenas. Coleccionismo.

Centros artísticos: Roma alentaba a los artistas, pero también La Toscana, Lombardía,

Venecia y Nápoles (gobernado por la corona de Aragón en s. XV, estilo de carácter

medieval).

Formación del artista en el taller (aunque humanistas y filósofos se formarán en

universidades), importancia de las dinastías familiares (como hasta ahora), destacan los

Bellini en Venecia, donde se exigían 5 años de aprendizaje, 2 como oficiales y un

examen para poder abrir su propio taller. Destacan los talleres sobre todo por el número

de artistas que trabajan en ellos, por ejemplo en el de los Squarzione (en Padua), otro en

Ferrara con 137 figuras. La difusión es muy importante ya que traspasa límites

geográficos (ej. pintura hispánica que coge rasgos). Taller de los Ghiberti en Florencia

(donde Donatello). Taller de Perugino (donde Rafael) en Umbría, se dice que también el

mallorquín? Ferrando de Coca. Taller de Rafaela en Roma, uno de los más destacados

(Caravaggio).

Dentro de estos talleres habrá novedades respecto a la Edad Media: se aprenderán

aspectos vinculados a las artes liberales (gramática, geométrica, perspectiva o dibujo

teórico). En este contexto también serán importantes las primeras academias (en

Florencia la creada por Lorenzo de Mèdici), el artista se abre a la cultura humanista,

piden consejo a los formados en academias. También cambio en relación al promotor, a

medida que los artistas ganan estatus, los comitentes les darán más libertad, tendrán más

confianza por la fama del artista.

En la Edad Moderna, los artistas continuarán haciendo diversas actividades

(versatilidad).

En el Renacimiento empiezan a aparecer obras firmadas, firmas de taller más que como

expresión individual del artista. Diversidad de estatus de artistas.

Italia, mediados de s. XVI, podemos empezar a hablar de la palabra “artista” con la

concepción actual.

En cuanto al arquitecto, arquitectura más organizada, se dividía el trabajo con un

encargado que dirigía: architetto como diseñador en concepción moderna, y maestro de

obras, concepción medieval, que controla y participa.

Vite de Vasari, 1550, arquitecto moderno. Humanistas, pintores y escultores se

dedicarán a la arquitectura, es decir, formados en otras artes (unión entre pintura,

escultura y arq. por Vasari = formados en el diseño, el dibujo arquitectónico).

Alberti ya dice en De re aedificatoria, que el trabajador manual no es más que un

instrumento para el arquitecto. Consultas entre arquitectos y maestros picapedreros dan

fe de problemáticas técnicas.

A partir de Rafael (s. XVI) se produce una profesionalización de la arquitectura, unión

de teoría (diseño) y práctica (problemática técnica y estructural).

Los promotores, aunque mercado artístico tenía gran importancia, el sistema de encargo

seguirá vigente durante la Edad Moderna. Los más destacados serán por una parte la

Iglesia (todo tipo de artes, de pintura religiosa tanto en iglesias como en corporaciones

gremiales). Cambio con Edad Media: obras religiosas destinadas a ámbito privado, así

como obras de temática profana y el patronaje del estado (príncipes y Papa), incluso

concursos. Aumenta el mecenaje cortesano (ejemplo de Leonardo y Ludovico Sforza).

Razones que llevarán a estas entidades a promocionar obras de arte: 3 motivos – la

piedad (amor a Dios), prestigio (instrumento político, gloria de los gobernantes,

competitividad… a nivel privado y de ciudad) y placer (como novedad, función

decorativa, factores formales…). En Florencia identificación de élites con cultura

renacentista. Coleccionismo, Dilettante, Mèdici como buen ejemplo de primeros

mecenas.

Artistas crean talleres locales adaptando un estilo propio de un artista o un lugar a las

tradiciones propias de las ciudades donde están. Al difundirse también se vulgarizará el

nuevo lenguaje renacentista, el nuevo estilo.

A finales del s. XV el Renacimiento se descentraliza de Italia.

BARROCO - Promotores y artistas

La Corte Papal de Roma, importante patronaje artístico, su poder y prestigio hace que

sean los iniciadores de la nueva moda artística. Clientes particulares, colecciones de

antigüedades y pintura. Roma como centros de artistas y mecenas.

Variantes de relación patrón-artista: artista que trabaje para un patrón (noble,

príncipe…) de manera exclusiva.

Primeras exposiciones en Roma, centro artístico de s. XVII y se expandirá la moda a

Venecia y hasta Francia. Pero no sentido actual, sino en conmemoración a festividades

religiosas (corpus o procesiones), donde artistas menores se darán a conocer. A destacar

a demás del corpus la Congregazione dei Virtuosi (Panteón).

Poco a poco en este clima el arte comienza a ser un instrumento de poder, y aparecerán

una serie de personajes, los “connoisseurs”, entendidos en el tema que juzgarán las

obras.

Afirmación de Caravaggio. Corriente de la jerarquía de los temas pictóricos.

Poco a poco comienzan a aparecer intermediarios por gusto, que compran las obras

acabadas a los pintores y las venden fuera de Italia (Francia, Inglaterra o España).

Comerciantes de arte.

ÁMBITO FLAMENCO

Las pinturas holandesas… desde el punto de vista de consumo, en Holanda el papel del

arte era similar al de hoy en día, se entendía como una inversión (papel social). Poca

documentación de contrates de obra, por lo que es difícil saber la demanda de los

compradores. Diferencia importante en cuanto a la crítica, el arte nórdico no produce su

propio estilo de crítica (corpus de teoría de arte italiana llegará, pero no propia). Por lo

que desdoble: práctica nórdica (concepción más tradicional) versus los ideales italianos.

Contexto: cultura centrada en la visión, avances en óptica… por lo que arte también

cultura visual, se entiende como descripción de la realidad visible. Imágenes como

medio de conocimiento del mundo (toma de autoconciencia).

4.4 – S. XVIII. La obtención de belleza como función de arte: división entre arte y

artesanía. El nuevo público del arte.

Durante el s. XVII, la visión del arte que predominaba era la del Renacimiento italiano,

términos de invención e imaginación toman importancia pero no predominantes, ya que

arte seguía como destreza (conocimiento de normas técnicas) pero que necesita de un

don especial del artista para poder llegar a la perfección, la belleza. Su función era el

conocimiento de la naturaleza, instruir. Pero el foco teórico se va desplazando hacia

Francia, donde se comienza a teorizar y especular sobre arte. La Academia de las Artes

de París por ejemplo adapta la tradición a las necesidades de la época, un centro

normativo que pone normas para artistas clasicistas franceses, poniendo énfasis en las

normas, cada vez más estrictas. A diferencia de la antigüedad ya no tendrá tanta

importancia el aspecto científico (proporción etc.), ahora se hará más importante la

representación de emociones y pasiones. Ahora se jerarquizan los temas pictóricos

teniendo en cuenta la dignidad de los mismos, siendo la representación humana la más

valorada, y dentro del mismo género tmb escala valorativa. Nicolas Possin, 1665

(mayor exponente del clasicismo) otorga una nueva finalidad para el arte. Texto,

finalidad: placer, deleite, agradar. Finalidad que se impondrá en el s. XVIII.

s. XVIII, contexto proviene de la Ilustración (racionalismo como método de análisis de

la realidad), cambio en la concepción del arte. Obra L’Encyclopédie ou Dictionnaire

raisonné des sciences, des arts et des métiers. Diderot /D’Alembert. Nuevo concepto de

arte, primera enciclopedia francesa y clasificación de conocimientos.

División de las artes, teoría del arte como conjunto de textos, y divide en tres ramas:

estética (Baumgarten, 1756), crítica de arte (Diderot, Salons) e historia del arte

(Winckelmann).

Estética: rama de la filosofía que reflexiona sobre el concepto de belleza. En el 1750

nace como disciplina autónoma, estudiando el concepto de belleza a lo largo de la

historia. Creada por Baumgarten, filósofo alemán. Normas para la apreciación estética:

idealista-clasicista. Belleza: acuerdo armónico entre orden y objeto y sus partes

constructivas.

Crítica: nace junto con la aparición de un público específico para el arte (en salones de

París en s. XVIII). Diderot considera que hay que hacer una imitación selectiva de la

naturaleza para producir una superación de la misma.

Historia del arte: como disciplina científica nace a finales del s. XIX en la Escuela de

Viena, pero uno de los antecedentes más importantes es en el s. XVIII, con la obra

Histoire de l’art chez les anciens, Winckelmann, uno de los fundadores de la

arqueología moderna y la historia del arte. A partir de la comprensión de las obras en sí

mismas saca conceptos generales para la reconstrucción histórica, todo contextualizado.

Las obras se estudian directamente, sobre todo las antiguas, y va más allá de la mera

descripción, las ordena y clasifica según criterios estilísticos. Influencias del clasicismo

de la época.

Otro punto es el intento de unir las 3 artes, un principio común (Vasari ya habló como

las artes del diseño, dibujo como unión), Charles Batteux, 1747, Les beaux arts reduits

à un meme príncipe – por primera vez denominación de Bellas Artes (que se

universalizará hasta s. XIX principios del XX). Academias como Escuelas de Bellas

Artes, encargadas de enseñar las artes visuales. La unión: las tres imitan la realidad (de

nuevo imitación clave para ser considerado arte).

Blondel, 1765 dice que las artes representan un placer para nosotros, y belleza como

armonía a partir de imitación de la naturaleza. Consecuencia de esta nueva categoría de

Bellas Artes: excluyen los objetos útiles que no han sido hechos para producir belleza

(artes decorativas), por lo que se acaba distinguiendo – arte (belleza, Bellas Artes) /

artesanía (utilidad, artes utilitarias o menores). Algunos autores reivindicarán la

importancia de la artesanía.

Público del arte en el s. XVIII: un nuevo público.

Paralelamente a estas nuevas categorías aparecen nuevas instituciones (subastas,

exposiciones y museos). 1737 salones de la Academia Francesa de Bellas Artes, con

público mixto. Se ponen de moda y se crean los primeros museos (Galeria de los Uffizi

de Florencia, 1765 abren), poco a poco las obras de arte forman parte de la educación de

las altas clases sociales (se ponen de moda los Grand Tour, viaje cultural por ciudades).

Resumen: nuevo público = cultura de élite, educados en las Bellas Artes.

No hay comentarios
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales