Esquema tema 1, Ejercicios de Publicidad y Promoción
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Esquema tema 1, Ejercicios de Publicidad y Promoción

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Asignatura: arte y publicidad, Profesor: JESUS FELIX PASCUAL MOLINA, Carrera: Publicidad y Relaciones Públicas, Universidad: UVA
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ARTE Y PUBLICIDAD (UVA)

ARTE

EGAÑA CASARIEGO, FRANCISCO 16-17

Cartel modernista en Cataluña

La llegada a España de la litografía en color era un ejemplo de los cartelistas

franceses como Chéret Toullosse Lautrec o Mucha y la probabilidad de ganar

fama y dinero atrajo también en España a un grupo valioso de dibujantes y

grafístas famosos sobretodo en el ámbito catalán donde se desarrolló

rápidamente una sociedad burguesa y comercial. La traducción del cartel taurino

suponía ya una familirización con la técnica de la litografía.

Gracias a el empujón del cartel taurino se abrieron en España imprentas

litográficas dedicadas a la estampación a color de los carteles. Toda esta

infraestructura va a ser aprovechada por el cartel comercial que va adquiriendo

ya importancia por aquellos años. Se considera el cartel de Francisco Ortego

para el chocolate Matias López 1875 como uno de los primero carteles de lo que

se refiere a bienes de consumo.

El impulso definitivo para la implantación del cartel artístico en nuestro país, vino

de la mano de los concursos de carteles y del gran estimulo que supuso el

modernismo en las artes gráficas en Cataluña.

El modernismo que como hemos señalado en lo que referente a la publicidad

tiene su capital en Francia no alcanza en España una variante propia. No

obstante en esta época contamos con artistas de gran altura entre los que

destacan el nombre de Ramón Casas.

El primero de estos concursos fue convocado por Vicente Bosch en 1897 con el

fin de anunciar anís del mono, Bosch había mandado hacer una original botella

imitando un frasco de perfume francés y buscaba un lanzamiento a gran escala.

Los carteles presentados fueros 172 y fueron expuestos en la sala Parés. Ramón

Casas pintor, y dibujante amigo de Picasso, obtuvo el primer premio y podía

haberse llevado seguramente el segundo y tercer premio puesto que el

empresario Vicente Bosch mandó imprimir no solamente el cartel ganador, sino

otro más que había mandado Ramón casas en el mismo estilo casticista.

Ramón Casas representa el cartel realista y sintético derivado del arte

japonizante de Toulosse Lautrec, reduciendo las figuras a algunas lineas que

encierran grandes áreas de colores vivos destacando sobre un fondo abstracto

de color uniforme. Casas había permanecido largamente en París donde conoció

el arte sintético de Toulosse Lautrec.

En sus primeros carteles para la taberna Qvare Gats del año 1897 aparece y se

aprecia ya la influencia de la estampa japonesa y del arte parisino. Con el cartel

de anís del mono sus figuras adquieren un carácter marcadamente español con

unas mujeres vestidas de manolas para sustituirlas por jóvenes de la burguesía

catalana, cautivadoras y modernas.

El azul fue el cartel gandor

Alejandro de Riquer

Fue otro gran representante del modernismo catalán en sus carteles es Riquer

se muestra cercano a los planteamientos de Mucha por su corporativismo y sus

composiciones lineales planas y un tanto abigarradas (repletas)

El cartel modernista catalán fue conocido y apreciado en Francia donde se

reprodujo en revistas especializadas y fue buscado por coleccionistas y vendido

por los grandes comerciantes. Podría concluirse este apartado dedicado al

Modernismo señalando que el período que va desde la década de 1860 hasta la

Primera Guerra Mundial fue sin duda la Edad de Oro del cartel comercial y París

su centro neurálgico del que salían las principales tendencias y donde recalaban

los ilustradores y artistas dispuestos a triunfar internacionalmente. Durante estos

años se pasó de la ciudad de los coches de caballos y el cartel pegado en los

muros a la ciudad de la electricidad, el automóvil y los anuncios luminosos. El

ritmo trepidante que la vida adquiere, en esas nuevas metrópolis despertó el

interés de las vanguardias.

Tema 2: El cartel y el diseño publicitario

(1918-1939)

Características generales:

Una especie de reacción contra las incurvaciones (exceso de curvas)

exageradas del Modernismo, se nota en los carteles posteriores a 1917-1918.

La difusión del cubismo y el desarrollo de tendencias artísticas abstractos

geométricas (Grupo De Stijl) como el neoplasticismo, el constructivismo y la

Bauhaus, conducen a un diseño desornamentado donde predominan las líneas

rectas y las curvas sencillas trazadas con compás. Pero no sólo la imagen se

simplifica sino que también la tipografía asumirá un aspecto cúbico en los

carteles de la época. De está forma los carteles del período de entreguerras

(estos años) adquiere una unidad formal superior a los de los carteles anteriores

(otros períodos).

1. El cubismo (1907-1914):

Fernand Léger (1881-1955)

-Movimiento artístico más importante del Siglo XX que alcanzó una

extraordinario repercusión no sólo en el campo de la cintura sino también en la

arquitectura, escultura, diseño, tipografía etc. El proceso de configuración del

cubismo se desarrolla fundamentalmente entre 1907 y 1914.

-Fenómeno parisino; Representantes: Pablo Picasso, George Braque, Robert y

Sonia Delaunay (matrimonio), Fernand Léger.

En 1914: El cubismo es un sistema visual, perfectamente configurado y concluso

que permitirá que una serie de pintores conviertan en los años siguientes lo que

constituyó una suma de resultados experimentales en un estilo perfectamente

codificado y académico.

Obra hito en la evolución del cubismo y en la historia de la pintura: “las Señoritas

de Avignon” que concluyó Picasso a mediados de 1907.

Titulo original parece ser Señoritas d’avingó. Para muchos historiadores de arte

es el primer cuadro del siglo XX.

Pablo Picasso representó:

-Una serie de figuras desnudas rompiendo con la visión mono focal (se

representan las cosas desde un punto de vista o ángulo) tradicional y

descomponiendo el objeto mediante una visión simultánea que anula el valor del

punto de vista único como referencia de la representación.

-Consiguen: la ruptura consciente con la idea de proporción, de modelado y de

perspectiva sobre los que se basaban la pintura tradicional.

-La pintura tradicional buscaba la simulación de efectos de relieve, espacio y

profundidad en el plano bidimensional del lienzo, mediante el claro oscuro y la

reducción de la perspectiva del objeto.

-Para Picasso, un objeto en este caso unos desnudos, puede ser representado

desde unos presupuestos completamente distintos de la visión establecida

desde un punto de vista único, como la pintura occidental lo había venido

representando desde la invención de la perspectiva mono focal en el Siglo XV.

-El arte ya no tenía por qué registrar los objetos desde un punto de vista

determinado como prescribía la tradición pictórica secular.

-En lugar de ello, el cubista analizaba lo que sabía de ese objeto que tenía ante

él y lo representaba desde todos los puntos de vista posibles (ángulos)

simultáneamente lo que le obligaba a descomponer la realidad en planos o

facetas para recomponer luego estos fragmentos en una nueva forma

estructural. Esto se pone de manifiesto especialmente en la mujer sentada de la

derecha dónde Picasso reduce en una sola imagen diferentes puntos de vista de

una misma figura. Así la cara aparece representada de frente, la nariz de perfil,

el cuerpo de espaldas, etc.

-Picasso rechaza la perspectiva y el modelado inaugurados en el Renacimiento

y abandona la tradición representativa occidental.

-La serie de propuestas formuladas por Picasso en el cuadro de las señoritas de

Avignon constituyeron la base sobre la que se asentaron las experiencias

posteriores de Picasso y de Braque.

-A partir de 1910 Picasso y Braque desarrollan su obra en el marco de una

intensa colaboración rota por el estallido de la Primera Guerra Mundial.

Cubismo analítico (1910-1912)

En 1910, inician Picasso y Braque lo que se ha denominado cubismo analítico

que se extiende hasta 1912.

Características:

-Los temas se fragmentan en todos los puntos de vista posibles, empleando una

gama de color apagado (verdes, grises, pardos, ocres, negros, transparencias,

etc)

-Se abandonan los efectos de profundidad hasta no dejar sino una mera trama

reticular en la que predominan los ángulos y las líneas rectas sobre un fondo

monocromo.

-La superficie se convierte en algo parecido a un relieve ya que permanecen los

difuminados.

-La iluminación no es real (la luz procede de distintos puntos)

-La imagen visualmente no es coherente pero sí conceptualmente.

(El mandolinista Y El torero de Picasso)

.Gran fraccionamiento del objeto

.Tema alejado de la realidad.

.Picasso introduce letras que faciliten la identificación del tema y poco después

el collage. Collage (término francés): Significa pegar o encolar consiste en la

integración de objetos reales en una composición pictórica.

-La integración de letras o números, la presencia del título de un periódico o un

El pichón con guisantes de Picasso

billete de autobús son elementos identificables que aseguran la referencia

figurativa del cuadro.

-El cubismo nunca abandonó su condición figurativa. Para Picasso la pintura es

representación al margen de las propuestas tradicionales de la visión.

Cubismo sintético (1912- 1914)

-Con la incorporación del collage en 1912 se inicia la etapa final del cubismo

denominada cubismo sintético, que se extiende hasta 1914.

-Se abandona la excesiva fragmentación de la forma y los objetos reconstruidos

se concentran en un plano único sin sombras ni esfumados (degradados).

-Las evocaciones naturalistas son más explícitas reconociéndose las líneas

simplificadas de los contornos de los objetos. (la botella)

-En esta etapa se abandona el desinterés por el color que recobra su importancia

y se extiende por el cuadro.

-La naturaleza/bodegón muerta sigue siendo el tema preferido por su estatismo

e inmovilidad.

-Alusiones directas a la publicidad (a través de etiquetas y anuncios que se

incorporan como retazos/fragmentos de la vida real al mundo de la pintura).

CUBISMO ANALITICO: DESCOMPOSICIÓN

CUBISMO SINTÉTICO: RECOMPOSICIÓN

Los artistas pasaron a construir de una manera autónoma una realidad artística

(Dados, pipa, naipe, guitarra, pentagrama) Picasso

sin dependencias de ninguna clase. Puede afirmarse que el cubismo se convirtió

en el movimiento artístico más importante de comienzos de siglo y resultó

también el más estimulante pues abría las puertas a las corrientes abstracto

geométricas que se extendieron por Europa pocos años después. Movimiento

más estimulante=> la abstracción geométrica.

Robert Delaunay (1885-1941)

Fue un importante pintor cubista francés. En sus interpretaciones cubistas de la

ciudad de París y en sus cuadros basados en eventos deportivos introdujo

anuncios publicitarios.

-En la obra de su esposa Sonia, el mundo de la vanguardia y el de la publicidad

se hicieron cómplices. Mostrando gran interés hacia el mundo de los grandes

anuncios de neón lo que le llevó a realizar trabajos para la firma Mica-Tube.

-Mica-Tube era una empresa que se dedicaba a los rótulos de neón.

ROBERT DELAUNAY EL EQUIPO DE CARDIFF (1912-1913)

SONIA DELAUNAY MICA-TUBE

Fernand Léger

Sus experiencias de la Primera Guerra Mundial determinaron el tema central de

su obra que va a ser la cara tecnológica del Siglo XX.

-Representó un mundo mecanizado poblado por obreros dónde el color adquirió

una importancia fundamental.

-La forma tubular de sus figuras dio ligar a que un critico de arte señalase que

su obra guardaba relación con el tubismo y no con el cubismo término que desde

entonces da nombre a su peculiar interpretación del cubismo.

-El carácter popular de su estilo ejercerá una influencia clara en la evolución de

las imágenes publicitarias.

(Fernand Léger, El constructor)

Purismo

Consecuencia del cubismo. En 1918 surgió el Purismo, de la mano de:

-Charles Edouard Jeanneret

-Le Corbusier (1887-1966) pintor cubista y uno de los grandes arquitectos de

todo el siglo XX.

Amedée Ozenfant (1886-1966)

 Pretendía lograr una depuración perfecta de las líneas y volúmenes del

cubismo sintético. Podríamos concluir señalando que el cubismo no será

incorporado al repertorio del diseño gráfico hasta años después,

previamente asimilado por las vanguardias posteriores quienes lo

depuran permitiendo ciertas licencias y adulteraciones respecto al

ortodoxo cubismo original.

EL FUTURISMO ITALIANO LA "REVOLUCIÓN TIPOGRÁFICA"

 Puede decirse que el futurismo apareció en 1909 con la publicación del

primer manifiesto futurista debido al poeta Filipo Tommaso Marinetti (1876

– 1944) y despareció con la finalización de la Segunda Guerra Mundial.

 El futurismo nació en el contexto de un agitado clima económico y social

en Italia. Las características de este movimiento fueron explicadas por

Marinetti en su manifiesto del futurismo publicado el año 1909 en el

periódico francés ‘Le Figaro’. En este manifiesto, propuso una serie de

ideas que se podrían resumir en su intención de abolir el pasado y

defender la modernización.

 Los futuristas italianos se van a inspirar fundamentalmente en la industria,

la máquina y la velocidad que configuran la ciudad moderna. El automóvil

que entusiasmó a los futuristas, el tranvía, el teléfono, el avión y los

ferrocarriles constituían conquistas técnicas que alteraron

sustancialmente la imagen de las calles y la representación del mundo

desde finales del s. XIX y ello, porque las distancias se desvanecían, las

perspectivas se acortaban, y todo daba la impresión de hallarse en

movimiento. ‘Nada es más bello que una central eléctrica en

funcionamiento’àMarinetti.

 En sus primeras manifestaciones los futuristas exploraron con las formas

fracturadas y la geometrización cubista, al tiempo que con el color para

transmitir la idea de dinamismo.

 El poeta Marinetti jefe de filas del movimiento y autor del manifiesto

futurista en el que exaltaba la máquina y la velocidad, otorgó a la tipografía

(el diseño de letras) un importantísimo papel en el juego de las formas

plásticas iniciando una auténtica revolución tipográfica.

 A partir del manifiesto fundacional del futurismo, el lema de ‘la palabra en

libertad’ justificó un protagonismo hasta entonces desconocido del tipo en

una disposición espacial inédita, en la cual la letra se libera de la

alienación clásica adoptando formas concretas figurativas, o bien

alineaciones verticales, circulares en escalera…

 Este tipo de propuestas tipográficas se integrarán a partir de entonces en

el diseño gráfico y publicitario. En su libro de 1914 titulado ‘Zang Tumb

Tumb’ Marinetti hizo con el tipo lo que los artistas futuristas trataban de

hacer con la pintura y la escultura aplicando las nociones de fuerza

dinámica y línea de fuerza.

 Marinetti trató de abolir la sintaxis y la gramática tradicionales

dinamizando el lenguaje, eliminando los adverbios y los adjetivos para

desarrollar un estilo telegráfico, incluyendo en los textos signos

matemáticos, montajes verbales y onomatopeyas y proclamando la

tipografía libre.

(F.T.MARINETTI ZANG TUMB TUMB)

En su libro de 1914 titulado “Zang Tumb Tumb” hizo con la tipografía lo que los

artistas futuristas intentaban hacer con la pintura y la escultura aplicando las

nociones de fuerza dinámica y línea de fuerza a la representación visual.

Dinamismo: Representado a través de las disposiciones de frases en formas

diagonales, verticales, circulares, en escalera etc. Esta nueva disposición

espacial se va a incorporar al diseño publicitario.

Marinetti trato de romper la sintaxis y la gramática convencionales.

Dinamizo el lenguaje condenando los adverbios y los adjetivos y desarrollo un

estilo telegráfico incluyendo signos matemáticos, creando montajes verbales

onomatopéyicos y proclamó la tipografía libre.

Los cubistas ya experimentaron con la tipografía incorporando a sus

composiciones letras y palabras pintadas y posteriormente pegando trozos de

periódico y otros materiales.

Fortunato Depero: Representante de la segunda generación del futurismo

italiano y creador de un universo figurativo muy particular diseñó carteles y

logotipos al tiempo que fue pintor, escritor, escultor, y diseñador, siendo uno de

los mayores artífices en el uso comercial del estilo futurista. De Pero se había

unido al futurismo en el año 1914 y tras años de estancia en Roma retornó en

1919 a su ciudad natal Rovereto donde inauguró la que él denominó ‘Casa de

Arte’ dedicándose a diversas técnicas artísticas como la elaboración de pinturas,

carteles, tapices, almohadones, mobiliario, juguetes… Pero concibiendo una

especial atención al trabajo publicitario que constituyo la actividad más lucrativa

de este estudio que el denominaba ‘Casa del Arte Futurista’.

En la primer mitad del s. XX y durante más de tres décadas la compañía milanesa

de licores Campari influyó en el diseño gráfico contemporáneo mediante sus

carteles y su identidad gráfica.

Marcelo Dudovich-1904/Marcelo Nizzoli-1931/Fortunato de Pero/Leoneto

Cappiello–1921

Campari demostró una excepcional comprensión de la importancia de una

campaña publicitaria moderna recurriendo a los artistas más destacados de

vanguardia entre los cuales hay que señalar a Leonetto Cappiello y a Fortunato

de Pero.

El trabajo de Fortunato para Campari se inicia sobre 1924 y se prolongó hasta

1937.

Las atribuciones de De Pero para la empresa Campari fueron muy amplias,

realizando multitud de anuncios publicitarios para la empresa licorera, en tinta

china de una gran originalidad a pesar de utilizar solo el color negro sobre el

fondo del papel blanco. Estos personajes mecanizados constituyeron un eficaz

reclamo para el público que quedó cautivado por estos seres fantásticos.

Una de las obras más importantes de De Pero fue su cuadro publicitario (no

cartel) titulado ‘Bitter Campari – Delicioso con agua de Seltz’ que presentó en la

XV Bienal de Venecia en el año 1926.

El cuadro representa a dos hombres disfrutando de un Bitter Campari en una

taberna geométrica en cuyas paredes figuran las palabras ‘Bitter Campari’.

Dentro de las brillantes campañas que realizó De Pero a lo largo de las décadas

de los años 20 y 30 destacaron sus arquitecturas tipográficas creadas para

pabellones feriales que al modo de palabras en libertad constituían verdaderas

escrituras habitables. En 1927 la editorial Bestetti, Tumminelli y Treves, le

encargó un pabellón para la 3º feria internacional de Artes Decorativas de Monza,

De Pero creó un pabellón ubicado al aire libre que formaba su estructura con los

caracteres tipográficos de los nombres de los editores. Las puertas, el techo y el

interior e incluso los muebles están inspirados la forma de letras del alfabeto.

Este pabellón pese a su complejidad fue construido en tan solo 25 días. Pero

hay que decir que la mayor parte de sus pabellones se quedaron en el papel sin

llegar a ser construidos.

Habría que concluir señalando que la relación entre De Pero y Campari resulto

bastante fructífera en los ámbitos de diseño y publicidad y es que Campari

produce todavía bebidas con envases y etiquetas diseñadas por De Pero. El

botellín de Campari Soda constituye sin duda alguna la obra más difundida,

persistente y popular del futurismo italiano. Un pabellón diseñado por De Pero

en 1933 para Campari sirvió de modelo para el museo del aperitivo Campari

proyectado por el célebre arquitecto italiano Mario Botta e inaugurado en el año

2010. (EXAMEN: FORTUNATO DEPERO)

EL NEOPLASTICISMO HOLÁNDES: EL GRUPO DE STIJL o el

Constructivismo

En otros países movimientos como de Stijl o el Constructivismo que en las

primeras fases de su evolución habían considerado al cubismo su punto de

referencia pictórico aplicaron después estos descubrimientos de tal modo que su

influencia sobre el diseño de carteles y el diseño gráfico fue más importante que

la del propio cubismo.

Cubismo analítico (1910-1912) es el punto de partida para el

Neoplasticismo/Grupo de Stijl (Holanda de la mano de Piet Mondrian) y en Rusia

el constructvismo Ruso/Suprematismo de forma que ambos surgieron del

cubismo analítico y tuvieron más importancia en el cartel publicitario que el propio

cubismo, ambos (constructiviso y neoplasticismo) derivan en la Bauhaus

Alemana (1919-1933).

El cubismo influye en el diseño publicitario por sí mismo.

Piet Mondrian (1872-1944) uno de los 10 grandes creadores del S.XX. Es

coetáneo al dadaísmo pero no tiene nada que ver.

Los degradados de color o esfumados caraacteristicos del cubismo analitico. Por

otra parte los planos inealinados y entrecruzados del cubismo analitico fuero

alisados y puesos en orden y finalmente retenidos por lineas oscuras que los

encierran. En 1914 sale de Paris para pasar sus vacaciones de verano en

Holanda y le sorprende alli la guerra. En Holanda funda en 1916 con el arquitecto

y pintor Theo Van Doesburg la revista “De Stijl” en la que intentan definir la nueva

pintura uno de sus objetivos fundamntales era limpiar el arte de banalidades

como el tema, la ilusion, la ornamentación y el subjetivismo. En este momento

Mondrian eliminarán definitivamente las curvas reduciendo sus composiciones a

lineas vericales y horizontales cruzadas formando angulo recto cuya relacion

equilibrada sugiere el reposo. Verticales y horizontales se convierten en

rectangulos recubiertos de una pintura siempre plana y en los que se reduce el

color a colores primarios (rojo, amarillos y azul) y a los colores (blanco, negro y

gris). Mondrian mostró mucho interes por las fotografias aereas realizadas por el

ejercito americano durante la Primera Guerra Mundial y ello porque mostraban

una nueva manera de mirar, a medida que la distancia aumenta el relieve

terrestre disminuye y desde el aire la tierra se ve como una alfombra plana y sin

relieve y es que desde el aire y a traves de la distancia el paisaje queda reducido

a una especie de formas abstractas de lineas y manchas. Para conseguir este

efecto Mondrian abandonó la verticalidad del caballete adoptando la costumbre

de trabajar en horizontal sobre una mesa, lo que permitía quitar gravedad y peso

a las formas. Hay que decir que como movimiento de stijl no estuvo limitado a la

pintura, la arquitectura, el mobiliario y las artes decorativas representaron un

papel importante en este movimiento. Mondrian no fue arquitecto, pero hizo

diseños

Theo Van Doesburg

Fue uno de los fundadores del movimiento fue arquitecto, pintor y diseñador. A

diferencia de Mondrian, Van Doesburg colocó los cuadros en angulos de 45º

respecto a las lineas verticales y horizontales

Gerrit Rietveld

Miembro del conocimiento fue diseñador de muebles y arquitecto su obra más

conocida es la casa de Schiroder construida en Utrech en 1924 y que se

conserva. Esta cosa significpun intento consciente y deliberado de aplicar los

principios de Stijl (neoplasticismo) a la arquitectura como lo pone de manifiesto

la descomposición y recomposicion de planos a cuales subrayados por la

(PIET MONDRIAN en sus inicios) Bosque

La revista de Stij (1917).

aplicacion de color propia del neoplasticismo

El Dadaísmo

Se dice que abrieron un diccionario al azar y encontraron la palabra “dada” de

ahí su nombre.

Si bien el dadaísmo surgió como un movimiento literario pronto paso a afectar

otras expresiones artisticas como la poesia, collage el arte esperiencial, etc. En

el caso del diseño grafico su mayor influencia tuvo lugar en el campo de la

tipografia. Los carteles dadaistas suelen mostrar un diseño caotico donde el texto

puede leerse en todas las direcciones, en medio de una confusa mezcla de

frentes simbolos y letras trazadas fundamentalmente a mano. La legibidad va a

constituir un elemento secundario. Los carteles dadaístas fundamentalmente

sirvieron para anunciar sus propias exposiciones.

En 1916 cuando el poeta Hugo Ball inauguró el cabaré Voltaire en Zurich. Aunque

los dadaístas se declararon a sí mismos anti artistas lograron notables

contribuciones en el campo del diseño gráfico. Los artistas y escritores dadaístas

estaban en contra de las convenciones, de la tradición y de la moral burguesa.

Afectados profundamente por los horrores de la Primera Guerra Mundial

adoptaron una actitud cínica y desilusionada. En lugar de la belleza y la estética

buscaron la exaltación del azar y el caos, y en lugar de la racionalidad, la

irracionalidad.

Fotomontaje (collage de fotografias)

En este periodo los dadaistas berlinenses introdujeron la tecnica del fotomontaje

no se tiene seguridad de quien fue el artistas que inventó el termino, en gran

parte devido a los montajes de esta epoca fueron colaboraciones de varios

aristas. Sus cinco maximos esponentes fueron: Jean Heartifield, Harra Hoch,

Johannes Bader, Raoul Hausmann y Georg Grosz. Todos ellos coincidieron en

la necesidad de poner un termino diferente que diferenciará esta tecnica de los

collages cubistas. De esta forma nació el fotomontaje que fue creado a partir de

yustaposiciones de fotografias a los que se incorporaban en ocasiones textos de

periodico. Estos fotomontajes solian reproducirse en las cubiertas e ilustraciones

de las revistas.

El dadaismo va a desaparecer a partir del año 1923 si bien su influencia

perdurará ampliamente.

Neoplasticismo holandes: El grupo de Stijl (Neoplasticismo=Stijl)

En algunos paises movimientos como de Stijl o el constructivismo que en las

primeras fases de su evolucion habia considerado el cubismo su punto de

referencia pictorico, aplicaron despues estos descubrimientos de modo que tal

su influencia sobre el diseño grafico y de carteles fue más directa que la del

propio cubismo.

El pintor Piet Mondrian fue sin lugar a dudas el representante más importante del

grupo holandes de stijl. Comenzó en su holanda natal realizando un tipo de

pintura infuencia basicamente por el “expredionismo” de su compatriota Van

Gogh. Comienza pintando arboles buscando la exaltacion cromatica y el

grafismo dramatico de hojas y ramas

Partiendo del cubismo analitico Mondrian desemboco en una abstracción

geometrica del mayor rigor. Desde 1911 a julio de 1914 Mondrian residió en

Paris. Alli conocio de primera mano el cubismo que se convirtió para él en una

autenca revelacion. Mondrian adoptó sus principios (del cubismo analitico) pero

no tardo en darse cuenta de que el abismo no aceptaba la consecuencia logica

de sus investigaciones, que no era otra que la abstracción total. En consecuencia

Mondrian restringirá la gama de colores cambiando las lineas curvas por rectas

y limitando la direccion de los planos a la superficie bidimensional del lienzo, lo

que consigirá eliminando.

El movimiento de stijl fue la contribucion Holandesa más importante al desarrollo

de la arquitectura la pintura y el diseño moderno del siglo XX. Muchos carteles

holandeses de la posguerra demuestran una ordenacion influida por el diseño

del neoplasticismo, que en su version más ortodoxa se limitaba al uso de colores

simples y de formas cuadradas o rectangulares y es que Mondrian diseñó

algunos carteles que tuvieron gran repercusion.

Seguidores del movimiento en el campo del diseño grafico incorporaron estos

ideales al mundo comercial a traves de anuncios y envasados. El sector

alimenticio especialmente y en concreto los tés y cafes de la marca Van Nelle

promocionó sus productos a travñes de un lenguaje geometrico y el empleo de

colores primarios.

La influencia del neoplasticismo se advierte en muchos anuncios y carteles

españoles de los años 30, a traves de su ordenacion mondrianesca

Theo Van Doesburg

El arquitecto, pintor y diseñador creo en 1919 un alfabeto experimental con la

eliminacion de toda linea curva o diagonal Van Doesburg creo un tipo geometrico

que anticipaba la obra de la Bauhaus y otras corrientes de los años 20 y 30 en

su busqueda de los dundamentos del alfabeto a pesar de que la legibidad de

este alfabeto no fuera muy buena el tipo presentaba una gran armonia.

La arquitectura fue una de las principales influencias del diseñador holandes

Piet Zwart, quien describia su proceso se diseño como la construccion de

paginas con tipos de letra. Zwart definia a sí mismo como tipotecto, palabra que

inventó para referirse a su actividad en la que la tipografia y la arquitectura.

Zwart creo una serie exraordinaria de anuncios tipograficos con un juego de

escaleras y formas geométricas y una convinacion de negro, blanco y rojo que

recordaba al movimiento de stijl.

SUPREMATISMO Y CONSTRUCTIVISMO

Aunque una parte importante de la publicidad rusa se inscribe en la estética

tradicional, la parte más importante de la publicidad de esos años en Rusia la

aportan los artistas de vanguardia. En este sentido la contribución de los

movimientos suprematistas y constructivista al diseño grafico y al cartel fue de

una extraordinaria importancia.

SUPREMATISMO

Kasimir Malevich

Paralelamente a las experiencias de Mondrian en Holanda y en Francia se

produjeron en Rusia algunos movimientos de vanguardia de extraordinario

interés para el desarrollo del arte moderno (contemporáneo). En 1911 el pintor

Kasimir Malevich creador del suprematismo viajó a París donde asimiló (conoció)

la pintura cubista. De vuelta en Rusia desarrolló una pintura influida por Leger,

Picasso y Braque, y a prueba de ello vemos aquí:

Pero nada permitía adivinar el enorme salto que dio en 1915. A finales de ese

año se inauguró en San Petesburgo la exposición 0.10 la última exposición

futurista, y allí presentó Malevich un impresionante conjunto de cuadros a los

que calificó de suprematistas. Se trataba de obras totalmente abstractas con

predominio de figuras geométricas simples aunque no siempre absolutamente

regulares que amenizaban con el espacio cúbico de la sala. Una de estas obras

Cuadrado negro sobre fondo blanco” se convertiría pronto en un hito para la

historia del arte moderno. Pero Malevich se superó así mismo cuando pintó 1919

su “Cuadrado blanco sobre fondo blanco”. Malevich consideraba al cubismo y al

futurismo como movimientos agotados que debian dejar paso a la pintura pura,

es decir, a la abstraccion geometrica.

Malevich defensor de la abstracción quería desmontar la mentira del arte

figurativo “el arte

ya no quiere estar al servicio de la religion ni del estado, no quiere seguir

ilustrando la historia de las costumbres, no quiere saber nada del objeto como

tal, y cree poder afirmarse sin la cosa“

Consecuentemente con sus ideas elaboró pinturas basadas en formas

geométricas simples pintadas de colores puros que parecían flotar libremente

sobre el fondo blanco de las telas que denominó suprematistas

“el leñador” “samevar” “un ingles en Moscu”

Por suprematismo entendía la supremacía del sentimiento en el acto creador que

se representaba mejor por medio del cuadrado el elemento artístico más

elemental y por lo tanto supremo. Malevich no quedo atrapado por sus cuadrados

sino que desarrolló una progeresión lógica de formas que se hicieron

gradualmente más elaboradas a medida que trataba de expresar estados más

complejos de sentimiento. De esta forma al cuadrado le siguieron el círculo, el

triángulo, el rectángulo, el trapecio, etc. Desde un punto de vista formal el

suprematismo se basaba en la reducción de las formas cubistas a sus

propiedades más elementales. Al contrario que Mondrian, Malevich no suprime

las líneas diagonales ni reduce la gama de color a los colores puros (primarios)

aunque los emplea también lisos. Para lograr sus propositos Malevich

superponía las formas y cambiaba ligeramente los ejes. De está forma Malevich

creó un vocabulario a base de triángulos, rectángulos, trapecios y círculos de

colores muy variados que ejerció una enorme influencia en la vanguardia

occidental.

EL CONSTRUCTIVISMO

La revolución de octubre de 1917 supuso en la antigua Rusia la liberación de un

inmenso caudal de energías creadoras. En conexión directa con el cubismo, el

CUADRADO BLANCO SOBRE FONDO BLANCO CUADRADO NEGRO SOBRE FONDO BLANCO

futurismo y el suprematismo se desarrollo por esos años en Rusia otro

movimiento importante en el mundo del arte y de naturaleza también geométrica

y asbtracta como fue el constructivismo. El constructivismo afectó tambien a

todas las artes. Debido a la debilidad productiva de la URSS en esos años el

constructivismo produjo muchos más proyectos que realizaciones. El

Monumento a la Tercera internacional comunista de Vladimir Tatlin de hacerse

construido hubiese sido un inmenso monumento industrial de casi 400 metros de

altura en espiral de acero que hubiera contenido tres estructuras geométricas

acristaladas con movimiento individualizado giratorio en revoluciones diaria,

mensual y anual. Estas estructuras geométricas hubieran constituido habitáculos

de grandes dimensiones destinados a albergar actividades relacionadas con la

práctica política y revolucionaria.

(VLADIMIR TATLIN MONUMENTO A LA TERCERA INTERNACIONAL)

En pintura y escultura las realizaciones resultaban evidentemente más fáciles,

de esta forma, los hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner crearon obras

abstractas en tres dimensiones.

Naum Gabo: Construcción Líneal Antoine Pevsner

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