Examen+apuntes Música en la Sociedad Contempoánea, Apuntes de Literatura. Universitat Autònoma de Barcelona (UAB)
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Examen+apuntes Música en la Sociedad Contempoánea, Apuntes de Literatura. Universitat Autònoma de Barcelona (UAB)

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Asignatura: La musica contemporania, Profesor: Cèsar Calmell, Carrera: Humanitats, Universidad: UAB
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Examen del curso 2017/18 de Música en la Sociedad Contemporánea, con César Calmell

1. Definir conceptos: Aria di capo Intermezzo Sinfonía Empfindsamer stil

2. Desarrollar un tema general. Música instrumental: explica su evolución desde mero entretenimiento hasta el conocimiento.

3. Interpretar una audición. La buona figliuola (nombre del autor, siglo, movimiento, tipo de música, cómo es la voz de la cantante, etc)

APUNTES ORDENADOS PARA EXAMEN

1. Conceptos a definir.

A cappella: locución con la que se designaba la música coral cantada sin acompañamiento instrumental.

Academia: en el terreno musical, nombre que se daba a una institución donde se cultivaba el estudio y/o la ejecución de la música. Las primeras Academias nacieron en la Italia renacentista; en ellas a menudo se estudiaban también los clásicos, la filosofía y la literatura. Luego fueron imitadas en otros muchos países.

Acento: énfasis que en la ejecución se da a una nota o notas generalmente aumentando su intensidad o duración.

Acorde: conjunto de dos o más notas que suenan simultáneamente.

Allegro: movimiento de velocidad rápida. Es el primer movimiento de la sonata, y está formado por una estructura de tres partes, a saber, la exposición, el desarrollo y la reexposición.

Andante: movimiento moderadamente lento.

Aria: canción que puede ser independiente o formar parte de una obra más larga.

Armonía: combinación de diferentes sonidos o notas que se emiten al mismo tiempo.

Armónicos: los sonidos puros normalmente presentes en una nota musical.

Aubade: pieza musical matutina.

Azione teatrale: teatro musical popular a mediados del siglo XVIII, especialmente en las cortes y en los alrededores de Viena.

Barroco: movimiento cultural y artístico presente entre el XVI y el XVIII. La cultura barroca era protocolaria, fría y pautada, un arte que daba más importancia al poder real y el de la Iglesia. Se trata de un arte aristócrata, cortesano, pero que quiere adoptar muchas de las perspectivas del nuevo grupo social emergente, como sería la “gracia”. Algo gracioso, que no obedece a la etiqueta. Una visión idílica de lo pastoril, natural, con amor por los sentidos, con transgresión de las normas y sin interpretaciones intelectuales, tales como las que sí tenía el barroco.

Bello: es una cualidad social que otorga una sensación de alegría y placer al ser contemplados, inspirando ternura y buscando como fin la conexión.

Bel canto: término generalmente empleado en referencia al elegante estilo vocal italiano de los siglos XVII a XIX, caracterizado por el sonido bello, la ejecución florida, el fraseo proporcionado y la técnica poco esforzada.

Bemol ( 0 E4 0): signo que, colocado a la izquierda de la nota, indica que ésta debe disminuirse en un semitono.

Cabaletta: sección final y rápida de un aria o un dueto ampliados.

Cadencia: conclusión o inflexión de una frase musical.

Cadenza: pasaje virtuosista próximo al final de un movimiento de concierto o una aria. La cadenza formal es una creación del período barroco.

Cantata: Composición principalmente vocal, dominante en el Barroco, que consiste en varios movimientos y que tiene su base en un texto continuo, lírico o dramático. Apareció poco después de 1600, y alcanzó su total plenitud con compositores como Johann Sebastian Bach.

Cavata: pasaje extraído al final de la música y el texto de un recitativo por su particular significación.

Cavatina: el la ópera del siglo XVIII, un aria breve. En la ópera italiana del siglo XIX, una aria elaborada que con frecuencia concluye con una rápida cabaletta.

Coda: Sección final de una composición ajena a su estructura básica, añadida para confirmar la impresión de finalización.

Charles Batteux: filósofo francés que planteó las tres formas naturales de expresarte: habla, gesto y entonación, agrupados en el teatro.

Clasicismo: Fue un estilo que duró pocos años, alrededor de treinta o cuarenta, teniendo Viena como principal exportador de música, una música que consigue una coherencia y unidad que la convierte en un producto autónomo. Se comienzan a crear unas obras que adquieren autonomía por ellas mismas, como vida propia, haciéndose independientes del medio. Un tipo de obras que no dependen de la moda o los gustos, sino que puede crear por sí mismo ese sentido de autosuficiencia. Un arte que no muere, pues cuenta con las posibilidades de vivir siempre. el compositor busca enviar un mensaje, uniendo la gratificación de los sentidos. La música se convierte en

portadora de ideas (no conceptos), llevando a una trascendencia. Está llena de significados, siendo mucho más que un concepto. Tiene el aspecto de una realidad superior.

Commedia dell’arte: forma de teatro cómico italiano en la que se emplean las máscaras, las bufonerías y la improvisación, y que floreció entre el XVI y el XVIII.

Concierto: nombre con que en el siglo XVII se designó a las obras escritas para un conjunto de voces e instrumento; desde entonces fue aplicándose en general a toda obra en la que un instrumento solo (o un grupo) contrasta con un conjunto orquestal.

Crescendo: instrucción para aumentar gradualmente la intensidad del sonido.

Decrescendo: instrucción para disminuir gradualmente la intensidad del sonido.

Desarrollo: parte de la obra que combina melodías a y b. Se trata de la parte más compleja.

Doctrina de las afecciones: concepto teórico de la época barroca derivado de las ideas clásicas de la retórica, según las cuales la música provocaba las “afecciones” (o emociones) del oyente de acuerdo a un sistema de reglas que vinculan los distintos recursos musicales (ritmo, figuras, etc.) a ciertos estados emocionales.

Exposición: es la presentación de los personajes. Son ideas musicales muy características. Normalmente hay dos (o más. Mälher, por ejemplo, pone seis, lo que lo hace más complicado). Cuando se llega al final puede ser que se vuelva a exponer para que se recuerde mejor.

Empfindsamer Stil: término asociado a una particular cualidad estética prevaleciente en el norte de Alemania a mediados del siglo XVIII que hace referencia a cierto tipo de expresión de carácter íntimo, sensitivo y subjetivo, concebido para infundir una leve melancolía.

Ilustración: Es el movimiento filosófico, literario y científico que se desarrolló en Europa y sus colonias a lo largo del siglo XVIII ("de las Luces”). Representó una importante modernización cultural y el intento de transformar las caducas estructuras del Antiguo Régimen. En la música, los caracteres de este movimiento quedan reflejados en el nacimiento de un estilo más sencillo, accesible y galante, en el que predomina la gracia melódica con un acompañamiento.

Interludio: composición que se ejecuta o canta entre las partes principales de una obra más extensa. Hacia finales del XVII, los intermedios franceses pudieron considerarse, por su extensión, composiciones en pleno derecho, no tenía que estar necesariamente relacionado con la obra en la que se hallaba inserto y el ballet desempeñaba un papel mayor. Los intermèdes para las óperas italianas importadas a París por Mazarino a mediados del siglo XVII fueron más populares que las propias óperas.

Intermezzo: término aplicado en el siglo XVIII a los interludios cómicos ejecutados entre los actos o las escenas de una ópera seria. Acabaron siendo dotadas de una trama propia, generalmente montada alrededor del tipo de la sirvienta astuta que emple trucos con su novio o le arrastra al matrimonio.

Lied: tipo de canción alemana, especialmente del período romántico, típicamente cantada por una voz solista con acompañamiento de piano.

Leitmotiv: tema o idea musical claramente definida, representando a una persona, objeto o idea que vuelve en su forma original o alterada en los momentos apropiados en una obra.

Melodía: una serie de notas musicales ordenadas sucesivamente y con un patrón rítmico particular, para formar una unidad reconocible. Junto al rito y la armonía se considera uno de los elementos fundamentales de la música.

Música galante: Término aplicado en el siglo XVIII a la música de carácter amable, con melodía periódicas ligeramente acompañadas. La consonancia de la música galante con los ideales de la Ilustración es patente en su claridad y carácter placenteramente “natural” en oposición al contrapunto sobrevalorado de la generación precedente.

Mundo nouménico: idea que indica todo aquello que no puede ser percibido en el mundo tangible y a la cual sólo se puede llegar mediante el razonamiento.

Mundo fenoménico: mundo que habitamos.

Notturno: término utilizado en el siglo XVIII para designar una serenata que debía interpretarse tarde por la noche.

Ópera: obra dramática musical en la que los actores cantan algunas de sus partes o todas; en la ópera se da una unión de música, drama y espectáculo, en la que la música desempeña el papel dominante.

Preclasicismo: generación previa a la música clásica. Se da una renovación de las formas orquestales, apareciendo aquí la sinfonía y el concierto.

Ópera buffa: ópera surgida en Italia con temática cómica, contraria a la ópera seria.

Rococó: movimiento artístico que surge en el siglo XVIII como respuesta al barroco al servicio de la aristocracia y de la burguesía, acomodándose al mundo del lujo y la fiesta, a aquello que no obedece a la etiqueta.

Romanticismo: movimiento cultural que se originó en Alemania y en el Reino Unido a finales del siglo XVIII como una reacción revolucionaria contra el racionalismo de la Ilustración y el Neoclasicismo, confiriendo prioridad a los sentimientos.

Scherzo: Movimiento fijo, de compás rápido, comúnmente en tres por cuatro, que forma parte de la sonata y la sinfonía. Fue muy habitual en Beethoven, quien lo intercambió por el minueto.

Sublime: lo sublime es aquello llegado de los sentimientos más profundos, como son el miedo o el dolor, que tienen el poder de hacernos evocar y destruirnos. Llega del temor de la amenaza, pero solo cuando esta no es cercana.

Simpatía: es uno de los tres eslabones surgidos de las pasiones, junto con la imitación y la ambición. Con ésta se crea un interés por los demás y por sus emociones, creándose una empatía.

Serenata: Pieza vocal o instrumental ejecutada al aire libre, por la noche, en honor de determinada persona que la escucha.

Sinfonía: Composición musical concebida para ser interpretada por una orquesta y que consta de tres o cuatro movimientos de larga duración con cierta unidad de tono y desarrollo. Apareció en la segunda mitad del siglo XVIII, y alcanzó sus más altas cotas con Haydn, Mozart y Beethoven. Sonata: Composición musical para uno o varios instrumentos solistas, formada por dos, tres o cuatro movimientos de distinto carácter.

Orquesta: Conjunto instrumental organizado, compuesto de instrumentos de arco con más de un ejecutante por cada uno, y al que pueden añadirse instrumentos de viento o percusión.

Polifonía: término que se emplea en la música en la que suenan dos o más melodías simultáneamente.

Prima donna: la cantante principal de una ópera o de una compañía operística.

Primo uomo: el principal cantante de una ópera o de una compañía operística.

Querelle des Bouffons: controversia parisina que enfrentó a mediados del XVIII a los defensores de la música francesa, agrupados tras Jean-Philippe Rameau con los partidarios de una ampliación de los horizontes musicales, reunidos alrededor del filósofo y músico Jean-Jacques Rousseau partidarios de italianizar la opéra francesa.

Recitativo: forma musical concebida para la voz humana que se caracteriza por tener las inflexiones de esta voz cuando dialoga. El recitativo se usó en la ópera, el oratorio y la cantata durante los siglos XVII al XIX.

Ritmo: cada subdivisión de una unidad de tiempo en secciones perceptibles; agrupación de sonidos musicales, por medio de la duración y el acento.

Ritornello: breve pasaje que se repite.

Tempo: velocidad de ejecución.

Verismo: término para la versión italiana del movimiento naturalista de finales del siglo XIX del que Zola fue la figura literaria dominante. Se asocia a las óperas que tratan de las desagradables realidades de la vida, presentando personajes de clases sociales bajas, pobreza, pasión y brutalidad.

2. Análisis de una audición (autor, movimiento, contexto, descripción)

Julio César en Egipto Autor Händel Movimient o

Barroco

Siglo XVIII País Italia Otros Ópera de tres actos

Diformismo sexual. Hombres cantando agudo La serva padrona

Autor Pergolesi. Hijo de campesino, Pergolesi presentaba una muy débil constitución desde pequeño que además se sumaba a una deformación en una de sus piernas. Merced a la ayuda dispensada por un marqués, Pergolesi pudo estudiar violín, llegando a entrar en el conservatorio de Nápoles

Movimient o

Galante (rococó)

Siglo XVIII País Italia Otros Ópera buffa de dos actos.

Nace la ópera buffa para corregir la debilidad que le daba a la ópera las escenas cómicas. Se produce una especie de separación obligada por los teóricos, haciéndola aparecer como género independiente. Teatro de ópera de tres actos con dos intermedios, en los cuales la gente aprovechaba para salir a descansar y socializar. Sin embargo, había gente que se quedaba en el intermedio, por lo que aprovecharon a montar una pequeña ópera de humor en los entreactos de una obra seria. Estaba hecha por cómicos y sin decorados, logrando un gran beneficio con poco presupuesto. Fue tal su éxito que terminaron teniendo óperas propias, la ópera buffa. En lugar de tener en cuenta la mitología griega, se basa en los personajes de la comedia del arte. Era extravagante, ridícula, pero a mediados del XVIII cambian los argumentos, dejando de ser clichés para tener un contenido más sentimental: la ópera semi-seria. Hay que recuperar la verosimilitud para que la gente se vea reflejada, se identifique. Los personajes pasan a estar cargado de humanidad. En Alemania hay una mayor necesidad de vivificar la cultura clásica. La Roma republicana es en la que centran su atención los intelectuales, buscando la defensa de valores.

Les Boréades Autor Rameau. Compositor francés del XVII. Fue el primer teórico

que habló de la armonía y era intocable en la cultura francesa. Considera que la música debe entretener e instruir al mismo tiempo

Movimient o

Barroco

Siglo XVIII País Francia Otros Tragedia musical de 5 actos. Está basado en la leyenda

de Abaris el Hiperbóreo. La reina de Bactria está enamorada de Abaris, cuyo origen es desconocido. Debe casarse con un miembro de la familia Bóreas. Finalmente concluye con un deus ex machina, demostrando que Abaris es descendiente de dicha familia.

Sinfonia in Sol Maggiore Autor Sammartini Movimient o

Preclasicismo

Siglo XVIII País Italia Otros Escuchamos el “allegro ma no tanto”

Fantasía para clavecín en C menor Autor Philipe Bach

Música ligera y libre, y a la vez angustiande y reflexiva. Esto se debe a la buena formación recibida.

Movimient o

Música galante

Siglo XVIII País Alemania Otros Es mucho más libre. Menos esquemática.

En este espacio musical que se abre, la música en la intimidad, donde no tiene cabida el gran formato, se empieza a desarrollar en Alemania una forma más intimista y sentimental. Lo importante es que el compositor se sincere con la gente con la que está. Se deja atrás el concepto de efecto estereotipado, tomando el efecto de un sentimiento con un flujo en cambio, sin etiquetas emotivas. Esto es lo que encontramos en algunos compositores, más burgueses que aristócratas. Pasa a ser una música llena de irregularidades y asimetrías, rompiendo con los esquemas.

Dentro de la lengua franca de esa música galante encontramos, en Alemania, el Empfindsamer stil.

La buona figliuola. La Cecchina: aria de "Una povera ragazza"

Autor Piccini Autor principalmente de obras vocales (sobre todo óperas) y también de varias piezas para clavecín y de música sacra. A pesar de que hoy es un autor poco conocido, fue uno de los compositores de ópera más populares de su época, figura central de la escena italiana y francesa de la segunda mitad del siglo XVIII, que contribuyó de manera determinante al desarrollo de la napolitana ópera buffa.

Movimient o

Ópera buffa

Siglo XVIII País Italia Otros Nace la ópera buffa para corregir la debilidad que le

daba a la ópera las escenas cómicas. Se produce una especie de separación obligada por los teóricos, haciéndola aparecer como género independiente. Teatro de ópera de tres actos con dos intermedios, en los cuales la gente aprovechaba para salir a descansar y socializar. Sin embargo, había gente que se quedaba en el intermedio, por lo que aprovecharon a montar una pequeña ópera de humor en los entreactos de una obra seria. Estaba hecha por cómicos y sin decorados, logrando un gran beneficio con poco presupuesto. Fue tal su éxito que terminaron teniendo óperas propias, la ópera buffa. En lugar de tener en cuenta la mitología griega, se basa en los personajes de la comedia del arte. Era extravagante, ridícula, pero a mediados del XVIII cambian los argumentos, dejando de ser clichés para tener un contenido más sentimental: la ópera semiseria. Hay que recuperar la verosimilitud para que la gente se vea reflejada, se identifique. Los personajes pasan a estar cargado de humanidad. En Alemania hay una mayor necesidad de vivificar la cultura clásica. La Roma republicana es en la que centran su atención los intelectuales, buscando la defensa de valores. Argumento: el marqués se enamora de Cecchina, una doncella. El cuñado del marqués se niega a casarse, por lo que la hermana del marqués le ruega que deje a la chica. Al final resulta que la doncella es hija de un barón y pueden casarse todos.

Aria de Orfeo: Che faro sense Eurdice? Autor Gluck

Compositor alemán. Gluck plasma su intención de reformar la ópera, tratando de que la poesía, el lenguaje y la acción dramática reflejaran la sencillez y

el poder de la tragedia griega. Orfeo y Eurídicees la primera ópera "de reforma" de Gluck, en la que intentó reemplazar la trama abstrusa y la música de gran complejidad de la ópera seria por una "noble simpleza" en la música y el drama.

Movimient o

La aristocracia siempre había evitado el sentimentalismo, relacionándolo con debilidad. Sin embargo, se da la afirmación de la sentimentalidad en la burguesía. La ópera tiene mecanismos de corrección y de adecuación a los nuevos tiempos, haciendo que sus cantantes sean realistas. Así, se acepta sus diformismo sexual, manteniendo sus voces, sin buscar al primo huomo castrato. Aunque Gluck de el papel más importante al castrado, el valor que se le da a la naturalidad hace que el cantante de Orfeo sea aceptado fácilmente. Uso de la flauta o instrumentos para imitar los elementos naturales. Es una obra de grupo, donde todo tiene importancia, tanto cantantes, como decoración, libretos, iluminación, etc. En la obra italiana la orquesta había tenido siempre un papel pequeño, buscando hacer sobresalir la voz del cantante. Se espera que en la obra seria la orquestar sobresalga. Por otro lado, la música de la apertura normalmente no tenía nada que ver con el contenido del escenario. Gluck cree que debe integrarse en la atmósfera de la ópera, tal como hace Wagner. También se da una reducción dramática, buscando argumentos sencillos, pudiendo así ir directamente a la esencia, sin perderse, pero intensa. Las arias y los recitativos, en la ópera barroca totalmente separados, pasan a tener una menor distancia entre ambas, uniéndose y aportando un mayor realismo. Se impone entonces el concepto de arioso. También se da la introducción del ballet dentro de la ópera. Se cree que debe ser un momento de distracción, muerto dramáticamente, sin embargo, Gluck hace un ballet muy figurativo y naturalista, integrándolo perfectamente. La ópera seria utilizaba elementos de la historia y leyendas clásicas.

Siglo XVIII País Viena Otros Basado en las Geórgicas. Ópera en tres actos basada

en un tema de la mitología. Pensado originalmente para un libreto en italiano, Orfeo y Eurídice le debe mucho al género de la ópera francesa, particularmente en su uso de recitativos con acompañamiento y una ausencia general de virtuosismo vocal.

Sinfonía de los adioses

Autor Haydn Nacido en la Austria de 1732, Joseph Haydn fue un destacado compositor que llegó a ser considerado el padre de la sinfonía. Durante sus primeros años se vería obligado a vivir a la sombra de su mecenas, Paul Anton Esterházy, componiendo para su orquestra y ajustándose necesariamente a sus gustos. Sin embargo, finalmente terminaría jubilándose para ganar esa libertad que le permitiría hacer de su obra escuchada y comprada por un público mucho más amplio. Sus primeras composiciones datarían alrededor del año 1750, siendo en esta época cuando iniciará a componer cuartetos, así como algunas de sus primeras sinfonías, teniendo como influencia la música galante de Emanuel Bach y el movimiento literario alemán Sturm und Drang, traducido como “tormenta e ímpetu”, reflejándose en algunas de sus sinfonías y mostrando con ello una mayor pasión e intensidad expresiva, tal y como se vería más tarde en Mozart. De esa manera, inmerso en el clasicismo, Hayden llegaría a situarse entre los compositores más destacados de la época, representando ese aspecto tranquilizador de la naturaleza, logrando así crear una música apacible y mansa, pero sin dejar de lado esa sensación inquietante y sublime que solo se puede encontrar en lo natural. Impondrá un modelo que será imitado, pues con él se producirá el desplazamiento de la sinfonía dada en los palacios aristocráticos a la sala de conciertos pública. El estándar subirá, y a partir de la década de los setenta del siglo xvii se dará un cambio de nivel de este género, siendo Joseph Haydn el elemento principal de este cambio.

Movimient o

Clasicismo

Siglo XVIII País Otros Al final de la obra los músicos de la orquestra empiezan a

irse.

Emperador, himno de Alemania Autor Haydn* Movimient o

Clasicismo

Siglo XVIII País Otros Opus 78 nº3

Sinfonía Nº103 en Mi bemol, “Redoble de

timbales” Autor Haydn* Movimient o

Clasicismo

Siglo XVIII País Londres Otros Entre las sinfonías que componen la serie de Sinfonías

de Londres de Haydn es donde encontramos la número 103, estrenada el año 1795, más conocida como «Redoble de timbal» debido precisamente a esa característica introducción. Estas fueron compuestas con las dos visitas del autor a Londres. Siguiendo las características del clasicismo, encontramos que toda la composición es una repetición constante de temas y motivos en todo tipo de variantes, construyendo así toda la estructura de la sinfonía. El primer movimiento se inicia con la introducción o adagio, empezando con un redoble de timbales que posteriormente dará paso a un tema lento y grave protagonizado por violonchelos, contrabajos y fagotes en un inicio que busca hacer referencia a algunas notas del Dies Irae. Se creará un ambiente oscuro y misterioso que irá siendo acompañado poco a poco de una melodía más dulce e igualmente sencilla donde se añadirán flautas, oboes, violines, viola y clarinetes. Vendrá seguido de forma inmediata de un allegro con spirito cambiante, que iniciará de forma tranquila con el primer tema y que se convertirá rápidamente en una melodía más viva, rápida y compleja que se repetirá en forma de variaciones. El segundo tema se inicia con una nota de oboe y violín, y continuará con una repentina melodía que combinará introducción, primer y segundo tema con sus propias variaciones, formando el cuerpo del movimiento. Seguidamente se dará un retorno a la introducción con el redoble de timbales, una reminiscencia que buscará volver a recordar la oscuridad y el misterio de la obra, volviendo tras ello de nuevo a la luz con una reexposición del primer tema que volverá para imponerse, concluyendo así con el movimiento. El andante o segundo movimiento presenta dos temas populares, alternándose con una marcha lenta. De esa forma, comienza con un ritmo pausado de cuerda, siendo el cuarteto el que toma protagonismo, dándole paso así a un tema donde el violín realizará un solitario en una melodía aguda y apresurada que será rota por un nuevo tema donde los instrumentos de viento se añadirán para imponerse con fuerza, combinando así entre momentos dulces y suaves de cuerda como tema menor, un solo reservado para las flautas, y la intensidad creada por el conjunto de la orquestra en un tema mayor, siendo éste último el que concluirá el movimiento. El minueto es el que le sigue, siendo iniciado en tonalidad de mi bemol mayor, dándole gran protagonismo al cuarteto de cuerda con un motivo que se irá repitiendo de forma continuada. Concluye la obra con un allegro con spirito encabezado por las trompas, combinándose rápidamente con la melodía

apresurada de violín en un motivo que irá repitiéndose de forma seguida y monotemática, pero sin llegar en ningún momento a hacerse pese a ello cansado. Se convierte así en la seña característica del último movimiento, un ritmo vivo que vendrá intercalado con momentos de gran intensidad, creando un espacio muy compacto, casi obsesivo, en el que todos los instrumentos tomarán parte, poniendo así punto y final a la sinfonía. La obra en todo su conjunto parece crear una perfecta combinación entre la grandiosidad lograda a través de esos momentos de gran intensidad, junto con la suavidad y dulzura que violines, flautas y oboes crean. El primer allegro con spirito, en el momento del tutti, consigue transmitir una sensación alegre nostalgia combinada con un gran optimismo, más con el más que notable contraste creado con esa oscuridad inicial que parece emanar de la introducción. Esto, junto con la repetición de los motivos, y combinada con esos momentos de fuerza, consigue lograr un perfecto equilibrio entre el misterio de la introducción, el dinamismo de los allegros, y la gran elegancia del andante y del minueto.

Las bodas de Fígaro Autor Mozart

Wolfang Amadeus Mozart, nacido en Viena en 1756, fue un prodigioso músico que destacó dentro del movimiento clasicista junto con su contemporáneo Joseph Haydn. Sin embargo, son mayores las diferencias lo que los separa. La principal, de hecho, fue el que Mozart tuviese la suerte de nacer en una familia de músicos. Con un padre compositor, desde muy joven empezó a mostrar una increíble habilidad para la música, la cual se vio reforzada con las giras a las que fue llevado desde sus primeros años de vida, haciendo con esto que su prodigio natural fuese alimentado poco a poco por el estilo culto de la música europea. Es en esa época en la que la Ilustración se había impuesto sobre buena parte de Europa, encontrando países como Francia, Reino Unido u Holanda como los grandes focos. Sin embargo, pese a los grandes avances que llegaron con ella a manos de las élites intelectuales, seguirían atascados en un Antiguo Régimen que haría de las cortes los centros culturales. y artísticos, convirtiendo el mecenazgo en algo de lo que muchos músicos deberían depender. Pese a ello, a Mozart le costó entrar en la corte, por lo que jugó mucho con el mercado organizando los conciertos, alquilando locales y promocionándose, obligándolo a ganarse el favor de un público anónimo, algo más difícil que con un mecenas. Sería así cómo los músicos buscarían crear una música portadora de ideas,

pasando a convertirse en algo más intelectual Los historiadores encuentran en Mozart una figura flexible que no ha dejado de lado el ideal humanitario de la ilustración, el todos los hombres son iguales, ligados por la solidaridad. Ambivalencia entre nación/ estado y sociedad/individuo. A Mozart le costó entrar en la corte, por lo que jugó mucho con el mercado organizando los conciertos, alquilando locales y promocionándose. Esto lo gastó mucho físicamente. Debía ganarse el favor de un público anónimo, algo más difícil que con un mecenas.

Movimient o

Clasicismo

Siglo XVIII País Viena Otros Llega el auge de la burguesía, gente cada vez más

poderosa que ven a los aristócratas como alguien a quien pueden alcanzar fácilmente. Gente que no trabaja y se recluye en las delicias de la vida, personas parasitarias, o así será cómo serán vistos por la burguesía. Las bodas de Fígaro ridiculiza de esta manera a los aristócratas. Mozart era capaz de absorber todo y hacer una obra magnífica. Adquirió un oído increíble, capaz de captar lo más esencial de los estilos nacionales. Las bodas de fígaro rompe con la trayectoria y hace una obra compleja. La gente quedó muy desconcertada porque era difícil de entender, pues la música continuaba, las ideas fluían de forma muy rápida. Hacer cantar a muchos cantantes a la vez era nuevo. Un trabajo muy bien hecho porque todo tiene un ritmo dramático. Dos personalidades: el conde, arraigado al antiguo régimen, y el nuevo personaje del tercer estado, la burguesía, que es Fígaro. Un hombre que debe improvisar en cada momento para buscar solución a los problemas que se le van presentando, algo muy característico del empresario joven. La pretensión del conde de conseguir el favor de Susana, la prometida de Fígaro. Ese estallo del nudo se produce en el segundo acto. Lo prohibido a lo que atrae, y eso atraía a Mozart. Lorenzo Daponte tubo que podarla y quitar escenas para poder ser llevada a Viena. Sin embargo el contenido revolucionario lo continúa manteniendo. Van apareciendo nuevos personajes en el escenario, y cada vez intervienen más personas cantando. El oyente no debe perder de vista que la música obedece una idea dramática. Incluso cuando escribe concierto él está preparando personajes operísticos. Cada vez más gente, cada vez más caos. El orden debía

restituirse, pues al presentar una obra al Imperio no podía haber un final trágico donde el conde acabase mal. Mozart da una vuelta de tuerca. El conde pide perdón por segunda vez, todo se estabiliza en un final de concordia. El conde se muestra como alguien decadente, su momento ya ha pasado. Los personajes con vida son Susana y Fígaro. Mozart se hace famoso por sus finales concertantes, unos finales donde todos los cantantes se reúnen a cantar juntos. Esto desconcertaba al público de Viena, acostumbrados a algo más calmado y fácil de seguir.

Concierto para piano nº17 Autor Mozart Movimient o

Clasicismo

Siglo XVIII País Viena Otros

Concierto nº3. Himno de la alegría Autor Beethoven

Beethoven coge la humanidad de Haydn y la parte subjetiva e irracional de Mozart, creando una síntesis explosiva. La música de Beethoven es apropiada por el nacionalismo y por la heroicidad burguesa. Las dificultades nos hacen más fuertes, y eso se reconoce en Beethoven y su música. En su último periodo abjura del romanticismo y del clasicismo. Pierde esa heroicidad, pasando a una persona llena de dudas. Logra pues una música muy humana, sin ideologías. Incluso retorno al estilo antiguo. Hay una voluntad de salir del lenguaje común para volver a la antigüedad. Destacan sus cuartetos, sus últimos conciertos y la novena sinfonía. La música de Haydn es la más democrática. La cultura debe ser universal, pues el ser humano es igual. Atrapa románticamente lo que es humano en la vida humana. Todos los hombres se sienten satisfechos al oírla, es una música que une. Mozart sin embargo ya no es una música democrática. Obras que son en cierto sentido terroríficas, algo que despierta el contacto con lo sublime.

Movimient o

Clasicismo La homogeneidad del timbre en los cuartetos fue una de las gracias o características del clasicismo. Pueden crear una obra de complejidad importante a partir de ese denominador común, la unidad de los timbres. Comienza una música motívica: en lugar de hacerse de temas cerrados, se rompe con la estructura y, en lugar de hablar de temas, se habla de motivos. El motivo es un intervalo entre tres o cuatro notas, pequeñas partes de melodías fácilmente reconocible0073. El clasicismo es ese equilibrio, manteniendo juegos de simetría entre los motivos.

Siglo XVIII País Viena Otros Cuatro movimientos, dejando una sorpresa para el

último: voz humana. Todo lo anterior es una preparación para ello. -Cacofonía, ruido. -Cuerdas bajas. Acumula energía hasta llegar a la explosión final. -Repaso para unificar la obra. -Fagotes hacen el inicio del himno.

La molinera

Autor Schubert Movimient o

Romanticismo Hay un auge del género novelístico en Alemania en la década final, lo que hace pensar mucho. En el lector de novelas el yo y no yo de Fitcher funciona muy bien. Hace que en conjunto se viva una especie de interiorización. El arte auténtico debe ser capaz de presentar de una obra finita ese aspecto infinito. Las obras irónicas de verdad dejan ver algo que se afirma con la negación de lo finito, mostrando así su capacidad de infinito. Muchas veces las obras románticas con ese toque de infinito la ironía será una parte fundamental. Las obras se limitan a ser lo que son, una representación literal, no son románticas. Porque les falta esa capacidad de abrirse a lo infinito. La grandeza del Lied alemán es el nuevo significado que adquiere con el añadido de la música. Ponerse a caminar sin llegar nunca de nuevo al lugar de partida, igual muy habitual del romanticismo.

Siempre termina siendo trágica, pues la vida es un salir de casa y no volver.

Siglo País Otros Por un lado está el molinero joven desencantado de

todo, y el arroyo que lo acoge, la cuna natural. Hay dos tonalidades, mayor y menor. El molinero está en menor, y el arroyo en mayor, como algo en un estado inalterable. En la última estrofa el molinero pasa, sin embargo, a la tonalidad mayor. La ironía, buscando la acogida de lo infinito, con la simbiosis del molinero y el arroyo. Se esperaba que por la tristeza terminase en menor.

Lucia di Lammermoor Autor Donizetti

Compositor italiano Movimient o

Romanticismo Es una especie de reacción a la ilustración. En Alemania tienen esta filosofía ilustrada de partir del uso de la razón, de la crítica contra la intolerancia religiosa, la hermandad en el mundo. La razón es el órgano que nos une a todos, y sin embargo esta nunca estuvo en Alemania, no como en Francia. Francia había tenido monarquía absoluta, logrando una homogeneización de la sociedad, frente a lo fragmentada que estaba Alemania. Las ideas de progreso, el avance social, no lo tenían, por lo que las ideas ilustradas se vieron siempre como muy frágiles. El pietismo, muy instaurado en el país, buscaba una relación no racional con Dios, una relación de amor. Refuerzo del nosotros y del yo íntimo. La razón solo es una pequeña parte. Los hombres no son todos iguales. Verdades concretas y circunstanciales. Parte de la base de que todos somos diferentes. El límite de la singularidad es la lengua. Herder. El joven alemán se encuentra en una situación diferente a la del resto de Europa. Se encuentra pesimista ante lo ocurrido, la experiencia de la revolución, con una ocupación de países. Como venganza se hacen nacionalistas, cosa que el antiguo régimen vio como fuerza al principio, pero después quiso hacer desaparecer. El romanticismo viene asociado a los jóvenes nacionalistas liberales alemanes. Están muy bien formados intelectualmente, pero no hay un mercado en el que sacarse provecho, lo que crea un malestar. El descontento se convierte en las bases del nacionalismo alemán. La crisis externa ayuda a reforzar la relación con uno mismo, pensar más en el yo, mostrándote así un paisaje nuevo.

Siglo XIX País Italia Otros Estado alterado de la consciencia. La mujer

protagonista sufre la presión de una sociedad machista, un ser bajo presión. Estalla, el estado alterado de la conciencia, con la locura o con el sueño para huir de una realidad dominada por los hombres. Suena la armónica de cristal como recuerdo del pasado de felicidad. A través del virtuosismo de la voz se hace patente el estar fuera de la realidad. Se reivindica el naturalismo. En el romanticismo hay una inquietud por el realismo, buscando expresar algo cercano a la realidad. El protagonista pierde el contacto con la realidad, lo que se muestra con la locura, permitiendo incluir el virtusimo de la cantante, entendiéndolo gracias a esa situación extrema en la que pasa a encontrarse. La voz es el instrumento que lleva al protagonista a un estado ideal. Belcantismo, aceptado en el caso de protagonistas mujeres en situaciones extremas.

3. Desarrollo de un tema

Tema 1: El impacto del pensamiento ilustrado y de la Revolución Francesa en el establecimiento de una conciencia de contemporaneidad en la música.

La época de Luis XIV se había caracterizado por ser una época de protocolo. En el palacio que construirá en Versalles, Luís XIV se dedicaba a reunir atoda la corte, concentrando el poder y ganando su sumisión. Con su muerte y la consecuente llegada del duque de Orleans esto cambia. Éste decidiría habilitar el palacio real de París para él, envolviéndose de sus amigos, alejándose de las reglas de etiqueta de Versalles y así, de ese mundo protocolario.

La cultura barroca era protocolaria, fría, pautada. Un arte que da importancia al poder real y de la Iglesia. Pasa a ser substituido, volviéndose más natural y cálido.

Aparece la burguesía, un grupo rico que carece de títulos nobiliarios, lo que comenzará a crear reticencias entre estos y los aristócratas. Sin embargo, la clase aristocrática se sentirá influenciada por los valores de esta nueva clase social, lo que hará en el terreno de las artes se produzca un cambio importante hacia una nueva forma de entender la obra artística, terminando con el surgimiento de un nuevo movimiento: el rococó.

Se trata de un arte aristócrata, cortesano, pero que quiere adoptar muchas de las perspectivas de la burguesía, como sería la “gracia”. Algo gracioso, que no obedece a la etiqueta. Una visión idílica de lo pastoril, natural, con amor por los sentidos, con transgresión de las normas y sin interpretaciones intelectuales, tales como las que sí tenía el barroco. Se nota no solo con los temas, sino también con los colores y las líneas.

J.B Dubos hace una reflexión crítica sobre poesía, pintura y música. Parte de la base de que el arte imita, tomando lo esencial e interesante y reproduciéndolo en forma de imagen, ya sea la realidad o una sensación del ser humano. Para él, la pintura lo tiene fácil en este sentido, pues solo debe imitar con precisión la realidad, así como ocurre también con la literatura. Sin embargo, la capacidad imitativa de la música es muy pobre, sobretodo cuando ésta no tiene letra. Dubos decía que, pese a lo complicado de la música por imitar, ese obstáculo la convierte en un vehículo perfecto para imitar aquello más íntimo y que no podemos decir, que son los sentimientos, el mundo interno. Los primeros síntomas del cambio en la música es la transmisión de los sentimientos, una música natural, fácil, que emociona.

El barroco también emocionaba, pero lo hacía dentro de unas categorías, un código, un lenguaje que solo podía entender la gente que conociese dicho código, como en la ópera. La música del rococó puede ser entendida y puede emocionar a todos. Además, ésta busca ser más cercana al público frente a la lejanía del barroco.

Tema 2: Del músico artesano al compositor artista. La confluencia del estilo galante y del estilo expresivo en el fomento de la música clásica.

Contrario a la música barroca francesa, para Diderot la música debe ser algo sensorial, que despierte en la gente sentimientos de una forma natural. Por otro lado, cree en el arte como imitación de la naturaleza, por lo que para él la música debe partir de esa naturaleza como modelo. La instrumental puede intentar imitar el sonido mismo de la naturaleza.

Tema 3: La humanización de la ópera desde los esquematismos de la ópera seria del setecientos.

Llega el auge de la burguesía, gente cada vez más poderosa que ven a los aristócratas como alguien a quien pueden alcanzar fácilmente. La aristocracia es vista como gente que no trabaja y se recluye en las delicias de la vida, personas parasitarias, o así será cómo serán vistos por la burguesía. “Las bodas de Fígaro” ridiculiza de esta manera a los aristócratas.

El empirismo favorece a la nueva clase. Ayuda a justificar la nueva manera de entender las cosas, con su afirmación: no hay ideas innatas. Todo lo que aprendemos llega por los sentidos. Sin ellos, no sabríamos qué es vivir. Lo que nos da conocimiento de las cosas no es la razón, sino los sentidos. Son la base del conocimiento.

De esta forma, la idea de Dios deja de ser una idea evidente, pues no tenemos una percepción que lo confirme.

Si todo debe pasar por lo sentidos, así debe hacerlo la música. Tendrá que hacer un cambio dirigido a esto. Una música que se imponga desde el primer momento, en la que no sea necesario escucharla dos veces para entenderla.

Para apreciar el arte se consideran los dos sentidos nobles: vista y oído. Con la vista tenemos las pinturas, consideradas simples copias de copias, basándose en el mundo de las ideas de Platón. Con ello queda reducido al oído, donde se incluye la música, la poesía, el teatro y la literatura.

Diferencia entre signos naturales y artificiales: Artificial como una señal de tráfico, y natural como humo indicando que hay fuego. Los signos naturales son los que la música utiliza. Algo que no pueden explicar bien, pero que logra emocionar. Si hablamos de esos dos signos, llegamos al concepto de estado natural. Para Didot existió el ser natural, uno anterior a nosotros, el primitivo. Sigue dentro de nosotros, por lo que nosotros seguimos teniendo en parte ese estado natural.

Para Charles Batteux hay tres formas naturales de expresarse: el habla, el gesto y la entonación. Qué se dice, cómo y con qué gestos. El teatro agruparía estos tres. La danza lo haría del gesto; la literatura de la palabra, y con la entonación, la música. Así, danza, literatura y música son considerados los artes naturales.

Una tragedia se da cuando alguien siente un deseo que puede romper con la cotidianidad. En Francia tiene final feliz, pues al ser una forma de propaganda del rey pone en peligro la lección dada si no acaba bien.

Se dan dos facciones: los que están del lado del rey, con la música barroca tradicional, y los que están del lado de la reina, quien apoya la música italiana, con los ilustrados volviéndose italianistas. Esta última era más cercana al público burgués, más sencilla y fresca. Rousseau se encontraba entre ellos. Para él la música francesa es aburrida porque la lengua francesa lo es, y recomienda que empiecen a usar el italiano en los libretos. Cultura oficial contra la cultura burguesa.

Tema 4: Lo bello y lo sublime. El clasicismo contra el romanticismo. La influencia de la filosofía y de la literatura en el nacimiento de la música romántica.

Lo bello, o la belleza, se considera una cualidad social, pues da una sensación de alegría y placer al ser contemplado, inspirando ternura, buscando como fin la conexión.

Tenemos también el concepto de supervivencia: dolorymuerte, el peligro. Son las que crean pasiones más fuertes. El sentirse en peligro es lo que ayuda a sobrevivir, pues son esas pasiones los que ponen alerta.

El dolor es más fuerte que el placer, pues este último no afecta a la supervivencia. Pertenencia: La sociedad no tiene placer verdadero por sí, pero la soledad, llegada con la exclusión de la sociedad es considerada el mayor dolor. Aun así, el placer llegado con el goce social aporta más que la falta de él. Las primeras surgen del instinto, y se aplican de la misma manera en todos. La segunda, de los sentimientos individuales que produce en cada individuo. La sociedad de los sexos y la sociedad en general.

Lo sublime es aquello llegado de los sentimientos más profundos como son el miedo o el dolor, que tienen el poder de hacernos evocar y destruirnos. En relación con esto tendríamos también la presencia de la oscuridad, pues acrecienta el miedo y el peligro. Así mismo, la propia naturaleza es considerada una fuente de lo sublime precisamente por el peligro y el miedo que ésta puede hacer sentir, ocupando por completo la mente del individuo y absorbiéndolo, evitando cualquier intento de pensamiento racional, quedando finalmente el miedo, la admiración y la reverencia.

El sublime viene del temor de la amenaza, pero cuando no es evidente. Es decir, cuando entre el yo y la amenaza hay cierta distancia.

La sonata es una pieza musical que sigue un relato, una historia. Hemos de distinguir las partes que lo componen: allegro, andante, scherzo y finale. La característica más destacada es el que no tiene un solo movimiento.

La sonata polimovimiento consta de Allegro, Andante, Menuetto y Finale. Puede tocarla un gran formato de gente, como una sinfonía o un concierto, o un grupo reducido como un cuarteto o un solo instrumentista.

El allegro da sonata es el primer movimiento de la sonata, y está formado por una estructura de tres partes, a saber, la exposición, el desarrollo y la reexposición.

La exposición es la presentación de los personajes. Son ideas musicales muy características. Normalmente hay dos. Cuando se llega al final puede ser que se vuelva a exponer para que se recuerde mejor. El desarrollocombina las melodías a y b. Se trata de la parte más compleja. Para acabar, la reexposición es la exposición, pero con otro talante, pues ya se ha hecho más recorrido.

Los rasgos estilísticos del clasicismo son: -La importancia de captar el interés de quien escucha, y eso se conseguía siendo sencillo y natural. También se quiere que se recuerde. Se imponen piezas sencillas, como polonesas, minuetos, rondas, etc. -Los instrumentos de teclado pasan a tener mucha importancia, y estos empiezan a aparecer en las casas privadas, lo que aumenta la producción de música para aficionados.

El término «música galante» se refiere a un estilo de carácter doméstico y burgués que se opone a la complejidad de la música sacra.

Ésta se extiende por toda Europa, pero hay una variación al norte, en la parte luterana (Alemania). Ponen la sentimentalidad inglesa, muy influenciada por la Sturm und Drang que estaba de moda entonces. Es un movimiento que se caracteriza por sus arrebatos, lo que lleva incluso al suicidio de muchos autores.

Se dice que se da por la contradicción entre la educación que se da a los jóvenes, y a la incapacidad de la sociedad para poder aprovechar este talento, porque todavía era muy provinciana. Eso deprime a los jóvenes y crea toda una literatura contra las instituciones y las normas sociales. Se da una cultura irregular, asimétrica, que nada tiene que ver con el mundo galante, pues se aleja demasiado de su dulzura, transformándola con fuerza.

La música galante es más simple, con menos ornamentación. -Uso decreciente de texturas polifónicas. -Incremento de la importancia de la melodía.

El concierto pasa a ser escuchado en una sala pública de la ciudad, adquiriendo una dignidad estética de sacralización que no tenía en los salones aristócratas. Ocurre en un momento en el que la religión va de baja. Ahí donde está falla, la sacralización del arte la sustituye, empezando con Beethoven, convirtiéndole en el emblema de una nueva época (aun cuando era más cercano a la aristocracia). Sin embargo, era considerado un genio.

Tema 5: El “yo” y la naturaleza en la música romántica. La intimidad del “lied” y el virtuosismo de la música instrumental. El romanticismo es una especie de reacción a la ilustración. En Alemania tienen esta filosofía ilustrada de partir del uso de la razón, de la crítica contra la intoleranciareligiosa, la hermandad en el mundo. La razón es el órgano que nos une a todos, y sin embargo esta nunca estuvo en Alemania, no como en Francia.

Francia había tenido monarquía absoluta, logrando una homogeneización de la sociedad, frente a lo fragmentada que estaba Alemania. Las ideas de progreso, el avance social, no lo tenían, por lo que las ideas ilustradas se vieron siempre como muy frágiles. El pietismo, muy instaurado en el país, buscaba una relación no racional con Dios, una relación de amor.

Refuerzo del nosotros y del yo íntimo. La razón solo es una pequeña parte. Los hombres no son todos iguales. Verdades concretas y circunstanciales. Parte de la base de que todos somos diferentes. El límite de la singularidad es la lengua.

Tema 6: El “nosotros” y la historia en la música romántica. La voz de la nación en la música. El canto coral y la ópera.

El joven alemán se encuentra en una situación diferente a la del resto de Europa. Se encuentra pesimista ante lo ocurrido, la experiencia de la revolución, con una ocupación de países. Como venganza se hacen nacionalistas, cosa que el antiguo régimen vio como fuerza al principio, pero después quiso hacer desaparecer.

El romanticismo viene asociado a los jóvenes nacionalistas liberales alemanes. Están muy bien formados intelectualmente, pero no hay un mercado en el que sacarse provecho, lo que crea un malestar. El descontento se convierte en las bases del nacionalismoalemán. La crisis externa ayuda a reforzar la relación con uno mismo, pensar más en el yo, mostrándote así un paisaje nuevo.

Fitche da esperanza, dando una alternativa más optimista. La naturaleza no es ya solo de los campesinos, sino aquella a la que huir y refugiarse. No es algo de lo que sacar provecho, sino algo de lo que disfrutar.

A nivel musical, la música, considerada un oficio, se intelectualiza al entrar en contacto con otras artes, por lo que su trabajo pasa a ser el de dignificarla. Beethoven le daba más importancia a la armonía que a la literatura, cosa que cambia con los jóvenes románticos.

La filosofía de Fitche determinó maneras de imaginación. Hay un auge del género novelístico en Alemania en la década final, lo que hace pensar mucho. En el lector de novelas el yo y no yo de Fitcher funciona muy bien. Hace que en conjunto se viva una especie de interiorización.

Empiezan a ponerse en marcha canciones más íntimas, la música del hogar, una ya no solo hecha en las familias acomodadas. Habrá tres instrumentos que lo posibilitarán: piano (empiezan a producirse en serie), arpa y guitarra. Nucturne. Género usado por los románticos. Expresar los sentimientos más íntimos para su gratificación. Canción popular+interioridad del artista.

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