historia de la cinematografia, Apuntes de Historia del Cine. Universidad de Málaga (UMA)
aflsmalaga
aflsmalaga

historia de la cinematografia, Apuntes de Historia del Cine. Universidad de Málaga (UMA)

PDF (953 KB)
32 páginas
15Número de descargas
27Número de visitas
66%de 3 votosNúmero de votos
Descripción
Asignatura: historia de la cinematografia, Profesor: Francisco Javier Ruiz del Olmo, Carrera: C. Audiovisual, Universidad: UMA
20 Puntos
Puntos necesarios para descargar
este documento
Descarga el documento
Vista previa3 páginas / 32
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Descarga el documento
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Descarga el documento
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Descarga el documento
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Descarga el documento

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

1. Precine El cinematógrafo es un invento que se cierra a finales del S.XX. Es un invento colectivo cuya gestación se da siglos antes. Elementos previos que van a ayudar a la llegada del cinematógrafo:

• Principios físicos: - Persistencia retiniana: es la que hace que exista una continuidad, es una superposición de imágenes que hacen que parezcan en movimiento. - Necesidad de reflejar la realidad existente. Primero con la pintura pero más latente con la fotografía. Demanda social de imágenes realistas con la ayuda de la cámara.

• Máquinas recreadoras y juguetes ópticos: dispositivos que reproducían el movimiento (Reflejar la evolución en el paso del tiempo). El cine lo consigue de una manera más sofisticada. - Panoramas: Espectáculo en el que satisfacían la experiencia (placer) por ver (hoy en día es el 3D). Con enormes pantallas, a veces circulares donde mostraban fotografías de sitios y con efectos lumínicos y sonoros creaban un ambiente.

Linterna mágica Panorama Diorama Traumacopio Fenakistoscopio Zoótropo Praxinoscopio • Evolución de la fotografía con Muybridge y Marey: La evolución de la fotografía profesional y de aficionados (1888). Kodak colaboró en ese proceso con la invención de su cámara de bolsillo y la película fotosensible.

El cine es un invento colectivo. Sistema de distintos procesos: Máquina de captación,

procesos de revelado y positivado, máquina de proyección.

Autores e inventos importantes:

- Kinetógrafo de Dickson y Edison - Bioscopio de Skladanowky - Kinetoscopio de Edison (1894) - Cinematógrafo de Lumière (1895) - Panóptikon de Latham (1895) - Mutógrafo de Dickson (1895) - Vitascopio de Edison (1896) - Otros: le prince, Friese-Greene, R. W .Paul, Armot, Demeny, etc. - Kinetoscopio de Edison (1894): era un comerciante. Posee una visión comercial del

producto. Inventa una máquina recreativa, se echaba una moneda, mirabas por la

mirilla y se veía una película de 20 segundos aprox. (fascinación por el movimiento).

El primer estudio cinematográfico (de la hª del cine) fue el de Edison llamado “Black

María” (1894). La temática era popular: herencia de los juguetes ópticos, es decir,

bailarines, animales o gente que se movía. Eran cosas muy simples, aun no había

intención de contar historias.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

- Cinematógrafo de Lumière(1895): Los hermanos no tienen concepción comercial,

sino científica, enorme calidad técnica. Representación en movimiento en las grandes

pantallas de algo cotidiano, lo que era asombroso para el público de la época. Fue de

mayor calidad que el de Edison, en Lyon. Proyectan el sistema Lumière para obtener

beneficios, para ello viajan a distintos países y toman imágenes para proyectarlas.

Con los hermanos Lumière La diferencia es que plantean una proyección en pantalla

grande con un alto grado de realismo y además para una vista masiva. La temática se

centra en movimiento sin más pues no tienen una concepción del cine como

espectáculo, aun no había historia. Aunque el espectador empieza a demandar la

ficción cinematográfica y sus películas se van extendiendo varios minutos. El público

queda impresionado, las exhibiciones se hicieron permanentes y mandaron operarios a

grabar imágenes por todo el mundo. Esto supuso el declive del cine de Edison

Primer estudio cinematográfico “Black Maria” Edison 1895. Allí renovaba sus películas y al alargarse en duración da comienzo a las primeras narraciones.

Falls of Minnehaha. 1897. Edison Sólo bastaba con la reproducción del movimiento. No hay historia, narración, montaje, manejo de cámara, lenguaje audiovisual.

Interrumped lovers. 1896. Edison Hay una evolución, cierta historia. Salen a tomar las imágenes al exterior. Fueron poniendo más tiempo de narración.

Palace of electricity. 1900. Edison Salto al nuevo siglo; se dan cuenta que pueden hacer varias cosas. Se empieza a construir un lenguaje audiovisual. Primeros movimientos de cámara. Los primeros planos son muy generales.

Méliès 2º coloreado: primeros efectos especiales. coloreó fotograma a fotograma.

A morning bath. 1898. Edison Realidad cotidiana. Se reflejan los usos y costumbres de la época.

Buffalo police on parade. 1897. Edison El público se aburre de ver la vida cotidiana y nuevos creadores empiezan a crear historias.

El jardinero regador. Lumière. Primera narración de la historia.

Faust and Marguerite. 1900. Edison Tenía como punto de partida el teatro pero la cámara es fija como el punto de vista de un espectador. Tratan de crear sus propios efectos especiales al hacer cortes, aunque

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

no existe una narración pues no hay movimientos de cámara ni encuadres, etc.. sino sólo una historia. El cine recoge elementos previos del teatro,novelas, etc.

Fun in a Backery shop. 1902. Edison y Porter Las narraciones cinematográficas tomaron relevancia. Pasaron de ser mudo y sólo con ruido del público a construir un espectáculo. Se narran historias más largas, con más cuerpo. Llegan autores que tratan de dotar al cine de características peculiares aunque lo desconocían como lenguaje propio.

El hotel eléctrico. Chomán. Dá al cine espectáculo, fantasía Humorous phases of funny faces. 1906. Blackton A la entrada del siglo XX los juguetes ópticos desaparecen dando paso a un

espectáculo, apropiándose el cine de otros géneros como es el teatro.

“El regador regado”: primera historia contada en el cine.

2. Lenguaje cinematográfico. Herencia de otras tradiciones de representación y

evolución propia

• Mèliés es un empresario teatral. le da al cine sus características teatrales; descubre los trucos de cámara, las sobreposiciones. Le da al público espectáculo visual. Precursor de los efectos especiales. Este asistió como invitado a la primera representación de los Lumière, con el cinematógrafo. Decidió comprarles el invento a los Lumière, que se negaron. Entonces, decidió construir su propia máquina de hacer cine perfeccionando el bióscopo. En su cine podemos ver elementos traídos de las distintas áreas que dominaba

- De la fotografía: fluidos, sobreimpresiones o mascarillas. - Exclusivos del cine: acelerar o ralentizar la imagen, desapariciones o

sustituciones. - Del teatro: guión, escenario, vestuario, maquillaje o interpretación

Preparación fílmica: vestuario, maquillaje, escenografía con el fin de representar. Denota ingenuidad pero una novedad para la época. Hay un atisbo de montaje audiovisual pero se realiza cronológicamente pegando los rollos. Empieza a trabajar con un lenguaje fílmico al utilizar una cámara subjetiva y una objetiva pero sin ser consciente de ello. Colorea fotograma a fotograma. Incluye números de magia en sus espectáculos

teatrales.

Es uno de los autores que le da al cine la dimensión de espectáculo. Hay un momento

en el que el público se cansa de ese tipo de reproducciones. Entiende que el cine es

espectáculo y tiene un gran potencial empresarial.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

Empieza a investigar con el aparato cinematográfico. Hay efectos que él considera que

ya son conocidos por la fotografía y los añade al cine.

Crea los recursos de desapariciones o cambiar elementos por otros dando la sensación

de magia, muchos de estos efectos no son todavía narrativos.

Todavía no saben bien el significado narrativo del lenguaje, pero lo sabrán pronto.

Montaje: empieza a contar historias, primero serán cortas y después se harán más

largas. Cada espacio se comprendía con la representación teatral y se incluye el guión.

“Viaje a la luna”,1902. Es considerada como la precursora de la ciencia ficción.

“La conquista del polo”, 1912.

Tiene un estilo muy propio e innovador pero no pasa de ahí. Descubrió como realizar

“primitivos” (primeros efectos especiales para maquinas, meter humo, hacer que los

personajes desapareciesen…). También destaco el hecho de que proyectara múltiples

veces una misma película.

• Escuela de Brighton: Antes de los autores de la escuela de Brighton, las películas no

tenían cortes, solo poseían un rollo de película, a partir de autores como estos, se

introducen los modos de montaje, como los cortes. eran fotógrafos, incluyen los

planos, acostumbrados a hacer retratos y cuando cogen la cámara hacen montajes con

distintos tipos de plano. Las personas (audiencia) reconocían la relación entre un plano

y otro; las personas entienden la historia gracias a un relator, un rótulo. Por primera

vez se fracciona el cuerpo humano. Una de las figuras más relevantes para hacer

entender el cine mudo es el narrador. El tiempo de representación era igual al tiempo

fílmico A partir de los 10 se empiezan a crear los inicios de los géneros, pero se

configuran en la etapa de los 30 a los 60.

La consolidación del lenguaje del cine narrativo

Porter: Trabajó en los estudios de Edison. Tiene una conceción del cine realista y narrativa. Montaje paralelo. 2 acciones que se producen al mismo tiempo y confluyen. Le da un ritmo a la película. Su función: que ambas suceden al mismo tiempo y confluyen, le da suspense a la narración. Adapta los mecanismos narrativos teatrales al cine, además, de las técnicas teatrales, que las depura y también adapta al cine. Incorpora imágenes de documentales rales para darle veracidad al documento. “Salvamento en un incendio” (1902): Gran dinamismo. Utiliza el montaje paralelo (convergen dos acciones que ocurren en realidad al mismo tiempo) “Asalto y robo de un tren” (1903): primer western de la historia del cine. Griffith: 1908-1914:Primer gran director estrella y productor de procedencia teatral. Hijo de un coronel de la Guerra de Secesión, hecho que influirá notablemente en su

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

obra. Empieza a romper con las normas establecidas por la industria (Compañía Biograph). Normas: - Que toda película fuera en un rollo, es decir, sin montaje. - Planos medios para ver el personaje y centrarlo - Que el tiempo en el escenario fuera igual al real. En su primera etapa, 1908-14: realiza grandes avances:

- Saltos espacio temporales: realiza el primer flash-back de la historia, mostrando un acontecimiento pasado

- Rompe el tiempo fílmico: hace que el tiempo real sea mayor que el tiempo fílmico.

- Descubre un nuevo lenguaje cinematográfico: desligado de lo teatral y aprende a grabar cortando y desde diferentes puntos de vista.

- A la iluminación le da un sentido narrativo y a veces, dramático. - Utiliza ahora varios rollos de película porque en uno solo no le daba tiempo a

contar historias. - Sus películas suelen ser grandes dramas, románticas e incluso cuentos. -

Toda la industria ya es de masas. Hay un cine en cada ciudad. Su segunda etapa 1916- 1920: es su etapa más creativa. Tiene voluntad de encontrar historias más complejas y largas. “Historia de las naciones”, guerra de secesión norteamericana. Con un ritmo muy vivo da saltos espacio-temporales por primera vez; utiliza muchos de estos recursos. Narrativa fílmica propia. No inventa los elementos pero por primera vez están todos juntos. “Intolerancia” 1916: reducida a 8h. Fue un fracaso porque saltaba mucho en el tiempo que el público no lo pudo entender (muy avanzado para la época). Quiso imitar las películas historicistas italianas. Primer director estrella (celebrity). “Lirios rotos” 1919: Por primera vez se da cuenta de que el autor no tiene que sobreactuar (el poder del rostro humano para expresar). A partir de ahora el cine empieza a tener un lenguaje autónomo. El lenguaje audiovisual es creado artificialmente por cúmulo de directores Porter, Griffith. No responde a una lógica cognitiva humana. El lenguaje del cine comercial se termina de consolidar en los ʼ20, pero no es el único lenguaje, es el narrativo comercial. Griffith lo que hace es acumularlo en técnicas. Hay 3 grandes grupos de cine: comercial, documental o de vanguardia. Este último busca otros objetivos diferentes al comercial. Cómo se configura el lenguaje mayoritario: con distintas lógicas. Las económicas por ejemplo son las que mueven a Hollywood. El cine es un negocio rentable: quieren producir muchas películas y la conformación en géneros ayuda a esto pues se especializan las funciones y se reutilizan las locaciones, los efectos especiales, los realizadores. Los géneros no están totalmente industrializados pues falta el sonido que no se da hasta los ʼ30.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

Estética cinematográfica y géneros del cine mudo. EVOLUCIÓN DESDE LOS AÑOS 10 HASTA EL 20

Plano contra plano. Ej: una conversación.

Un realizador clásico pondría un plano general, habla un personaje y pone un plano

corto. Y corta la cámara.

El montaje está oculto entre el dialogo. El montaje es el salto entre un personaje y

otro.

Si un personaje cambia de posición cambia a un plano general. Eso lo afinó Griffith

posteriormente, mueve la cámara, tiene planos, etc.

Había mucha producción de películas de mala calidad. Películas de un rollo de 15 min.

El predominio eran los planos medios.

Las industrias americanas potencian el “star sistem”. Se dan cuenta del poder de los

personajes o estrellas y los explotan.

También podían dividir su producción en A B C a finales de los 10.

Cuanto más salgan de la cadena de producción será más barata, se dan cuenta de la

venta por bloques. Querían conseguir más dinero que la competencia y empiezan a

vender las producciones de las estrellas por bloques.

Se empiezan a construir los grandes estudios con productores como Griffith. Quiere

contar historias con una división mucho más amplia, le llevó a varios roces con los

productores.

Sus películas serán de media hora o ¾ de hora.

Empieza a trabajar con el espacio-tiempo.

Consecuencias: gran éxito y ganar dinero, le ayudó para poner su productora con otra

gente.

En los años 20 se resuelve la denominada guerra de las patentes.

Edison intentó monopolizar el cine. Pretendieron tener el monopolio de explotación

del cine.

Otra serie de autores llamados “los independientes” abducían que ellos tenían

aparatos comprados en Europa y por lo tanto patentes europeos.

Algunos de los “independientes” retaban al Trust (pretendía el monopolio sobre las

empresas independientes o piratas) de Edison.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

El nacimiento de Hollywood lo hacen “los independientes” y acaban con el trust de

Edison y sus compañías en los años 20. Una vez configurado el lenguaje

cinematográfico surge una Iconografía común a las demás películas del Oeste.

Hay una serie de historias que se repiten en las películas de drama.

Antecedentes del Western.

Principios de los géneros durante los 20 y se completa a finales de los 20.

• Ernest Lubitch: Sus principales características son:

- Es conocido por su “Toque Lubitch”, llamado así por la forma peculiar que tiene el director de dirigir a los actores y su puesta en escena (crea malentendidos y hace creer al público cosas que luego no son)

- También trabaja con el espacio fuera de campo o espacio “off” que obliga al público a imaginar lo que ocurre fuera de la vista de la cámara.

Cecil B. de Mille: Director de gran éxito en la primera mitad del s. XX. “La marca del fuego” 1915. Tiene un estilo muy comercial y utiliza elementos lumínicos muy recargados. A mediados de los años 20, hace películas de otros géneros, incluso históricas o religiosas. En sus obras, intenta conectar todos sus valores con la sociedad, adaptándose a ella, a su tiempo y a su espacio. • Robert Flaherty y el documental: pionero del cine documental en la que predomina una visión humanista y poética de los hombres. ʼ20: “Nanuk el esquimal”; es una nueva escuela en donde el investigador pasó viviendo con los esquimales para que no condicionara sus acciones y se acostumbraran a las cámaras. Este éxito tan inesperado, puesto que el cine documental nunca había sido tan famoso, hizo que la Paramount lo mandara a los mares del Sur donde realizará sus próxima película. “Moana” 1923: era muy comercial y tuvo una gran acogida por el público. “Tabú” 1931, ya fue grabada con sonido y su director fue Murnau (expresionista alemán) con el que no llegó a buen término. Flaherty fue acusado por la crítica de romántico al intentar mostrar en sus documetnales la relación del hombre con la Naturaleza y porque él amaba a esos pueblos que habían logrado quedarse al margen de la industrialización. Sus innovaciones en cine se centraron en que intentó que la cámara pasar desapercibida y por su composición poética buscando lo “artísticamente bello”

• El cine cómico mudo: • Mack Sennet: Pionero del cine cómico norteamericano. Sus características principales eran:

- Producción muy especial, con técnicas muy modernas para el momento - Sus películas era breves y alocadas, basadas en los accidentes 8caídas,

persecuciones, tartazos..) Estas comedias fueron conocidas como slapstick comedies y no contaban ninguna historia.

• Charles Chaplin: Actor, director, productor, escritor y compositor. Se caracteriza porque fue descubierto por Mack Sennet y porque su humor se centra más en las tramas argumentales y no tanto en el gag visual. Creó el personaje de Charlot, que es un vagabundo ingenuo, que cree en la bondad humana y tiene una filosofía humanista.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

Es rechazado por la sociedad e intenta imitar la vida de los burgueses (vestuario, actitud) intentando mejorar su vida sin conseguirlo nunca. “Charlot periodista” 1914: fue su primera pel´cula, en ella, su personaje aun no estaba bien definido. “El chico” 1921, “Una mujer de París” 1923, “la quimera del oro” 1935, “El circo” 1928: son sus pel´culas mudas de mayor éxito, las más taquilleras del periodo mudo. Con la llegaa del cine sonoro, Chaplin se negó a que su personaje Charlot hablara, pues sabía que sería su fin. “El gran dictador” 1940, “Candilejas” 1952: son pel´culas en las que Chaplin si que habla, pero nunca Charlot. “Tiempos modernos” 1936: en ella, todo el reparto habla, menos Chaplin con su personaje de vagabundo, que será la última vez que aparezca. “La condesa de Hong Kong” 1967: fue su última película. •Buster keaton: Buster Keaton. Actor y director de cine cómico mudo. Es un personaje emblemático. Entre el año 22 y el 29 (años 20, su etapa dorada). Características de su cine: es un cine basado en una comicidad muy técnica (un chiste visual) más que una narración. Su personaje es un personaje inexpresivo con una lógica absurda y surrealista. Tiene un ritmo bastante rápido para la época. “ Fatty el asesino” 1917: es su primera película, grabada con su inseparable amigo Fatty Arbuckle. Con ella keaton tuvo un gran éxito y se convirtió en uno de los comediantes más famosos del mundo. “El maquinista de la general” 1927: es su película más carismática. En ella muestra su pasión por su tren y por su amada, a los que tendrá que rescatar entre malabarismos, las distancias, las demoras, la balística y la muerte. Su decadencia comenzará con el cine sonoro.

3. La creación cinematográfica. EL LENGUAJE FÍLMICO EUROPEO

1919. empezamos a hablar del cine como un lenguaje propio aunque se configura en los 20, a

falta del sonido que se creará a fines de los 20.

Está configurado el lenguaje, la industria, los géneros, aunque un género aún no ha surgido

como es el musical.

1920. nos encontramos que las oficinas de las productoras están en la Costa Este de EEUU

para tener buenas relaciones con el estado.

Los grandes bancos invertirán en el cine, aunque estos se van a asegurar el éxito.

AÑOS 20: EEUU

- Construcción de un lenguaje.

- Construcción de una industria.

Italia, Francia, Bretaña, Alemania eran las grandes potencias productoras europeas del 20.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

En Europa se desarrollan las vanguardias fílmicas que no las hay en EEUU. En el periodo de

entreguerras se produce la vanguardia fílmica. Autores que provienen de la pintura,

fotografía, teatro, pero no para contar historias sino para transmitir ideas.

En Europa en los 20 están las vanguardias de autores franceses como impresionistas

cinematográficos, cineastas que antes de la historia buscan la impresión visual, son muy

formalistas (trabajan la forma mediante iluminación, movimiento de cámara, efectos ópticos).

Hacen el corte para que de un plano a otro haya racord.

Dellue. Crítico cinematográfico y estudioso del cine. Los primeros en considerar al cine

como arte son los impresionistas franceses.

Forman los primeros cineclubs.

Antes lo digno era el teatro, pintura, fotografía pero el cine no era digno.

Más tarde surgirá el “film d’ art” basados en obras de teatro reconocidas y el teatro burgués.

Hay un intento de dignificación.

En España será Buñuel quien monte un cineclub en una residencia de estudiantes en Madrid

con Lorca, Dalí, etc.

Abel Gance. Es francés, hizo la peli “Napoleón” (biografia del emperador), la termina en el 27.

A veces divide la batalla en 3 partes. Utiliza técnicas nuevas, como poner la cámara en un

caballo.

Jean Epstein – formalista.

• El expresionismo alemán CONTEXTO TEMPORAL Mientras en USA se configura un lenguaje, en europa también se dan algunos cambios. La UFA es una gran productora alemana de alto nivel técnico y artístico, que será nacionalizada con la llegada de Alemania nazi; la conforman grandes compañías alemanas. Entre otras potencias cinematográficas están Francia y Gran Bretaña. Cada vez más hay una gran industria que organiza el acceso a la producción, distribución; deja de ser de masas. Pasa del extra radio al centro de las ciudades, es decir que pasa a ser un espectáculo de prestigio (años 20) social y artístico. Los artistas de teatro, pintura (la alta cultura) se dan cuenta de que el cine es un medio muy bueno para transmitir lo que realmente ellos buscaban. Conecta con las élites de las grandes ciudades y los barracones de empresarios transforman sus teatros en cine ( en USA se llaman palacios cinematográficos, ubicados en las grandes ciudades en donde instalan butacas más cómodas, dispositivos de confort como la calefacción, la decoración tiene un estilo artístico imitando estilos europeos para darle cierto prestigio.) En Europa se daba también pero aquí han sufrido las dificultades de la guerra. Razones que hacen que el expresionismo surja en Alemania: La Alemania derrotada por la guerra guarda rencor. Problemas de la república de Weimar que no está dando soluciones a los problemas de la sociedad como la hambruna, inestabilidad, anarquía, no consigue transmitir un orden. Como consecuencia nace el expresionismo que es un movimiento en muchas artes, no sólo cinematográfica, es un sentimiento, un estado de ánimo. El naturalismo anterior

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

queda roto con el expresionismo que es antinaturalismo pues no pretende representar la realidad tal como es sino que representa el miedo el desasosiego, representa estados alterados de la mente, locos, de angustia. Los aspectos formales dan respuesta al movimiento con las luces y sombras, simbolismo en los objetos (la representación de un objeto como tal en el expresionismo significa algo más trascendente en su significado.)Ej de películas: Nosfaratus. Algunos expresionistas consideran con un expresionismo más cerrado el “El gabinete del doctor Caligari” utiliza elementos visuales como luces, sombras, líneas oblícuas, conectado con los pintores (Herman WArm, Walter Röhrig y Walter Reimann: y da origen a un estilo como el Caligarismo: se filma en interior, refleja el mundo interior de los protagonistas y sus problemas mentales, se filma con decorados distorsionados, tiene un origen teatral. Los espectadores se ven reflejados porque retoma situaciones del mundo de las personas. Otro moticvo era que los estudios estaban destruídos despues de la guerra. Los decorados estaban concebidos como cuadros. Sus antecedentes “el estudiante de Praga” 1913, Edgar Allan Poe o Hoffmann que recogen elementos del romanticismo. Golem utiliza claro oscuro, en donde la obra refleja el malestar del pueblo alemán, la necesidad de una figura tiránica como un monstruo que se considera un preludio del nazismo. Las tres luces, Destiny o Der müde Tod de Fritz Lang hce una película plenamente simbolista e incluso romántica en algunos aspectos. Esto conlleva a otro tipo de lenguaje fílmico sobretodo cona quellos que guardan conexión con las vanguardias pues proponen elementos narrativos, representación conematográfica diferente a las que se hacía en un Western. Kracauer es un teórico del expresionismo alemán. En “Mabuse” es un contemporáneo que sería en USA las películas de Gansters pero en este caso con un corte expresionista. “Mosferatu el vampiro” que es la adaptación de Drácula; no es caligarismo* pero en Murnau se ve mucho del expresionismo pero también hay escenas donde el espectador se puede reconocer pues ven elementos naturalistas pues aludía al miedo por cosas de la vida común de las personas y estas sentían cercano los referentes y por eso sentían el miedo. Muchos de los referentes utilizados por Murnau son pictóricos, por lo que hay una mezcla entre el terror y la poesía. Es un autor que además del expresionismo se puede encajar en el Kammerspielfilm, que es un cine íntimo pues tiene pocos escenarios y decorados que reflejan los sentimientos de los personajes, sensaciones. Ej: “El último”. El simbolismo y el romanticismo están también presentes. Einseinstein hace un montaje para impactar al espectador y el nazismo pensó en utilizar este modelo, por su capacidad técnica, sus efectos especiales. Lang tiene estudios de arquitectura; Metrópolis es un referente a la ciencia ficción. Su contenido es ambiguo; se está dilucidando cual es el tipo de sociedad, en esta película se plantea una resolución de estos dos mundos, del conflicto o la solución del pacto de la Alemania socialista y la otra parte. Es una constante del movimiento moderno que está obsesionado con el maquinismo y de nuevo remite al simbolismo que tiene muchas películas expresionistas

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

*CALIGARISMO: Tuvo influencias en otros autores (expresionismo). Otro autor del

expresionismo es Murnau (1922). Gran director, del expresionismo. Posteriormente, se

consideró una película de miedo. Hay secuencias expresionistas, realistas y escenas

fantasiosas, mientras que en el Caligarismo no existían escenas que fuesen realidad

• Las escuelas de cine soviético y el montaje Años 20. Después del triunfo de la revolución rusa hay una serie de artistas (escultura, pintura, fotografía...) que la revolución les permite una libertad creativa, conectados con los movimientos de vanguardia. El cine tiene un fin propagandístico, las bondades de la revolución se exporta a nivel interno y luego a lugares campestres; pero son formalmente muy brillantes, sobretodo en el montaje cinematográfico de una forma peculiar. Después el régimen se viene abajo y las creaciones formales se veían revolucionarias. Lev Kulechov: sus principales características:

- Es conocido por el llamado “efecto kulechov” que consiste en infundir cargas emocionales según yuxtaposición de los planos. Según él, el realizador es el que da realmente sentido a la obra, según el tratamiento de este en el montaje.

- A partir de su parición se crea una Escuela Formalista de la que es seguidor Einsenstein

Vertov: asociado a un tipo de cine documental. Comienza con reportajes de guerra y luego funda una revista cinematográfica (kinopragda o cine verdad) pues quería una búsqueda de la verdad absoluta, por eso hacen noticiarios cinematográficos, es como la actualidad pero en cine y se presentaban antes de las producciones en las salas cinematográficas ante las masas analfabetas que incluso eran la primera vez que veían cine, por eso eran manipulables y para este tipo de público lo que decía la pantalla era verdad. Su objetividad viene por su rechazo absoluto de cualquier artificio cinematográfico (actores profesionales, vestuarios, guión..) propone un montaje en donde la importancia se da durante la filmación no en la sala de montaje para que el grado de veracidad sea mayor. “El montaje es la organización del mundo visible”, lo más fiel posible al mundo real. 1. Observando la realidad 2. Montaje durante la filmación 3. Período de reflexión 4. Mesa de montaje “El hombre de la cámara” 1929; en esta época se decía que la cámara se podía asimilar al ojo humano e iba a servir para ampliar la visión de esta. Es muy formalista y por tanto poco real, pues intenta llevar la objetividad hasta el extremo; intenta demostrar que la cámara es la extensión del ojo humano. Eisenstein: “Acorazado Potemkin” 1925, (sumar adeptos a la causa de la revolución). Es una forma de montaje que no tiene nada que ver con el lenguaje del cine americano. Montaje dialéctico, de atracciones. Se basan en el efecto Kulechov, a un actor ruso famoso le hacen un primer plano del rostro inexpresivo y el mismo plano se combinaba con otro que no tenía nada que ver: lo sustancial del cine es el montaje no

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

los actores, pues fue el espectador quien le dio significado a lo visto. Dialéctico: del choche entre dos planos surge una idea nueva en la mente del espectador; esa idea no está en los objetos sino en la lectura. Autor con vocación renacentista, ingeniero que se nota en cómo planifica, apasionado de la perspectiva y lo barroco, pintura greco y Goya por lo que muchos de sus planos parecen cuadros, el expresionismo alemán en el choque de luces y sombras, reflexología (el perro de Pavlov) conductismo, Freud y el psicoanálisis. Muchos de sus planos son estímulos visuales para impresionar o conmocionar al espectador, que llegan al subconsciente y hacen reaccionar. Ej: La huelga 1924, Octubre del 27. Los personajes representan la colectividad Pudovkin: “La madre” 1926. Los personajes representan al individuo. Es más sencillo en sus montajes y más poético. “Acorazado Potemkin”: El lenguaje comercial americano es significativo, pero Eisenstein describe las condiciones de vida y las masas obreras se veían identificadas. La narración no avanza pero describe, sus personajes representan la colectividad, describen la masa obrera. Tiene referentes pictóricos; maneja muchos tipos de planos desde cortos a largos y los monta con gran variedad. La tipología de planos americanos están muy establecidos y los rusos plantean un trabajo formal diferente en los puntos intermedios entre los planos ya constituidos. Planos de corta duración (inusuales para la época) que en ocasiones repiten las acciones vistas desde diferente toma y esto tiene una simbología.

• El cine y las vanguardias artísticas. Ellos son pintores abstractos y empiezan a experimentar con el cine. Pintan los fotogramas. Se adelantan a artes. Como Mc Laren pintan formas geométricas que avanzan en el tiempo. Era cine mudo aunque se habla del ritmo visual. Hacen documental abstracto, como por ejemplo “Berlín sinfonía de una gran ciudad”,1927. Ruttmann, fascinación de la modernidad por las maquinas. Movimiento que tendrá bastante seguidores y éxito social. Años 20. Periodo de entreguerras, empiezan a trabajar con el cinematógrafo. Los autores impresionistas franceses no tienen la pretensión de ciertas historias, sino llegar al público. Pintores abstractos que pintan sobre el fotograma también toman la imagen real. • WALTER RUTTMANN Está ligado de manera genérica al cine abstracto, documental abstracto, música visual (porque querían buscar un ritmo visual). Posterior al expresionismo (finales de los años 10, principios 20) se da la abstracción pictórica en donde lo que el artista representa no guarda correlación con la realidad aunque puede estar inspirada en ella; hay autores que son pintores que se dan cuenta que el cien es un medio privilegiado de expresión artística y al hacer pintura abstracta hacen cine abstracto. Pintan figuras que al proyectarlas se mueven. Otra forma de obtener abstracción en cine es buscar elementos geométricos y filmarlos como railes de tren, bordes de edificios. “Berlín, sinfonía de la realidad”, 1927 posee elementos de abstracción que retratan la ciudad desde un punto de vista artístico. Ve el ser humano como un engranaje, la urbe como un organismo autónomo, influenciado por el expresionismo, surrealismo, obsesionados por lo moderno y la maquinaria, ver eso significaba la modernidad.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

• LUIS BUÑUEL Nace en Aragón, su infancia y adolescencia le marca su forma de en marcar la vida. En Madrid, en la residencia de estudiantes era un lugar de intercambio de ideas modernizadoras, practicas artísticas (España años 20) allí confluyen varios autores de la España artística, Alberti, Lorca, Dalí que conectaron con el surrealismo. En ese foco se encuentran gran parte de los elementos que confluirán en la estética surrealista. Llega a España cine importante de fuera como Keaton, cine americano, ritmo rápido, de los soviéticos admiraban el montaje. Los artistas ven en el cine un nuevo medio de expresión. Decidido a dedicarse al cine viaja a Francia donde aprende cómo se filma y entra en contacto con los surrealistas donde incluyen prácticas artísticas la representación de los sueños, descontextualización, el objeto encontrado( un objeto cotidiano lo elevan dándole un valor simbólico y lo descontextualizan), violencia irracional, amor loco, entre otros. Tenía una vertiente antisocial pues privilegia la irracionalidad, se vuelve subversiva. Un perro andaluz: acumulación de un conjunto de sueños donde es difícil seguir el guión, la narración. Entre un surrealismo esteticista (Dalí) a un surrealismo más bruto, más primario (Buñuel). En la edad de oro la presencia de Dalí es poco clara, al contrario de Buñuel. Amor loco, violencia, sadismo, animales, de tendencia subversiva. Un perro andaluz es una película muda, era parcialmente sonora (principios de los 30), era un intento técnico importante para la época. Aunque terminan de sonorizarla en los 60.

4. Cine sonoro. Nueva temática. Los géneros sonoros Los experimentos sobre el cine sonoro son muy anteriores al 20. Alemania 19. En USA hubo intentos de sincronizar la voz con el video. Las personas no demandaban el cine sonoro pues ya eran bastante ruidosas con la música y las conversaciones de la gente en la sala; además las masas eran un público analfabeto y popular. Hay diferentes patentes de sonido incompatibles entre sí y que se dividían entre 2: un sistema a través de discos sincronizados con la máquina proyectora y otro con sonido óptico que grababa el audio en la misma película. El crack del 29 no resiente el cine sino que mantiene su fortaleza; el cine sonoro fue un recurso para atraer el cine a las salas cinematográficas. Warner, en la segunda mitad de los años 20, era una gran compañía que había tenido una serie de fracasos financieros e impulsó el cine sonoro; adquiere uno de los sistemas (la patente) en la que la imagen iba por un lado y los discos por otro y comienza a hacer proyecciones de forma muy tímida. “El cantante de Jazz” por Alan Crosslaw, octubre del 27 y fue un éxito rotundo. Por primera vez pudo ver y oír a un cantante reconocido. Comenzó un período de convivencia entre películas parcialmente sonoras y sonoras, pues representaba una gran inversión que tardó años en asentuarse completamente en Hollywood. Las demás productoras no se querían quedar atrás y compraron otros sistemas por lo que se dio la segunda guerra de patentes.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

Hollywood: comenzó en la coste este, no en la oeste. Las productoras iniciales Edison y compañías, persiguen y pleitean a otros que quieren hacer cine en USA, pues consideran que sólo ellos pueden explotar el cine. Buscando locaciones llegan a California por cuestiones climatológicas, del suelo y la sociedad. Y son los independientes que se consolidarían como los más grandes donde se da la primera guerra de patentes. La radio de USA, su tecnología se aplica al cine; querían ver cual es la mejor forma y se dan cuenta de que es mejor pactar para poder mejorar y exportar y se dan cuenta que es mejor el sonido óptico. Hay una serie de consecuencias: Inversión: gente especializada, técnicos en sonido. Muchas de las tomas tenían el sonido en directo. Había que extender el sistema en las salas de proyección; para convencer a los que proyectaban les dieron motivos de mayor rentabilidad económica. Los bancos se hacen con las productoras pues estas últimas necesitaban el apoyo económico. Estética: Las filmaciones se hacían en interiores y con tipología del teatro; los inconvenientes de los micrófonos unidireccionales, la cámara hacía ruido y todos los sonidos se filtraban. Los planos eran largos como en el teatro; autores como Eisenstein reniegan del empobrecimiento del cine. En los primeros años 30 se consigue perfeccionar el sonido lo suficiente para liberarse del teatro filmado Comercial: Algunas salas se acondicionaban y otras no; se hacían dos versiones, parcialmente habladas y mudas. Trataron de hacer la versión original subtitulada pero no funcionó. Múltiples versiones: en distintos idiomas; el problema es que se necesitaba todo un equipo técnico que hablara otro idioma; el sonido desmanteló la industria europea pues Hollywood necesitaba mucho personal y además quedaban allí, los ingleses sufrieron pues la versión americana servía para Inglaterra y no prescindían de su servicio. La influencia europea se nota aunque sean películas comerciales. Cuando Europa se vuelve proteccionista, empresas como la Paramount monta sucursales en países como Francia. El doblaje se empieza a hacer en USA pero luego en cada país donde las cinematográficas tienen sus empresas de doblaje. El cine clásico se consolida, se completa la política de géneros, donde los géneros están estratificados y el personal especializado; los géneros no se contaminan entre uno y otro. Este período clásico se da entre los 30 y los 60 • CINE CLÁSICO Período en que un grupo de historiadores llamaron cine clásico o comercial que se refiere a la construcción definitiva de un lenguaje El sonido hizo que los bancos fueran parte de Hollywood y que exigieran un control sobre las producciones y la industria. Como consecuencia: 1. La política de géneros: dividir la gran producción cinematográfica en géneros que se consolidan en los años 30. Las productoras tienen distintas líneas de producción, con personal especializado, estudios, elementos de decorado, efectos especiales para

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

producir las películas. Hollywood produce un número limitado de historias; historias y personajes e iconografía que se repite. Se llega a la máxima especialización de la industria y el director no es artista sino artesano, son directores que trabajan como una pieza más en el engranaje. El poder en los estudios lo tiene el productor ejecutivo que debe cumplir con plazos y decide todo. Las producciones iniciales del cine mudo, en la guerra de las patentes, se convierten en las grandes productoras independientes que acaparan todo el mercado. Cada uno tiene su propio sistema de producción. Además de sus propias líneas de producción algunas de ellas tienen un sello de identidad de las productoras, es decir, una manera de hacer cine; de modo que el espectador sabe que género le gusta y esto hace que estén predispuestos a ver el cine. Por eso aunque se repitan las historias, las personas siguen yendo porque existe una vinculación. Aunque las productoras tienen varios géneros, no los tienen todos. Cada una tiene su sello. Metro Goldwyn Meyer: Clarence Brown, Sam Wood, Victor Fleming (recordado por musicales). Algunos productores se especializan en un género y otros se amoldan a lo que les gusta. Browning: Freak, la parada o el desfile de los monstruos. Paramount: su sello es de una productora con una cuidada producción técnica, dirigida a un público medio alto. Aparentemente eran producciones lujosa, buena iluminación. Se especializó en la “alta comedia”. E.Lubitsch es uno de los europeos que llegan a USA con sus aportes y que se especializa con “el toque Lubitsch” en el cuál, mientras en el cine clásico no despista al observador, él juega con el espectador. (El espacio de campo: la imagen del movimiento expande el campo más allá de la pantalla y lo utiliza para hacer creer al observador que hay algo más allí que el no puede ver). R. Mamoulian se especializa en el cine musical. Cecil B. de Mille es un director muy comercial, con mucho olfato para coger historias que conecten) Warner B: su producción es mas dirigida hacia públicos más populares, más barata y más ruda, menos cuidada. Su inspiración viene ligada a la página de sucesos de los periódicos. Algunos de sus éxitos tienen que ver con el cine negro. M.Curtis. Universal: se especializa en el cine de terror, de enorme popularidad gracias al sonido. Poner en imagen todo tipo de historia que tenían un origen europeo y literario, popularizarlos en historias entendibles; quitan algunos aspectos de tipo filosófico para hacerlas fáciles; inventa visualmente una iconografía, Hollywood le pone cara, que perdura luego en las demás versiones que lo prolonga, reforma o lo mantiene. James Whale: Frankestein, el caserón de las sombras, el hombre invisible. Tod Browing: Drácula del 31. Estaban industrializando al género romántico. El resto de productoras no tienen una línea muy definida. RKO: nace en el 29 FOX: pasó por una dificultad financiera en los 30 y se unió con otra productora creando la Twentieth Century Fox Columbia: conectaba con el contrato del New Deal. Comedias de Fran Capra. United artistis: más distribuidora, tiene menos poder que las otras Es el esquema general de las productoras que se mantendrá durante décadas. De mucho poder,

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

conectan con el gobierno norteamericano. Van a configurar el imaginario colectivo del cine clásico. Se configura entonces una manera de hacer cine que es el cine clásico, comercial, tipo Hollywood, modo de representación institucional. No permiten ver la intervención del creador y eso influye en el montaje y las técnicas utilizadas, destinadas también a que el espectador se identifique con la historia; apelan al imaginario. Se dan al mismo tiempo el cine clásico, el documentas y el de vanguardia o de autor, que tienen una separación muy marcada en cuanto al lenguaje y el contenido. De los 30 a los 60, este es el paradigma de hacer cine. (A veces se adapta a los valores culturales como en el caso del cine japonés que se da en los avanzados 50) Los norteamericanos antes de llegar a los 30, construyen formulas de comercializar el cine. Desde el cine mudo tienen el régimen de doble mando, pues se crea en la costa este (bancos y relaciones políticas con los gobiernos de cuestiones de ayudo mutuo, apoyo para la expansión global, y beneficios económicos) y en la coste oeste están las producciones, actores, directores... Ponen en marcha muchas segmentaciones de la producción desde el cine mudo, con las producciones de tipo B. Y se da la “venta por lotes”: si un distribuidor quería una gran película, esta venía con otras más con las que el exhibidor tenía que comprar para adquirir la que quería; esto servía para que toda la producción se vendiera. Unos directores se especializaron en hacer escenas especiales o determinadas de una película. • CINE MUSICAL Incorpora espectáculos de Broadway a las historias del cine. La Warner hace cine musical: Berkeley es un coreógrafo más que director. Es una creación extraordinaria, un universo fantasioso, barroco y visualmente es un espectáculo. Trabaja con aspectos caleidoscopicos que denotan abstracción. RKO: Fred Astaire y Ginger Rogers. Es la productora más reciente y busca su especificidad y lo experimenta con el musical. Metro: Jeannette McDonals y Nelson Eddy, Eleanor Powell. Los bailarines eran exclusividad de una productora. FOX: Shirley Temple. De los años 30 a 50 se hace un tipo de musical que se rompe en el 49 con la película “un día en NY de S. Donen y G.Kelly. EL musical se hace con supuesto realismo, es decir que están justificados; muestran la vida de las compañías, los artistas y sus vidas, que el musical moderno recupera. Este tipo de musical se produce durante dos décadas. La importancia de “Un día en NY” fragmenta esto y los números musicales no tienen nada que ver con la realidad, son absolutamente fantasioso; es una evolución en el argumento. El número musical no tiene por qué tener una lógica. “Boda real” es de S. Donnen, con bailarines como Fred Astaire y Jane Powell.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

• EL CINE NEGRO Film noir: tiene un origen literario, viene de la denominación de los críticos franceses (que son los que descubren a Hitchcock , entre otros y los lanzan en la categoría de artistas) es un cine muy norteamericano. La editorial francesa Gallimard tenía una serie de estas novelas Son novelas de consumo popular, enredos, crímenes, asesinatos, sucesos. Entra la intertextualidad (elementos de las páginas de sucesos y los seriales radiofónicos). Visualmente hay elementos del expresionismo alemán y el psicoanálisis. El período del cine clásico va de los 30 a los 60. Más allá de esta época todavía se dan los géneros pero el período monolítico de este cine termina en los 60. El cine negro es una categoría muy amplia, muy general que incluye otros subgéneros. Puede estar constituido por cine de gangsters, policial, thriller. Tienen mucha densidad narrativa, historias complejas, las denominadas “pulp fictions”; el resto de las historias eran muy simples, aquí hay varias historias. Los personajes son muy esquemáticos en el cine clásico, en el negro tienen mucha psicología y se nota una evolución, no se repiten como en el clásico. dos características importantes son el contexto social que se ve en el cine negro (minorías raciales) y el psiquísmo enfermo en la criminalidad (de ahí la influencia del psicoanálisis) El cine clásico es muy moralista, pero el cine negro es moralmente muy relativo; sus finales no tienen final feliz, ni reconfortable moralmente. “La ley no es justa”. El tema social son las historias contemporáneas (de la página de sucesos). Visualmente hay una estética expresionista pues mucho de los directores provenían de Europa. Su espacio es la urbe ( suburbios, callejones, garitos) el campo aparece muy poco y sólo aparece como alternativa o dualidad (el contraste). Diálogos cortantes, cínicos, de doble sentido. El Hollywood clásico tiene un nivel de censura muy alto y con los dobles sentidos rompen los límites de la autocensura. Sus finales son desencantados y trágicos (no en todas pero se repiten en muchas). Las dualidades: luz/ sombra (en la fotografía) objetividad/subjetividad( en el punto de vista de las narraciones) verdugos/ víctimas (en los personajes) culpabilidad/ inocencia (en la ética) ciudad/ campo (en los espacios) pobreza/ riqueza (en las biografías) Temas: Muerte, la pasión amorosa negativa, corrupción destino trágico, el racismo (aparece a veces pero se transforma en el antifascismo cuando USA entra en la guerra mundial), pobreza, exclusión social de las minorías. No es social pues su fin no es cambiar esos aspectos de la sociedad, sino mostrar el lado negro de ella. El trasfondo histórico marca el cine por el crack del 29. Lo habitual es que confluyan distintos géneros fílmicos; no se puede encasillar una película en sólo de gangsters... Recursos visuales: La fotografía en blanco y negro cuenta lo oscuro, los contrastes; la luz, las sombras, los espejos.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

Ejemplos: “El abrazo de la muerte”, “El halcón maltés”, “Laura” (1944)”, “Muerte entre las flores” “El crepúsculo de los dioses” Narración subjetiva muy particular porque es de un muerto, hay escenarios interiores pero también exteriores y representaba algo nuevo. Es una historia del cine dentro de la película “La mujer del cuadro” de Fritz Lang: muy basado en estereotipos clásicos, la mujer fatal, los asesinatos. Siempre en interiores, por la noche... juega con la sensación de sospecha ante la realidad. “Retorno al pasado” Jacques Tourneur. Están describiendo historias y personajes que no aparecen; se entremezclan los personajes y las historias. Este tipo de narración era difícil y enrevesado para la gente. La narración, la voz en off; un cambio entre lo subjetivo y lo objetivo. La legalidad y la moralidad no es un concepto claro para los personajes del cine negro. “Sed de mal” (1957) Orson Welles saliendo del clasicismo,pero tiene muchos elementos del cine clásico; tiene un barroquismo, una manera de mover la cámara de una manera muy avanzada para la época, plano-secuencias. Para dar la sensación de agobio y frenesí,fragmenta los planos para dar la sensación de ritmo, aunque la narración no avance como en el plano-secuencia. El cine contemporáneo es muy intertextual, se nutre de todo. “Soñadores” Orson Welles: además que Hitchcock cambian el lenguaje y la forma de hacer las películas. Y su biografía personal lo explica: pertenece a una familia con inquietudes artísticas y desde pequeño sus padres lo llevaron a museos, a ver representaciones; el no viene del mundo del cine (no ha ido escalando puestos hasta llegar a director), viene de un mundo artístico, teatral y eso le ayuda con su vocación creativa que la plasma en el cine. Su fama se debe a una narración radiofónica de una adaptación de “La guerra de los mundos” (1938); en los años 30, la radio era un medio de masas en USA, de alta calidad acústica y buenos formatos porque se financiaban con la publicidad. En lugar de narrarlo de manera lineal, lo hace con una técnica narrativa documental muy brillante y realista que hace que cunda un cierto pánico; (Con entrevistas, reportajes, un estilo documental muy verídico) coincide con que la gente no escuchó la emisión entera, apagones en ciertos pueblos, pasado bélico desde Europa, y el imaginario colectivo es que la radio puede comunicar con los aliens. La prensa acusó a Orson Welles y la radio porque le estaba quitando la audiencia y los anunciantes (con elementos como que la radio miente, manipula y la prensa era verídica). Este tipo de narración ayudó para ver que los medios de comunicación no dicen la verdad. Logró una enorme popularidad. RKO es una productora que está buscando su identidad. En 1939 quiso hacer una producción cinematográfica en donde quería contar con Orson Welles, por lo que le ofreció total libertar creativa y de producción. Así, pudo crear “Ciudadano Kane”. Esta película formalmente puede ser muy barroca, recargada. Esta llena de simbolismo y expresionismo. Es decir que todo simboliza más que la propia retórica. Es de los años 40 y rompe la manera de hacer cine en una época clásica. Tiene angulaciones y planos muy exagerados. Tiene movimientos de cámara muy expresivos, travellings expresivos: en el clasicismo notan que eso pase desapercibido, integrado en la narración. Con Welles, los aspectos formales son muy expresivos, es muy formalista. De escuela

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

impresionista: mucho valor a lo gráfico y menos a la narración.Encadenamientos sonoros. Tiene referentes con la vanguardia. La óptica era muy extrema: trabajaba con ojo de pez tan extremo que provocaba cierta aberración en los bordes que deformaba. Conectó muy bien con el público norteamericano. Combinaba el reportaje con la ficción y parecían que conectaba con la realidad. Es un pre-tv. En el Hollywood clásico se buscaba una identificación con un personaje, aquí no hay tal identificación; además los reportajes que se proyectaban antes de las películas, están inmersos en la película de “Ciudadano Kane”. Mezcla de narración subjetiva y objetiva, alegoría del poder y del mal. El segundo tema es la investigación del periodista para conocer la vida del personaje. Los saltos espacio temporales entre los recuerdos, las entrevistas y los reportajes; además cómo condensa en poco tiempo algo que ha ocurrido en mucho (la escena del desayuno y cómo se fue deteriorando la relación con el paso del tiempo). “El cuarto mandamiento” fue en cambio un fracaso “La dama de Shangai” (1948). “Macbeth” (1948), “Otelo” !1952), “Campanadas” (1957).

5. Cine europeo de los años 30 y 40 • La escuela documental inglesa, John Grierson El espectador no va a ver una historia realista y tiene que olvidar que es una historia artificial y que se ha hecho para ganar dinero. Periodo clásico - EEUU. El paradigma clásico también se da en Europa. La forma de fabricarlos se vuelve universal. Trasvase entre Europa y EEUU. Los directores europeos viajan a EEUU para aprender sus técnicas. En Europa el director tiene más poder sobre su película que en America. Europa tenía mayor importancia a nivel creativo. Años 30: EEUU. Política de géneros. Europa. Elementos singulares – tendencia al cine social, documental, comercial, etc. En Francia autores como J. Vigo, crítico con la sociedad, documental critico, irónico, satírico. “Apropósito de Niza”, 1929.“Cero en conducta”, 1933.Es un autor muy influyente, difícilmente clasificable con otros géneros filmográficos.

• Hitchcock: Llega a EEUU contratado por O’Selznick. En la década de los 40, dirige películas como “la soga” “recuerda”. En la década de los 50, hace “Con la muerte en los talones” “vértigo”, y en la década de los 60 y 70, rueda “pájaros” y “psicosis”. Tiene características muy peculiares y propias de su cine:

- Es un cineasta moderno, estrella. - Tiene un tratamiento especial del suspense, con rasgos propios, muy marcados:

mantiene el suspense durante toda la película, siempre piensa en el publico y en sus reacciones. Todo lo que filma es creíble, verosímil, y además siempre despreció a los actores, los veía como un medio más que le permitía llevar a cabo sus creaciones.

- Le gusta mucho aparecer en las películas. - Utiliza mucho los “McGuffin”, un recurso para mover la acción, se trata de un

determinado objeto por el que todo se mueve. Sirve para despistar al espectador y reírse de los críticos.

- Hizo además importantes series, colaboró con revistas y en libros.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

• Grierson: Escuela documentalista inglesa. “Drifters” 1929: cuenta las condiciones de los trabajadores para documentar el hecho, concienciar a la gente e intentar cambiarlo. Con la guerra se irá a Canadá donde inicia otra unidad documental.

•Naturalismo poético francés Cine descriptivo, social, tendencia psicologista y al fatalismo. Marcel Carné: Realista, naturalista, más poético y fatalista. “El muelle de las brumas” (1938) Rene Clair: Antecedente del naturalismo poético. Rompe con el cine francés de la época (pomposo, burgués...) con un cine más popular y costumbrista (busca lo bello en lo normal) “Bajo los techos de París” 1930: rompe con la servidumbre del sonido. Jean Renoir: Gran cara política. Se ve obligado a marcharse a EEUU en la guerra. “un día de campo” 1936. “Bajos fondos” 1936.

EL DOCUMENTAL NAZI DE LENI RIEFENSTAIL.

En Alemania el cine social desaparece en el 1930 y se produce una nacionalización por parte

del estado.

Los nazis privilegian la radio porque la masa es mucho menos crítica.

Bajo control del ministro de cultura y propaganda se finaliza la producción.

Hay películas de exaltación histórica, propaganda antijudía, etc.

LenI Rifenstail hace propaganda en las pelis nazis, actriz de películas comerciales. Se recuerda

por su elevado nivel de creatividad técnica.

“El triunfo de la voluntad”, 1934.

Exaltación del régimen.

“Olimpia”, documental del 1936. JJOO de Berlín. Nunca se había visto el cuerpo humano en

movimiento bajo el agua como lo hizo Leny aquí.

• Neorrealismo Italiano Cuestiones previas que gestan el nuevo cine. Después de la 2 guerra mundial se dan unos elementos que contribuyen a estos nuevos cines. Neorrealismo italiano: En Europa no se dan todas las cinematografías. En los 50 la cinematografía alemana e italiana son muy poderosas, con un personal muy especializado, técnico y artístico. Es una de las grandes europeas controladas por dictaduras que dictaban las temáticas a tratar: películas historicistas, que retoman la grandeza del imperio romano; comedias banales e intrascendentes (de teléfono blanco: como símbolo de modernidad que introdujo Musolinni). Ninguna recoge la realidad del momento, ni críticas a la sociedad ni historias de la cotidianidad. Explota buscando las historias más humildes, simples, cotidianos; todo esto se vuelca en este tipo de cine con directores como Roberto Rosellini (Roma ciudad abierta 1945), Vittorio de Sica (El ladrón de bicicletas 1948), ALberto Lattuada (El bandido

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

1946), Luccino Visconti (aunque comienza aquí, lo veremos en un cine diferente, no realista, más esteticista; tiene poco de neorrealista) Características: Actores no profesionales, rodaje en exterior, medios muy sencillos y económicos (por la guerra), historias sencillas, cotidianas y humildes, que no tenían cabida en el cine del régimen. La influencia del neorrealismo aunque empieza en el 45, se extiende hasta casi los 60. El neorrealismo rosado: (Blasetti) historias más costumbristas, neorrealismo comercial que han perdido el poder crítico con fines lucrativos. A medida que llegan los años 50, hay un neorrealismo más crítico. Esta época se caracteriza porque la sociedad necesita ver historias nuevas que se salgan del clasicismo, necesitan historias cotidianas. Con el tiempo aumentan los presupuestos, también graban en interiores y mejoran las condiciones. Los actores que destacan son Marco Ferreri y B. Bertolucci (cine con implicación política). Nos pone en marca una realidad en la que el cine impone que en los 50 nos encontremos con nuevos temas. En los 60 se van a recuperar algunas de las técnicas del neorrealismo.

6. El claciquismo americano. Periodo del cine clásico. 1929 – 1960, aunque se mantiene estable durante mucho tiempo. Hay muchos directores dentro de Hollywood del cine clásico de los que no nos acordamos. Son singulares, son capaces de cambiar el lenguaje y el contenido del cine. Había normas que no se podían romper como es el eje de acción. El cine clásico trabaja para la continuidad. Lo principal es que un realizador del cine clásico no despiste al espectador. En el cine clásico no hay nada casual, todo está hecho para que la narración avance. La narración siempre es entendible e identificable. El cine clásico es muy cerrado en los géneros mientras que en el contemporáneo una película puede ser de varios generos. Las producciones de la Paramount son muy comerciales, exitosas y lujosas. Cine realista. Hasta los años 50. “Un dia en N.Y.” 1949. El clasicismo trabaja la identificación del personaje. Muchos de esos autores tenían un tratamiento visual singular. Ford – cine intimista, pocos escenarios, pocos personajes (avance de la psicología de los personajes). Gran habilidad técnica (movia la cámara con dinamismo y rapidez). “Patrulla perdida” 1934. “Deligencia” 1939. Capra – comedias amables, cierto paternalismo, abundan los buenos sentimientos. • Orson Welles: “el cuarto mandamiento”1942. “ciudadano kane”1941

• La generación perdida

•Nicholas ray: Hace cine de autor. Dramas psicológicos con relaciones de pareja imposibles. Realismo social.“Rebelde sin causa”(1955)

7. Los nuevos cines: Casi con la nueva ola del cine francés, es una necesidad de las cinematografías el mostrar nuevas temáticas. Hasta en USA habrá nuevo cine, pero de tipo comercial. Es una corriente renovadora general. En los 60 nos centraremos en la Nouvelle Vague y autores con características muy diferentes como B y A Nouvelle Vague: Nueva ola del cine francés. Son autores interesan y su influencia a sido muy grande. Son críticos de cine, tienen un bagaje cinematográfico muy amplio.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

Responden a una cinematografía de los años 50 muy burguesa, que contaba siempre las mismas historias pomposas burguesas, grabados en interior muy clásicas, las ubicaciones de la cámara eran las mismas, no tenían un lenguaje cinematográfico. Son discípulos de André Bazin: un teórico realista (el cine es arte en cuanto mejor refleje la realidad). En la historia clásica hasta la contemporánea se dan dos tipos de teóricos. Se quedó en la teoría, los demás pasaron a la práctica. Antes eran impensables narrar las historias, sólo en el cine documental, no en la ficción. Eso explica que ellos introduzcan nueva temática, la de la vida cotidiana de las personas; todo esto es absolutamente nuevo en el cine. Todos toman luego caminos diferentes y algunos no seguirán con la línea realista. Son autores que hacen cine con poco presupuesto, que conectan con una nueva generación cansado de la guerra; este público quiere tener un reflejo de sus inquietudes. Por primera vez los jóvenes se reconocen con una música (jazz, rock) que representaban lo nuevo y la libertad frente a lo burgués, que era lo que querían abandonar. Utilizan técnicas de rodaje que rompen con la normativa clásica. Como no les interesa la narración comercial, se saltan el eje, rompen las estructuras. (ej: una persecución en donde en el cine clásico importa hacia a dónde van, a ellos les importa lo que siente el personaje). Rompen la continuidad, en el modo en el que se hacía el montaje y se unen los planos; querían dar importancia a lo formal; se miraba directamente a la cámara (con el fin de descubrir al espectador), cosa que no se daba en el cine clásico, sólo en el moderno. En conclusión las rupturas de las convenciones del cine clásico. Son paradójicos pues quieren ser realistas pero al saltarse las convenciones tienden a ser formalistas. Hay una cierta conexión con el documental, actores no profesionales, pocos técnicos pues quieren dar una apariencia natural. Descubren el cine clásico norteamericano como Hitchcock, Welles, Ford( que aunque hace cine comercial, trabaja con los personajes psicológicamente: les gusta el ritmo y la facilidad para). Todos los autores saben mucho de cine pero también saben y disfrutan de la cultura; pero no sólo la alta cultura sino también la popular, desde el jazz y Chaplin. El arte y la vida es lo mismo; el arte no esta para mirarlo sino que nos da claves para la vida. Por eso en sus películas se hablan de importantes artistas como de otros no tan importantes. Como el teórico Benjamin (de la escuela de Frankfurt) que criticaba la reproducción de las obras de arte pues les quitaba el aura. Para ellos les gustaba todo el arte. Se dan a conocer en Cannes en 1969. Autores: François Truffaut: “los cuatrocientos golpes”1959, “Jules y Jim”1961, “Las dos inglesas y el amor”1971. Se caracteriza por su especial sensibilidad. Jean-Luc Godard: “Al final de la escapada” 1959, “Vivi su vida”1962, “Banda aparte”1964. Hace cine y escribe cine. Temática nueva, juego con las rupturas temáticas del cine, conecta con los jóvenes de la época también mediante la música. Claude Chabrol: tipo de cine más descriptivo de ambientes y personajes. “El bello Sergio”1958, “Ofelia” 1962. Eric Rohmer: comparte con Chabrol su afición por la descripción. “Mi noche con Maud”1969.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

Alain Resnais: es un autor atípico. Sus temas favoritos son el tiempo y la memoria. Qué pasa con los grandes acontecimientos de la obra, qué es lo que queda, cómo se transforma con el tiempo. Es un cine reflexivo, literario; también es muy innovador formalmente, por los cambios y rupturas con el tiempo y la narrativa. L.Malle: “un soplo en el corazón”, “Adiós muchacho”1987 • INGMAR BERMAN Es uno de los autores que ha estado asociado a un cine existencialista. Fue criado por una familia muy estricta y religiosa. En la universidad tiene contacto con el teatro; esta muy ligado con la tradición teatral, con influencia de Strindberg e Ibsen. Se quiere resaltar a Berman como creador audiovisual, no sólo teatral. Narrativa pausada, mantiene los planos porque son cargados de significación. Gran pureza visual y uso simbólico del color (luz y sombras), y el rostro humano (a partir de las expresiones extrae ese mundo existencial, onírico). Tiene algunos elementos de experimentación, vanguardia. Se puede hablar de un cine donde se encuentran elementos trascendentales y metafísicos (debido a sus influencias de la niñez respecto de la religión). También bucea sobre aspectos psicológicos de los personajes. Temática: lo religioso, existencialista, el pesimismo. Los personajes indagan e sí mismos mediante la introspección o la interacción con los demás. Tienen una violencia contenida, que puede o no estallar. Comparte con Tarkovski una línea de significación parecida. (Incluso con Woody Allen). Hace cine desde mediados de los 40, tiene una trayectoria muy larga. En los 60 y 70 tiene su etapa más creativa. Escribe también historias guionizadas para cine (debido a su experiencia teatral. “El séptimo sello”, “Persona”, “Fresas salvajes” 1957, “Pasión”, “Gritos y susurros”, “Fanny y Alexander”. “Fresas salvajes”: Recoge las indagaciones de Berman en una historia sencilla, donde se ven los rasgos de su padre (muy metódico, organizado...) y en la universidad en la que trabaja le hacen un homenaje. La voz en off, es un relato de la propia infancia de Berman. Un momento de un sueño es un catalizador que refleja que se acerca la hora de su muerte y se pregunta si cómo ha vivido ha sido lo correcto o no, por lo que entra en cierta “crisis” consigo mismo. Composición muy medida, trabaja con las diagonales (para generar más impresión visualmente), la luz y el rostro. “Persona”: Quiere transmitir un desasosiego importante con las primeras tomas para reflejar los conflictos interiores de las 2 mujeres que se presentarán en la película. El trabajo de composición es muy cuidado, sabe lo que quiere mostrar aunque no permite que la narración avance, si construye lo audiovisual. (La ubicación de los rostros y la composición de los planos en general) “Pasión”: Introduce cámara al hombro, tiene cierto tipo documental. Primera película que realiza en color. No es realmente alegre y representa una especie de antítesis de Woody Allen. Control de asistencia 28 de abril: Desierto rojo escena donde una chica le hace el juego de tocarle la rodilla. Cine de autor o de creación en el que el director expresa y plasma su personalidad en su creación. Directores en un contexto europeo en el que el sistema de producción industrializada marcaba la parada, por lo que mostrar su personalidad

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

• FELINI: Guerra y post-guerra del cine italiano; primer acercamiento al neorrealismo. Tiene una doble vinculación en el mundo del cine, como director y como guionista; la historia y cómo se cuenta (forma y contenido) son dos elementos de creación cinematográfica. Inicios con Rosellini y el neorrealismo en los 50, pero quizá sea su época menos significativa. Principales obras: “La strada” 1954, “La Dolce vita” , “Julieta de los espíritus”, “Fellini ocho y medio”, “Y la nave va” 1983, “Amarcod” 1973, Finales de los 50 y los 60 consigue mucho reconocimiento internacional. Después de esta época ya no tiene una conexión con el público, momentos o películas que gustan o no. La crítica no entiende sus películas, también rompe la conexión con el público. Su tipo de cine, indaga en los problemas cotidianos, el individuo en sociedad y las relaciones con las instituciones principales, a través de una mezcla de elementos reales con otros no tan reales. Posee un mundo barroco, excesivo, grotesco frente a elementos reales. Características: maneja la creación desde el lado formal y de contenido. Temática: al principio muy social hasta reducirlo al individuo frente a la sociedad (el individuo creador, las dificultades de la creación) “Fellini ocho y medio”: Trata sobre el individuo creador como representación de él mismo. Dudas sobre la representación en el mundo. Se mezclan temas secundarios y para eso utiliza elementos muy formalistas como la composición y la iluminación muy contrastada. •ANDREI TARKOVSKI: La realidad que transmite es una expresión simbólica de la consciencia humana. Tiene un punto de conexión con Berman, pero Tarkovski es posterior y se conoce en occidente en el festival de Venecia de 62; causa una enorme sorpresa porque navega en el mundo de la consciencia de los personajes. (Solaris: consciencia ficción) El individuo teniendo consciencia de su presencia en el mundo. Tiene un componente místico y no gustaba en la antigua Unión Soviética. Tiene narración pero está al servicio de la consciencia, por tanto lo que vemos no es lo que es, no es literal, tiene una connotación. Como muchos de los soviéticos también escribe (recordar las vanguardias) “esculpir en el tiempo”. Hay 2 autores que renuevan la comedia, en los dos lados del Atlántico Jacques Tatti y Blake Edwards. Son autores muy diferentes pero que renuevan la comedia de los años 60. Jacques Tati: “Mi tío) 1958, “Playtime” 1968, “Trafic” 1970, su cine de una manera imprecisa se egloba en el cine cómico pero él quería que esa comicidad fuera realista, es decir, que tuviera alguna conexión con la realidad. (Alianza Editorial, 100 grandes directores de cine: recoge características y bibliografías importantes) El no habla de comedia sino de cien cómico, lo que nos conecta con el cine mudo. Sus influencias se basan en el cien cómico mudo pero conectado por el realismo; del tipo de chiste “gag” visual de Keaton. Quiere trasmitir la realidad (modernidad, nuevos barrios) pero la comicidad es absurda, surrealista y con un diseño muy elaborado. El tratamiento del sonido es esencial pues quería que esto ayudara a los “gags”. Recordar no incluirlo en la Nouvelle vague aunque sea contemporáneo a ellos, pero tenía características propias y no trata los mismos temas. Recupera los gag del cine cómico que se había desaparecido con la aparición del sonido pues la comicidad se fue basando más en los diálogos. Por el absurdo de sus diálogos se le conecta con los hermanos Marx.

Historia del Cine 2012 Mª Dolores Gutiérrez Rodríguez

“Mi tío”: Critica el automatismo y el funcionalismo, así como lo moderno como signo de prestigio. Por eso hace las comparaciones entre barrios tradicionales y nuevos. Blake Edward: tiene una larguísima trayectoria irregular con buenas obras y películas sin interés. Es un cineasta de cine comercial norteamericano pero vinculado con la comedia (como género, no de cine cómico). “Desayuno con diamantes”1961 , basado en la novela de Thruman Capote, el melodrama “Días de vino y rosas” 1963, “la pantera rosa” 1963, “La fiesta” (o el guateque) 1968. Tiene una preponderancia de la comedia pero tiene un trabajo muy elaborado con el guión, empezando por radio, tv y luego en el cine. Recupera también “gags” visuales que están perfectamente integrado en trabajo de guión, donde elabora experiencias narrativas, personajes y planos; esto es importante para entender sus comedias. Ya no hay la experimentación que había con Tati. • ANTONIONI: Género “peplum”, muchisimo éxito en los años 50. (productores italianos).. Cine más crítico y existencial. Años 60. Época de planteamiento moral. Punto clave de esas eclosiones en el mayo francés del 68. Trabaja los aspectos más existenciales, se puede relacionar con Bergman, Tarkovsky. “Aventura”, 1959. “Desierto rojo”, 1964. Ambiente opresivo, gris, oscuro. Trata sobre una mujer que esta incomoda con su vida y el ambiente que le rodea. Le van a interesar las cuestiones individuales. Pasolini y Bertolucci. Cine político. “Teorema”, 1968 (Pasolini). “Novecento”, 1975. (Bertolucci). “El ultimo emperador”. (Bertolucci). “Soñadores”. (Bertolucci) retrata el premayo del 68. Leone. Catalogado como “espagheti western”. Cine sucio. “Un puñado de dólares”, 1963. “El bueno, el malo y el feo”, 1965. Nuevas generaciones han encontrado inspiración en ellos. En EEUU ha finales de los 40 y años 50. Dentro del clasicismo norteamericano??, dentro de este cine hay muchos directores de cine más realista que se salían de las rigidas normas de la política de género. Se van a encontrar con la dificultad de la propia industria y la política. En los años 50 nos encontramos tambien con la existencia de directores clásicos (de estudio) que hacen películas muy buenas y con directores que siguen las normas del cine clásico (estilismo clásico). Una nueva generación de cineastas con ideas frescas y una nueva forma de mirar y hacer cine, formará el relevo de los grandes clásicos. Mientras en Europa filmaban los jóvenes creadores de la Nouvelle vague o del free cinema, el cine norteamericano empezaba también una serie de transformaciones de mano de una nueva generación de realizadores bajo la influencia de las tendencias europeas, con el deseo de trabajar con diferentes contribuidores, y elaborando cada película como una unidad por separado. 50: Cine-tv Productores independientes: R. Corman- productor, S. Kramer Las grandes radios ponen en marcha el dispositivo televisivo. Las televisiones se ponen a hacer ficción en un formato mucho más económico. De la tv empiezan a trabajar jóvenes que llegan de las escuelas de cines que mezclarán realidad y ficción.

No hay comentarios
Esta solo es una vista previa
3 páginas mostradas de 32 páginas totales
Descarga el documento