historia del cinema, Ejercicios de Historia. Universitat Autònoma de Barcelona (UAB)
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historia del cinema, Ejercicios de Historia. Universitat Autònoma de Barcelona (UAB)

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Asignatura: Historia del Cine, Profesor: María Rosa Gutiérrez, Carrera: Humanitats, Universidad: UAB
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HISTORIA DEL CINE – LA CULTURA DEL CINE

1895 se considera la fecha de nacimiento del cine y se presenta ante el público el invento de

los hermanos Lumière. Sucede en el gran Café de París y se presenta un programa de cortos de

menos de un minuto de duración, la mayoría escenas de la vida cuotidiana.

Cine y expansión colonial

Finales del siglo XIX, época de la expansión del capitalismo y el imperialismo. Muchos

historiadores han señalado la conexión del cine con la expansión colonial así como la conquista

territorial. Podríamos denominar también una colonización de la imagen, de capturar la

realidad.

Las vistas son como postales en movimiento durante el cine primitivo. La gente que trabajaba

con los Lumière los enviaba a sitios remotos para capturar imágenes.

Las Actualidades son precedentes de las noticias. Muchas de las actualidades se dedicaron a

hablar sobre las guerras coloniales como la de los Boers. En paralelo a la conquista colonial se

está llevando a cabo la expedición de las últimas tierras vírgenes del planeta. También

encontramos la conquista del Oeste con la guerra de secesión y la derrota de los Sioux. Diez

años después aparecen los primeros Westerns relacionados con la conquista del Oeste. A

través de otro fenómeno de la época como los procesos tecnológicos que tienen para

aumentar la veracidad, alargar el territorio de lo visible. La fotografía telescópica alarga la

mirada más allá de nuestro planeta. En sentido inverso en estas épocas se está ensayando con

la fotografía microscópica para adentrarse en los secretos interiores.

También hay la microcinematografía o la cámara rápida, en este último caso pudieron ver

como crecía una flor.

Otro fenómeno que tiene el espíritu de conquista son los medios de transporte como el tren o

el automóvil. Varios historiadores han conectado la experiencia del viaje del tren con la

pantalla cinematográfica. En ambos hay un espectador fijo que observa un paisaje un

movimiento. Las primeras salas de cine reproducían el interior de un vagón de tren donde eran

películas con una cámara que viajaba con ellos. El cine recrea el imaginario que les rodea, una

de las primeras películas fue la llegada de un tren en París.

Último fenómeno a conectar con el cine son las exposiciones universales que nacieron como

muestra de ferias orientales. Se muestran los avances de la ciencia, avances tecnológicos y

logros artísticos, logros de la vida capitalista y burguesa. A finales del siglo XIX se convierten en

eventos masivos si no al público en general y se muestran los aspectos de ocio. La exposición

universal se concibe como un viaje inmóvil y puede ir visitando los pabellones de los países.

Un panorama es una imagen pintada en un estilo hiper realista sobre una superficie curva y

extensa. Esta superficie pintada se enrollaba en un cilindro y se iba pasando. Se mostraban

vistas de ciudades o escenas de batallas. Otro dispositivo semejante al panorama que

contienen esta idea al paisaje son los dioramas, es decir una imagen pintada con estilo hiper

realista que deja transparentar la luz que se proyecta creando una sensación más realista.

Panoramas y dioramas tenían una visión panóptica que abarcaba una visión muy amplia des de

un único punto de vista. Supone la introducción del tiempo. Se necesita crear una idea de

movimiento, para crear un panorama se necesita un barrido provisional y supone la

introducción del factor tiempo. Por último supone una inmersión del espectador en la imagen.

Exposición universal de París de 1900. Es en esta exposición que se presenta delante de un

público internacional la presentación oficial del cine de los Lumière. Al mismo tiempo

aparecían otro tipo de atracciones como el filigrana que era una sala que producía un globo y

por las ventanas se veían imágenes. La electricidad está íntimamente ligada con el cine.

PRE-CINE

Todo invento responde a un imaginario, responden a un horizonte mental. Hay el deseo de

inscribir el tiempo, la luz, el movimiento y la vida. ¿Porque ese deseo de capturar el

movimiento? Hay varios teóricos que han reflexionado sobre esto, algunos sostienen que es el

deseo de superar la muerte ya que pretende embalsamar la vida, lo hemos atrapado en estas

imágenes. Mito de Frankenstein está ligado al cine, reanimar la vida creando un doble artificial

y superar la muerte. Muchos de los relatos que prefiguraron el cine, hay dos relatos que se

consideran prefiguraciones del cine: La androide Hadaly donde el escritor imagina que crea un

ser artificial y lo imagina creando un androide que es el doble de una mujer llamada Alicia.

La cantante Stilla inventa un aparato que reproduce su imagen y su voz con la idea de crear un

ser artificial. También el deseo de vencer la muerte explica la obsesión de la cultura por el

realismo. El siglo XIX es el siglo de los realismos, la idea es crear un doble de la vida más

mimética que sea capaza de superarla venciendo así la muerte. El cine culmina todo este afán

mimético del siglo XIX por conseguir cada vez mayor realismo. Al principio había pintura, luego

fotografía, luego el cine. Edison ensayó con el kinetófono con un gramófono siendo

combinación de imaginación con sonido.

REGISTRO DE LA LUZ

Cámara oscura era una habitación con una habitación cerrada con un único orificio donde

penetraba la luz exterior y da una imagen fija e invertida de lo que está en el exterior. Estas se

conocían des de la antigüedad, después fueron portátiles. Quedaría una imagen invertida de lo

que está en el exterior.

Linterna mágica consiste en una caja con un orificio donde hay una luz interior y es el

precedente de las diapositivas. Esto culmina con el invento de la fotografía y se consigue que

esta imagen pues se fije sobre una superficie fotosensible. Tenemos la cadena de inventos que

culminan con la idea de la fotografía a mediados del siglo XIX.

La otra línea que va a culminar en el cine será conseguir el movimiento pues la imagen es la

base del cine. La ley de la persistencia de Joseph Plateau que perdura unas fracciones de

segundo en la retina, de manera que si tenemos una secuencia de imágenes sobre la retina

perdura unas milésimas de segundo más de cuando esta imagen desaparece y se produce la

sensación de movimiento que conseguían el efecto de imagen alineada.

Praxinoscopio es un tambor que se combina con una linterna mágica. Las imágenes al girar

crea una imagen exterior. Este invento lo presentó al teatro óptico con lo que surgen los

dibujos animados. Si combinamos la fotografía con la misma idea de zootropo tenemos la

Cronofotografía. El último paso es el invento de la cámara fotográfica donde se arrastren los

negativos que simulan movimiento. Los inventores del cine fueron dos: Edison y Dickson antes

de Lumière y por otro lado está Lumière que inventó el cinematógrafo.

Los primeros crearon dos aparatos: uno de visionado (kinetoscopio) y por el otro el kinetógrafo

y los Lumière lo juntaron además de proyectarlo al público que es lo que acabaría triunfando.

Kinetoscopio aparato de visionado individual. Los Lumière los sintetizan en un solo aparato

que proyectan las imágenes fuera. El aparato de cine es igual a una cámara fotográfica.

LOS HERMANOS LUMIÈRE. EL CINE COMO INSTRUMENTO DE CONOCIMIENTO CON LA

REALIDAD

El cine nace a través de una investigación científica y finalmente va a quedar dentro de la

industria. Los Lumière venían del ámbito de la fotografía y la experimentación científica.

Entienden el cine como un instrumento de exploración de la realidad. Van a capturar la

realidad en bruto y es un registro de la realidad y la vida. En ellas no intervienen actores. Por

ello se les ha atribuido el cine documental. El género de las vistas pone el acento en el acto de

ver y nos señala cuál es la intención. De hecho la fascinación que causaban estas vistas y

cuando el público se acostumbró quedó obsoleto.

Travelogs era como si fueran parte de un viaje a través de las vistas normalmente filmado

desde medios de transporte. Además de las vistas serían las actualidades que participan del

mismo sentir de la vista, en concreto de la vida moderna. Otro polo de actualidades es que se

dedicaban a las catástrofes que se inspiraban en los espectáculos de catástrofes. No se filmaba

la realidad in situ sino que se reconstruía como la filmación del famoso caso Dreyfus.

La coronación de Eduardo VII filma el cortejo real donde Méliès reconstruye la coronación.

George Méliès tiene una visión opuesta a los Lumière ya que venía del ámbito del espectáculo

y era propietario de un teatro en París y se encargaba de los espectáculos a los que se

dedicaba Méliès utilizando todo tipo de trucajes. Cuando asistió a la primera sensación de los

Lumière se quedó fascinado y quiso incorporarlo en el ilusionismo. Se incorporan otros

elementos muy diferentes como la magia y el ilusionismo intrínsecamente ligados al cine

primitivo. También otros espectáculos que incorporará como la fantasmagoría que utilizaba

todo tipo de recursos ópticos y sonoros para crear alucinaciones y visiones paranormales.

Féerie que era un espectáculo teatral que recurría un tipo de puesta de escena muy barroca

que usaba un montón de trucos.

Méliès terminaría con una tienda de jugetes y se arruinó, caería en el olvido. También es el

inventor del trucaje. La manipulación para crear el espectáculo y tenemos que asociarlo con

los trucos.

Edison le asociamos la idea del cine con la industria. Fue el primero en intentar sacar

rendimiento económico el cine en una sala recreativa conocidas como las Penny Arcade y fue

el primero en construir un estudio de cine llamado la Black Maria perfectamente

acondicionado donde se dedicó con su ayudante a la filmación de películas en serie.

Encontramos Pathé y Gaumont fueron las productoras más importantes del cine primitivo.

El cine: Atracción de feria.

El cine como todo invento nuevo no tiene un repertorio de temas exclusivo porque no hay una

tradición. El cine además nace como un fenómeno de la sociedad de masas, relacionadas con

la baja cultura. 1895 hasta 1905 el cine está más próximo a la baja cultura donde se exhibía a

barracas de ferias. También se exhibía en las exposiciones universales como una atracción de

feria más, en barracas o salas. Reproducían los espectáculos de variedades. También se

inspirará en el Vodevil que incluye espectáculos musicales que son comedias con un tono

picante. Las sesiones de cine reproducían los espectáculos de varietés. Tenían un programa

variado de películas cortas. También se incluían números musicales donde se incluían films

cómicos.Para estos últimos destacan André Deed y Max Linder.

Son frecuentes las interpelaciones con el público. Estos films se presentaban acompañados de

un relator, además venían acompañadas siempre de música en el repertorio. El cine en sus

orígenes estaba destinado a las clases populares. Las salas eran muchas veces improvisadas,

mal acondicionadas y poco seguras. En ellas eran muy frecuentes los incendios debido al

calentamiento de un aparato de cine. Solo hasta que se asienta en sales estables son los

Nickelodeon a partir de 1905 el público burgués empieza a ir al cine. El modelo de sesión

también cambia. Ahora tenemos una película de mayor narración y de carácter narrativo. Con

la atraccicón del público burgués cambian los referentes que van a ser el teatro o la ópera,

además augmenta la demanda y esto favorece la creación de la industria cinematográfica. Las

películas narrativas eran más fáciles de narrar que están rodadas en un estudio.

12/04/18

Hasta 1905 el cine tiene como referencia la cultura popular. Con el Nickelodeon atrae al

público burgués. Esto llevará un aumento de la demanda. Uno de los referentes es la prensa

como los noticiarios como el periódico Pathé que se presentan según el modelo de un

periódico. Otro referente de la cultura popular es señalar la sincronocidad de ambos

fenómenos y la proximidad del lenguaje. Tanto cine como cómico narran en imágenes. Las

viñetas del cómic corresponden a los planos de la película y supone una secuensalización.

La introducción de banda sonora donde se concibe una música especialmente para la películo.

Uno de los referentes teatrales es el melodrama que combinaba la acción hablada con la

música y servía para reforzar los elementos dramáticos. Este género teatral pasó a designar

una forma narrativa que se caracteriza por el exhibicionismo de las pasiones y el conflicto

entre el bien y el mal.

El desarrollo del film narrativo trajo consigo un desarrollo del lenguaje cinematográfico. Esta

evolución se da en Inglaterra y Estados Unidos.

Escuela de Brighton estaba formado por un grupo de ingleses que fueron los primeros en

desarrollar el montaje y las técnicas propias del cine que empiezan a utilizar el montaje

alterno. Se creará una relación entre el interior y el exterior que implica una lectura lineal

entre planos.

Los americanos desarrollan más posibilidades de encuadres encontrando Griffith como el

padre del cine clásico donde incluirá los flashbacks el rackon. Esto dio una enorme capacidad

narrativa del cine.

MODELOS CINEMATOGRÁFICOS

Noël Burch establece dos modelos cinematográficos, estudiando sus características por

posición:

Modo de representación primitivo es el que se desarrolla entre 1895 hasta 1915. Dentro de

este bloque tenemos una etapa de transición en la que algunos autores van a ir desarrollando

un lenguaje que dará un modo de representación institucional que atañe a algunos cineastas.

Modo de representacón institucional de 1915 hasta 1960.

Con este análisis se pudo reivindicar el cine primitivo al que no sea veía con buenos ojos. La

historia solo hacía caso a aquellos cineastas que aniticipaban el cine clásico, lo que llevó a

tratar de ensalzar el anterior, tratando de recuperar la etapa y valorarla por si misma.

Noel Burch define el cince clásico

Autarquia del cuadro frente al montaje en continuidad. Los planos del cine primitivo se

conciben como entidades cerradas que se completan con las escenas. El plano no se termina

hasta que salen todos los personajes. En el cine clásico se utiliza un montaje en continuidad

con los encadenados de tal manera que la historia se narra de forma unitaria y lineal.

En el cine primitivo la posición fija y paralela horizontal a la cámara. La cámara se solía poner al

centro. El cine clásico va a variar la posición de la cámara y el hecho que se mueva da

sensación de profundidad que tendrá encuadres picados y contrapicados. También el uso de

los movimientos de cámara para mostrar aquellos espacios de lo que se ve más allá del campo.

Espacio tridimensional que incluye al espectador que tiene una visión privilegiada dentro del

encuadre donde es observado.

En el cine primitivo el encuadre es centrífugo ya que no se sitúan al centro donde la acción

principal requiere una lectura topológica buscando cuál es la historia y los personajes. A

diferencia del cine primitivo el cine clásico busca el encuadre centrípeto con el personaje.

El cine primitivo se constituye mediante planos lejanos haciéndolo pasar como un espectador

externo a diferencia del cine clásico con una mayor cercanía que trata de acercarnos a la

acción, todo lo posible. En el cine clásico se intercalan planos más cercanos como medios o

primeros planos. El cine clásico instaura el tabú de la mirada hacia la cámara siempre miraran

de manera oblicua. Todo esto hace que el espectador se meta dentro de la historia. Los

conflictos que se plantean en el cine clásico

17/04/18

Para hablar de los orígenes de Hollywood hay que hablar de Edison, la concepción del cine

como industria. Fue inventor del kinetoscopio y el kinetógrafo. Fue también constructor del

primer estudio llamado Black Maria. Se dedicó a filmar películas en serie. La obsesión de

Edison es monopolizar el mercado americano y para competir con sus rivales va a patentar un

nuevo invento. Había una competencia por el mercado americano para eso patenta un nuevo

invento el Vitascopio. Se intenta monopolizar la distención del cine. Edison pretendía

monopolizar la industria del cine americano pagando unos derechos.

La Montion Picture patents company. Se llegó a un acuerdo en 1908 entre Edison y las

principales compañías productoras.

Se ha explicado el nacimiento del cine que se trasladan a la costa oeste. Hollywood tiene un

clima mediterraneo con horas de insolación con lo cual eran muy rudimentarios. Además

California había una diversidad de paisajes fundamental para el paisaje de Western y mano de

obra más barata que en la costa oeste. En 1915 veremos construirse ciudades de cine como la

Universal City. Las principales compañías ya estaban asentadas en Hollywood.

Carl Leammile es uno de los productores de las grandes compañías que van a fundar

Hollywood. Venían a construir imperios cinematográficos.

Los años die van instaurar el sistema Hollywoodiense. Las actrices se conocían por las películas

y compañías. Leammile por primera vez da a conocer, después viene Zukor que es un activo

promotor del star sistem y contratando la gran actriz de la historia del teatro. La contrató para

hacer la versión americana de la Reina Elisabeth y esto le animó a seguir contratando estrellas.

Douglas Fairbanks también ficharía a Gloria Swanson. El sistema de estudios se asienta en el

control vertical de todas las fases del sistema de producción (distribución, exhibición y la

producción teniendo un control en lo económico, algo que no tenían las compañías de Edison,

convirtiéndose en uno de los pilares de la industria americana. Tenían aseguradas las salidas

de sus productos y una gran fama con sus estrellas. Zuckor impuso entonces el Black booking y

el blind booking.

LOS LARGOMETRAJES

Aquellos que se asentaron fueron la producción de largometrajes que viene complementada

por unos cortos más que fueron los primeros a avanzarse. Se empezara a lanzar las

superproducciones. La idea de un film con costos decorados. Los géneros más populares

fueron el Western que venía un poco marcada por escenarios naturales. Todavía era muy

primitivo que venía dado de los espectáculos de Buffalo Will.

Los géneros es el Splapstick comedia abofetada. La compañía mñas importante fue Mack

Senett. Combina lo picante con lo humorístico.

03/05/18

AÑOS 40. LA POSGUERRA MUNDIAL Y LA EXPANSIÓN DEL CINE AMERICANO

Al final de la Segunda Guerra Mundial supuso .La guerra había desmantelado el cine y con el

plan Marshall se impone el cine americano en Europa. Además la guerra y el ascenso del

nazismo supuso una fuga de cerebros que emigraron a los Estados Unidos porque eran judíos.

Hollywood irá incorporando las asimilaciones de los cineastas europeos y van a incorporar una

parte de las innovaciones al estilo hollywodiense.

Oskar Fischinger trabajó para Disney y buena parte de los experimentos que hizo las adaptó al

modelo de cine más comercial. El género que triunfa es el cine negro. El film noir se alimenta

tanto en las tramas que son fatalistas en ambientes marginales. Todo esto proviene del

realismo gótico francés y formalmente se inspira en los hallazgos del expresionismo alemán

como una iluminación de contrastes que juega con las sombras.

Los años cuarenta es también una época de las más oscuras porque se inicia la llamada caza de

brujas, persecución comunista en los medios cinematográficos. En el año 47 se inicia esta

persecución que tiene repercusión en todos los medios. La HUAC se había creado durante la

guerra para perseguir nazis en un principio, pero luego serán los comunistas. Inicia su labor de

limpieza en el cine en el año 47. Se habrá de este periodo como el McCarthismo impulsor de la

Caza de Brujas.

Comité de la Primera Enmienda para garantizar la libertad de expresión y de asociación. Los

guionistas trabajaron bajo la tapadera de otro, otros emigraron.

LOS AÑOS 50. EL DECLIVE DEL STUDIO SYSTEM

Canto del cisne del modelo Hollywoodiense. Decadencia tanto en el ámbito económico como

artístico y supuso el declive del studio system que empieza desmoronarse gracias el caso

Paramount. El gobierno de los EUA se investiga las prácticas que vulneran la capacidad de

competencia. El efecto que tiene es la desmembración de la compañía Paramount gracias al

Veredicto del Tribunal Supremo. La última que cae es la Metro. En estos años emerge una

nueva cultura cinematográfica vinculada a un público más joven que se ha formado en

filmotecas donde acudía este público y también demanda otro tipo de cine de otro autor

bastante diferente del modelo que utilizaba Hollywood.

Frente a estos nuevos cines, Hollywood reacciona como sabe o como puede renovando el Star

System e incorpora nuevas estrellas como Natalie Wood o Marlon Brando. También se

renuevan los temas y se abren unas fisuras, empiezan a aparecer temas vetados como el tema

de la droga. Paralelamente el perfil de la audiencia cinematográfica va cambiando y el hueso

del público lo configura un sector de la población menor de 30 años. Las ciudades se degradan

porque se vacía la clase media y surgen los autocines que proyectan películas baratas

protagonizadas por actores poco conocido. La serie B se dirige a un público adolescente,

juvenil. En los 50 se da la ciencia-ficción ligada al clima de la guerra fría como la carrera hacia el

espacio. También empiezan haber nuevas compañías al margen de los grandes estudios como

las productora de la Poverty Row porque casi todas estaban en una parte de Hollywood.

En los años cincuenta la televisión está integrada en los hogares familiares. La televisión

supone una competencia tremenda para el cine. La gente que iba al cine ahora se queda en

casa mirando las películas. Incluso grandes maestros se van a ver tentados de la pequeña

pantalla como Alfred Hitchcoock que creó un show televisivo. Surgen también los cartoons

como Walt Disney.

LA EDAD DE PLATA DE LOS GÉNEROS. WESTERN

Se refugia en un cine de espectáculo, asistimos en un fuerte retorno de los géneros clásicos,

además se ve potenciada la incorporación de nuevos recursos que potencian el cine como el

color. El western vivirá una época de plata y se incorporan nuevos profesionales magnificado

el paisaje americano. También es una edad de plata del musical que incorpora el sonido

estereofónico.

Melodrama del cine americano que vive un esplendor como Douglas Sirk potencialidad del

color para crear películas desmadradas. Además hay un componente de autoreferencia, es un

cine más manierista como en la noche del cazador que es barroca contiene guiños a las

primeras películas y los decorados al estudio cine. Es en esta época donde el cine tiene un

componente de autoreferencia. Es la abudancia de remakes que hay reversionada.

EL COLOR

Incorporación de una serie de recursos tecnológicos que potencian la imagen y el sonido como

el color. El tecnicolor era la primera industria del color que estaba des de finales de los años

30. Aunque este procedimiento era un poco caro, con el uso de unas cámaras especiales, un

color falso que podía ser apropiado solo para algunos géneros. Era inadecuado para un drama

realista por ejemplo.

En los años 50 se incorporan el Eastman color con una tonalidad más realista aunque cada

estudio tenía su propio sistema. Se incorpora la tecnología multicanal y el sonido estereofónico

en Fantasía. Estos nuevos formatos de imagen incorporaban varios canales de sonido. Los

nuevos formatos se ensayan el cinerama que consiste en tres cámaras sincronizadas que

después se proyectaban con tres proyectores sobre una superficie curva.

Cinemascope comprimen la imagen en el rodaje y la descomprimen en la proyección.

Vistavisión procedimiento de pantalla ancha con el formato TODD-AO y se proyectaba sobre

una pantalla curva. Proyectores dobles sincronizados que se supone que luego se juntaban en

la mirada del espectador para crear una imagen tridimensional como los crímenes del museo

de cera.

PEPLUM Y EPOPEYA HISTÓRICA RUNAWAY PRODUCTION

Se rodaba en Europa fundamentalmente en Italia y España.

10/5/2018

FALTA

Paramount se desarrollarían las trilogías de cine francés. Estas películas no suponen una

alternativa al cine tradicional. La primera figura de la escuela cinematográfica francesa Jean

Vigo. Su trayectoria quedó truncada por su prematura muerte.

Atalante cuenta la historia de una pareja de recién casados que viven a bordo de una barcaza y

narra los conflictos de la pareja. Destaca la presencia de Jean Simon

Jean Renoir es quien destaca del cine francés, es un cineasta vinculado a la izquierda.

Generalmente tiene de protagonistas a personajes marginales. Este tipo de historias

influenciaron en el cine negro americano. Es interesante la aproximación que tiene a la

naturaleza que pretende reflejar las sensaciones y la atmosfera.

La gran ilusión es una película sobre la 1GM y tiene alusiones al clima de preguerra. Son tres

soldados que están prisioneros en un castillo bajo un militar prusiano pero la película se centra

más en las divisiones de clase que las divisiones nacionales. Cada uno representa un estrato

social. Es un canto pacifista entre Francia y Alemania.

Marcel Carné representa los problemas del realismo poético francés y su cine está incluido en

las tramas naturalistas. Transcurre en el ambiente portuaria de Le Havre. Se caracteriza por

una puesta de escena muy elavorada que crea unas atmosferas muy sofisticadas. Además los

diálogos son muy elaborados y esto inaugurara una cierta deriva del cine francés al cine

literario.

Polar cuyas películas siguen el estilo de Renoir y transcurre en el París del siglo XX, trama de

cine negro y que al final perpetra un crimen pero con el estilo más sensual y más poético de

Renoir. Clouzot es un cineasta que se mueve entre el Polar y el cine de terror.

Años 60 Jean-Pierre Melville es un cienasta a la honda de Bresson que trata de sus tramas

policiales. Melville tiene una puesta en escena muy depurada, muy abstracta y muy fría. Sus

personajes son solidarios y vagan por un vacío existencialista. El polar se convierte en una

reflxión sobre la soledad del individuo. Relación entre los autores y la continuidad de los

actores.

15/5/2018

CINE ITALIANO DEL FASCISMO

El fascismo había construido unas solidas bases para construir el cine. El cine era una ram

ideológica y de propaganda. Encontramos Cinecittà pero además también se crea el famoso

festival de Venecia donde se sustentaba la ideología del régimen.

Centro Sperimentale di Cinematografía una de las primeras escuelas de cine. A parte de eso

durante el fascismo se crea una cultura cinematográfica como la revista Cinema dirigida por el

hijo del Duce o Bianco e Nero que escribirán muchos maestros del neorrealismo y constituyen

la base del neorrealismo. También destaca una tendencia documental como Uomini sul fundo

que sucede dentro de un submarino y que inspirará a la trilogía fascista. El cine de fascismo era

un cine de género y formalista.

NEORREALISMO ITALIANO

Luchino Visconti es la figura pionera del neorrealismo. La Obsesión se convierte en la primera

película neorrealista. Narra una relación pasional entre una mujer casada y un hombre y los

intentos de la pareja para deshacerse del marido de ella. Influencia del realismo poético

francés. La novedad de Visconti incluye estas historias en elementos industriales de la llanura

del Po. Parece una crónica de sucesos al ambientarlos a este ambiente más marginal que

además tiene un toque social ni por supuesto que la versión americana más estilizada. En todo

caso está muy influenciada por el realismo poético francés. La otra gran aportación del

neorrealismo es La terra trema que iba a ser el primer episodio de un tríptico ambientadas en

las actividades económicas del sector primario. La primera dedicaba a la pesca, la segunda

minería y la ultima agricultura. Tríptico de las tres actividades agrícolas del sector primario. Se

ambienta en Sicilia y todas las actividades son los sectores más castigados por la economía

capitalista en un acercamiento a la realidad de los más desfavorecidos. Está protagonizada por

actores no profesionales como pescadores que interpretan su vida cuotidiana. Película cruda

que no esconde la realidad de los pescadores.

Roberto Rossellini Romà città aperta quedó como película que inaugura el neorrealismo. Tuvo

un gran impacto tanto en Europa como en Estados Unidos. La película está ambientada en los

últimos años de la guerra. Dificil vida de la población durante la ocupación alemana. Vemos

una ciudad devastada por las bombas y muy potente en los últimos años de la guerra. Hay

almenos tres protagonistas: una mujer enamorada de un partisano y un cura. La película

rompió moldes por su estilo directo. El protagonista coral, la narración inenterrumpida. Tono

muy directo que asombró el público en general. Destaca el uso de actores no profesionales. A

partir de aquí Rossellini escribe una trilogía de guerra, como Camarada donde hace un

recorrdido por Italia, trata de la vida cuotidina durante los últimos años durante la guerra. La

perspectiva de Rossellini no es la perspectiva de los héroes, sino la perspectiva de las víctimas

en la población más vulnerables que incluía mujeres y niños. Alemania año 0 la acción se sitúa

en Berlín de la postguerra. Trata de la herida moral que ha dejado el fascismo en Alemania y el

destrozo que ha hecho en las personas sobre todo en la infancia. Stromboli actores no

profesionales.

Vitorio de Sica había sido una ctor de comedias durante el fascismo que se pasa a la dirección

en los años 40. El limpiabotas narra los estragos de la guerra sobre la población más vulnerable

como los niños que se convierten en vulnerables y acabará su vida trágicamente. Entra en el

lado más melodramático y sentimental. Su película más importante es el ladrón de bicicletas

que tuvo un gran impacto internacional. Protagonista es un obrero que en la postguerra le

roban la bicicleta porque es el instrumento de trabajo. Describe la tragedia de buena parte de

la población romana porque no se podía trabajar. En los años cincuenta tendrá una apertura a

lo fantástico u onírico. Una de las películas tardías es Umberto D encarna a un jubilado que la

pensión no le llega para vivir. Se ve olbigado a abandonar la casa y llega a mendigar. A finales

de los cuarenta el neorrealismo se va a convertir en una moda. Hay toda una serie de autores

que harán su película neorrealista que derivará a un neorrealismo más comercial.

Giuseppe de Santis Arroz amargo ambientado en el mundo de las trabajadoras del arroz y

retrata la vida de las mujeres que trabajaban aquí. Fueron fomentadas que arroparon estas

películas más comerciales con el toque de la estrella.

En los años 50 surge el neorrealismo rosa, que tiene del neorrealismo de los ambientes

populares. Pan, amor y fantasía. De esto deriva la comedia italiana donde toman protagonismo

los ambientes urbanos con un tono más ácido. La deriva de este neorrealismo será llamada la

comedia a la italiana. En los años cincuenta hay un abandono progresivo del neorrealismo por

cuestiones políticas. Además se daba una imagen peupérrima orientada hacia un cine de

género.

FALTA

SUPERACIÓN DEL NEORREALISMO

Visconti cogerá un estilo melodrámatico de ambientación histórica que será su cine posterior.

Senso es un melodrama operístico y narra una historia de amor entre un oficial austríaco y una

americana. Aunque era marxista a la vez era un aristócrata y uno de los mecenas del

renacimiento.

17/05/2018

MODERNIDAD CINEMATOGRÁFICA

Cine que se desarrolla a mediados de los cincuenta hasta los setenta. El período central son los

sesenta sobre todo. El contexto sociopolítico es relevante y tiene que ver con la emergencia de

estos nuevos cines. Años sesenta es una época de radicalismos como el mayo de 1968. En el

caso de la Europa del Este coincide con un aperturismo después de la muerte de Stalin. En el

caso de los Estados Unidos se enmarca entre la guerra de Corea y la guerra de Vietnam,

también es un momento de lucha por los derechos civiles.

La nueva cultura juvenil, Europa y sobretodo EUA viven una época de bienestar económico y

supone el acceso al consumo de la población joven en el que surgirá una nueva cultura.

También movimientos juveniles como el hipismo y también a ciertos comportamientos como

la liberación sexual. Los nuevos cines van a reflejar todos estos nuevos cambios. Son una

alternativa al modelo de cine clásico americano que es ambivalente y son una renovación. Hay

un alejamiento del modelo industrial hollywoodiense: películas de bajo coste, equipos

reducidos, recursos técnicos baratos. Este tipo de cine es propiciado por el desarrollo

tecnológico de estos años años ya que las cámaras se pueden sacar a la calle, también

aparecen los equipos de sonido transportable. También permite acceso a la dirección pues no

hay dificultades tecnológicas para hacer cine y existen muchos amateurs. Apoyo de la

administración para contrarrestar los diferentes gobiernos con políticas de protección por toda

Europa. A parte se crean nuevos canales de difusión y los circuitos. Hubo productoras

independientes, asociaciones y cooperativas. Van a reivindicar que el director-autor frente al

director-artesano de Hollywood.

Contenidos

Hay un compromiso con su tiempo y de acercase a la realidad y a las preocupaciones de las

jóvenes generaciones. Temas que reflejan las inquietudes de los jóvenes y se asiste a una

interiorización del relato. Muchas veces es un cine intimista que refleja el mundo del propio

cineasta. Las narrativas tendrían una ruptura con la narración clásica y con el modelo de cine

psicológico-novelesco de tradición decimonónica. Se inspiran en la novela moderna, la poesía y

el arte de vanguardia. Disolución del relato cerrado, significado abierto. Es un cine que exige la

complicidad del espectador que saca sus propias conclusiones. El estilo se niega esta

transparencia cinematográfica. El estilo se evidencia los recursos estilísticos de un director.

También se revela el dispositivo cinematográfico.

Nouvelle Vague (nueva ola)

Una revista de cine que se va a convertir en la portavoz de los nouvellistas. (Cahiers de

Cinéma) Otro pilar fundamental es la filmoteca francesa que fue la primera que se creó

después de la guerra. Allí los jóvenes directores van a crear su propia cultura fílmica y se van a

centrar en el conocimiento de los clásicos. Reivindicaron directores artesanos como autores y

del cineasta como autor. Es una respuesta al cinéma de qualité francés. A través del ministerio

de cultura se va a promocionar los nuevos cineastas con el festival de Cannes.

Jean-Luc Godard es la figura más alternativa de los cineastas. En esta primera etapa su cine se

mueve a las referencias del cine clásico y a la deconstrucción del cine americano. El desprecio

está inspirada en su primer obra y rodada en cinema Scott y cuenta con dos sex simbols de la

época como Brigitte Bardot. La película contiene numerosas citas.

François Truffaut fue el más clásico y el que tuvo más éxito comercial. Destaca los

cuatrocientos golpes, una obra bibliográfica.

Erich Rohmer trata de las inquietudes de los jóvenes. Siempre en escenarios naturales y

contaba siempre con actores no profesionales.

Nouvelle Roman

Alan Resnais tiene un cine que trata sobre la memoria pero rompen con la linealidad del relato

clásico.

Cine moderno italiano

Te querré siempre será un modelo para el cine intimista de Antonioni. Las películas más

representativas son la Trilogía de la Incomunicación que tratan de las relaciones de pareja con

un trasfondo de soledad comparado con la filosofía existencialista.

22/05/18

Fellini también se había estrenado en el neorrealismo, pero el cine maduro se revela en la

dolce vita y narra la vida alegre y desocupada de la vida romana.

El cine de Fellini es muy autobiográfico donde representa sus obsesiones, manías, etc. La

trilogía de los suburbios está en los ambientes marginales de Roma que vive en las zonas más

degradadas de las ciudades. El cine posterior se moverá en otra dirección diferente que está

formada por el Decamerón, Los cuentos de Canterbury y las mil y una noches. Cine más

manierista.

Free Cinema

Política proteccionista y revistas y crítica de cine como la revista Sequence. En estas revistas

escribieron la mayoría de los free cinema. Van a delimitar sus referencias cinematográficas.

Escuela documentalista que crea Grierson y se desarrolla en los años cincuenta. Otro de los

marcos de referencia son los Angry Young Men que van a estar vinculados a los jóvenes

airados. Inspirandose en el cine americano los cineastas del Free cinema van a reivindicar un

cine más directo, más social y comprometido. Se va a reivindicar una libertad formal. El cine

inglés tiene ese tono social con un aire muy teatral. Gran Bretaña vive una crisis muy acusada,

las dos guerras mundiales la dejan muy tocada y en las ciudades se crean sub proletarido

urbano con muy pocos recursos y problemas de integración.

Manifiesto y festival de Oberhausen, en este festival en 1962 un grupo de jóvenes cineastas

denuncian el estado del cine alemán que estaba en un proceso de decadencia y de crisis

profunda. El gobierno alemán crea el Patronato del Joven Cine Alemán con una política de

asistencia del estado. Además de este apoyo institucional de ciertas productoras de televisión.

Rainer Werner Fassbinder se mueve entre el teatro, la televisión y el cine. Trabajará con un

elenco de profesionales. Tiene dos vertientes: uno de factura realista que pretende ser una

denuncia de Alemania de los tiempos. Se quiere evidenciar el racismo y de crítica y revisión. La

otra es de un cine melodramático con una fotografía en color y con un cine más manierista que

tratan un melodrama clásico como Las amargas lágrimas de Petra von Kant donde había un

cierto sufrimiento.

Werneg Herzog es un cineasta grandilocuente. Sus individuos son excéntricos, megalómanos,

grandilocuentes.

NUEVO CINE DE LA EUROPA DEL ESTE

Revisten un perfil propio. Se encontraban bajo la órbita del comunismo y de la unión soviética.

En estos cines hay dos etapas:

Se afirman como reacción al realismo socialista impuesto desde arriba. Hay una segunda

generación 60-70 sintonía con el cine personal y menos social de sus homólogos occidentales.

Es la época del deshielo con la muerte de Stalin.

Cine polaco buscaba una identidad nacional y fracturada por el nazismo y comunismo. Polanski

tiene unas películas rodadas en Polonia. La nova vlnà checa

Tarkovski es uno de los cineastas más destacados de la época, muy personal con un universo

muy poético con un significado abierto y reflexivo de plano largo. Sus películas son André

Rubliov. Stalker es una película de ciencia-ficción que se describe una región que ha quedado

abandonada y vetada de acceso al público. Un grupo de exploradores inicia un viaje de

exploración que se transforma profundamente por el discurso oficial.

24/05/2018

Suecia fue una ciencia cinematográfica. El franquismo construye las bases para el nuevo cine

español y hace una política proteccionista. La escuela de Barcelona es más vanguardista.

NEW HOLLYWOOD

El Hollywood clásico se desarrolla en el derrumbe del modo de producción, el studio system

que denominaban todo el mercado americano. Paralelamente en los años sesenta asistimos en

la censura. Ahora las películas no se van a sensurar. Sistema de Clasificación por edades como

las restricciones sexuales. Además en Hollywood vamos a asistir a un relevo generacional con

nuevos cieneastas que se conoce como New Hollywood. Son películas que aprovechan el tirón

de grandes éxitos, echos de manera barata. Estos nuevos cineastas remueven el cine

americana y añaden un toque de autor y también una nueva sensibilidad. Otros van a revisar el

cine bélico. El new Hollywood va a venir a renovar el Hollywood clásico incluso van a abrir.

La figura de transición es Kubrick que tiene figuras clásicas como Kubrick pero su cine

evoluciona a este cine de espectáculo que será característico del Hollywood de los setenta. A

partir de 2001 los presupuestos crecen. Cine de terror que marcaron un antes y un después.

Coppola venía del New Hollywood y tenía algo de conciencia de autor, también es un director

que tenía unos presupuestos. Aquí se vuelve este cine ampuloso y por las referencias al cine

clásico.

Woody Allen es el gran renovador de la comedia clásica.

CINE INDEPENDIENTE AMERICANO

Primera generación (años 50-60) es un cine más arriesgado y realizado al margen de los

grandes estudios mientras que los del New Hollywood todavía trabajaban en el contexto de

Hollywood. New American Cinema grupa al cinema independiente. Luego hay una segunda

generación que surge en los años setenta y ochenta, va a tener un recorrido más normalizado.

En la segunda generación hay una salida como el Festival de Sundance del 1978. Será la

plataforma de difusión del cine independiente, también hay productoras independientes para

dar a conocer este cine. The Blank Generation

Tanto una etapa como la otra se aracterizan por bajos presupuestos, equipos reducidos,

actores no profesionales, recursos baratos o caseros, amateurs y improvisación.

John Cassavetes historias cuotidianas con una narración centrada en escenas cuotidianas, en la

mera duración de las cosas.

Jim Jarmusch es de la siguiente generación. Hay planos largos y planos fijos con muchos

tiempos muertos. Muchos de los protagonistas son músicos.

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