Introducción a la historia del arte del siglo XX, Apuntes de Historia del Arte. Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea
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Introducción a la historia del arte del siglo XX, Apuntes de Historia del Arte. Universidad del País Vasco / Euskal Herriko Unibertsitatea

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Asignatura: Historia del Arte, Profesor: Indiferente Indiferente, Carrera: Bellas Artes, Universidad: UPV-EHU
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HISTORIA DEL ARTE GRADO EN ARTE 2016/2018

1. EL CONCEPTO DE ARTE MODERNO.

1.1. Algunas consideraciones acerca del concepto de Arte y de Artista en la época contemporánea.

¿Qué ocurrió a mediados del siglo XIX en el mundo moderno que produjo paulatinamente

una transformación tan radical del concepto de arte?

• La ruptura con el paradigma del clasicismo.

• ¿Quién velaba por la continuidad de los valores clasicistas?

• LA ACADEMIA.

• Contradicción entre la idea de progreso y el rechazo de la fe racionalista en él.

• Ausencia de un pensamiento filosófico homogéneo.

• Ausencia de una conciencia estética unitaria.

Jose Jiménez menciona en su libro “Teoría del arte” cuestiones favorables y desfavorables del sistema de las academias.

El artista contemporáneo (conceptos relacionados).

• Academias y estudios artísticos.

• El estudio del artista.

• Salones y exposiciones.

• La imagen del artista actual.

• Prestigio social de las artes y los artistas.

• Garantizó una enseñanza sistematizada para los artistas.

• Crearon exposiciones de

• Se limitó la libertad de los arti tas imponiendo normas expresión convencionales.

• Los canales de consideración pública estaban en manos de la Ac demia. Es por eso que fueron apartad s las obras que rompían con las convenciones sociales vigentes o con los patrones comerciales de la época.

• Críticos y marchantes.

1.2. Precisiones sobre el concepto de arte moderno.

Definición del concepto “Arte moderno”. Ideas tomadas del texto de Briony Fer publicado en La modernidad y lo moderno. Madrid: Akal, 1998.

• No se puede encontrar una definición fija y unívoca para los términos ‘moderno’ y ‘modernidad’ que se encuentran sujetos a los cambios históricos.

• ¿QUÉ ES LO MODERNO?: “Normalmente usamos este término de una manera bastante general, para significar ‘lo presente’ o lo que está al día. En este sentido informal, se refiere a lo contemporáneo y se define por oposición del pasado. Pero incluso cuando lo usamos en sentido aparentemente neutro y descriptivo, merece la pena señalar que lo usamos de forma selectiva para referirnos a determinados aspectos del presente oponiéndolos a otros que nos parecen anticuados o tradicionales y que, de alguna manera, son restos del pasado: es decir, los usamos para señalar las diferencias tanto en el presente como desde el pasado. Cuando lo aplicamos al arte, el término ‘moderno’ designa un periodo de la historia (aunque cuando empieza este período se interpreta de diversas maneras), y puede usarse para establecer diferencias entre los distintos estilos artísticos que se desarrollaron en este período”, p. 9.

• LA PINTURA MODERNA: “…quiero dejar sentado el hecho de que la pintura ‘moderna’ sólo puede desarrollarse a partir de una conciencia clara de diferencia. Incluso podríamos decir que lo moderno es, ya en sí mismo, una forma de diferenciación, y que desde mediados del siglo XIX, por lo menos en lo que a la pintura se refiere, supone una relación especial entre un tema moderno y esa manera moderna de pintar que encontramos en los cuadros de Manet, Morisot y Monet.” p. 12.

• DEFINIR LO MODERNO: “…la definición de lo moderno se fue construyendo, hasta cierto punto, a partir de los comentarios de los críticos”, p. 47. Por ejemplo: Zola dirá que la pintura moderna requiere un público moderno.

Según Fer, ¿qué ingredientes distinguen al Arte Moderno?

• Tema moderno.

• Manera moderna de pintar, esculpir o hacer arquitectura.

• Público moderno ( con la crítica como avanzadilla).

2. EL IMPRESIONISMO.

Introducción.

Artistas desde 1860 reunidos en torno a Manet que se cansan de que los rechacen. Empezaron a hablar de organizarse rn torno a los salones. Tras la guerra fueron apoyados por coleccionistas con

El papel del artista en la sociedad cambiante de Francia a lo largo del siglo XIX, lleva a algunos artistas al descontento con las exposiciones oficiales.

• La decepción de un grupo de pintores en torno a Manet.

• Nuevas circunstancias del coleccionismo.

• La mediación del marchante Paul-Durand Ruel.

Se llama impresionistas a un grupo de printores franceses que en 1874, ante las dificultades para exponer su obra en el salón oficial, formaron una sociedad cooperativa y organizaron una exposición conjunta en un local parisino cedido por el fotógrafo Nadar.

Las exposiciones de estos pintores se sucedieron en los años siguientes sin periodicidad fija hasta un total de 8; siendo la última en 1886.

Los principales integrantes del grupo son: Claude MONET, Pierre-Auguste RENOIR, Alfred SISLEY, Camille PISSARRO, Edgar DEGAS y Berthe MORRISOT.

A estos se les suele añadir Édouard MANET (que nunca quiso exponer con el grupo pero fue un elemento inspirador para ellos) y Frédéric BAZILLE, que estuvo en sus orígenes pero murió en la guerra franco-prusiana en 1870.

RASGOS FORMALES QUE DISTINGUEN LA OBRA DE LOS IMPRESIONISTAS.

• Paleta de tonos claros y contraste directo entre luz y sombra.

• Gusto por la pintura al aire libre, ante el motivo, sin reelaboración en el taller.

• Preferencia por el paisaje y las escenas urbanas.

• Consideración del color como prioridad relativa de los objetos, sometida a cambios cuando varía la luz que los ilumina. De esta manera, las sombras toman el color del objeto que las proyecta.

• Uso del contraste entre los colores complementarios.

• Técnica característica basada en pequeñas pinceladas separadas a partir de las cuales el ojo, a una cierta distancia, reconstruye las formas.

• El impresionismo pretende plasmar la apariencia inmediata de las cosas. Ç

• No se trata de un grupo homogéneo y estas características no sirven para todos los pintores, como más adelante veremos.

• Su asociación fue concebida como una unión de intereses, más que como una tendencia organizada.

3. EL POSTIMPRESIONISMO.

Paul Cézzane (1839-1906)

- Empezó estudios de derecho.

- Importante formación con Pissarro, que fue fundamental. Cuadros iniciales en colores oscuros y muy empastados.

- Manet: giro estilístico, lo determinante fue la tutoría con Pissarro en cuanto a la pincelada, el color, la pastosidad… Le gustaba trabajar con la espátula.

La casa del Dr. Gauchet” 1979-1980. Primer avance.

DATOS BIOGRÁFICOS.

Gracias a su situación familiar se pudo dedicar a la pintura, ya que gracias a su herencia podía vivir de las rentas. Dio su salto cuando Vollard, marchante y galerista, organizó en el 85 una exposición sobre su obra. Entre el 74 y el 77, trabaja en las exposiciones impresionistas. A raíz de la muestra de Cézanne, no llegó a ser un pintor de referencia (guía para pintores modernos).

Gracias a su fortuna se aisló en su casa para dedicarse plenamente a su obra. Además tenía amistad con grandes pintores, tales como Renoir, Monet, Pissarro.

CARACTERÍSTICAS DE SU OBRA.

Infatigable, trabaja mucho, insatisfecho, deseaba el éxito pero no ponía empeño en moverse por los círculos de artistas. Le animaba su esfuerzo cotidiano con su búsqueda mientras pintaba, compensada por descubrir pequeñas verdades que enriquecieron su obra. Busca la verdad sobrepintada.

Planteamiento muy contrario al impresionismo. La verdad sobre la que se pregunta es la estructura de lo real.

Paul Gauguin (1848-1903).

DATOS BIOGRÁFICOS.

Flora Tristán, su abuela, era una reconocida socialista feminista. Cuando tenía poco más de un año se fue con su familia a Perú. Más tarde regresaron todos a Francia (vínculo con escultura precolombina). 1872 agente de cambio y de bolsa (mundo de los negocios)

1877 aprende a modelar escultura, sigue con los negocios. Poco después estableció relaciones con algunos impresionistas, frecuentando su tertulia. Fue invitado a participar en la cuarta exposición impresionista. Relación tardía con el arte. Reencarna el mito del burgués que se revela contra la burguesía, es defensor de lo que la cultura de entonces consideraba como primitivo, prefiere la espontaneidad y naturalidad de sociedades no modernas, consideradas primitivas.

1886 se marcha a Pont-Aven, donde surge un grupo artístico. 1ª escapada de la civilización.

1887 embarca destino a Panamá y la Martinica, trayecto importante para descubrir una nueva paleta. Viaje breve, el mismo año regresa a Francia.

1888 regresa a Pont-Aven.

Establece relación con poetas e intelectuales simbolistas en París. Esto le es insuficiente. Se marcha a Tahití entre 1891 y 1893, allí pinta algunas de sus obras mas conocidas, y realiza esculturas con motivos indígenas. Para ganarse la vida mandaba sus obras a los marchantes de Francia, pero ganaba poco.

1893 volvió a Francia, y paso allí dos años. En 1895 hace su viaje definitivo a Tahití, murió en una de las islas Marquesas en 1903. En 1903 se realizó una exposición de su obra (Galería Vollard), y en estos años se convirtió en un artista reconocido (póstumo).

ANÁLISIS DE SU OBRA

Se enriquece de las aportaciones primitivas. Esto deriva en una relación especial que tiene con la naturaleza en las obras y cómo representa la circuncidad, el calor y la potencia de la obra. Las mujeres femeninas en la obra de Gauguin representarían también esa admiración que tiene por la naturaleza. Todo esto lo ve y admira de las civilizaciones primitivas tahitianas. Da la sensación de que está buscando un paraíso perdido, una edad de oro. Esta idea de pérdida de paraíso perdido es continua. “Dos tahitianas” 1899

En sus primeros años en París su obra parte de las aportaciones del Impresionismo. Fue fundamental en su trayectoria el viaje a Panamá. Sus cuadros ganan en riqueza cromática a partir de dicho viaje. Cobra mucha importancia la vegetación en sus obras, esto hace que la naturaleza sea el foco de toda su obra. Pinta con enorme libertad, de manera autodidacta

Desarrollará temas populares y comenzara un estilo de simplificación y síntesis que luego utilizara a posteriori. En estos pueblos primitivos se podía contar una pureza que en las zonas metropolitanas no podía. Emile Bernard le enseño a Gauguin la técnica del Cloisonnism (Cloisonismo), que viene de una técnica de esmalte (cloisionné) parecida a la técnica de la vidriera. Consiste en poner en contraste directo con zonas de color muy vivo separándolas por líneas negras muy acusadas. Fue muy empleada por Gauguin y sus seguidores. Nos recuerda a la estampa japonesa.

GAUGUIN: Visión después del sermón: Jacob luchando con el ángel (1888).

En el vértice superior derecho nos representa una visión bíblica, la de Jacob luchando con el ángel, y otra presente, que serían las mujeres. Hablamos de una pintura simbólica. El árbol es el que divide la obra en presente y pasado.

VINCENT VAN GOGH (1853-1890)

DATOS BIOGRÁFICOS

ANÁLISIS DE SU OBRA

SIMBOLISMO.

Algunas ideas importantes:

• Término asociado tradicionalmente a una corriente literaria francesa protagonizada, entre otros, por el novelista Joris-Karl Huysmans y los poetas Stéphane Mallarmé y Jean Moréas (autor del Manifiesto simbolista publicado en 1886).

• Existen claras conexiones entre estos literatos y los pintores simbolistas franceses pero, desde el punto de vista artístico, el Simbolismo se identifica con un movimiento con ramificaciones en toda Europa y el calificativo “simbolista” se suela aplicar a muy diversos artistas.

GUSTAV KLIMT (1862-1918)

Estudió en la escuela de Artes y oficios de Viena, pero viajó mucho. En Rávena es donde quizá adquiere la riqueza del arte bizantino

Fue uno de los artistas más solicitados de su época. Junto con otros artistas fundó la Sezession Vienesa (asociación de artistas y arquitectos vieneses que intentaba distanciarse de lo moderno) en 1897.

Marco dorado trabajado decorativamente, que encuadra la figura femenina ataviada con gasas que dejan ver su cuerpo (concretamente pecho y vientre). En la parte inferior derecha está representada la cabeza de Holofernes (historia del Antiguo Testamento). Representativa del pueblo israelí. Narración bíblica que va en conjunto con la representación de la belleza femenina.

Judith I (1901) Óleo sobre tela.

Nuda Veritas (1899)

Sus obras crean un asunto central en la obra, la mujer es un tema obsesivo, en tanto en cuanto la sexualidad es el tema central de la representación. Tratamiento decorativo del fondo.

Dánae (1907-1908)

Zeus poseyó a Dánae en su habitación convertido en lluvia de oro.

El Beso (1907-1908)

La propia imagen pictórica está trabajada como si fuera una joya, similar al trabajo de un orfebre.

Friso Beethoven (1902)

16.01.17

Edgar Degas (1834-1917)

MODERNISMO

Algunas ideas importantes:

• Es un movimiento de renovación de la arquitectura y las artes decorativas desarrollado en diferentes lugares de Europa en la última década del siglo XIX y la primera del XX.

• El Modernismo se basa en la reivindicación de la artesanía y la dignificación artística de las artes decorativas.

• Es receptivo a la idea de que las artes pueden ser un instrumento de cambio social.

• Supone un intento de construir un estilo moderno.

• El lenguaje decorativo que maneja es de origen orgánico. Toma su inspiración de las formas de la naturaleza. Por tanto, sus motivos más característicos con curvilíneos.

• El lenguaje formal del modernismo actúa como elemento unificador de las distintas partes del edificio.

• Gusto por los materiales preciosos y los procedimientos artesanales.

El episodio del Modernismo recibe diferentes nombres en los lugares donde arraigó:

• Art Nouveau en Francia y Bélgica.

• Jugendstil en Alemania.

• Secesionismo en Austria.

• Stilo Liberty en Italia.

• Modern Style en Inglaterra y Escocia.

• Modernisme en Cataluña.

4. ESCULTURA MODERNA

5. FAUVISMO

6. EL CONCEPTO DE VANGUARDIA

CUBISMO

Movimiento artístico desarrollado a partir de las experiencias de dos de los principales artistas del siglo XX: Pablo PICASSO y Georges BRAQUE. Fueron los creadores del cubismo. Fueron tan reveladoras las conclusiones a las que llegaron trabajando juntos que influyeron con abundancia en otros artistas.

Límites cronológicos para el cubismo.

• Suelen establecerse entre 1907, año en que Picasso pinta “Las Señoritas de Avignon”, y 1914, en que Picasso y Braque emprenden trayectorias diferentes.

• Sin embargo, la relevancia de los descubrimientos que hicieron prolongó la influencia del cubismo durante muchos años y afectó a muchos artistas posteriores.

Etimología de la palabra. En 1908 el crítico Batteux se refirió al movimiento como ‘extravagancias cúbicas’. Esto fue lo que le dio el nombre a la vanguardia.

Fases dentro del cubismo:

PROTOCUBISMO (1907-1909)

“Gertrude Stain”, 1906 ”Las Señoritas de Avignon” 1909.

Influencias de las esculturas ibéricas, de las máscaras africanas. Representa la voluntad de Picasso de romper con los esquemas establecidos.

Braque “Paisaje de L’Estanque” 1907.Picasso, “Casa en el Jardín” 1908.

Para ambos es muy importante la influencia cezzadiana.

Reducción de la paleta, que se basará sobre todo en ocres, tierras grises…

CUBISMO ANALÍTICO (1909-1912)

Análisis centrado en la representación de los volúmenes de los objetos. Temáticas preferidas: el bodegón (que les posibilita el análisis de las formas detenidamente).

Braque, “El Portugués” (1911-1912) Picasso, “Retrato de Fernández”, 1909.

Picasso, “El Acordeonista”, 1911. “El guitarrista”, 1910-1912

Los cuadros llegan a un grado de abstracción absoluta. Barrera a la que llegan en fase

analítica, llega un momento en el que el referente no se reconoce.

A finales de 1909 y durante los dos años siguientes, algunos pintores se introdujeron en

los modos cubistas y se establecieron en la órbita de Picasso y Braque. Pronto constituían

un grupo bastante numeroso:

Braque, “Soda”, 1911.

Empezaron a introducir palabras dentro de los cuadros.

CUBISMO SINTÉTICO (1912-1914)

Picasso, naturaleza muerta con silla de rejilla (1912) PRIMER COLLAGE DE LA HISTORIA DEL ARTE. El collage es un rasgo característico del cubismo. Empiezan una fase nueva de investigación sobre estos parámetros.

Braque, “Aria de Bach” 1913, Papier collé.

Braque, “Mujer con una guitarra” 1913. Algunas zonas nos pueden recordar al cubismo analítico, pero las zonas de volumen producido por el collage es donde se ve el cubismo sintético.

Picasso, “Guitarra”, 1913. Carboncillo, lápiz, tinta y papel.

Picasso, “Arlequín” 1915.Braque resulta más sutil a la hora de trabajar mientras que Picasso es un poco más desordenado.

Picasso, “Mujer con guitarra” (Ma Jolie), 1911-1912.

DIFUSIÓN DEL CUBISMO Y CONTRIBUCIONES MÁS IMPORTANTES.

Juan GRIS (La culminación) GRIS: Botellas y cuchillo (1912-1912) Fase analítica. GRIS: Paisaje con casas de Ceret (1913) Fase sintética. Sus obras tienen una mirada más personal que las de Picasso y Braque.

Fernand LÉGER.

Geometrización de objetos y figuras.

Henri ROUSSEAU es un artista simplista que deslumbró a muchos artistas porque entre otras cosas pintaba con la misma nitidez lo que estaba en primer plano y lo que está al fondo. Era muy personal.

En Léger es influenciado por el cubismo analítico. “La escalera” (1914). A Léger le interesa

también representar el análisis circular, por eso lo denominan cubismo de tubo. La partida de

cartas (1917). Los brazos aparecen como tubos y parecen máquinas, robots… como si fuera una

visión del futuro.

Leger: tres mujeres desayunando. 1921.

Elementos mecánicos sobre fondo rojo (1924) cubismo sintético.

Robert Delaunay

• ****notas en el calificador de egela.

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