Legislación Bellas Artes, Apuntes de Arte. Universidad de Granada (UGR)
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Legislación Bellas Artes, Apuntes de Arte. Universidad de Granada (UGR)

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Asignatura: Teória e Historia del Arte, Profesor: Eduardo Quesada, Carrera: Bellas Artes, Universidad: UGR
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El arte como externalidad positiva.

Para comenzar, recordar la formulación de Joseph Beuys, un artista alemán que trabajó con varios medios como la escultura, performance, hapennings, videos e instalación y que perteneció al grupo Fluxus. Éste artista planteó “Kunst = Kapital”, es decir, “Arte=Capital”. Esto no fue novedad, y tampoco se contradijo, ya que con el crecimiento del arte en el siglo XX y XXI, el arte y el dinero iban cogidos de la mano.

Al año siguiente de esta acción, una viñeta de El Roto, durante la celebración de Arco, y el estallido de la crisis económica, escribió “El pintor no pinta nada, amiguito, el que pinta es el que maneja los mercados”.

Es verdad que puede haber aspectos en los que el arte puede parecer que genera mucho dinero, pero mirando a comparaciones podemos discutir éste dicho.

Podemos conocer los precios de las obras que salen a subasta, las cuales parecen bastante transparentes. Los principales países con mayor mercado en Arte son Francia, con un total de 2.028,13 millones de Euros, Reino Unido, superando a Francia con 6.763,38 millones de Euros, y por encima de todas Estados Unidos con 12.500,00 millones de Euros. Con el tiempo se han ido incrementando las casas de subastas y galerías en todo el mundo, y con ellas, aumentando las ventas. Con ello, también se mueve en periódicos y revistas los movimientos de las obras, las que se van a subastar, su precio de salida y el dónde. Una noticia reciente, también comenta que los mayores inversores en Sotheby´s, son orientales, comprando, como por ejemplo en Japón, una obra por 12.390.000€

El crecimiento del mercado de Arte no significa que tenga un desarrollo global en sentido económico. Los artistas, marchantes, casa de subastas, y todo lo que le rodea, pretenden, como es normal, que haya un crecimiento económico en la industria.

El volumen económico del arte, se conoce sobre todo por lo ya dicho antes, los datos de las casas de subastas y galerías. Se da casi siempre por supuesto que el arte mueve mucho dinero. Así se da como por ejemplo en el año 2006, que la totalidad del mercado internacional fueron 43,3 billones de euros en ventas.

Por otra parte cabe destacar, que hablando de forma individual, la media de lo que se gastó por ciudadano en lo que a arte visual se refiere corresponde a 6,8€, y las administraciones municipales destinaron el 10,6 por ciento

Se puede considerar que el arte genera mucho dinero, pero si atendemos a comparaciones, el coste que desarrolla el arte en España es en torno a los 80 millones de euros siendo una cifra del total de las galerías, y una mediana empresa con prestigio, hace entre 30 y 150 millones

En el documental de la burbuja del arte contemporáneo, hecho por Ben Lewis, habla de cómo el arte contemporáneo se ha usado como un juego para ricos, donde los coleccionistas han invertido y se han aprovechado de sus privilegios para generar dinero.

Entre 2006 y 2007 se incrementó el valor de las obras de arte de personas fallecidas como Rothko o Warhol, pero también de otros vivos como Damien Hirst o Jeff Koons. Algunos de estos artistas se había incrementado el precio por personas que ayudaban a ello, comprando las obras en las subastas por mayor valor, lo que hacía incrementar el valor de todas sus obras. Algunas veces los mismo artistas o los marchantes eran los que pujaban por ellos mismos para así mantener su estatus y estar seguros de que su obra se estaba vendiendo bien.

Esto provocaba un pensamiento de que el arte, cuanto mas caro se vendiera, mas valioso, además, cuanto mas valiera la obra, si se donaba se podían ahorrar hasta un 30% si la donaban.

Sotheby´s, se convirtió en la casa de subastas principal, y con ello se permitía hacer préstamos a los compradores, y aseguraba a los artistas un tanto por ciento se vendiera o no la obra. Con ello también subían los precios de las subastas, ki que provocaba que los préstamos fueran mas grandes, por lo que las personas los devolvían mas lentamente, y la gente comprara las obras por encima de sus posibilidades.

El artista Damien Hirst, estuvo jugando de forma mediática anunciando que todo lo que tenía se había vendido, pero salió una noticia a la luz la cual demostraba lo contrario. Por ello, decidió hacer su propia subasta sin de pender de otra casa, para demostrar que el arte se vendía por una demanda, y no por una manipulación de las casas de subastas. Consiguió vender todo, lo que aparentemente fue un éxito, pero obtuvo ayudas de sus marchantes para que la noticia fuera satisfactoria.

Finalmente, con la subida de los precios de las obras y la crisis financiera, las subastas dejaron de vender tanto, y lugares como Sotheby´s descendieron en su venta y tuvieron que hacer recortes dejando de dar préstamos a los compradores y haciendo subastas más pequeñas.

Én éste documental si podemos apreciar lo que Joseph Beuys decía; “Kunst=Kapital”.

Hacia éste tipo de mercado, hay una artista que hizo una obra como crítica, llamada Carmela Gross, la cual puso una instalación en Madrid, con letras del estilo Hollywood, las cuales ponía “Se Vende”, criticando así la empresa en la que se ha convertido el arte.

Cesare Pietroiusti y Paul Griffiths Eating money, Comer Dinero, Birmingham, 2007. Éste es otro buen ejemplo de la opinión de éstos artistas respecto a la economía del arte, en el cual aparecen en un video comiendo dinero, y luego los exponen como un papel arrugado quitándole valor a éste.

2.El Branding en Arte

El Branding es la asociación de los sentidos a una marca determinada, lo que crea que la identifiquemos, es el producto de Marketing.

El Branding, es la parte completa de la marca, es el resultado del mensaje, el logo, los colores, la identificación y la historia que tiene detrás de ella. Para comprenderlo, solo hay que pensar en una marca, y saber lo que transmite, y que siempre está presente y además es fácil de identificar, lo que hace que acudamos a buscar a esa marca antes que a otra cuando queremos lo que ofrece.

1) El arte como branding prácticamente de por sí, sin ninguna finalidad comercial, aunque terminara teniendo un funcionamiento comercial:

Por el tipo imagen: Joan Miró obras Pollock obras Rothko obras Por los materiales o la técnica: Alberto Burri obras Manuel Millares obras Antoni Tàpies obras Manuel Rivera obras Lucio Muñoz obras Francisco Farreras obras Lucio Fontana obras

2) El branding en arte a partir de un detalle distintivo, un branding de hecho, sin ninguna finalidad comercial, aunque terminara teniéndola o teniendo un funcionamiento comercial:

Salvador Dalí, su bigote. Andy Warhol, su peluca. Yves Klein, el azul Klein.

3) El branding en arte igual que en publicidad, con finalidad comercial directa: Damien Hirst

Un buen ejemplo de Branding en el arte es el ejemplo de Ives Klein, el cual se identificó con el azul, llamado “Azul Klein”, y con el que ha hecho anuncios de publicidad con el que directamente se identificaría su color.

Damien Hirst, es otro artista el cual se ha creado su propio Branding al hablar sobre la temática de la muerte y usar títulos con más significado para hacer recrearse al espectador.Su concepto de la muerte puede ser por haber trabajado mientras estudiaba en un depósito de cadáveres. Algunos ejemplos pueden ser la obra de Mil años, la cual es directa, con una temática sobre la muerte, o la imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo, la cual el título obliga a detenerse en ella.

La obra de Hirst se divide en seis categorías.

La primera son las “obras de tanque” a las que él llama la serie de Historia Natural. En ella incorpora criaturas muertas y a veces dieccionadas

La segunda categoría es la que se denomina “series de vitrina”, en las cuales muestra colecciones de herramientas quirúrgicas o botes de pastillas en botiquines médicos.

La tercera se denomina “spot paintings” en las cuales crea círculos de colores.

La cuarta categoría, la llamada “spin paintings”, son pinturas hechas en una rueda de alfarero giratoria. Éstas se hacen girando las ruedas y tirando pintura, las cuales representan la energía del azar.

La quinta categoría, se llama “pinturas de mariposa” en las cuales hace collages a partir de las alas de mariposas. Las mariposas engarzadas quieren referirse también al tema de la vida y la muerte.

La última categoría fueron una serie de 31 pinturas fotorrealistas que representaban muertes violentas. La exposición se llamaba “Damien Hirst: The Elusive Truth”

Hirst explicó, que tenía trabajadores que hacían sus obras, él daba unas pinceladas y las firmaba, lo que hacía que se convirtiera en una fábrica de obras, pero él aportaba las ideas. Esto se puede ver como los diseñadores de ropa, los cuales se expanden por una línea de difusión. Ésto convierte a Hirst en una marca, ya que sus obras se basan en la difusión y la publicidad.

White Cube, considero a Hirst como el artista mas experto del marketing del mundo al hacer su obra “Por el amor de Dios”, la cual era una calavera humana con todo el exterior de diamantes. Ninguna obra de arte había sido tan comentada en los medios. El artista Dinos Chapman afirmó que la calavera era un trabajo de un genio, no del arte, sino del marketing.

En definitiva, Hirst ha creado un Branding, que no puede ignorarse, lo que ha atraído a gente que de otro modo no se habría adentrado en el arte contemporáneo.

3.Modelo de Durand-Ruel.

Durand-Ruel, fue un comerciante de arte, al igual que su padre. De pequeño quería se militar, pero al fallecer su padre se tuvo que encargar del negocio familiar.

Durand-Ruel, fue el descubridor de artistas coetáneos, que habían desarrollado una forma de pintar en las cuales destacaban la luz a través de pinceladas, y los cuales habían huido de la guerra franco-prusiana. Entre ellos se pueden destacar artistas como Monet, Manet, Degas o Renoir

Cuando los descubrió, a Durand-Ruel le encantó esa forma de expresar la pintura, pero el público Francés fue escéptico y recibieron burlas hacia el estilo de éstos artistas. Pero él confió en su gusto y ayudó a estos artistas ofreciéndoles hasta un salario mensual, sirviéndole de amigo, hasta el punto en el que cuando su mujer falleció prematuramente, su trabajo era a lo que se dedicaba casi exclusivamente.

Durand organizó una exposición en Londres en la cual expuso,entre otras mas convencionales, éste tipo de obras. En Londres y en Francia se recibían burlas sobre la forma en que estaban pintados, pero finalmente con su creencia en que esas obras eran buenas, llegaron a Nueva York en donde empezó su fortuna, ya que allí si que triunfaron, y dos años después, por la influencia de Nueva York, las empezaron a comprar en Francia y en Londres.

Cuando empezaron a tener éxito, Durand era septuagenario, y dijo que si hubiera fallecido con sesenta años, se habría muerto con deudas y sin haber podido hacer que en lo que él creía triunfara, pero finalmente, su locura consiguió ser una creencia para los demás.

Decir también, que sin él, los artistas impresionistas no hubieran triunfado, y por ello, es una figura tan importante para el impresionismo en particular, y el arte en general

Éstos artistas consiguieron vivir del arte, pero no siempre ha habido, que sepamos, personas que han vivido del arte, ya que no sabemos de donde surgió el término de arte como tal. Y al igual que todo producto histórico, al igual que

apareció, desaparecerá el arte en un futuro, porque además, no se puede calificar cualquier objeto creado por el hombre como arte, sino algo que no se identifique para un uso inmediato.

La primera idea de arte como hoy lo hemos ido adaptando, fue la de los griegos, a través de la representación de la belleza, en la que crearon los cánones. Ésta no es mas que una idea, la de la belleza, pero la idea era crear, la posibilidad de invención resulta tan poderosa. Por ello, existe la distinción entre el arte y lo artesanal, ya que el trabajo manual no es la idea importante, sino la posibilidad de creación de la idea.

En el período del arte medieval, podemos observar, cómo el arte que se hacía no tenía que ver con el concepto de belleza, sino con el fomento de la fe religiosa. Además, aquí podemos ver cómo catedrales, consideradas arte, no se hacían por las mismas personas que las diseñaban, y que actuaban un grupo de personas para crearlas. También destacar que éstas eran anónimas, lo que hacía bajar la competitividad entre los artistas. En el Siglo XX, se intentaron crear sociedades de artistas anónimos como los Nazarenos alemanes, y hoy en día también esta existente ésta idea entre los artistas, pero al no haber una marca que les haga crecer, es difícil comercializarlo y por tanto, vivir del arte a partir de este tipo de sociedades.

La comercialización del arte en realidad no ha cambiado mucho hasta nuestra época, ya que tener un buen mecenazgo es y era imprescindible, como ha pasado con artista al llegar a alcanzar la riqueza y la fama hasta sitios insospechados, además, la materia prima para el arte sigue siendo, indiscutiblemente, el público.

El hombre finalmente ha comercializado con todo, y el arte no iba a ser lo de menos, pero cuando ha conseguido el colmen de las ventas ha sido en la época moderna y en la contemporánea, en la cual se ha comercializado con arte hasta convertirlo en un dominio privado y no público. Ésta privacidad del arte comienza con la existencia de salones privados en lo que se exponían obras para invitados o visitantes autorizados. Esto proviene por Luis XIV el cual asignó el Salón Cuadrado del Palacio del Louvre para los artistas académicos.

En éstos salones, los periodistas hacían comentarios sobre las obras, teniendo a Pidansant de Mairobert como referente, para describir la técnica, la obra y las impresiones del público para hacerlo llegar a la gente que no pudiera asistir a visitarla, y de ésta forma, se crearon los críticos de arte. Cuando una exposición conseguía ser muy aclamada, apareció la palabra éxito, proviniendo del latín “exit” que significa salida, refiriéndose a la salida del artista de su anonimato. Por estos hechos la forma de ganarse la vida los artistas cambió y se sufrió una revolución por ello, ya que empezó a comercializarse por la fama de los artistas y del público que le apoyara.

El artista empezó a no tener relación con el que compraba su obra, y esto provocó que el artista se viera como una persona que no seguía las leyes establecidas, bohemio y sin dinero, y lo que también hizo que muchos de los jóvenes empezaran a exponer sus obras hasta salir a la luz.

Poco a poco la industria del arte ha empezado a tener mas apoyo y se han ido extendiendo las galerías ferias y museos. Ademas, se cuenta hoy en día con muchas becas y ayudas para gente que incluso no ha comenzado su trayectoria profesional. También esto ha venido provocado por la salssa rosa que se ha creado en el arte mas o menos ponlo bonito capullo.

4. Los agentes del sistema artístico.

El sistema artístico esta constituido por diferentes miembros los cuales están estrechamente relacionados entre sí, pero para comprender mejor la función de cada uno conviene analizarlos por separado.

El Artista:

En primer lugar, está el artista, un personaje con una larga tradición, el cual ha elegido una profesión difícil, y en la que se sufre al intentar ser sincero con uno mismo, y a la vez existe una incertidumbre de si podrá vivir de ello o no, a la vez que existe una satisfacción en la realización de su obra.

Un artista, actualmente busca fama, dinero, reconocimiento por la gente del mundo del arte y premios por su trabajo. También hay quien se conforma con estar aceptado como un buen artista por la sociedad en general pero no ser de los mas destacados, los cuales no quieren decir que no puedan vivir del arte y lo tengan solo como un hobby.

El crítico:

El crítico es aquella persona la cual opina, se supone que bien, sobre el arte. Ésta persona debería de estar bien informada y saber sobre el panorama artístico-cultural con un criterio mejor al de las personas que le prestan atención. Ademas, debe tener en cuenta que su opinión va a ser influencia de otras personas, y decir también que la certeza hacia el crítico va a ser mas valorada por los contactos que éste tenga en las instituciones culturales. Los perfiles de los críticos suelen ser el poeta o la poetisa, el profesor o profesora universitaria o agente de un artista o de una galería, los cuales son personas que inevitablemente están metidos en lo que al principio hemos denominado sistema artístico.

El crítico se ve con poder de árbitro y juez, creyendo en todos sus veredictos, y con ánimos de superioridad, ya que es un creador de creadores. Hay veces que debe tiene un comportamiento cínico hacia sus opositores, para convencer de de su pensamiento, esto le conlleva tener actitud de persona segura de si misma y de sus actos.

Medios de comunicación:

En los medios de comunicación se distinguen periódicos de prensa, programas informativos, revistas especializadas etc. Dentro de la prensa hay diferentes secciones o espacios para comunicar sobre los distintos intereses. Hay medios dedicados exclusivamente al arte, los cuales se dirigen a espectadores aficionados, artistas, inauguraciones, etc. Lo que se publica en éstas revistas tiende a considerarse Arte. Mientras que la prensa dedica secciones para resaltas las noticias sumamente relevantes de artistas ya conocidos para la sociedad media que tiene un conocimiento común del mundo del arte.

La importancia de los medios no reside en trasmitir la noticia, sino en la importancia y el prestigio que cobra el artista, la obra, la galería o el crítico que ha aparecido en ella.

El galerista:

El galerista expone las obras de los artistas y las vende a entidades, personas determinadas o personas que estén dispuestos a pagar el valor de la obra. Ejerce una doble gestión, la cultural, ya que hace que se puedan ver las obras y disfrutar de ellas de forma gratuita, y la venta de éstas.

La galería es una empresa comercial, la cual intenta vender las obras como si de una necesidad se tratase y poniendo precio a las obras calculando la calidad de éstas.

Hay personas que identifican el arte como un negocio, lo cual no es un error, ya que muchas personas lo usan como inversión para sacar rentabilidad,

pero el papel del galerista trata de vender las obras con bondad de que son un signo de moral cultural.

La mediación económica del arte:

La mediación en el arte en los últimos años, ha adquirido mucha importancia. El arte ha cobrado una importancia económica que la sociedad ha aceptado. Sospechamos que debe haber una gran relación entre la economía del arte y la economía sumergida.

Lo curioso del arte es que el precio final no se cuantifica a través de los materiales usados mas la mano de obra, sino que cualquier precio es posible. Esto provoca que sea un mercado con muchos altibajos y se haya convertido en una forma de inversión.

Los coleccionistas: Los coleccionistas son compradores de obras, algunas veces del mismo

artista aunque también hay coleccionista que adquieren de varios.

En los últimos años hemos visto cómo los coleccionistas se han convertido en los nuevos mecenas, ya que al adquirir las obras consiguen que los artistas puedan seguir creando obras y luego las obras adquiridas suelen acabar expuestas al público.

Hay coleccionistas que funcionan como los galeristas, adquieren las obras, a veces obras estratégicas, y luego las venden o las alquilan haciéndolas circular como museos de alquiler itinerante. Ésta es la idea que se tiene de museo para las generaciones futuras.

El museo:

El museo es el máximo exponente a aspirar de un artista. En principio solo deberían estar en ella las obras que se han catalogado como obras consagradas.

Un director de un museo se puede sentir muy controlado por la sociedad, ya que aunque es el jefe, a través de las instituciones puede no conseguir la exposición de artistas que no estén primero consagrados por la sociedad. Además de esto, el museo se debe responsabilizar del cuidado y restauración de las obras que conserva.

El museo en conclusión, es el lugar donde si un artista tiene lugar allí, será reconocido durante la eternidad.

El Curator:

El cuartor o curador es la persona encargada de organizar exposiciones o museos con todo lo que conlleva, de forma administrativa con recursos económicos procedentes de instituciones públicas o privadas. Su principal función es resolver todos los problemas que puedan surgir en los museos.

El curator puede estar contratado en un museo de las administraciones públicas o ser freelance, es decir, se un agente libre que viaja para encontrar a una persona que necesite de sus servicios. Esto es beneficioso para el curator ya que al viajar lo que va a conseguir es lo imprescindible para su trabajo, los contactos.

El historiador académico:

El historiador académico se propuso para que cuando falleciera un artista ilustre, creara un túmulo para la posteridad y se pusiera en la pira los pensamientos críticos del artista.

Pero el historiador académico que se ha fomentado hoy en día no es ese, sino que es la persona la cual se encarga de establecer los nuevos criterios, sin dejar de lado los criterios adquiridos en la historia, y con ello hace que la forma de ver las cosas en la sociedad cambien y tengamos esa forma de verlas.

El historiador debe atenerse minuciosamente a los antecedentes, para luego dar su visión de los acontecimientos y compartirlo con los demás haciendo de ello una realidad. Para ello éste necesita saber también de estrategia narrativa, óptica universal,etc.

Al hacerlo, ha de tener en cuenta que existe un parlamento histórico histórico-artístico visual, que tiene los mismos sectores que se encuentran en la política, y los cuales pueden actuar con reivindicaciones o pensamientos ideológicos, aunque nunca de forma extrema, ya que eso podría influenciar y malentenderse por lo que no se podría publicar.

El público:

El público es parte importante en el sistema artístico, y los patrocinadores comerciales son conscientes de que viven de sus clientes, por lo que necesitan de su buen trato y ofrecer los gustos que el público pide.

El arte está considerado como cultura y educación, por lo que los responsables públicos son conscientes de que tienen que enseñarle a quien no sabe, para así ademas, fomentar su consumo y seguir el negocio.

5.etapas de la carrera del artista.

Las etapas de la carrera del artista son:

1.Hacia el reconocimiento

La carrera del artista es difícil desde sus inicios, hasta el final, ya que es difícil entrar en el reconocimiento, pero es fácil salir de él.

Hay muchos artistas que finalmente no consiguen reconocimiento, de hecho, el numero de personas que se arriesgan a vivir del propio trabajo es alto si lo comparamos con los que consiguen vivir de manera estable.

Existen unas dinámicas las cuales sirven para encontrar aspirantes para la dedicación al arte. Para comenzar es saber que el artista no basta con tener talento, ya que además, hoy en día, saber usar los materiales con los que se trabaja está desligado a lo que el artista se refiere, hoy lo importante es la idea y lo que con ella se transmite. Por ello, el talento no es la única cosa a tener en cuenta, sino que está la promoción, tener contactos y críticos y marchantes eficaces.

También se ha de tener en cuenta que no se busca solamente proyectos innovadores, sino que se busca la innovación pero sin perder lo ya aprendido, y lo que el público está buscando. También se busca que el artista tenga la capacidad de saber relacionarse, pero incluso teniendo algo de introvertido, debido a que, de esa forma hacerse visible sin mostrar todo lo que pueda aportar en sus obras, pero a la vez, sea capaz de captar lo que la gente quiere ver en ellas.

El artista suele ser narcisista, y sensible al pensamiento de los demás, en el caso de ser una mala crítica podría ser capaz de responder agresivamente a la persona implicada. Esto afectaría a la imagen del artista y provocaría dificultades para mantener su estatus. Hay artistas que también suelen ser evitados por los comisarios debido a ser cerrados en la forma de querer actuar con sus obras y querer exponer en lugares donde no esten preparados.

El artista debe ganarse la valoración y el aprecio de las personas que le sigan, y ademas se requieren por lo menos 10 años de incubación, antes de salir a la luz como artista. Conseguir vivir de ello no es una tarea rápida, sino un camino lento.

2. El grupo de compañeros.

Los grupos de artistas pueden ser interesantes para los críticos, pero también puede surgir cuando hay conflictos entre artistas, esto también puede llamar la atención.

El grupo de artistas con los que se rodea cada uno no tiene por qué tener el mismo pensamiento, incluso si no tienen las mismas ideas, luego puede ser fruto de conseguir trabajos mas originales por la combinación de éstas ideas.

Es importante conseguir los contactos adecuados, lo que es recomendable es que ésos contactos sean los propios compañeros, que posiblemente es para lo único que vale las escuelas de artes, para conocer gente con las mismas inquietudes. A través del crecimiento de unos se va acercando el de otros, ya que llamar a galerías desesperadamente no va a conseguir una atención en el trabajo individual, aunque un artista que confíe en su propio trabajo puede resultarle interesante a los galeristas.

Cuando se consigue contacto con artistas ya lanzados puede pasar que se cree un trato de hermano mayor, el cual ya ha tenido un tema que tratar y una temática, la cual ya ha sido usada, por lo que no se valoraría el trabajo del nuevo individuo.

En Londres a finales de los 80, hubo lugares los cuales nadie usaba, y artistas jóvenes lo usaron para exponer sus obras, y además estuvieron haciendo folletos y revistas, las cuales creaban promoción para ellos y colaboraban con otros artistas de otros países. Esto provocaba un consolidación entre estos artistas aunque fueran individuales, pero a la vez, al haber unión aparecía un interés de la sociedad.

También es importante el lugar donde mover el arte. Hay artistas que al dejar su ciudad para explorar oportunidades fuera de ella, han conseguido el reconocimiento que buscaban, como hacían los italianos en los años 50 cuando se iban para Paris a buscar su reconocimiento como artistas de forma casi obligada.

Hoy día es importante dejar a un lado el confort que se produce en la ciudad del artista y salir de ella, para conocer otros artistas, otras relaciones y conseguir nuevas experiencias. Pero también es verdad que se empieza a pasar de las relaciones personales a las internautas, al igual que la expansión y promoción se están consiguiendo mas por redes sociales que trasladando las obras a nivel personal a otros lugares.

3.Los espacios expositivos autogestionados.

Los artistas también han tenido épocas de unión entre ellos en las cuales han creado espacio expositivos autogestionados y sin animo de lucro ha sido uno de los pasos importantes para conseguir prestigio y no ir directamente a hacerse con el mercado.

Hay algunos que han creado lugares para mezclar diferentes expresiones artísticas diariamente, lo cual implicaba ir al lugar expositivo sin saber qué se iba a encontrar allí, lo cual puede funcionar para que la gente vaya a ver lo que se ofrece cada día.

Durante los últimos años se han creado diferentes lugares con esta idea, por ejemplo se creó el Ars Lab o el Apt art.

Uno de los inconvenientes era que si una galería se interesaba por un grupo y podía hacerlo crecer, al ser grupos grandes no podían escoger a todos

los artistas que participaban, y sólo se interesaban por los mas destacados, lo que hacía que se les devaluara como grupo.

Las ventajas que tenían los espacios alternativos era que no buscaban vender sus obras por lo que no presionaban a los visitantes, tenían mas libertad con la experimentación de las obras, y los galeristas ante las nuevas propuestas no se mostraban indiferentes, por lo que recogían mas interés y donde los galeristas podían encontrar los nuevos talentos.

4.El papel de las galerías privadas.

Las galerías han estado invadiendo el trabajo de los críticos consiguiendo a nuevos artistas y apostando por ellos. Las galerías que exponen a artistas emergentes suelen ser artistas o apasionados del arte los cuales quieren innovar descubriéndoles.

Las galerías pueden aportar nuevas relaciones con coleccionistas, museos u otros artistas los cuáles dan lugar a que esos artistas ya tengan una carrera, y ayuden a impulsar a los nuevos u otros artistas emergentes que colaboren entre sí.

Además proporcionan promoción a los artistas que exponen, pero desde el punto de vista de una galería es también arriesgado, ya que supone un esfuerzo económico al que se arriesgan cuando son emergentes.

Cuando a un artista se le da la oportunidad de exponer en solitario, el galerista está invirtiendo en alguien que de verdad cree que tiene talento para destacar con todas sus obras, al igual que pasa cuando se llevan a artistas a ferias, y más si son internacionales.

5. El papel de los coleccionistas.

Con mas frecuencia, existe una colaboración entre los artistas y los galeristas si nos referimos a la promoción que se dan. Además, hoy un artista puede convertirse en un galerista, coleccionista o en crítico, lo cual hace que se apoyen entre sí. Aunque los coleccionistas han cambiado, antes eran personas que que descubrían talentos y hacían sacarles a las galerías, de los cuales no hay ya tanta abundancia. Hoy la mayoría son inversores en arte, e invierten en nombre que ya son famosos y son una inversión segura, básicamente estamos hablando de tener el arte como un mercado de inversión.

Antiguamente los compradores le compraban a mediadores, que eran anticuarios que habían comprado obras de gente que valdrían mucho en el futuro.

En el Siglo XIX los compradores se hacían amigos de los artistas, e invertían en ellos, lo cual hacía que los artistas se consideraban sus amigos y conseguían la financiación de una forma mas cercana teniendo la esperanza de que se les devolvería cuando éstos triunfaran.

En el S.XX esto evolucionó y se crearon asociaciones como Día Fondation los cuales actuaban proporcionándoles la financiación que necesitaban sin

obtener beneficio, para dar su apoyo, pero luego se convirtió en un espacio expositivo en la cual le daban ellos la promoción en su galería.

6.La relación con el gran público.

La fama que consigue un artista suele ser diferente a la que puede obtener otro tipo de famosos, como puede ser un actor. Ser conocido puede no darse nunca, o darse con mucha posterioridad.

Esto viene en parte porque en los medios no se le da importancia al arte contemporáneo, además de que la sociedad no ha creado ningún tipo de interés por ella. En cambio se considera que el arte es para todo el mundo y todos pueden juzgarlo, pero ver una obra visual necesita mucha preparación previa de la cual la educación no nos ha aportado. Para aportar esa información se debe buscar algo o alguien que lo explique claro como una entrevista al artista o un crítico que la explique, si no, no se puede distinguir la obra que se presenta, se considera una obra vacía.

El arte que mas se da en la sociedad en la que estamos es el arte antiguo, el cual parece ser comprendido por todo el mundo. Esto viene por haber encasillado a la sociedad en ese estilo, y lo demás lo consideran incomprensible. Por ello a la mayoría de las personas le es tan llamativa la figuración, porque es lo que les han enseñado y además comprenden lo que hay en la obra.

También es difícil crear una obra comprensible para el gran público y que sea aceptada por el mundo del arte, aunque esto conseguiría mas publicidad para el artista puesto que seria llamativo para las personas, pero finalmente podría ser perjudicial para el artista puesto que la sociedad estaría pendiente de la persona y le pedirían lo mismo con lo que triunfó, lo cual no dejaría evolucionar al artista.

7.La carrera fulminante de los años ochenta y noventa.

Durante los 70 la mayoría de los artistas que salieron a la luz, empezaron en los espacios alternativos nombrados anteriormente, sin una dirección artística detrás, y luego accedían a verdaderas galerías como segundo paso a conseguir, hasta 1979 que empezaron a cambiar las cosas.

En los 80 muchos de los artistas tenían una historia parecida en su curriculum, empezaron exponiendo en galerías conocidas exposiciones individuales, después en otra galería que exponían nuevas tendencias, otra exposición colectiva, coleccionistas que compraron las obras, acceso a museos no tan prestigiosos, y exponer en museos reconocidos internacionalmente.

Esto también pasaba porque los coleccionistas al ver que el artista estaba triunfando en diferentes lugares y todos coincidían en que era bueno, invertían en él por lo que nunca decaía su obra.

En los 90 se seguían vendiendo las obras y funcionando de la misma forma, saliendo a la luz artistas de la misma manera que la década anterior, lo que también provocó disconformidad entre alguno artistas.

8.Las consecuencias en el mercado de la muerte del artista.

Se dice que el artista cuando mas vende sus obras es en el momento de su fallecimiento. Esta sentencia es verdadera siempre y cuando el artista tenga suficiente obras y reconocimiento. Si el artista tiene escasez de obras, a ningún coleccionista le interesa tener esa pequeña cifra. Pero en el caso contrario, en el caso de tener demasiadas obras, es menos conveniente.

También influye cuando el artista, al ser joven, ha tenido mucho reconocimiento, si el artista ha sido un joven prometedor, no suele destacar tanto la venta de sus obras.

El hecho de que el artista o la galería del artista no tuviera un catálogo exhaustivo de la producción de éste, implica sus obras tampoco van a cobrar más valor, debido a temas legislativos al no poder demostrar que la obra era suya, y estar expuesto a la posible aparición de falsificaciones.

Algunas posibles soluciones para que se puedan valorar las obras del artista una vez fallecidos son, una herencia con los archivos fundamentados, normalmente gestionado por los herederos, y demostraciones de las ventas o críticas de éstas. El precio de las obras podrá tener una subida unos años después.

9.Los catálogos documentados.

Un catálogo es imprescindible para para documentar que las obras creadas son del artista en cuestión, lo que crea seguridad para los galeristas y coleccionistas a la hora de querer la adquisición de una obra, porque favorece la autenticidad de éstas.

La creación de un catálogo conlleva problemas derivados en los intereses económicos. Pero para la persona que crea el catálogo le consigue sacar el atractivo debido a que se convierte en el experto del artista. Y para los coleccionistas y galerístas conlleva un gran valor ya que demuestra que las obras que se muestran en éste son autentificadas, impidiendo la falsificación de nuevas obras, y esto conlleva un aumento en la cotización de las obras.

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