Renacimiento 1, Apuntes de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. Escuela Superior de Diseño de Madrid - ESD
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Renacimiento 1, Apuntes de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. Escuela Superior de Diseño de Madrid - ESD

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Asignatura: Historia del Arte, Profesor: Oreja Oreja, Carrera: Conservación y Restauración de Bienes Culturales, Universidad: arte-diseño
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ARTE DEL RENACIMIENTO. Irene Ramírez de Arellano. 2ºC.

1. EL RENACIMIENTO. CONCEPTO Y CRONOLOGÍA. LA NUEVA MENTALIDAD Y EL CAMBIO SOCIAL. EL PROBLEMA DE LA ANTIGÜEDAD.

En el Renacimiento la antigüedad será utilizada para imitarla, para emularla y sobre todo para superarla. Nos adentramos así en un progreso que pretende mejorar la antigüedad con una serie de investigaciones y avances como por ejemplo la imprenta, invento que solo se debe a esta idea de progreso. En la antigüedad se pretende impactar y en el Renacimiento convencer. Aparecerá el tratamiento de la temática mitológica que llevará a una nueva simbología. Después del arte romano será el románico el arte internacional de Europa que pretenderá imitar al mundo romano antiguo en plantas, en algunos elementos arquitectónicos… luego el gótico también pretenderá imitar a la antigüedad en aspectos visibles en edificios como por ejemplo San Miniato Almonte (gótico toscazo). En el paso del gótico al Renacimiento hay un cambio espacial arquitectónicamente hablando, porque el Renacimiento se hace para un mayor número de personas; para albergar a más gente. Todo el edificio responderá a un sistema de proporciones basado en principios antiguos pero superándolos dando lugar así a un modelo totalmente nuevo. En la pintura el cambio se nota mucho más que en escultura o arquitectura y eso que los modelos pictóricos eran menores en la antigüedad que los modelos arquitectónicos o escultóricos. Algo que parece contradictorio pero que no lo es. A Giotto remitirán todos los grandes pintores futuros porque es el creador de la pintura moderna que pone en marcha nuevos motores en la pintura. Ambrosio Lorenzetta pone de manifiesto que la pintura de Giotto no ha pasado para él desapercibida. Después de la aportación de Giotto hay un constante seguimiento de la pintura medieval. Y antes del primer Renacimiento de Masaccio tenemos “la anunciación” de Simone Martini en una visión trascendente de la escena religiosa no como una escena realista sino irreal con fondos dorados, iconografía tradicional, tamaños diferentes… a S. Martini no le interesa aplicar los criterios de Giotto que se acercan más a la realidad al igual que ocurre con el resto de pintores medievales del gótico internacional.

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Esta estética de gran éxito no es fácil de erradicar en Italia y mucho menos en Alemania, Francia o España, ligadísimas al gótico internacional y menos rebeldes que los italianos. Una vez formulado el Renacimiento muchos artistas siguen avalando en el gótico internacional por ello el Renacimiento tiene ese carácter trasgresor. La anunciación de Fray Angelico es una transición del mundo medievo al Renacimiento con formas todavía herederas del Gótico internacional. Y con cosas de modernidad como la sensación de profundidad. Ósea que durante el s. XV la estética del gótico internacional es persistente.

Iglesia del Carmen, Florencia, es el paradigma del arte moderno. Capilla Brancacci, con pinturas en las que apreciamos perspectiva muy bien puesta en la arquitectura y con una serie de planos lo cual produce una sensación de profundidad y sobre todo de naturalidad por tanto un mundo natural y convincente que es lo que quiere recuperar el Renacimiento. Las figuras de esta capilla están bien acomodados al espacio con gestos y actitudes los grupos figurativos. En cuanto al color, los colores no son tan planos, color natural (no convencional como gótico internacional) más convincente, produce sensación de volumen. Y los efectos lumínicos están para subrayar ese volumen.

En esta escena hay dos hechos de San Pedro uno a la izquierda y otro a la derecha. Los ropajes parecen de secularización a la escena como si fuesen personajes históricos. A parte de estas novedades hay que mencionar que hay algo muy medieval que es el unir dos hechos en una misma escena. Masaccio lo que pretende es convencer al espectador por eso enmarca en espacios naturales y las personas toman una nueva concepción del individuo, un hombre creado por Dios siendo el ser supremo de la creación que puede salvarse o condenarse algo que hará Miguel Ángel en la Capilla Sextina. Aparece así un retrato en Italia y Alemana que mejor refleja una nueva idea de individuo. Retrato de Segismundo Malatesta representado de busto y de perfil porque es el prototipo de las medallas de la antigüedad y porque da sensación altamente idealizada sobre todo si se coloca sobre un fondo oscuro centrando el efecto lumínico en la cara. De busto y de frente da sensación de mayor realismo. Los idealistas (meridional italiana) se hacen al temple y los realistas (N de Italia) en óleo, dos percepciones igual de modernas.

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El Renacimento va a recuperar una serie de géneros: literarios (humanismo del Trecento) que vuelve a lo más prestigioso en cuanto a la literatura italiana y seguirán con esos convencionalismos, mitológicos, haciendo una vuelta atrás en el tiempo. Esta renovación viene por una recuperación de los valores de la antigüedad clásica. El Renacimiento sobre todo en Italia es un periodo de nueva interpretación clásica. Porque la antigüedad también estuvo presente antes del Renacimiento y es con el mundo islámico y con España sobre todo los grandes inventos que pasarán a occidente. De esos periodos anteriores lo que caracteriza al Renacimiento es la extensión y la intensidad de la antigüedad. Ahora el mundo de la antigüedad se usará de modo más extenso y más intenso, más meticuloso. Existe un proceso paralelo de secularización de las artes que separa y distingue entre el mundo de la religión y el mundo de la razón por ello será época de las grandes guerras por principios religiosos. Los niveles de acercamiento a la antigüedad son 3: uno, imitación de la antigüedad que es el más elemental se imitan formas, modelos, sistemas constructivos…; dos, emular la antigüedad comportándose como los antiguos y para ello hay que conocer la antigüedad y contrastar la información; tres, la superación definitiva de la antigüedad clásica y aquí se da la idea de progreso y el salto se da desde el cristianismo. Todos los edificios antiguos están proporcionados algo más difícil lo tienen los escultores renacentistas para esculpir por los pocos modelos que quedaban y los que quedaban eran más bien relieves conmemorativos (incluso Miguel Ángel para pintar la sextina va a necesitar de las proporciones corporales de Laoconte) y los escultores no tenían un tratado como el de Vitrubio para los arquitectos. Pero mucho más difícil lo tenía el pintor porque no hay interés de conocer la pintura romana a principios del Renacimiento y porque no se conoce en estos momentos. Pero en realidad todos lo tenían difícil por unas cosas y o por otras. El hombre moderno se acerca a la antigüedad. Pero esta problemática es solo una pequeña percepción del Renacimiento italiano y en Europa se llevan otras cosas.

Matrimonio Arnolfini, de Van Pick, al ser una pintura del N estando en los años 40 del s. XV es realista frente al clasicismo italiano (temple) de esta época. O sea que es modernista y no medieval porque nada tiene que ver con la pintura del gótico internacional; así que es pintura moderna, la primera pintura moderna del Renacimiento (según este profesor) porque no tenían en aquella época la percepción de lo de los elementos no desdibujados en la lejanía.

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A los pintores flamencos les interesa el retrato individual por su interés por el individuo como centro de todo por ello ya es Renacimiento. “El hombre del turbante rojo”, de Van Eyck, 1450, sigue demostrando la obsesión por reflejar lo más fiel posible la realidad.

“Paolo Ucello”, 1536, tipología de busto y perfil en fondo negro y dibujo como principio compositivo que ha copiado del busto de las medallas. Este ha marcado más las líneas y no están más desdibujadas como el del turbante rojo pero los dos son igual de modernistas. El que uno marque más la línea del dibujo es porque le quiere dar un carácter más idealizado, o sea que las fórmulas del pintor a veces no tienen que ver con si son medievales o modernistas.

Toda la pintura flamenca de los del N, fíjate si es moderna que tendrá mucho más éxito que la pintura italiana (Venecia y Nápoles) y es la pintura flamenca la que desbanca y desplaza definitivamente la pintura internacional. La pintura flamenca influencia en los países del sur, en Italia. “San Jerónimo en su estudio”, de Antonello de Mesina, era del Venetto y el tema religioso es solo una anécdota para presentar la escena en tres dimensiones y además ha colocado objetos de estudio para un estudiante con la misma percepción detallista en los objetos para el flamenco.

En el caso de Andrea Mantegna que es el que mejor conoce la antigüedad también va a estar influenciado por la pintura flamenca. “San Sebastián”, le pone apoyado sobre una columna y no sobre un árbol para demostrar su conocimiento de la antigüedad y también para demostrarlo al fondo pone un paisjae clásico y un pie de escultura que contrata con el pie de San Sebastián pero todo con un tremendo realismo.

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El mejor pintor que conoce y trata rigurosamente la antigüedad es Mantenga pero se deja sentir por pintura flamenca porque de pequeño viaja a Venecia y va a l taller de Bellini, y allí entra en contacto con la pintura del N, con la pintura flamenca.

“Natividad”, de Polallón, con Virgen arrodillada, modelo tomado de Fra Angélico, situando la escena en un ámbito medieval como buen italiano: arco triunfo, sepulcro, columnas… mundo idealizado que contrasta con el realismo de los tres personajes principales. Se parece al Pórtico Portinari de Hugo Van de Goes. Eso explica porque Rápale por ejemplo tiene contacto con Durero, que demuestra el interés de los del N con Italia porque querían pintar en el coliseo, en la capilla sixtina… y los italianos se nutrirán de la pintura del norte; de Flandes porque tendrán interés por esta pintura por su gran realismo. Menos influye la pintura italiana en los pintores del norte. Esos cambios y el interés por lo nuevo y renovador se dará en 3 aspectos o caracteres entre el s. XIV y el s. XV.

1. carácter histórico: gran crisis en el periodo anterior de tipo social y vital. Epidemia de peste que produjo una gran irregularidad en las clases rurales y un despoblamiento que explica el carácter urbano. También contribuye esto al desplazamiento definitivo del sistema feudal y al desarrollo de la sociedad mercantilista y esto es muy importante sobre todo en Italia porque el arte entrará vinculado; estará relacionado con esas clases de dinero como los Medici, los Ufizzi…

2. carácter ideológico y cultural: estas manifestaciones artísticas serían impensables sin el humanismo cristiano con raíces sobre todo en Florencia del humanismo trecentista. Esos valores del humanismo cristiano explican la contestación de las autoridades medievales basadas en contrastarlos con nuevos valores, con nuevos criterios. Ese carácter crítico lleva a unos avances industriales y técnicos que también se dejarán sentir en lo filológico y cultural y desde el punto de vista artístico el arte ya no será una tarea mecánica sino un trabajo intelectual que requiere una formación intelectual.

3. carácter sociológico: independencia clara del arte con respecto al estamento religioso. Ahora el arte será más laico, ciudadano y de prestigio. Más lógico porque se ocupa de temas seculares de una forma natural ya sean temas religiosos o no. Se desarrolla este arte en espacios cada vez más urbanos y de prestigio por ser un arte para exaltar a una persona, grupo político que lo paga… esto se hará con un proceso continuo de la secularización de las artes. Todos los temas tendrán el mismo tratamiento.

2. LA FORMULACIÓN INICIAL DE UNNUEVO LENGUAJE: GHIBERTI, BRUNELLESCHI, MASACCIO Y DONATELLO.

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Los cambios de la Edad Media al Renacimiento se producen de manera colectiva por vanguardistas que además de manera deliberada rompen con la Edad Media. A pesar de condicionantes medievales, de las diferencias entre los artistas para acceder a la realidad y de las diferencias entre ellos, todos reaccionan de modo consciente y deliberado para romper con la Edad Media. Y esto se produce entre 1042 y 1427. En el año 1042 se está convocando un concurso para la realización de las segundas puertas del Baptisterio de San Juan (Florencia); cúpula que será referencia para todas hasta que Miguel Ángel construya la del Vaticano y posteriormente tendrá lugar la decoración de la Capilla Brancazi donde todo el mundo iba a estudiar arte antes de que Miguel Ángel pintase la Capilla Sixtina. Entre 1402 y 1427 se realizan estas tres obras y en este periodo va a quedar definido el Renacimiento y el tema de la modernidad.

LEÓN BATTISTA ALBERTI. Toscazo, florentino, tuvo que mejorar estudios de su tiempo y es uno de los mejores en aquel momento ya que conoce el latín y el griego y puede leer a los grandes maestros. También obviamente conoce los grandes géneros de la antigüedad. Su familia cae en desgracia y le echan de Florencia y en el 1427 vuelve a Florencia y está iniciando las terceras puertas del Baptisterio y que se están terminando de pintar la Capilla Brancazi. Esto le asombra y eso que no viene de una ciudad cualquiera, viene de Roma. Y cuando hace el primer tratado de la pintura moderna en 1436 “Della Pintura”, que se publicará un siglo después por la inexistencia aún de la imprenta, se lo dedica a Filippo Brunelleschi dejando entrever lo asombrado que está con lo sucedido en Florencia durante los años que estuvo fuera. Se lo dedica a Brunelleschi porque éste sin modelo, sin referencias, ha conseguido crear una cúpula que definitivamente superaba la antigüedad. Se da cuenta de la importancia del cambio que se ha producido en Florencia y que luego se extenderá por toda la Toscaza, Venecia, Nápoles…

LORENZO GHIBERTI. Creó las segundas puertas del Baptisterio de Florencia ya que las primeras las había creado Andrea Pisano. En 1440 escribe unos comentarios sobre su formación y sobre sus obras más importantes. En estos da a entender que él fue el ganador del concurso para la creación de las segundas puertas del Baptisterio y él mismo se deja en muy buen lugar pero la cosa no fue así. La primera obra que se le encarga son las segundas puertas del Baptisterio de Florencia en 1402; edificio que se encuentra de la fachada principal del Duomo, de planta centralizada como los baptisterio paleocristianos y en su interior decorado de mosaicos de influencia bizantina. En el Trecento Andrea Pisano crea las primeras puertas del Baptisterio. Es contemporáneo a las del Gótico internacional. Puerta

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decorada con motivos florales típico del gótico y las dos hojas de la puerta dividida en cuadrados decorados con cuadrilóbulos típicos también del gótico y sobre este esquema ornamental se cuentan historias. Las figuras son estilizadas, más sofisticadas, más expresivas. Los grupos figurativos con poca sensación de espacio y profundidad. En definitiva obra que formalmente, estéticamente está relacionada con la estética del gótico internacional de segunda mitad del s. XIV.

Luego se produce un concurso en 1402 para las segundas puertas del Baptisterio y se presentan 6 escultores de entre los cuales solo Ghiberti y Brunelleschi son modernos. Se le pone una serie de condicionantes: tienen que ser ornamentalmente como las primeras puertas, el tema será el sacrificio de Isaac, y el cambio fundamental que proponen tanto Ghiberti como Brunelleschi lo controla mejor, el tratamiento de los paños es mejor, es más contemporáneo pero los dos son igualmente modernos; nos puede gustar más uno o el otro. El jurado eligió a los dos pero Brunelleschi no acepta trabajar en pareja y se marcha a Roma. Así que será Ghiberti quien haga las segundas puertas. Son 28 cuadrados; los cuatro pilares de la iglesia sobre los 4 evangelistas y el nuevo testamento. Desde el punto de vista técnico son similares a las de Pisano, pero desde el punto de vista iconográfico son todo novedades, fundamentalmente en la organización de las escenas con modelos rigurosamente clásicos. Firma su obra, la primera vez que sucede, ya que el no financia la obra. Antes no se había dado con la clave que no es otra que las tres dimensiones. Ghiberti con una figura dentro de una arquitectura fugada crea una 3ª dimensión y para ello tuvo que estudiar. Configura verdaderos grupos figurativos muy bien relacionados con gestos, actitudes… integradas en el espacio ya con profundidad. Por tanto es plantear una escena de manera real y convincente por ello se basará en la representación de la perspectiva en dos puntos visuales: uno, que se traducirá como arquitectura y lo más genial es la perspectiva de la arquitectura conjugada con las figuras, dos, el tratamiento de las figuras. Quedan fijados así unos recursos. Ghiberti tuvo la capacidad para representar eficazmente el espacio tridimensional y esto solo se puede hacer con los recursos intelectuales de la perspectiva con el objetivo de una representación más convincente. Los nuevos recursos figurativos sabe relacionarlos entre sí para dar la sensación de convicción, grupos figurativos capaces de reflejar acciones concretas. Y lo más importante de estos recursos en la sintonía de los dos recursos: la armonía entre los grupos figurativo y la perspectiva que causa mayor efecto ilusionista (mayor sensación de realidad).

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Pero el paso definitivo lo da Lorenzo Ghiberti cuando se le encargan sin concurso previo las terceras puertas del Baptisterio en 1422. Finalizadas a finales de los 40 y principios de los 50, momento en el que ya queda fijado el lenguaje quattrocentista. Ghiberti contribuye a esos nuevos principios para el arte moderno y sobre todo contribuye a ahondar en ellos desde el punto de vista intelectual; tema que él mismo se atribuye pero que es experiencia de los artistas contemporáneos de la vanguardia. En estas terceras puertas ya no existen condicionante alguno y Ghiberti las crea según su criterio cambiando la concepción de las mismas: 5 recuadros grandes en cada hoja, 10 escenas, hojas flanqueadas con cenefas, bustos entre los que se encuentra su cabeza, y las escenas son del antiguo y nuevo testamento, las escenas se enmarcan en un espacio arquitectónico y con una grupo figurativo cada vez más complejo, figuras de bajo relieve que van adquiriendo volumen a medida que se acercan al punto de fuga, a medida que se acercan al espectador. O sea que tenemos una perspectiva cada vez más compleja y unos elementos figurativos cada vez más modernos que por otra parte nos remiten a la antigüedad. Para demostrarnos que a conocen y porque la escena se desarrolla en la época antigua. Lo más importante es que esos grupos figurativos se van integrando en el espacio. Aquí ya no hay duda de que nos encontramos con una perspectiva científica abalada por una arquitectura o por unos elementos florales, de naturaleza y figuras que forman grupos y sintonizan con la representación a escala en perspectiva. Tratamiento de los paños, la arquitectura, el paisaje o los tratamientos anatómicos son anticuarios, medievales y es que estos prejuicios medievales tardarán mucho en quitarse. Los recursos ya no solo están formulados sino que también están ya desarrollados. Las escenas están flanqueadas por unas esculturas metidas como en unas hornacinas y estas figuras dan una mayor sensación ilusionista por la cercanía al espectador. Importantísimo es que el artista define una diferencia entre el plano de la figura del marco de representación para formar parte del espacio del espectador y del espacio figurativo. Para resumir Ghiberti es capaz antes de que aparezca otra solución previa, de sentar los principios básicos para el arte moderno y no solo contribuye a formularlos sino también a profundizar científicamente en ellos concibiendo lo científico como una materia que se puede aprender. Así crea una perspectiva conjugada con los grupos figurativos.

FILIPPO BRUNELLESCHI.

Este carácter renovador y de ruptura con el mundo antiguo no es cosa de un solo artista sino algo de las inquietudes comunes. Debió ser más considerado y admirado que el propio Ghiberti por ser un magnífico escultor.

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Escultor que tiene una buena formación y que también estudia el Trivium y Quatrivium al igual que Ghiberti. Renuncia a los 20 años a crear junto a Ghiberti las segundas puertas del baptisterio y se marcha a Roma. Estudió sistemáticamente los edificios de la antigüedad y también estudia algo fundamental para el arte moderno y que es el vocabulario (podios, capiteles, basas…) y sintaxis (forma de ordenar estos elementos con otros) de los edificios antiguos. Y lo más importante es que se rige por un sistema de proporciones como el de la antigüedad donde todas las partes del edificio están relacionadas entre sí. Brunelleschi hace esto con la dificultad que suponía que él accediese a esta información sin saber griego ni latín. Esta “idea” de proporción viene de Platón que decía que proporción es igual a la belleza y bondad. Pero Brunelleschi que no conoce las lenguas clásicas tiene una mayor dificultad para aplicar el sistema de proporciones. Se enfrenta desde el punto de vista técnico y estético a la edificación en Roma. El Duomo de Florencia se construye en el Trecento cuya iglesia es de trazado longitudinal y alzado ad triangulom pero faltaba cerrarlo y Brunelleschi opta por una gran estructura para un tambor que sujete la gran cúpula la más grande hasta la del Vaticano de Miguel Ángel. La obra de Santa Mª de las Flores tiene unos condicionantes: el mayor es que hay que cerrar de forma moderna un edificio tradicional y que se sujete. Brunelleschi opta por una solución: organismo de 3 cúpulas y 2 auxiliares, y tambor que sujeta la gran cúpula y produce un gran contraste entre la estructura axial de las naves y la cabecera idea centralizada y más vertical.

Esta obra presenta novedades: 1. en tipología, porque concibe este espacio centralizado en torno

a una gran cúpula. Brunelleschi opta por un espacio centralizado porque el paradigma de los edificios clásicos, antiguos eran ser centralizados.

2. avance tecnológico, la cúpula se sujeta sola. Va a crear maquinaria específica. La potentísima estructura está bien diseñada para que no se caiga y para ello hay que conocer y saber sobre mucho, teniendo en cuenta que no hay precedente. Esta estructura produce un gran espacio interior lo que se

presta a una magnífica decoración. Espacio axial de la nave que contrasta con el espacio centralizado de la cabecera. La cúpula es doble y esto aligera el peso y además permite subir la carga y le

obliga a diseñar la subida de material, de obreros… Monta un andamiaje sobre el tambor y se va sujetando según

se va construyendo y para ello hay que saber calcular muy

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bien. El armazón a base de ladrillos colocados en trenzado de pez que permite una mayor seguridad. 3. desde el punto de vista plástico, estético y usual: referente de

la modernidad y utiliza dos colores para subrayar los elementos estructurales de lo que no lo son. Tres cúpulas gallonadas y en los laterales 2 de horno. Condicionará a manera de ver la propia ciudad. Utiliza la piedra oscura y mármol blanco, pero esta opción dicromática es algo ornamental; decorativa sino para subrayar la tectónica del edificio.

Esta obra por tanto supone un salto cualitativo del arte tradicional para realizar esa nueva forma de entender el arte. Será la referencia cultural de la ciudad. Esta obra comienza en 1420 más o menos. En 1427 empieza el Hospital de los Inocentes que responde a una función nueva: es para niños espositos. La ciudad se preocupa por viejas prostitutas, ancianos… que en la antigüedad se solucionaba con la caridad. Ahora lo asume el Estado y lo hacen para controlar a estos sectores que alteraban bastante a la sociedad moderna. Todo este nuevo pensamiento requiere estructuras nuevas y para ello edificaciones de disposición regular, trazado geométrico, en torno a un patio y establece una conexión interesantísima entre el mundo interior y exterior con una galería. Por tanto: 1. avance tipológico, 2. los contenedores partes del edificio regulaban el lugar en el que se creaba), 3. arquitectura moderna con vocabulario antiguo y sintaxis clásica resultando un edificio totalmente nuevo a pesar de basarse en aspectos formales clásicos. Para concebir la galería organiza ese sistema de alzado en una zona inferior con galería corrida con arcos sobre las columnas flanqueado por dos frisos clásicos y la zona superior con cornisa y vanos cerrados por frontones triangulares cuyo eje coincide con vanos de la parte superior. En la frase elemento de una sintaxis es una frase hecha: pilastra, columna, arco de medio punto y dintel y demuestra que conoce bien el vocabulario antiguo. Esto produce una visión perspectivita fugada desde cualquier punto que se mire es muy importante desde el punto de vista visual y urbano porque los renacentistas van a operar en principio en ciudades que son medievales y modificar una ciudad requiere voluntad política, requisitos económicos y técnicos. Son dos edificios: uno religioso y uno civil y ambos suponen los mismos avances. Hay dos tipologías: sobre las que va a facturar Brunelleschi: a) edificio religioso: Basílica de San Lorenzo. 1427. con disposición basilical. Organizada con una nave principal doble de alta y ancha que las laterales a su vez están flanqueadas por contrafuertes con capillas. Transepto con presbiterio y dos ábsides semicirculares simétricos. O sea, los mismos elementos que una basílica cristiana antigua y esto le lleva a 3 naves, un transepto y un presbiterio y dos ábsides

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a cada uno de los lados. Esto crea un espacio con volúmenes marcados, con la forma de la cruz se marca y en la cabecera la novedad es que pone una cúpula que da luz al presbiterio. Hace también la sacristía vieja (la nueva la hace Miguel Ángel).

Una opción que le lleva a reinterpretar en lengua moderna un edificio totalmente nuevo por la secularización de los edificios sagrados más convenientes, más naturalistas con una organización civil: arcos de medio punto y zona alta (separada por cornisa) con vanos. Tenemos un exterior propio de un edificio civil y a esta secularización contribuye también que no haya vidrieras y la luz pase de un modo más natural.

Novedad tipológica del templo, secularización del espacio interior y edificio radicalmente moderno con vocabulario y sintaxis clásica, y una novedad compositiva de gran importancia para le futuro: entre columna y arco el dado brunelleschiano (como cornisa) para que la nave principal que es más alta esté bien sujetada sin descomponer, sin romper el orden proporcionado y esta zona es la correspondiente en la cornisa para el arranque de las pilastras (en las naves laterales). Es decir que en un edificio ensayando en la antigüedad clásica crea novedad tipológica, espacial y de fraseado creando un edificio totalmente nuevo. Además crea una visión perspectívica que acentúa aún más con la repetición de los elementos. En el lado izquierdo de la planta Brunelleschi construye una sacristía (la sacristía vieja, la nueva la hace Miguel Ángel), y en este caso que es un espacio auxiliar de otro concibe por primera vez un espacio central que cubre con cúpula de media naranja y a un lado otro espacio central con otra cúpula que mide el radio de la otra. El alzado de la capilla está organizado con pilastras, sobre las que monta una cornisa y sobre las que monta arcos. Con cúpula gallonada que se repite el radio en la zona del presbiterio. En edificios religiosos se cubre por primera vez un espacio centralizado.

En el interior señala los elementos tectónicos en oscuro y plementería en claro. Debajo de las cornisas pone unas ménsulas en oscuro para decorar y para demostrar la proporción matemática. Todas las medidas de las piezas están relacionadas. Otra cosa interesante es que la mayor parte de la fábrica del edificio está decorada, sin embargo en la obra siguiente cambia la concepción.

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Basílica del Santo Espíritu. Segundo ensayo de Brunelleschi.

La planta es de cruz latina también tomada de la antigüedad y al utilizar un sistema de alzado parecido al anterior va a conseguir un espacio basilical con ritmos acentuados. Y ahora las naves laterales se prolongan en brazos del crucero y cabecera ocurriendo igual en las capillas.

Esto da una sensación de espacio centralizado. Lo común con la anterior es gran cúpula sobre el crucero y un sistema de alzados parecido a San Lorenzo. El interior tiene novedades con respecto a San Lorenzo en que tiene cubos brunelleschianos en el intradós de los arcos y en la zona de las capillas hará también cubos en semicolumnas porque ahora no hay cornisa.

Capilla funeraria de los Pazzi, en el conjunto monástico de la Santa Croce. Tercer ensayo de Brunelleschi. Aquí va a emplear planta centralizada. Espacio centralizado a base de elementos geométricos básicos: círculo. Esta capilla la crea yuxtaponiendo dos cuadrados que dan lugar a un rectángulo. Las partes tienen relación con el todo y el todo con las partes. Partes relacionadas entre sí gracias a un estudio matemático. Lo que en griego se llama simetría: la arquitectura antigua es bella porque es proporcionada que de manera abstracta la toman de la naturaleza. Con esto pasamos a una cuestión moral proporción, belleza, bondad. Y esto demuestra que Brunelleschi es un magnífico arquitecto recuperando esa simetría y superando definitivamente la antigüedad. Para llegar a esto es verdad que eran necesarios conocimientos filológicos que no tenía (solo Alberti) y por tanto viene por el intercambio con Alberti. Se crea un debate en el S. XVI sobre quien es mejor, entre lo tecnológico experimental práctico de Brunellechi contra lo abstracto, teórico de Alberti. La fachada antigua con frase antigua pero ahora con proporción que coincide con la planta. Cúpula camuflada (como siempre por Brunelleschi) al exterior. En el casquete semiesférico en cerámica decora con círculos y rombos que acelera el sentido de profundidad.

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Iglesia de Santa María de los Ángeles. Cuarto proyecto. Cada vez más se acerca a ese espacio centralizado. No está acabada. Edificio de planta poligonal, de 8 lados en el interior y 16 en el exterior, con sistema de capillas radiales (8) que están comunicadas entre sí y que por tanto se comportan como un deambulatorio. Es un espacio más centralizado que el anterior. Inspirada en la antigüedad pagana (templo de Minerva Médica) y en el Mausoleo de Santa Constanza de antigüedad cristiana. Cúpula también camuflada al exterior. Al exterior las cúpulas se contraponen con nichos. Planta poligonal y capillas radiales del Minerva y de Santa Constanza toma el espacio centralizado y la planta es totalmente centralizada. El tholos es el paradigma pero ahora tenemos una planta central poligonal con una cúpula que hace de núcleo. Hemos pasado de unir un cuadrado y un círculo a una elaboración tipológica que supone la interpretación de tipologías antiguas como el Baptisterio de San Juan de Letrán y el Templo de Minerva Médica, del primero cogía la disposición poligonal y en el interior la posibilidad de disponer deambulatorio y del 2º el carácter radial con la intersección de capillas. O sea que utiliza templos de la antigüedad pagana y cristiana para orientarlas a una nueva tipología. Esta tipología supone una arquitectura muy severa con marcados volúmenes y una sencillez que se traduce en las superficies murales que se alterna con medios cilindros que constituyen unas hornacinas. Esto hace que Brunelleschi un magnífico arquitecto; mejor que incluso Alberti. Investiga en temas muy variados como hemos visto. Cambia la concepción visual de la ciudad que ahora tendrá un carácter simétrico y aporta con El Hospital de los Inocentes el paradigma de la arquitectura nueva. Con estos antecedentes sería lógico pensar que Brunelleschi también se ocupase de las tipologías civiles. La tipología civil es la que mejor refleja la nueva sociedad, sus necesidades, etc. El palacio según Brunelleschi tiene que atender a las necesidades de esa clase emergente, tienen sus negocios en el propio palacio, tienen servicio y lo tienen que alojar… Tiene que ser una pieza regular y de gran formato. Lo mismo tiene que pasar con las estancias. Que se organizan entorno a un patio. Los alzados se organizan por el principio de regularidad. Esa regularidad se rige por unos principios geométricos, los diferentes pisos van separados por una línea de imposta o una cornisa. Los alzados se organizan también por vanos rítmicos que suelen ser rematados para que sean vistos en perspectiva.

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Palacio de la parte Guelfa. El sistema de alzados está regido por una cornisa que separa la parte baja que es la parte funcional, y la parte alta, con grandes huecos, que pertenece a la parte privada.

Palacio Bardi Busini. Este es el prototipo de palacio florentino. Tres pisos separados por cornisas o una línea de impostas y rematado por un profundo alero. El piso de abajo sigue siendo más cerrado, destinado a almacenes u oficinas, el piso intermedio tiene un sistema rítmico de vanos donde los ejes de los vanos coinciden con los huecos de la parte baja.

Palacio Pitti. S. XVI. Brunelleschi hace una crujía que daría origen a un patio, pero cuyas dimensiones están pensadas para funcionar de cara a la ciudad. Este palacio significa la confirmación canónica de la tipología de palacio florentino. Coloca un almohadillado a la rústica que lo convierte en una señal de modernidad.

Palacio Medici Ricardi. Se organiza las estancias entorno a un patio. Es una planta regular de gran formato. Tienen un jardín en el interior. La parte baja; almohadillado a la rústica. Segunda planta; almohadillado calibrado. Tercera planta; muro liso. Solo se ha terminado que da a la calle principal.

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Palacio Strozzi. Planta rectangular. Tiene un almohadillado tallado, va demás volumen a menos volumen, graduado. Tienen ventanas germinadas. En la parte baja vanos cuadrados.

MASACCIO.

Un pintor tenía mucha más dificultad que cualquier artista al conocer la pintura antigua. Es tal la necesidad de vincularse en la antigüedad para crear algo nuevo pero que esté basado en la antigüedad, va a crear los recursos modernos de manera más rápida. Pintal La Capilla Brancacci en 1626. es una capilla de un edificio tradicional por lo que divide la capilla en compartimentos. En los frescos se presentan las grandes novedades. Narra historias de la vida de San Pedro. Narra el milagro de la resurrección de Tábita y ala izquierda la curación de un ciego. Logra una escena natural. El espacio tridimensional está definido por una perspectiva geométrica, que además están reforzadas por una arquitectura. Existe un deseo de contextualizar la escena, de ponerla en un ambiente cívico. Nos encontramos con figuras monumentales, estatuarias, con valores anticuarios por que son figuras proporcionadas con un análisis correcto, sus ropajes se adaptan a la anatomía, se han retomado esos valores de la antigüedad. Masolino es su maestro y trabajo con Masaccio en esta capilla. Luego estas novedades porqué se las atribuimos al alumno y no al maestro. Y cómo un pintor primerizo es capaz de transmitirnos todas esas inquietudes. Se lo atribuimos a Masaccio porque la tradición afirma que el Adán y Eva de la Capilla y los personajes del centro y de la izquierda pertenecen a Masolino, pero después en sus siguientes cuadros vuelve a las figuras estilizadas y curvilíneas, sin perspectivas, por lo que se ve que Masaccio introdujo las novedades.

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Políptico (reconstrucción), lo pintó antes que la capilla. Tipológicamente y temáticamente está muy vinculado con el mundo tradicional. Utiliza colores intensos. Lo novedoso en la densidad del volumen, el tratamiento de la estatuaria clásica.

El tributo de la moneda. Son 3 escenas diferentes, incluso manteniendo ese prejuicio del pasado de representar 3 escenas a ala vez, que es tan verosímil que lo entendemos como una. Las propias auras están vistas como objetos en el espacio, no son circunferencias estáticas. El color es más natural, permite modelar elementos figurativos. A través del color hace los volúmenes de los paños. El sombreado y difuminado del color es lo que produce los volúmenes.

SANTA MARÍA LA NOVELLA.

La Trinidad. Está hecha conforme al sistema cónico. Es un fresco de gran formato, tiene el objetivo de ser visto de abajo arriba. Por lo que coge una perspectiva cónica que refuerza con unas arquitecturas antiguas. La continuidad del espacio lo logra con una bóveda con casetones y todavía no hay ninguna hecha en Florencia. En un plano intermedio coloca a los dos donantes que tienen la misma proporción que las demás figuras y con la misma densidad y volumen, se ha conseguido la armonía.

El retrato es el género que mejor representa los valores de la ciudadanía. El retrato tiene que representar los rasgos individuales de la persona, es decir, se tiene que diferenciar a la persona. El perfil y el recorte de los rasgos en contraste con el fondo es un soporte de autoridad. El retrato italiano tiene las siguientes características: de busto, de perfil, y sobre fondo neutro.

DONATELLO.

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Contribuye a formular ese vocabulario moderno. Por razón de juventud y longevidad, y por trabajar fuera del ámbito toscazo, es un artista que desarrolla esos recursos propios de la modernidad. Él va a marcar el campo de la perspectiva, que va a influir en los campos de todas las artes.

“El David”. Es del año 1409. La anatomía es natural y proporcionada; tiene un contraposto clásico; la indumentaria imprecisa pero permite realizar formas naturales. Hemos atribuido a un enlace con la tradición, una acentuación deliberada de una estilización exagerada.

“San Jorge” del año 1411. Es un Santo caballero. También es un contraposto, pero es más leve. Ha utilizado una iconografía clásica pero es un modelo nuevo.

La escultura monumental paso por unas proporciones, estudios anatómicos correctos, estudio de los paños y una indumentaria lo más antigua posible. A principios de los años 20 vemos un relieve “Banquete de Herodes”, en el campo santo de Pisa. Pasa por un estudio de perspectiva. Define el espacio con un primer ámbito donde está la mayoría de los grupos figurativos. Se cierra por un plano de arquerías. El segundo término está avalado por unas arquitecturas muy sobrias y monumentales. La sensación tridimensional se consigue con un punto de fuga porque las figuras más lejanas casi son planas.

Esculturas de profetas para la fábrica del Duomo de Florencia. Es un tema consolidado. A excepción de El Sacrificio de Isaac nos encontramos con figuras monumentales, con formas naturales, con anatomía correcta y tratamiento de paños.

“Moisés”, recuerda al Moisés de Miguel Ángel.

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En la década de los 30, encontramos una Madonna con su hijo. Valores clásicos en el rostro de la Virgen; Cuerpo hercúleo del niño. Los incluye en una especie de cubo que da profundidad.

“David”. La curva y la elegancia no tiene nada que ver con el mundo anterior. Nos presenta también un personaje bíblico. Es un personaje que es una prefiguración de Cristo y es un símbolo de la ciudad de Florencia. Aparece deliberadamente desnudo, solo con un gorro que parece el casco de Mercurio, una espada y unas alas, y parece que es Mercurio. En el 1430 el proceso de secularización de las artes ha dado un paso más con este David presentado como un personaje mitológico.

“Puto”, es un angelote, lleva unas polainas y pisotea unas serpientes se trata de un ejercicio arqueológico de un tema de la antigüedad clásica.

“Retrato”. Responde a rasgos individualizados de una persona en concreto. Tiene valores expresivos, intenta fundir dos prototipos de retrato, el típico busto imperial, altamente idealizado, con el retrato realista de los republicanos. Es de terracota policromada.

Donatello recupera valores de la estatuaria de la antigüedad. Pero lo hace con cautela. Va a trabajar todas las facetas de esos valores antiguos. Dándoles un valor exento. También el predominio de la elegancia del diseño como la acentuación de los rasgos, están pensados para neutralizar esos valores del mundo clásico.

“Anunciación”, enmarcada en una arquitectura con pilastras clásicas. Los personajes son clásicos, el rostro de la Virgen es clásico. Su cuerpo es muy estilizado. Debemos asumir que Donatello era consciente y usa estos recursos para controlar la idealización que se desprende de los modelos clásicos.

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Década de los 40.

“Cantoría para la catedral de Florencia”. Tiene la función de sostener elementos del rito. Él ha colgado la cantoría, sujetada por las grandes ménsulas, con ornamentación del mundo romano. Tiene un relieve que tiene que ver con efectos dinámicos, asociados a la función musical que tiene esta pieza.

Para la ciudad de Papua diseña dos obras.

“Escultura del Gattamelata”. Es una escultura ecuestre, recupera una tipología, un género, y una técnica que no había aparecido desde hacía 10 siglos. Sirve para reflejar los valores éticos y morales de la sociedad a través de este personaje. Es una escultura urbanística. Tiene que recuperar las técnicas de fundición. Exalta a través de esa figura los valores de la ciudad de Papua y su independencia. Él es un mercenario, lleva un traje de imperator, un bastón de mando, y una espada medievalista. Es un retrato luego no solo tiene que representar bien los ideales de la ciudad sino que también tiene que representar los rasgos característicos del personaje.

“Altares de la iglesia de San Antonio”. En al figura de Cristo se ve la naturaleza, tiene un tratamiento de la anatomía perfecto, es

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equilibrado y bello, se une además a la idea del dolor y del sufrimiento y se hace con esa representación severa. A partir de ahora este será el modelo canónico para representar a Cristo porque se demuestra que esta fórmula es eficaz a la hora de transmitir esa idea de la salvación a través del sufrimiento.

La Virgen está sobre un gran escabel para que sobresalga entre los dos santos con hábitos de franciscanos que la flanquean, porque ella es la más importante.

En los relieves de la parte inferior, define un espacio de representación y se desarrolla desde el plano de las pilastras y las cornisas hasta el fondo. Para crear profundidad crea en perspectiva cónica unas arquitecturas en las que coloca unos grupos figurativos. Coloca unas figuras delante del marco, del espacio de representación creando una capacidad ilusoria.

Otro de los relieves está hecho en sistema diédrico, reforzado por unas arquitecturas. Y al fondo se ve un edificio sesgado también por el sistema diédrico, pero combina dos perspectivas los grupos figurativos son cada vez más densos. Y van decreciendo en escala conforme nos acercamos al punto de fuga de esa perspectiva. Ala vez un decrecimiento del grosor del relieve, haciendo un difuminado de las formas, las primeras figuras son más nítidas, es lo que se llama escachiato donatelliano.

“Escultura de Magdalena”. Tiene que reflejar el pecado y el desgaste del pecado. Es casi de tamaño natural. Refleja su edad, el arrepentimiento.

LEO BATTISTA ALBERTI. SU OBRA TEÓRICA Y SU ARQUITECTURA.

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Perteneció a una familia muy importante florentina fue expulsado junto a su familia de la ciudad. Al volver ve todas las obras nuevas, ese cambio que había sufrido la ciudad. Hace el primer tratado teórico de la Edad Moderna. Era un excelente arquitecto, era un gran humanista. Era un hombre con conocimiento de las lenguas clásicas, conoce la cultura antigua, la poética, la literatura, etc. Quiere llegar a la esencia del arte antiguo. Pudo leer las fuentes clásicas, como los 10 libros de Vitrubio. Y pudo ver los edificios de la antigüedad romana. Como los textos de Vitrubio no coinciden con los edificios de la antigüedad romana, busca sus coincidencias y encuentra la esencia de la proporción. Sus contemporáneos no tienen los recursos que Alberti tiene al ser tan intelectual. Alberti en su calidad de humanista es capaz de producir tratados. Esa obsesión por sistematizar sus conocimientos, le lleva a teorizar estas experiencias artísticas. Hace un tratado de Pintura, sobre el año 1436. En el 1440 escribe “Descriptio Urbs Romae”. Más adelante escribe el libro de “Re Adificatoria” que es un libro de construcción. El último que hace es “De statua”. Alberti es un excelente proyectista, un asesor técnico y un gran urbanista.

“Tratado Della pictura” 1436. Escrito 10 años después de su vuelta a Florencia. Coincide con el proyecto de la Iglesia Della Novellae. Es la sistematización de los tanteos y experiencias del arte del renacimiento hasta el 1436. Analiza el mundo cristiano y dice cuales son los recursos del arte moderno. Habla del arte moderno. Habla de sistema de representación, la perspectiva. Y del dibujo y el color. Es el primero que prescribe los fondos dorados en la pintura. Va a construir un puente entre la supuesta teoría del mundo medieval (Cenino Cenini) con lo que es la teoría del mundo moderno.

“Descriptio urbi Romae”.1440. Coincide con el Papa Nicolás V. trata el conocimiento desde el punto de vista topográfico del mundo de la antigüedad. Es una información histórica sobre el casco urbano de Roma.

“De re aedificatoria”. 1485. es un manual de arquitectura y urbanismo, es el correspondiente a los 10 libros de Vitrubio para la Edad Moderna. Introduce de una forma sistemática las novedades arquitectónicas.

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Nos plantea una forma nueva de entender la arquitectura, diferencia entre arquitectura y ornamento.

“De Statua”. 1460. es el más polémico. Entiende la escultura como ciencia. Y la entiende con todas sus dimensiones.

A partir de las ediciones del s.XVI las obras de Alberti se editan con ilustraciones y empiezan a traducirse a lenguas vulgares. Es un hombre muy influyente en toda la cultura humanista. Es el encargado de codificar los recursos de la antigüedad. Como es la perspectiva que se desarrolla científicamente.

“Fachada de la iglesia de Santa María la Novela”. Florencia.

Era el cierre de una iglesia medieval. La parte inferior de la fachada estaba hecha ya luego le condicionaron. Alberti acude a la tipología ad triangulum. Utiliza un cuerpo basamental, un ático y un frontón, dos aletones e introduce una pieza entre ambos decorado. Loa aletones no camuflan las naves laterales sino que equilibran los diferentes entre el carácter horizontal del cuerpo basamental, y el carácter vertical del frontón y del ático. Los elementos son clásicos, son columnas y pilares tomados de la antigüedad romana, y con un carácter más arqueológico que las usadas por Brunelleschi. Todo el conjunto de elementos compositivos y la forma de ordenarlos corresponde a un diseño perfectamente calculado matemáticamente. Luego es bello porque es equilibrado, es equilibrado porque está hecho por un sistema de proporciones. El conocimiento del material tiene una amplia tradición en la toscana. Con Brunelleschi el cromatismo se usa para señalar los elementos sustentantes, para señalar la tectónica. En este caso está para señalar el sistema de proporciones por la que se rige la fachada. El cuadrado es el módulo de ese sistema.

“Palacio Ruchellai”. Como todo palacio civil toscazo, debe plantear novedades de diferente tipo: en lo que se refiere a transformar el espacio donde está situado o por lo menos dar un toque de modernidad a esa zona.

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Tiene que ser moderno en el lenguaje de la arquitectura. Debe tener novedades tipológicas o al menos a su concepción general. No es un palacio completo, es una fachada, al proyectar el palacio, regulariza una parcela irregular, centrándose en el lado que da a la calle. Ha trazado una calle recta, y además para acentuar el carácter de novedad en el tejido urbano ha cortado la parcela para hacer una embocadura para visualizar la fachada. Alberti opta por el modelo de palacio de Brunelleschi, tres pisos y rematados por un alero. Utiliza un aparejo diferente en el cuerpo inferior respecto a los otros dos pisos. Y lleva un orden de pilastras en cada piso. Es decir una mecánica combinatoria de los órdenes, subrayando cada uno de los pisos en función de un orden.

Se marcha a Roma y se pone al servicio de Nicolás V, y es uno de los pontífices que planifica el urbanismo de la ciudad. Llaman a Alberti ara asesorar sobre los problemas de urbanismo. Le hacen un catálogo de las antigüedades de Roma. Se pone bajo el mando de Sigismundus Malatesta, que estaba al cargo del pueblo de Rimini. Es un pequeño pueblo medieval, y tiene una iglesia medieval, la iglesia de “San Francisco”. Idea una reconstrucción de la iglesia y Malatesta lo quiere convertir también en el Panteón de su familia. Es un edificio que expresa la idea del triunfo sobre la muerte, es una idea muy humanista, la idea de la inmortalidad mientras la gente te recuerde. La planta es un rectángulo y un círculo. La cabecera es de planta circular cubierta con cúpula de media naranja, asociado ese espacio centralizado a la idea de panteón. La fachada tiene un cuerpo basamental, ático y dos aletones. La parte inferior: el arco central es un arco de triunfo. Tiene un gran zócalo. Tiene orden monumental de medias columnas. Los arcos de medio punto se apoyan en un arranque de impostas, de una forma muy elegante. Por todo el friso del entablamento hay una inscripción. Los óculos están rodeados por unas coronas de laurel (lauras). La fachada sigue un sistema de proporciones, que hace que nada puede ser suprimido. En la galería perimetral se siguen las mismas proporciones que en la fachada.

El edificio se transforma en el emblema de la familia, tiene que ser algo conmemorativo.

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El interior: las embocaduras de las capillas tienen arcos apuntados porque son anteriores. Está decorado con muchos relieves. Aparece en un fresco Malatesta arrodillado ante su patrón Segismundo vestido igual que él como un caballero. Este fresco está pintado por Piero Della Francesca.

Habría conseguido la unión entre la práctica y la teoría en la arquitectura y en todas las artes en general. Primero en Florencia, luego en Rímini, luego en Urbino y por último en Mantua.

Coincide aquí en Piero Della Francesca aquí en Rímini (luego también coincidirá en Urbino). En Pienza (población) estaba Pío II figura muy interesante para el humanismo por tanto será papa muy mayor y antes fue de estado etc. es el único pontífice que ha hecho una autobiografía y es muy de agradecer. Llega al pontificado de manera inesperada y muy mayor y además se comporta como un verdadero pontífice con un comportamiento igual que Martín V, marca unas directrices en un documento: 1. está para defenderse de los agentes externos, 2 rehabilitar y reconstruir edificios, 3 construcción de nuevos edificios con un programa urbanístico. Alberti entra aquí como asesor del pontífice que quiere quitar de Roma la situación caótica urbanística. Saben también que por estos años Alberti escribe la “description urbai Romai” donde se analizan los edificios, las infraestructuras de la ciudad… y toda esta política urbanística hay que hacerla pivotar según Alberti. ¿Qué problemas tenían las ciudades? La arquitectura tiene una capacidad renovadora que racionaliza la ciudad y renueva su imagen. Pero también hay intentos desde el s. V en su transformación más rápida regida por principios que refleja una jerarquización real de la ciudad que debe tener un núcleo histórico que refleje elementos del poder y alrededor todo lo que conlleva una ciudad.

En Pienza estos principios que Alberti establece tiene la oportunidad de ponerlos en práctica en esta ciudad medieval. Lo que hace primero es definir un gran centro entorno a una plaza formado por 4 grandes edificios: 1Duomo, 2 Palacio, 3 Casa de los canónigos, 4 Ayuntamiento. En una parcela pone como viviendas-taller, abajo el taller y en la parte altas viviendas. Plaza entorno a una plaza trapezoidal que ha buscado deliberadamente para que los dos laterales se fuguen hacia la ciudad y pueda crear visión perspectívica.

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Palacio Piccolomini: planta cuadrada entorno a un patio.

Edificio religioso de 3 naves, con contrafuertes. Edificio clásico que resuelve de manera moderna.

Iglesia: interesante por como ha cerrado esa fachada que hace de telón y cierra la plaza estando en sintonía con los otros edificios civiles. Hay dos cuerpos horizontales monumentales con columnas, cerrándose con un gran frontón. Este tipo de fachada es nueva en respecto a San Miniato Almonte e igual de novedosos son los pilares de sección rectangular con 4 medias columnas a cada lado y desde el capitel hasta el arranque de las bóvedas coloca un pilar (y esta solución tendrá mucha importancia en Italia y en España). Por lo tanto una tipología tradicional con fachada novedosa que supera una gran altura sin romper la armonía ni la proporción.

Palacio de los Piccolomini: alzado que reitera el mismo que utiliza Alberti en Florencia. Adapta Pienza, este palacio colocando una logia entre el espacio interior del palacio y un jardín, establece una relación entre el palacio y la naturaleza a través de galerías que anticipa ya la villa sub-urbana del s. XVI. En la transmisión de un modelo florentino a una ciudad moderna que supone ser un antecedente.

Ahora Alberti marcha a Roma y termina recalando en Mantua. Los duques de Mantua junto con los de Urbino son los cortes más importantes que empiezan a despuntar a Florencia.

Propone dos tipos de edificios muy importantes para el futuro:

San Andrés: planta de cruz latina. Nave mayor congregacional, diáfana en bóveda de cañón u que a ambos lados tiene capillas. Y en el centro tiene una cúpula de media naranja que precede a un presbiterio. De cañón también están cubiertas las capillas grandes y las pequeñas con casquete semiesférico. Esa disposición se corresponde con un alzado y esta fachada fin de unas frases antiguas: orden colosal de pilastras pareadas y un gran frontón. Gran arco de medio punto, pilares y en los laterales arcos pequeños y además arco de medio punto entre dinteles soportados por columnas. Y este sistema de alzados se va a trasladar directamente a la nave central y es lo que produce equilibrio, monumentalidad… habiendo resuelto muy bien las necesidades propias de un templo moderno. Templo para muchos fieles por ser congregacional, por su diafanidad y acústica se puede ver y oír bien desde cualquier punto. La función y la construcción del templo coinciden entre exterior e interior.

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