renacimiento 2, Apuntes de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. Escuela Superior de Diseño de Madrid - ESD
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renacimiento 2, Apuntes de Conservación y Restauración de Bienes Culturales. Escuela Superior de Diseño de Madrid - ESD

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Asignatura: Historia del Arte, Profesor: Oreja Oreja, Carrera: Conservación y Restauración de Bienes Culturales, Universidad: arte-diseño
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RENACIMIENTO. Irene Ramírez de Arellano.

ESCULTORES TOSCANOS DEL QUATTROCENTO TARDIO: POLLAIOLO Y VERROCHIO. LA PINTURA MITOLÓGICA Y LA ÚLTIMA GENERACIÓN DE PINTORES FLORENTINOS: GHIRLANDAIO Y BOTICELLI.

Esta tercera generación intenta reaccionar contra el carácter intelectual de los autores de la antigua generación. Importancia de un carácter natural, un paisaje cada vez más próximo, que se introduce en todos los géneros pictóricos. Desarrollo de elementos de carácter dinámico. Culto por interés, elementos dinámicos que se irrumpen por los personajes que aparecen en la composición. Temas de carácter literario que pasan por el humanismo más prestigioso (Tetrarca, Dante, Bocaccio…). Temas de carácter histórico (Tito Livio, Plinio,…). Mitos, fábulas, alegorías inspiradas en la antigüedad, todo ello coincidiendo con la elegancia.

Hay cambios en el punto de vista artístico. Las generaciones anteriores formulan y desarrollan el arte abstracto. Aparece el taller: lugar donde la producción artística es casi “pre- industrial); demanda de obras de arte, ya no solo a la iglesia y a la nobleza, sino a otras gentes. Va a atender a sectores cada vez más amplios de la sociedad. Por ejemplo “La Virgen de las rocas” de Da Vinci, obra más importante de esta época comprada por una cofradía. Esta demanda lleva a piezas suntuarias, tapices… Importancia desde el punto de vista sociológico, pensamiento neoplatónico, autores que van a marcar de forma determinada, como Boticelli y Miguel Ángel.

POLLAIUOLO.

“Martirio de San Sebastián”. Similar al de Mantenga, pero con una gran diferencia: el paisaje. Ejercicios anatómicos, actitudes que hacen ver un estado dinámico, propio de la pintura florentina de la época. La figura no solo está para definir un espacio tridimensional, también está para producir dinamismo. No se renuncia a lo clásico: aparece un arco del triunfo. Movimieto a través de la anatomía. Importancia del paisaje (casi tres cuartos de la superficie del cuadro).

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“Apolo y Dafne”.

Gran movimiento.

“Hércules matando a Hidra”.

Los trabajos de Hércules se recuperaron en la Edad Media por la asociación alegórica a la pasión de Cristo. “Hércules y Anteo”.

Hércules es el símbolo de la familia Medici.

Importancia en el quattrocento del retrato funerario.

“Sepulcro de Sixto IV”

Compuesto por dos piezas, una urna/cama y un yacente. La urna/cama es un tronco piramidal que permite colocar grandes relieves, en este caso figuras alegóricas referidas a las virtudes, que decoran las paredes en talud, rodeando a la cama, escudos correspondientes. Separando las escenas hay hojas de acanto, que le da a la pieza una autenticidad clásica.

“Sepulcro funerario de Inocencio VIII”.

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Dos ménsulas a la manera romana. Realza una estructura de retablo; aparece la representación de San Pedro in cátedra.

VERROCHIO.

Taller casi especializado en la escultura.

“Tobías y el ángel”. Deseo de introducir elementos dinámicos. Desarrollo de ropajes, gran detallismo (bordados). El paisaje adquiere cada vez más importancia, por tanto aparecerá más y se introducirán elementos nuevos. Relación fuerte entre luces y sombras, elegancia en las anatomías (manos) cierta expresividad, influencia de Andrea del Castagno.

“David”. Carácter heroico, juvenil. En este caso se trata de una especie de paje cortesano. La colocación de las manos, carácter mórbido de la anatomía.

“El Condottiero Bartolomeo Colleoni”. Escultura ecuestre, su precedente es el Gattamelata. Este caballo tiene más elementos dinámicos.

“Duda de Santo Tomás”. Aspectos psicológicos que van a ser importantísimos en el retrato futuro. A partir de ahora es importante crear una luz entre el ojo del espectador y la obra.

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La obra está en un nicho, una figura dentro del nicho y otra fuera, una en luz y otra en penumbra.

“Joven del ramillete”. Se trata de un mármol traslucido, que intenta transmitir no solo los rasgos del personaje sino que lo hace de una forma idealizada. Con el tratamiento del pelo. Manos elegantísimas.

En este taller no solo se transmite el lenguaje moderno sino que además se muestran las singularidades artísticas de personajes relevantes.

“Bautismo de Cristo”. Hecho por Da Vinci y pot Botticelli. El paisaje podía estar en relación con el mundo de la naturaleza del mundo circundante y natural. Ambos pintores plantean dos maneras diferentes de la representación de los cánones de belleza.

DOMENICO GHIRLANDAIO.

“Iglesia de todos los santos.San Jerónimo en su estudio”. Representa la tercera dimensión perfectamente. Respecto a la figuración la anatomía está bien represnetada, anbas se funden en sintonía. Influencia del N perceptible en el detallismo de los objetos. Se diferencia con la pintura del N en que en la pintura italiana hay preferencia por el diseño.

“La matanza de los inocentes”. Capilla Tornabuoni. Para darle una cita de autoridad a esta escena del nuevo testamento. Lo sitúa en Roma, con un arco del triunfo al fondo.

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Ghirlandaio se hace eco de las demandas de la época. Este hace participe a esa sociedad emergente en el mundo de la naturaleza y la historia que representa el Renacimiento.

“Adoración de los pastores”. Utiliza la tradición, una Virgen adorando a su niño. El pesebre es una pieza de arqueología es un sarcófago. Coloca un arco del triunfo por el que hace pasar el cortejo de los reyes magos. Los pastores son un retrato de la sociedad, contaminado por el Tríptico Potimari.

“Capilla Sasseti”. Decorada con temas referentes a la Regla de San Francisco. Hace partícipes a través del retrato colectivo, a las grandes familias, en estos temas religiosos.

“Capilla Tornuaboni”. “Nacimiento de San Juan”. A través de retratos colectivos hacen partícipes a las grandes familias, de la historia cristiana. Todo esto en un ambiente cívico. Aparecen recursos típicamente florentinos. Trajes vaporosos. Personajes con aspecto dinámico.

“Nacimiento de María”. Transmite un mundo de suntuosidad y de lujo.

EL RETRATO. Sometido a principios rigurosos del predominio del diseño como principio rector. Tiene que representar fielmente los rasgos individuales del retratado. Además tiene que hacer una forma idealizada, elegante y sofisticada, relacionada con el tipo de sociedad a la que se retrata. También se representarán elementos de la realidad cotidiana.

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“Giovanna Tornabuoni”. De busto, de perfil, recortada sobre un fondo neutro, en el que se representa una alacena, y cuelga de ella un collar como elemento de la realidad cotidiana.

“Viejo con su pupilo”. A la persona mayor la representa de medio cuerpo, con un pelo cano, pobre, y verrugas en la nariz. Mientras que el joven está representado en primer plano, de perfil, es decir de forma idealizada. Peor entre ambos se transmite una corriente emocional, con la mano del joven que va a tocar al anciano. El viejo está mostrado de forma realista y el joven de forma idealizada. En el fondo se representa un paisaje fugado a través de una ventana.

SANDRO BOTTICELLI.

Inicia su carrera de la mano de Fray Fillipo Lippi. Botticelli además trabaja en el taller de Pollaiolo un escultor. Más adelante trabajará en el taller de Verrochio. Se relaciona con los Medici, y termina trabajando en la corte de Lorenzo “El Magnífico”, donde tiene oportunidad de ver las obras antiguas que poseía la familia. Botticelli es el mejor representante del arte contemporáneo en la manifestación de los ideales de belleza y por otra parte la manifestación de la crisis quattrocentista. Manifestó muy bien la sociedad de su tiempo. Tiene un estilo personal que todos identifican. Es un estilo muy elegante de formas estilizadas, etc. A veces se convierte en un estilo neomedieval Trata temas religiosos, que son moderados. Temas profanos, muy variados y referencias muy variadas. Los temas históricos son tratados con una altura grecolatina. Pasará a temas relacionados con el mito y la fábula. Inspiración de las metamorfosis de Ovidio. La genealogía de los dioses de Bocaccio. Temas alegóricos, consiste en poner un formato antropomorfo de elementos abstractos, alegorías cristianas. Temas laicos interpretados:

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1. significado propio del tema 2. siempre tienen un correspondiente moral cristiano. 3. todos estos temas están íntimamente ligados con la cultura

neoplatónica del momento. 4. idea contemporánea de carácter social, político, económico…

En el estilo de Botticelli se ve una importancia absoluta del dibujo como principio rector. Alta idealización de la belleza. Su estilo es la mayor representación de la crisis del arte quattrocentista. Este estilo termina convirtiéndose en una manifestación neomedieval, porque va a conseguir alejarse de lo que era el objetivo del arte más moderno. Se convierte en un arte más convencional. Después del problema que se planteó en Florencia se conservan muchas obras religiosas, pertenecientes a una pintura más moderada heredada de Lippi. Es tan próximo a Lippi que durante muchos años algunas obras fuero atribuidas a Lippi en vez de a Botticelli. Pero podemos encontrar pistas que nos indican que estamos ante un pintor más avanzado. Como la sintonía del espacio y la figuración. También se observa la importancia del dibujo como principio rector. El tema va adquiriendo un gran desarrollo con pocas novedades técnicas. Es tal el éxito de estas obras devotas que se permiten variaciones múltiples de tipo formal, como la introducción de elementos de la vida cotidiana, de la vida diaria. Sin embargo el interés por lo anecdótico no pasa por una visión de la realidad. Incluso detalles como la veladura de la Virgen o los bordados, hacen la pintura más suntuosa y cercana al mundo aristocrático. Sin embargo sigue unido al dibujo. A la vez se va formulando un ideal de belleza, muy reiterativo, crea un arquetipo de belleza superior.

“Bautismo de Cristo”. Taller de Verrochio. Aquí e el taller tiene oportunidad de mejorar su oficio, de barajar posibilidades diferentes a las que usaba Lippi. Incluso puede rivalizar con otra gran personalidad como Leonardo Da Vinci. El ángel de la derecha es de Da Vinci y el de la izquierda es de Botticelli.

“San Agustín”.

“Judith”. Es un paisaje poco vivo. No hay interés de forma directa por mostrar el mundo natural.

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Dominio de los Principios formales, predominio del carácter rector del diseño frente a los recursos formales.

A continuación obras que coinciden con su viaje a Roma, Madonnas con sus niños, elegantes, todas coinciden con ese estilo idealizado de Botticelli.

“Madonna con el niño y ocho ángeles”. Con el niño hace de conexión emotiva con el espectador. Hay cuatro ángeles a cada lado y cada uno tiene una posición para crear espacio. Aunque use todos los elementos que se consiguieron en el siglo anterior, los cuales intentaban secularizar, aún así no da sensación de realidad ni de credibilidad.

“Frescos de la Capilla Sixtina”. La Capilla de Sixto IV estaba decorada con un azul añil con estrellas y un testero donde había una asunción de la Virgen y en la línea de las ventanas estaban estos frescos de Botticelli. Coloca edificios conocidos de Roma haciendo así citas de autoridad. Se siguen representado diferentes escenas simultáneamente. Es ya un prejuicio visual, lo entendían perfectamente.

“Anunciación”. Utiliza los recursos propios del lenguaje moderno, pero los usa para otro objetivo, diferente al que buscaban los pintores modernos. Crea un primer ámbito con una perspectiva sencilla, acude a unas baldosas. A partir del muro con unas jambas, va escalonando una serie de elementos. El árbol sirve de diafragma entre el mundo arquitectónico y el mundo natural. El ángel y la Virgen tienen entidad, tienen 3D por sí mismos. Están a escala y relacionados entre sí, Pero aún así no es convincente. Encontramos que la Virgen tiene un manto azul y un vestido carmín, los colores de la túnica del ángel también son puramente medievales. Tiene unas alas muy sofisticadas. La Virgen es sofisticada, estilizada y curvilínea.

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Botticelli trata de temas con un gran prestigio, tratados siempre con un criterio de autoridad. Todos ellos suelen adaptar sus formatos para traducir ese sentimiento poético de los temas. Es normal que los temas más importantes sean los que están relacionados con el pasado toscazo, Dante Tetrarca, Boccaccio.

Regalo de bodas de Lorenzo el Magnífico para Gianozzo Pucci con Lucrecia Bini. Basado en la novela de Boccaccio De Camerón. Esta compuesto de 4 episodios. Se trata de la historia -también nupcial- del joven Nastagio degli Onesti. Despreciado por la dama de sus amores, paseaba por un bosque donde se le presentó una extraña visión: la de una mujer a la que perseguía, y daba alcance, un caballero que le arrancaba el corazón y se lo daba a los perros que le acompañaban. Nastagio conoció la razón de este tormento: era el castigo eterno -que se repetía con una cierta frecuencia- a una dama que despreció a un pretendiente que se había suicidado por aquel desamor. El joven organizó una merienda campestre en el mismo lugar donde había de repetirse la tormentosa visión, e invitó a ella a su orgullosa dama; ante la escena que se ofreció a los ojos de los aterrados comensales, la joven solicitada por Nastagio reconsideró su decisión y accedió a casarse con él. La escena del banquete de esas bodas es la que falta en la colección de El Prado.

Aún situando la escena en un espacio tridimensional. Sigue teniendo un carácter bastante arcaico. Gran rigor en los formatos clásicos.

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“Intentos de ilustrar la Divina Comedia de Dante”. En este caso se trata de describir los cantos de la Divina Comedia. “Ascenso al cielo”.

Temas de carácter histórico: Hay muchas historias con alto contenido moral. Botticelli representa la historia de Lucrecia: manifiesta la crisis absoluta. Recuperación de la perspectiva, recuperación de elementos anticuarios; pensado para recrear un espacio común que la figuración contribuye a esa credibilidad. Pues aquí hace totalmente lo contrario. Esto es difícil de situar, tiene un carácter irreal. La arquitectura esta representada en perspectiva perfectamente. Lucrecia es repetida en diferentes escenas en el mismo espacio. Tiene una luz gélida. Aunque coloca sombras en los pies como elemento natural, parece que toda la luz viene del mismo foco.

Temas mitológicos: La mayor parte fueron comprados por los Medicci. Los tres más importantes son:

“La primavera”, “Palas y el centauro” y “Nacimiento de Venus”. Inspirados los tres en los textos de la antigüedad. Representan las metamorfosis de Ovidio.

“La primavera” Fue pintada para la villa de Castelo, adquirida en 1477 por Lorenzo y Juan de Pierfrancesco de Médicis. Warburg, advierte en la obra una alegoría del reino de Venos cantado por los poetas antiguos y por Poliziano; a la derecha el Céfiro sigue a Flora, que poseída por él, se convierte en la “hora” de la primavera y esparce flores sobre el mundo; Venus en el centro, representa la Humanitas bajo cuyo señorío se colocaron los humanistas mediceos; después las tres Gracias danzando y Mercurio que disipa las nubes. JAcobsen vió en cambio un “misterio” relacionado con la muerte de Simonetta VEspuci; alcanzada por la muerte y renacida e el Eliseo. Gombrich alude, por le contrario, al juicio de Paris, en el momento que Venus entra en escena, según la descripción de Apuleyo en el Asno de Oro. Pero debe tenerse en cuenta que tal juicio había sido condenado por el Ficino y por otros humanistas, que representaban a Venus como

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símbolo del amor material, de manera que a lo más sería un antejuicio y esto teniendo en cuenta igualmente que para los humanistas de la corte medicea Mercurio representaba el buen consejo y la razón, y las 3 Gracias, se identifican con la libertad. En el mismo Alberti reaparece el concepto de Hesiodo y la correspondiente interpretación de Sñeneca. Pero Botticelli más que en el texto de Alberti, parece inspirarse en el de Hesiodo. Una ulterior intepretación concuerda con algunos versos de Poliziano, según los cuales pueden verse figurados en los personajes del cuadro los meses de: Febrero (Céfiro), Septiembre (Mercurio), teniendo en cuenta que los antiguos evitaban nombrar y describir los 4 meses invernales. Más recientemente Welliver creyó que se trataba de una exhortación a Giuliano de Médicis para qu se dispusiera a obtener de Sixto IV el capelo cardinalicio. Arciniegas, reducía la interpretación a una simple crónica de un baile en el que la difunta Simonetta aparece como Flora, a la derecha. Y a la izquierda como Gracia danzando con Leonor de Nápoles y Albiera de Florencia, mientras Venus, según la descricpción de Isidoro de Lungo, es la reina del amor y de la fiesta misma. Como elementos seguros quedan el significado humanista de la composición concorde con los numerosos libros de la época, y la identificación de Venus, como la humanitas misma, que separa los sentidos y los amores materiales a la derecha, de los valores espirituales a la izquierda. Punto de partida del tema pudo ser una carta en la que Ficino, precisamente en 1477, deseaba al joven Lrenzo que hallara en la devoción a Venus-Humanitas el equilibrio de todas sus dotes, y cuyo comentario quedaba confiado a sus amigos Vespuay Naldi; en tal caso no se excluiría que el encargo del cuadro fuera confiado a Botticelli por el mismo Vespucci. Con el nacimiento de Venus y tal vez con Palas domando al centauro, el cuadro puede haber consituido un conjunto análogo a los friso que adornan la famosa villa de los Misterios en Pompeya.

“Palas doma al centauro”. Fue propiedad de Lorenzo y Giovanni di Pierfrancesco de Médicis. La crítica aparece dividida entre la alegoría política y la moral. Según Ridolfi, el tema estaría relacionado con la habilidad diplomática de Lorenzo el Magnífico cuando en 1480 convenció al rey de Nápoles a abandonar la liga de Sixto IV contra Florencia; en tal caso se identificaría en el fondo el golfo y la ciudad de Nápoles; en el centauro, el símbolo de Roma, en la Palas, que estrecha la alabarda florentina, a Florencia.

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Para Horne, la alegoría política se refiere en cambio a la alianza de Lorenzo con Inocencio VIII. La alegoría moral, sostenida por Witkower y Gombrich, y aceptada por Salvini, debería relacionarse con la frase de Ficino; con la que se describe al centauro y debe entenderse quizá como invitación a Lorenzo di Pierfrancesco a dejarse guiar por Lorenzo el Magnífico, cuyo emblema privado aparece en el vestido de Palas.

“Nacimiento de Venus”. Fue propiedad de Lorenzo y Giovanni di Pierfrancesco de Médicis. El tema deriva de la literatura homérica y latina, especialmente de Ovidio y su Metamorfosis, que describe a la Hora en el momento de ir a tender un manto Venus Anadiomena, y de la consiguiente literatura humanista. Algunos quisieran ver la llegada de Venus, impelida por el Céfiro y por Cloris, a Sicilia, o incluso a Portovenere, la antigua residencia de Simonetta Vespucci. Con más razón advirtieron un valor neoplatónico Argan y Gombrich, según los cuales, la obra mostraría el nacimiento de Humanitas, engendrada por la Naturaleza, con sus 4 elementos, y de la unión del espíritu con la materia. Poliziano, al describir en las Estancias el nacimiento de Venus, más que sugerir el tema de esta pintura parece describirlo. Las formas de ejecución son próximas a las de Palas con el centauro. El análisis de la composición induce a suponer una mutilación en la parte superior, de manera que la Primavera, Palas y esta obra tendrían además de una idéntica colocación, la misma altura y es verosímil que las dos últimas obras fueran realizadas inmediatamente después de regreso de Roma a Florencia, para completar un único encargo.

“Venus y Marte”. Realizada quizá para los Vespucci, ya que de una cepa, en el ángulo a la derecha, salen algunas avispas. Gombricho, esto no excluye recónditos significados neoplatónicos: Venus-Humanitas tiene poder benéfico sobre Marte. Venus como amor t concordia e contrapone a Marte, símbolo de odio y de discordia,

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venciéndolo en razón de la armonía de los contrarios según Fiano y Pico Della Mirandola. Fueron indicados también como fuentes literarias Lucrecia, Poliziano, y Lorenzo el Magnífico.

Frescos de la Villa Lemmi: Los frescos de esta villa adornaban la logia de una villa que al parecer era propiedad de los Tornabuoni y que pasó después a los Lemmi. Primero fueron relacionados con las nupcias de Lorenzo Tornabuoni con Giovanna degli ALbizi. Pero pronto quedó claro que el ciclo era anterior a la fecha de la ceremonia.

“Un joven ante la asamblea de las artes”. El supuesto Lorenzo Tornabuoni, introducido por una muchacha, tal vez Minerva, se halla ante la asamblea de las artes del Trivium y el Quadrivium, presidido por la retórica. La pintura presenta amplias lagunas en la parte inferior.

“Venus ofrece dones a una joven acompañada por las gracias”. En la joven se identifica erróneamente a Giovanna degli Albizi. La supuesta Giovanna difiere bastante de las demás efigies conocidas de la dama, señalaba que el escudo puesto a su lado no se refiere a los Albizi, en tanto que al otro lado un escudo que realmente es de la familia está añadido “en seco”, en tiempo posterior. Quizás sea una hrmana de Lorenzo Tornabuoni.

“La calumnia” Realizada para Antonio Segni. El tema tratado por Apeles, como venganza por las mentiras contadas al rey Tolomeo Filelfo, por su rival Antófilo, en una pintura descrita por Luciano en el De Calumnia. Botticelli sigue al texto de Luciano.

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El rey de Midas con las orejas de asno del mal juez, se sienta en el trono entre la Ignorancia y la Sospecha, y tiende la mano a la Envidia, que guía a la Calumnia; ésta a la que peinan la Insidia y el Fraude, arrastra al calumniado; sigue la Penitencia, que se vuelve hacia la desnuda verdad. La escena está ambientada en un edificio clásico adornado con estatuas y bajo relieves dorados, que pueden interpretarse con episodios del cuento de Nastagio degli Onesti, Centauromaquia, Hércules y Licas, Apolo y Dafne, Marte y Venus, Teseo, David, etc. Es posible que esta adornadisima arquitectura reflehe algún ambiente humanista. Algunas de estas historias derivan de obras realizadas previamente por Botticelli, porque de otro modo no se explicaría la yuxtaposición de temas sacados de la antigüedad clásica y del Viejo Testamento y de Boccaccio. Esto deja margen para suponer que la obra que examinamos fuera realizada bajo el aguijón de calumnias dirigidas contra el propio Botticelli más que contra Savonarola, y tal vez, para ilustrar a pedro de Médicis, cuyo débil carácter era especialmente influible.

“Retrato de hombre con la medalla de Cosme el Viejo”. No han tenido consistencia las interpretaciones que intentaban da un nombre al personaje que ciñe entre sus manos la medalla póstuma de Cosme el Viejo, después de las referencias a personajes de los Médicis y a Pico Della Mirandola, se ha pensado en un no identificado autor de la medalla en tal sentido puede aludirse con cautela a una página de cuentas del epistolario mediceo. Juego de los diferentes tipos de retratos. Medio cuerpo, brazos y manos en primer término, y porta una medalla que es un busto de perfil.

DÉCADA DE LOS 90.

Estapa de esplendor de la familia Medicis. Hay problemas religiosos. Botticelli está en el pensamiento neoplatónico. Su forma de vida no es habitual. Y debido a estos problemas de pensamiento tiene miedo por la repercusión de sus obras. Y vuelve a un pasado estético, de una forma deliberada. Vuelve a las escalas jerárquicas; a las rocas acartonadas. Vuelve a un mundo convencional.

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“Milagros de San Cenobio”.

EL CLASICISMO. EL IDELA Y LA NORMA. DEFINICIÓN DEL SISTEMA REGULAR.

Vinculación a la antigüedad clásica. Es diferente a todo lo anterior, es una consecuencia del proceso investigador al que somete el hombre al mundo de la naturaleza. Entre 1492 y 1502 pasando por 1498 qué es lo que ocurre. Primero se da una nueva situación política en Italia. Donde las ciudades estado, se convierten en un campo de batalla. El pontificado va a tener autoridad moral y asumirá un papel político, será un árbitro comprometido por el dinero que le daban las grandes familias y potencias. Los artistas serán los encargados de hacer el arte oficial de la iglesia, de hacer su propaganda. Carlos V manda sus tropas alemanas y arrasa Roma, expulsando a los Médicis. Llegará lo que va a dar lugar a la estética manierista. Estos cambios políticos se reflejan en la arquitectura. Se hacen ciudades sofisticadas. Este nuevo lenguaje alto-renacentista obedece al agotamiento de los recursos del orden visual del quattrocento: evasión refinada de la crisis. Hay otra opción: culminación y superación del proceso investigador del s. XV: nuevos métodos: Leonardo y Miguel Ángel. Estos nuevos métodos lo va a establecer Leonardo Da Vinci. No es un hombre que vive de la pintura. La pintura para el es un ejercicio intelectual. Le interesa penetrar en el mundo de la naturaleza. Y lo que hace escuestionar la antigüedad. Le lleva a estudiar el movimiento del agua, a estudiar botánica, etc. Llego a hacer autopsias que estaba penado con la muerte. Traducido al mundo artístico se traduce en plantear plásticamente una serie de principios ópticos que él ve en el mundo de la naturaleza. Con un método estrictamente pictórico.

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“Anunciación”. Síntesis de concepto del espacio. Ámbito determinado por unas arquitecturas de la época. La cara del ángel corresponde a un arquetipo de belleza. Lo novedoso son los árboles que funcionan como diafragma entre el mundo natural y el arquitectónico. Es un espacio cualitativo, donde reinan las luces y sombras. Lo que se llamaría perspectiva aérea.

El otro método se va hacer desde el método de la escultura. Método basado en el mundo de la antigüedad. Miguel Ángel no se plantea cuestionar la antigüedad, analiza el mundo antiguo a través de los grandes del arte quattrocentista y es el único que consigue superar la antigüedad clásica.

“Madonna de la scala”. Miguel Ángel. Monumentalidad en la forma inspirada en Masaccio. Desde el punto de vista técnico usa el scachiato de Donatello. La hace coincidir con una estela clásica, de lo idealsita que es. El niño está tornado.

FIJACIÓN Y ESTABLECIMIENTO DE LA NORMA: LEONARDO, M. ÁNGEL Y RAFAEL.

Norma que debe ser establecida porque lo que se intenta es que esos principios tengan una validez universal.

“Adoración de los magos”. Leonardo da Vinci. Obra en estado de esbozo. Muestra una multitud sorprendida, sobre todo al grupo central, algunos mensajeros celestes en forma de maravillosas criaturas sonrientes: pero, en vez de celebrar con vivacidad un hecho glorioso, se muestran absortos, graves, como si se tratara de un acontecimiento enigmático; en tercer plano, el cortejo de los Magos suscita una extremada agitación: tal vez por quienes, aún no enterados de lo sucedido, se abaten en una ignorancia confusa; y dos figuras “de contraste”, un filósofo meditabundo a la izquierda, y un joven caballero en el lado opuesto, contribuyen a equilibrar el conjunto “dramático”.

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Esta obra, supera en expresividad directa a los mismos diseños preparatorios, en los que los diversos motivos nacen aislados, uno a uno y a menudo ahondados con meditada insistencia, en tanto que aquí emergen rápidos y fluidos, desde los caballos a la muchedumbre fluctuante que rodea a la Virgen escandiendo el espacio compositivo en una escena y un fondo cuyo punto de fuga cae sobre el eje central encima de la cabeza de la Virgen. Nada queda de la tradicional Epifanía, y a reyes y pastores sustituyen multitud de manos, de rostros intensamente caracterizados, de paños que saltan por un lado fuera de las sombras del macizo humano, absorbidos por otro lado por un polvillo luminoso suspendido en el aire. No son magos ni guardianes de rebaños; son las criaturas con la fe y la duda, con las pasiones y las renuncias de la vida, aureoladas” por la luz creadora de esta obra, en la que el color no tendría lugar. El interés de Leonardo no es el espacio cuantitativo, sino la intersección entre las zonas iluminadas y las sombreadas. Todas las fuerzas tienden al medio, composición centrípeta.

En el s. XV el debate artístico es en Florencia. Después se comienza a extender a partir de los años 90. En Milán se van a plantear ideas renovadoas.

Periodo de 1492-1508. Resalta la ciudad de Milán, bajo el dominio de la familia Sforza. Milán va a ser atacada y asediada por los franceses. Reúne esa nueva situación política. En Milán reciben personas destacadas. Leonardo participa en tratados matemáticos, en la ilustración. Se desarrollan los estudios vitrubianos, se ponen a mayor disposición. También hay en este momento estudios arquitectónicos de Leonardo Da Vinci. Bramante usa tanto los tratados de Brunelleschi como los de Alberti. Marcha a Roma. M. Ángel baja a Florencia. En la primera decena del s. XVI coinciden en Florencia, M.Ángel, Leonardo y Rafael.

Retrato de Ángel Doni y Magdalena Doni. un matrimonio florentino. El retrato ya no solo tiene que idealizar. Hay un interés cada vez mayor por reflejar ese mundo de la naturaleza.

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Roma logra desplazar como centro artístico a Florencia. El pontificado se convierte en una fuente de autoridad moral y religiosa. Se convierte en una potencia no solo italiana sino europea. Los pontifices de Roma quieren para su ciudad prestigio, tanto como tuvo para los antiguos romanos. Entonces se comienza un programa de obras pontificias. Restaurar y conservar los edificios de la antigüedad cristiana y pagana. Construcción de nuevos edificios religiosos y funcionales. Se proyecta la transformación de la basílica de San Pedro. Hacer grandes avenidas, rectas, anchas, y bien comunicadas. Protegerla a los enemigos exteriores e interiores. Se hacen sistemas de defensa.

Jean Baptiste Nolli parcela la ciudad de Roma. Rafael decora las estancias del Vaticano. Es un gran ciclo, es un espejo histórico y moral. Miguel Ángel decora la Capilla Sextina.

Venecia en la segunda mitad del s. XV se une a la cultura. Sufre una recuperación pictórica. Entre 1508-1520 surgen propuestas nuevas.

LEONARDO DA VINCI 1452-1519.

Muere en la corte de Francisco I de Francia. Trabaja en el taller de Verrochio. No es un artista. Es un profesional, un técnico. No vive del arte, ni de hacer pintura. La mayor parte de sus pinturas fueron de su colección privada, nuca salieron a al venta. Tiene un tratado de pintura, donde plantea los recursos de ese nuevo método. Y se hacen varias ediciones, a lo largo del s. XVI-XVII-XVIII. Los manuscritos están acompañados de dibujos suyos. Dibujos de máquinas, maquinaria, naturaleza, etc. todo tratado con un conocimiento científico. Son investigaciones para conocer más y mejor la naturaleza. Arriesgaba su vida para aumentar su conocimiento sobre la naturaleza. Por ejemplo al llevar a cabo autopsias. Ejercita desde las matemáticas hasta infinidad de artilugios mecánicos. Es un técnico que pone sus conocimientos al servicio del poder de muchas maneras: desarrollando la cartografía por ejemplo. Realiza dibujos relacionados con los estados de ánimo. El retrato incluirá aspectos psicológicos, “el alma de los individuos”. Lo importante es la apariencia de corporeidad que salen de dos dimensiones. Hay que hacerlo con las sombras y la luz.

“Bautismo de Cristo”, Taller de Verrochio.

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Está dentro de la mejor tradición florentina. Hay dos cosas que llaman la atención. Una concepción diferente de la naturaleza, narrativa, con más interés para el pintor, porque hay una concepción de las luces y las sombras de manera que las figuras más cerca del espectador son más nítidas y sombreadas. El ángel de la izquierda es un arquetipo de belleza ideal. El pelo está tratado con el mismo interés que trata el movimiento del agua. Plantea una nueva visión del mundo natural.

“Anunciación”. Galería de los Uffizi.

Al cuadro le falta toda característica compositiva y de dibujo que lo diferencie claramente de las creaciones de aquel tiempo, aún de las más nobles. El modulo compositivo es ya común desde hace generaciones, con el ángel a la izquierda, la Virgen a la derecha, el atril entre ambos en primer plano como en un bajorrelieve, en perspectiva central, el horizonte a dos tercios del cuadro, la tramoya arquitectónica indispensable a espaldas de la Virgen,la balaustrada que separa la tranquila terraza de la fuga de los planos sucesivos con la remota extensión de aguas y montañas lejanas. El primer ámbito está articulado de acuerdo a las leyes del arte moderno. Con una perspectiva rigurosa avalada por arquitecturas clásicas. La figuración está bien situada dentro del espacio. Una salvedad, el mundo vegetal que alfombra el primer espacio no tiene que ver con las flores de Lippi. El paisaje del fonfo plantea que la concepción espacial es cualitativa, y mandan las luces y las sombras. Pasamos al mundo de las calidades. El ángel tiene la frente amplia y el rizo de cabellos movidos, está cercano al ángel del Bautismo. Rayos en lugar de nimbo y las alas estilizadas según los cánones tradicionales. La manga es lo más exquisito de la figura. En cuanto a la Virgen se ha subrayado la fría expresión del bellísimo y la excesiva rigidez del cuello y de la pequeña cabeza erguida: se ha observado que el hombro izquierdo no aparece bajo el cabello y el velo, que los dos brazos no son muy proporcionados entre sí, que es imposible que el antebrazo y la mano derecha puedan alcanzar con tan sinuosa facilidad el borde del libro y del atril, cuando este con su soporte marmóreo está alineado en el eje del vano de la puerta. La postura, con las rodillas muy abiertas, la académica redundancia del manto, son las observaciones menores sobre la fascinante figura, no desdeñables si se relacionan con la primera creación importante de un genio de veinte años.

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“La Virgen de las Rocas”. Louvre y Londres.

La primitiva de la Inmaculada Concepción en San Francisco Grande de Milán, que albergó el cuadro o los cuadros de Leonardo, fue destruida en 1576, es seguro que el retablo encargado por la hermandad de la Concepción fue desplazado y quizá sufrió modificaciones al pasar de la primera capilla a aquella de la que fue sacada cuando la demolición de la iglesia. A la cofradía no le gusto el trabajo de Leonardo y entraron en pleitos. No tienen duda ya para todos los estudiosos dos puntos: que le ejemplar de París precede al de Londres no es copia, sino variante expresamente querida y meditada con notables diferencias, no solo porque las figuras levemente mayores, simplificadas en los paños, dan impresión de mayor monumentalidad, sino porque todo el fondo está orquestado con menor minuciosidad de detalles. En las figuras, toda comparación comienza por el ángel, con aquella famosa diestra del índice tendido, que no aparece en Londres; todo el tratamiento de paños es diverso: en la obra de parís se impone a la anatomía de la figura; en Londres, la evidencia más, al menos en algunas partes; los rostros miran ambos al exterior, pero el de París, de leve sonrisa y ojos abiertos, se vuelve al espectador; el de Londres, de sombras más difusas y densas, medita introspectivamente. Parecen idénticos y son bien distintos los dos Jesús, y no sólo por su diferente perspectiva, más en ángulo en París que en Londres con respecto al observador, o por la aureola aquí presente y allí no: el soberano Niño del Louvre, intacto (el cuadro ha sufrido una radical restauración que ha alterado las transparencias de los fondos y del paisaje), irradia una fuerza moral única, como revela la comparación con el Jesús de Londres. También el San Juan niño difiere en Londres por el juego más apremiante de más sombras, que lo hacen menos lírico en la aparente identidad expresiva. Más sólida, aún bajos los pesados paños, la Virgen de Londres; pero el rostro de la de París sin nimbo, son el peso de las fuertes sombras desde la derecha, es de la frente a la boca de un frescor de lirio, una ingenuidad de sonrisa, una contenida dulzura que le falta a la consciente dedicación la de Londres. Las figuras de la obra de París, de formas más sutiles pero más ricas en detalles como hechos con complacencia están uniformemente inmersas, a pesar de la gruta en una atmósfera de húmeda luminosidad que hace ligeras las sombras en la penumbra; las figuras de la de Londres están más recortadas, son más sólidas de cuerpo, más monumentales y en las sombras mas oscuras y absorbentes, la atmósfera mística se muestra desigual. Pero todo ello fue querido por Leonardo. No sufriendo repeticiones, dio una orquestación diferente a la inédita composición. Las sombras mas oscuras, los detalles, los colores, las transiciones mas atenuadas no son, o no los son siempre, el resultado de una mano menos experta, sino el necesario complemento de un ambiente que se ha querido menos luminoso. El fantástico conglomerado de roas, donde hay un recuerdo de los

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roquedales verticales de Mantegna, mágico como un sueño, concreto como una arquitectura, resulta casi idéntico en ambas tablas, salvo el cielo, en tanto que es profundamente diversa la vegetación acuática que en París revela la incomparable capacidad evocadora de la exactitud del artista que todo lo transfigura.

Louvre.

Nacional Gallery, Londres.

Leonardo se marcha a Milán en 1482. Se marcha porque su propuesta investigadora moderna no coincide con el momento intelectual de Florencia. Milán es una ciudad emergente, gobernada por Ludovico el Moro. Y necesita un técnico para que lo asesore. Trabaja en esa ciudad Bramante también. Se plantean problemas. Leonardo es un técnico, y se cuestiona de todo. Experimenta soluciones técnicas que se enfrentan a las clásicas.

“La última cena”. Milán. Convento de Santa María de las Gracias (Refectorio).

Se lleva a cabo entre el 98 y poco antes que invadan los franceses Milán. Tema desde el punto de vista iconográfico correctamente representado. Se trata de una doble capa de estuco y sobre ella pinta con temple y clara de huevo. El mal estado corresponde a la técnica que utilizó Leonardo. Inventa una técnica para poder hacer arrepentimientos. Judas está al lado de Cristo, no le separa como el resto de pintores. Es el momento en el que Cristo dice que uno de ellos le va a delatar. Leonardo a través de los gestos de cada personaje, expresa las diferentes formas de recibir esa noticia. Esta situación le da oportunidad ha representar un mundo anímico, con expresiones individualizadas. Mejor que los dibujos nos llega el eco de las meditaciones del artista acerca de la composición de la Cena de un manuscrito leonardesco:

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“Uno que bebía deja la jarra en su puesto y vuelve la cabeza hacia el que habla. Otro tiende los dedos juntos de su mano y con rígida mirada se vuelve al compañero; el otro, con las manos abiertas, muestra las palmas y alza los hombros hacia las orejas y en su boca hace un gesto de asombro. Otro habla al oído a su compañero y el que le escucha se vuelve a él y le atiende, teniendo en una mano el cuchillo y en la otra el pan, medio partido aquél. El otro, al volverse, con un cuchillo en la mano, derrama una jarra sobre la mesa. Otro pone las manos sobre la mesa y mira; el otro sopla en el bocado, el otro se vuelve para ver al que habla, entre el muro y el que está inclinado”.

Poco antes de tener que marchar de Milán, se fecha un boceto de Santa Ana, la Virgen, el Niño y san Juanito. Composición centralizada, centrípeta. También en este tiempo trabaja en una obra, una escultura ecuestre. Hace estudios respecto al sistema de fundición. En 1500 las tropas francesas toman el Ducado de Milán. Y Leonardo se va de la ciudad. La preparación de la escultura ecuestre queda destrozada. Pasa por Venecia y por Mantua. Vuelve a Florencia, y se pone al servicio de Cesar Borgia. Se le contrata como arquitecto de ingeniero, supervida las fortalezas. Hace anotaciones sobre las ciudades que conquistan. Hace un plano espacial de la ciudad de Imola. Es un instrumento para el desarrollo y expansión del poder.

Pasa unos años en Florencia definitivos. 1503-1505. Coinciden en Florencia, Rafael, y Miguel Ángel Buonarotti.

Obras de 1503-1505.

“Gioconda”.

Leonardo debió de empezar su obra hacia 1503. la edad de Lisa Ghernardini, nacida en 1479, casa en 1495 con Francesco Bartolomeo del Giocondo, corresponde a la de la figura: pero ¿hay seguridad de que el retrato es el suyo? Sobre este tema ha nacido mucha literatura. Vasari afirma que la retratada es la Gioconda y lo repite

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Casiano del Pozzo. Pero Antonio de Beatis, que visita a Leonardo con el más ilustre cardenal de Francia, oye en presencia del cuadro y evidentemente del mismo Leonardo, que se trata de “cierta dama florentina hecha del natural a petición del difunto Magnífico juliano de Medici”. Así, pues una amiga de este último, cuya efigie devolvió a Leonardo cuando él se casó con Filiberto de Saboya. Puede que sea así: puede ser que la amiga del “difunto Juliano” hubiera sido la Gioconda; o que la tabla que vio de Beatis fuera otra y no la gioconda. Lo que no puede ser es que el retrato haya sido pintado en Roma hacia 1513, según se creyó, porque el dibujo que de él hizo Rafael no puede ser posterior al periodo florentino de éste. Y es raro que no exista la menor alusión, la más pequeña memoria de pago, la más vaga referencia en los manuscritos de Leonardo y en las notas epistolares de sus contemporáneos. Tampoco hay dibujos de Leonardo. Si algún rincón del mundo ha inspirado este paisaje irreal y soñado y sin embargo concreto como una panorámica altimétrica tomada desde lo alto en el sucederse de sus planos, impregnado de humedad y de nieblas deshechas, este rincón del mundo no se halla a orillas del Arno, sino en Lombardía, en la atmósfera otoñal densa de brumas. Probablemente acortado por los lados, donde apenas se perfilan dos columnas, en unos siete centímetros; que aún ocupa el soporte originario, de chopo, y aparece absolutamente intacto ya que no ha sufrido sobrepintura alguna y nadie se ha atrevido a remover la espesa capa de barnices que lo protegen mejor que cualquier cristal pero, naturalmente, lo oscurece y uniforma sus tonos de color. La dama retratada encarnaría el anima mundi como la entendía Marsilio Ficino. Esta figura es un retrato, pero no sólo esto. Es la autobiografía pintada del artista, espejo absolutamente único e individual de Leonardo, de su afinadísimo cerebralismo, de sus inalcanzables sueños. Y el cerebralismo se traduce en una gracia intuida, hecha tangible gracias a un rostro que no es excepcional. Pero aquí no importa solo la monumentalidad de la imagen, lograda por la milagrosa sutileza del modelado, ni la organización plástica de innumerables datos de percepción o la coexistencia de diversos planos de manifestación, por los que parece llegarse a la total comprobación del ser: en cambio importa la reveladora coexistencia irónica de la creación natural y de la visión humana de dicha creación en un único movimiento lírico que nos trastorna.

“Batalla de Anghiari”. 1504.

Se ha perdido. Solo quedan dibujos preparatorios. Trata de representar el furor, término neoplatónico, la tensión de la batalla.

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El origen de la obra fue el encargo hecho por el gonfalonero P. Soderini, en agosto de 1504, para la decoración de la Sala del Gran Consejo o Salón de los Quinientos en el Palazo Vecchio de Florencia, encargando a Leonardo que representara en una pared la batalla de Anghiari y a Miguel Ángel la de Cascina en otra. El tema asignado a Leonardo se refiere al encuentro de 29 de junio de 1440 cuando los florentinos, aliados a las milicias pontificias y a las órdenes de G. P. Orsini, derrotaron a las fuerzas del Duque de Milán F. M. Visconti.

Después de esta experiencia florentina vuelve a Milán. Vuelve para hacer un monumento funerario a Giovanni Tribuzio. La novedad es que incorpora el retrato ecuestre al monumento. Tiene una estructura arquitectónica.

“Santa Ana, la virgen y el Niño”. 1510. Repite un modelo compositivo que ya ha tenido éxito. La relación emocional es fundamental en Leonardo y es lo que le lleva a marcar elementos fugados de la derecha de la composición.

Sus trabajos artísticos, es una faceta más de su producción. Él dice que tiene que haber relación entre la teoría y la práctica. Tiene interés por cuestionarlo todo lo que le lleva a profundizar en el mundo de la naturaleza. Esto se canaliza pictóricamente, permite establecer ese espacio de calidades, regido por principios ópticos.

MIGUEL ÁNGEL.

Va a superar la realidad, no a través de la naturaleza sino a través del espíritu, de la idea, concepto, aparentemente cristiano pero en el fondo puramente neoplatónico. Miguel Ángel vive casi 90 años, y sigue fiel a esa idea hasta su muerte. Vive muchos acontecimientos históricos y sociales, y ninguno le hace cambiar sus ideas. Se comporta intelectualmente como escultor, parte de bloque. Leonardo tiene un método en clave pictórica y Miguel Ángel tiene un método en clave escultórica, están enfrentados. Nace en Caprese. Vive toda su vida de su condición de artista. En 1488, con 13 años comienza su aprendizaje en el taller de Ghirlandaio. Se dedica a copiar obras de Giotto y de Massaccio.

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En 1489 ingresa en el Jardín de los Médicis, cuando el tenía 14 años, y estuvo allí hasta el año 92. Miguel Ángel fue autodidacta casi toda su vida. Primeras obras:

“Centauromaquia”. Estudio de desnudos en movimiento. No es un ejercicio. Es una concepción novedosa de escultura. Deja desbastada la parte superior e inferior. De donde emergen las figuras representando el furor. Es un relieve que aún siendo próximo a los relieves antiguos, se ve totalmente moderno.

“Madonna de la scala”. No se hubiese podido hacer, sin conocer y entender a Donatello y a Massaccio. Es una Virgen monumental, corresponde a un arquetipo de belleza ideal. Degradación del relieve, diferencias milimétricas que señalan los escalones de la escalera. Esto solo se puede hacer gracias a Ghiberti y a Donatello. Hay algo que contrasta, y es la situación de los pies. Lo mismo ocurre con la posición del mundo. Rompe la armonía, estos elementos informales que son una contradicción en ese mundo que presenta.

En 1494 a la muerte de Lorenzo el Magnífico se marcha de la ciudad y se va a Venecia y Bolonia. Vuelve cuando la situación política se ha solucionado. En 1496 se da su primera visita a Roma, siendo huésped del cardenal Diario. Hace algunos trabajos para el banquero Galli.

“Baco ebrio”. Destaca el intento deliberado de superar a la antigüedad. Utiliza una tipología totalmente clásica, joven desnudo, apolíneo, con un contraposto, pero en vez de referirse a la escultura del esplendor griego del s. V, opta por una faceta más en relación con el mundo neoplatónico. No solo se trata de un contraposto, sino que es una curva praxiteliana. Las piernas están flexionadas, pero en diferentes grados, no es estable, el personaje se está tambaleando porque está ebrio. El fauno está mucho más sometido al bloque escultórico, es más estable.

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