Trabajo indesigner. Andy warhol, Ejercicios de Diseño. Escuela Superior de Diseño de Madrid - ESD
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Trabajo indesigner. Andy warhol, Ejercicios de Diseño. Escuela Superior de Diseño de Madrid - ESD

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Asignatura: diseño grafico, Profesor: Baudelaire Baudelaire, Carrera: Ilustración, Universidad: arte-diseño
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ANDY WARHOL (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987)

Andrew Warhola- Andy Warhol Biografía, pensamiento, obra, legado

© Matylda Zdeba, 2018 © Wikipedia.com, información © Tony Scherman and David Dalton, Portada. © Google imágenes, fotografías. Impreso en España – Printed in Spain Título original: Andy Warhol Diseño y composición: Matylda Zdeba Correcciones: Jose Luis Lozano Tipografías utilizadas: Minion Pro, Arial, Calibri Light

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Andrew Warhola La familia Andy Warhol nació en Pittsburgh el año 1928 en el seno de una humilde familia, fue el ter- cer hijo de un matrimonio eslovaco que emi- gró a Estados Unidos. Sus padres eran Andrej y Julia Warhola, originarios de Miková, una ciudad muy pequeña por aquel entonces per- teneciente al Imperio austrohúngaro y hoy al distrito de Stropkov, República Eslovaca. En 1914 Andrej Warhola emigró a Estados Uni- dos para trabajar en minas de carbón, mien- tras que su mujer emigró siete años después con sus dos hijos mayores. Andy era el pe- queño de tres hermanos y siempre fue el más mimado por su madre Julia. El padre Ondrej, minero, trabajó muy duramente para poder mantener a su familia, incluso llego a poseer una pequeña fortuna guardada con todo cui- dado por si un día ocurría alguna desgracia.

Desde muy pequeño, Andy Warhol- nom- bre que adoptaría a raíz de la publicación de un dibujosuyo en un periódico en 1949, en el que, parece que por error, se emitió la ‘‘a’’ de su apellido- sentía predilección por dibujar. Su madre le ayudaba y pasaba muchas horas con él, leyéndole historie- tas de comics en un inglés chapurreado, de los que Andy apenas entendía una sola pa- labra. No obstante, valoraba mucho que su madre estuviera con él hasta que dormía.

El hecho de que a los ocho años contraje- ra la enfermedad de tipo nervioso, conoci- da vulgarmente como el baile de San Vito, acentuó si cabe la estrecha relación afectiva que siempre existió entre Andy y su madre

y lo cierto es que duró toda la vida. Warhol estuvo siempre unido a su madre y, practica- mente no se separó nunca de ella.

El suceso más traumático de la vida familiar de Andy Warhol se produjo cuando contaba con catorce años, este fue la muerte de su pa- dre tras tres años de enfermedad causada por beber agua envenenada en una mina de Vir- ginia donde trabajaba; dejando a la familia en una situación un tanto difícil al haberse gasta- do gran parte de los ahorros en el tiempo en el que el padre no había podido trabajar.

Era la primera vez que Andy Warhol se en- frentaba a la muerte; el miedo y la angustia se apoderaron del joven, que tuvo que refugiarse en casa de su tía.

‘‘Andrew Warhola con 3 años de edad junto a su madre Julia y su hermano mayor John, 1932’’

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Andrew Warhola

Estudios Inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante pu- blicitario para diversas revistas como Vogue, Harper’s Bazaar, Seventeen y The New Yorker.

En 1949 se trasladó a Nueva York para ini- ciar una carrera como ilustrador de revistas y publicista. Durante los años 1950 ganó cier- ta reputación gracias a sus ilustraciones para un anuncio de zapatos. Dibujos a tinta, bas- tante sueltos y emborronados que fueron ex- puestos en la galería Bodley de Nueva York. Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad, las empresas disco- gráficas se encontraron en un contexto co- mercial completamente nuevo que no tarda- rían en explotar. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer, entre otros artistas freelance, para el departamento de diseño de portadas de discos, cartelería y material promocional.

Años 1960

Su primera exposición individual fue en la galería californiana Ferusel. Era el 9 de julio de 1962 y marcó el debut del movimiento pop art en la costa oeste. Cuatro meses más tarde, entre el 6 y el 24 de noviembre, inauguró su primera exposición en Nueva York. Exacta- mente en la galería Stable, propiedad de Elea- nor Ward. Allí incluyó el Díptico de Marilyn, Latas de sopa Campbell, 100 botellas de cola y 100 billetes de dólar. Y fue allí donde conoció a John Giorno, con quién después coincidiría en la primera película warholiana: Sueño (1963).

En esa época empezó a pintar sus famosos di- bujos de la sopa Campbell y de las botellas de Coca-Cola, a los que consideraba tan iconos estadounidenses como Marilyn Monroe, Troy Donahue o Elizabeth Taylor. También fundó su estudio The Factory, por donde pasaron ar- tistas, escritores, modelos, músicos y celebri- ties underground del momento. El taller, de- corado con hojas de papel de aluminio color plata, estaba inicialmente en la calle 47. Des- pués se mudaría a Broadway. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y la finalidad del arte.

Desarrolló unas imágenes personales a par- tir de objetos completamente impersonales, como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Utilizaba imágenes propias de los periódicos, los carteles y la televisión para definir un olimpo particular, compuesto de símbolos de la cultura estadounidense: la silla eléctrica, las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles

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o los retratos de celebridades del momento. La botella de Coca-Cola se convirtió, para él, en un tema pictórico. Sobre esto declaró:

‘‘Lo que es genial de este país es que Esta- dos Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele, ver un anuncio de Coca-Cola y sabes que el Presi- dente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Co- ca-Cola y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. To- das las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presiden- te lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes.’’

El MOMA organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962 y algunos artistas, entre ellos Warhol, fueron ataca- dos por «rendirse» al consumismo. Para las élites que dictaban la crítica de arte, el en- tusiasmo que Warhol sentía por la cultura del consumismo resultaba embarazoso e inadmisible. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol, aunque a lo largo de los años 1960 iba a ha- cerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. También que Warhol ha- bía jugado un papel esencial en ese cambio.

Un evento crucial fue la exhibición The Ame- rican Supermarket, una muestra celebrada en 1964 en la galería Paul Bianchinni, en el Upper East Side de Manhattan. La exposición estaba organizada como el típico pequeño su- permercado estadounidense, aunque los pro- ductos exhibidos (conservas, carne o posters) en el Upper East Side de Manhattan.

La exposición estaba organizada como el tí- pico pequeño supermercado estadounidense, aunque los productos exhibidos (conservas, carne o posters) eran obra de prominentes ar- tistas del pop: Mary Inman, Robert Watts o el controvertido Billy Apple. La contribución de Andy Warhol fue una pintura de una lata de sopa Campbell, valorada en 1 500 dólares. Lo curioso es que la lata tan solo costaba 6 dólares. La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las van- guardias clásicas acerca de qué podía ser arte. Como ya había hecho en su etapa de ilus- trador comercial en los años 1950, Warhol recurrió a asistentes para aumentar la pro- ductividad de su taller artístico. Esta co- laboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo.

‘‘La serie de Latas de sopa Campbell, fue producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos.’’

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y su valor como arte, especialmente duran- te los años 1960. Uno de los colaboradores más importantes con que contó en esta épo- ca fue Gerard Malanga, quién le ayudó en la producción de serigrafías, películas, escul- turas y otras obras producidas en The Fac- tory. Otros colaboradores esporádicos fue- ron Freddie Herko, Ondine, Ronal Travel, Mary Woronov, Billy Name y Brigid Ber- lin (que fue quien, al parecer, le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas).

Durante los años 1960 también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohe- mios, a quien él designaba como las supers- tars, y que incluía a Edie Sedgwick, Viva y la célebre Ultra Violet. Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol y algunos, como Berlin, mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Su relación con artistas como Frangeline, una cantante de la escena guapachosa, y también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha rela- ción con distintas clases de producción ar- tística. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebri-

dad y aparecía frecuentemente en la prensa, escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory. En 1965 conoció al grupo de música The Vel- vet Underground, liderado por Lou Reed. No tardó en convertirse en el mánager del grupo y añadiendo a su amiga, la cantante alemana Nico. En 1967 salió al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol, producido por este úl- timo. Ese mismo año, por diferencias con el resto del grupo, Nico se retiró y los servicios de Warhol ya no fueron necesarios. En 1969 comenzó a publicar su revista Interview.

Andrew Warhola

Antentado

El 3 de junio de 1968, Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Ma- rio Amaya en la entrada al estudio de Warhol.

Antes del atentado, Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Fac- tory. Redactó el «Manifiesto SCUM» («capa de suciedad»; en inglés: scum) un alegato fe- minista separatista contra el patriarcado (y que, con el paso de los años, adquirió cier- ta resonancia).Solanas también aparecía en la película de Warhol “I, A Man” (1968). En 1967, Valerie le había dado una obra de teatro a Warhol proponiéndole que sea su produc- tor. Warhol aceptó y le pidió el borrador del texto. Este borrador de la obra nunca regre- só a Solanas. Se cree que Warhol nunca tuvo

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la intención de producir la obra ni como obra teatral ni como película y el manuscrito se le perdió. Esto enfureció a Solanas, quien pasaba por un momento de desequilibrio mental e inestabilidad emocional. Amaya sufrió sólo heridas menores, y fue dado de alta ese mismo día. Warhol, sin embargo, recibió tres disparos (el primero ni lo rozó) pero los otros dos disparos lo dejaron muy grave. Las secuelas de este ataque le acompa- ñarían el resto de su vida, y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol. Esa misma tarde, Valerie se entregó a la policía. Argumentó que Warhol estaba planeando robar su trabajo y que con- trolaba demasiado su vida. El juez ordenó que la trasladaran al Hospital Psiquiátrico de Bellevue bajo observación. Se declaró culpa- ble de intento de homicidio, asalto y tenencia ilícita de armas y recibió una sentencia de tres años. Warhol rechazó testificar en su contra. El juez la declaró inhabilitada legalmente y la envió al Hospital Ward Island. Tras el tiro- teo, el acceso a la Factory quedó rígidamen- te controlado, y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de «la Factory de los 60». El atentado, sin embargo, quedó bastan- te desdibujado en los medios debido al asesi- nato de Robert F. Kennedy, dos días después.

A raíz del atentado sufrido, Warhol decla- ró que «antes de que me disparasen, siem- pre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Siempre sospeché que esta- ba viendo la tele en vez de vivir la vida».

‘‘Valerie Jean Solanas fue una escritora feminista radical estadou- nidense, diagnosticada de esquizofrenia’’

Años 1970

Comparados con la escandalosa (y exi- tosa) década de los 1960, los 1970 fueron años más tranquilos para Warhol, que se convirtió en un emprendedor. Según Bob Colacello, Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. La lista incluía a Mick Jagger, Liza Minnelli, John Lennon, Diana Ross, Brigitte Bardot y Michael Jackson. El famoso retra- to del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973). También fundó (en 1969), con el apoyo de Gerard Malanga la revista Interview, y publicó «La filosofía de

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Andy Warhol» (1975), en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor: «Hacer dinero es arte, y el trabajo es arte, y un buen negocio es el mejor arte». War- hol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York, como el Max’s Kansas City, el Serendipity 3 y, más adelante, el célebre Stu- dio 54. Normalmente se comportaba como un tranquilo, tímido y meticuloso observador. El crítico de arte Robert Hughes le llamó «el lu- nar blanco de Union Square». Su estilo inicial- mente rupturista fue progresivamente asimila- do por el circuito de galerías y por los círculos adinerados, a los que satisfacía con retratos por encargo. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. En los años 1970 hace retratos de sus amigos, clientes habitua- les de la discoteca Studio 54, entre ellos Caro- lina Herrera, Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Es también en esta época cuando es contrata- do por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención, entre ellos la firma BMW. Así se creó el art car. Dichos ve- hículos participaban sobre todo en las famo- sas 24 horas de Le Mans. Son famosas sus cáp- sulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón , como expone en Philosophy of Andy Warhol,

su primer libro. En 1979 exhibe, de manera importante, en el Whitney Museum de Nueva York, su serie de retratos Portraits of the Se- venties (Retratos de los Setenta).

Años 1980

Warhol tuvo una segunda juventud para la crí- tica —y los negocios— durante los años 1980, gracias en parte a su estrecha relación con al- gunas de las nuevas figuras del arte, que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del mo- vimiento de transvanguardia europea, como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Por enton- ces Warhol era acusado de haberse convertido en un «artista de los negocios». En 1979 reci- bió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los años 1970, críticas en las que su obra se tacha- ba de superficial, fácil y comercial, carente de profundidad de la significación del tema. Esta actitud crítica, debida en parte a las propias tendencias del mercado, hizo que su siguiente exposición sobre «Genios Judíos» (1980), ex- puesta en Nueva York, también fuese recibida con frialdad.18 Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la “superficialidad” y “co- mercialidad” de Warhol «uno de los reflejos más brillantes de nuestra época», señalando que «Warhol ha capturado algo esencial so- bre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta». Warhol siempre apreció el gla- mour de Hollywood. En una ocasión declaró:

«Amo Los Ángeles. Amo Hollywood. Son

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tan hermosos. Todo es plástico, pero amo el plástico. Quiero ser plástico».

En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci, Bo- tticelli y Uccello. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la porta- da del disco Made In Spain, también utiliza- da para el disco Milano-Madrid de este mis- mo artista. Existen rumores sobre el pago de una fortuna por la colaboración de Warhol para este disco; hasta entonces apenas cono- cía al cantante. Luego le mencionaría en al- gún libro como «hijo de un torero español». Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos. Ese año visita Madrid, don- de es recibido con entusiasmo por Almodó- var, Fabio McNamara y otras personalida- des de la cultura y la vida social madrileña. A pesar de todo, la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas.

En esa época, Warhol produce abundan- tes retratos de celebridades y magnates, no sólo amistades o gente de su círculo, sino también diseñadores, empresarios y demás gente adinerada, que por grandes sumas posan para Warhol. Entre ellos, el modisto Valentino. Según él mismo contó, en una ocasión viajó a Europa para tomar pola- roids de empresarios alemanes, y basándo- se en tales fotografías elaboraba los retratos.

En 1985, el 12 de enero, Warhol partici- pó junto a Joseph Beuys y el artista japo- nés Kaii Higashiyama en el proyecto „Glo- bal-Art-Fusion“. Iniciado por el artista conceptual Ueli Fuchser, éste era un pro- yecto especial de „FAX-ART“, en el cuál un fax con diferentes dibujos de los tres artis- tas participantes fue mandado por todo el mundo dentro de solamente 32 minutos

– de Dusseldorf via Nueva York hacia Tokyo, finalmente recibido por Wiener Stadtpalais Liechtenstein. Este fax debería ser un signo de la paz durante la Guerra Fría.

En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras, autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung.

Muerte

Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987. Según los noticiarios, se estaba recuperando sin dificul- tades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debi- do a una repentina arritmia post-operatoria.

‘‘El Díptico de Marilyn (1962) Tamaño: 2,11 m x 1,45 Material: Silkscreen ink’’

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The Factory

Fue un estudio de arte fundado por Andy Warhol, y situado en la quinta planta del nú- mero 231 de la calle 47 Este, en Midtown, Manhattan, Nueva York. El estudio funcio- nó entre 1963 y 1968, fecha en la que Andy trasladó ‘The Factory’ a la sexta planta del número 33 de Union Square Oeste, cerca del famoso club y restaurante Max’s Kansas City. En palabras de John Cale en 2002: No se lla- maba The Factory gratuitamente, allí era don- de se producían en cadena las serigrafías de Warhol. Mientras alguien estaba haciendo una serigrafía, otra persona estaba rodando una película. Cada día ocurría algo nuevo. Cuando Warhol se hizo famoso trabajaba no- che y día en sus cuadros, que consistían en serigrafías y litografías fabricadas en serie de la misma manera que las grandes empresas capitalistas fabricaban productos de consu- mo. Para poder seguir este ritmo de trabajo reunió a su alrededor a una camarilla de es- trellas porno, drogadictos, drag-queens, mú- sicos y librepensadores que le ayudarían a elaborar sus cuadros, actuarían en sus pelícu- las y crearían el ambiente que convirtió a la

Factory en una leyenda. La Factory fue famosa por sus escandalosas fiestas y por ser frecuen- tada por modernos con pretensiones artísti- cas, bohemios excéntricos y consumidores de anfetaminas. Entre ellos, Warhol elegía a las llamadas Warlhol Superstars, a las que pro- mocionaba durante cierto tiempo hasta que nombraba a la siguiente Superstar, llevando así a la práctica su famosa frase que aseguraba que todo el mundo tendría sus quince minu- tos de fama El estudio original todavía es conocido entre sus antiguos asiduos como Silver Factory, ya que las paredes estaban recubiertas de papel de estaño, espejos rotos, y pintura plateada, una decoración que Warhol a menudo com- pletaba con globos del mismo color. El color plateado representaba tanto la decadencia de ese mundo como el proto-glam de los años 1960.

El decorador del estudio fue Billy Name, un amigo de Warhol que también trabajó como fotógrafo para la Factory. Tras visitar el apar- tamento de Name, decorado de la misma ma- nera, Warhol se enamoró de la idea y le pidió que hiciera lo mismo para su recién alquilado estudio. Billy Name dio su estilo a la Factory, combinando la estructura industrial del estu- dio sin amueblar, con el color plata brillante. Los años de la Factory fueron conocidos como la Edad de plata, no solamente por el diseño del local, si no también por el decadente y des- preocupado estilo de vida de los personajes habituales del estudio, basado en el dinero, las fiestas, las drogas y la fama.

Además de para crear sus pinturas, Warhol también utilizaba la Factory como base de operaciones para hacer sus películas, escultu- ras y en general todo lo que llevara su nombre. También la usó para vender sus obras, la pri- mera de las cuales consistía en una litogra-

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fía vendida por 25000 dólares con unos lien- zos adicionales cuyo precio era de 5000 dóla- res cada uno, cantidad que más tarde subiría a 25000. Warhol gastó buena parte de estos sustanciosos ingresos en sufragar el estilo de vida de sus amigos de la Factory, don- de prácticamente se nadaba entre el dinero. La Factory se convirtió en lugar de encuen- tro de músicos como Lou Reed, Bob Dylan, Nico (quién escribió Factory Girl sobre la Factory), Brian Jones o Mick Jagger. The Vel- vet Underground, el grupo de Reed, tocaba asiduamente en las fiestas del estudio y War- hol diseñó la famosa portada de su álbum de debut The Velvet Underground and Nico , dis- co en cuyos cré- ditos también aparece como productor. La portada del ál- bum consistía en la calcomanía de un plátano que al despren- derse descu- bría bajo ella un plátano pelado. Warhol in- corporó a The Velvet Under- ground en el proyecto Exploding Plastic Inevitable, un es- pectáculo que combinaba arte, rock, películas rodadas por Warhol y bailarines de diversos tipos, incluyendo también una parte en que se recreaba la imaginería sadomasoquista. La canción Walk on the Wild Side, la más conocida de la carrera en solitario de Lou Reed, está basada en las Warhol Superstars de la Factory, y en ella se hace mención a Joe Dallesandro, Candy Darling, Hoodyy

Woodlawn, Jackie Curtis y Joe Campbell. David Bowie escribió un canción, Andy War- hol, sobre Andy Warhol y la Factory. La cultura de masas estadounidense era el objeto habitual de las obras de Andy Warhol, pero al mismo tiempo le gustaba transgredir sus estrictas nor- mas sociales. La desnudez, el sexo explícito, las drogas, las relaciones homosexuales y los per- sonajes transgénero aparecían en la mayoría de las películas rodadas en la Silver Factory. Estos temas eran inaceptables para la socie- dad de la época, por lo que los cines donde se proyectaban estas películas en ocasiones eran asaltados por la policía y sus espectadores de-

tenidos por obscenidad. Para hacer sus películas, Warhol creó en la Factory un ambiente muy permi- sivo, y en ella se celebraron desde bodas entre drag- queens hasta e sp e c t ác u- los porno. El amor libre era frecuente en el estudio en una épo-

ca, los años 60, en que las costumbres sexua- les estaban cambiando y se estaban hacien- do más abiertas. Esta atmósfera de libertad sexual era fomentada por el propio Warhol, y la utilizó para rodar las relaciones sexuales de sus amigos e incluirlas en sus películas, como en el caso de los films Couch y Blow Job. Entre los asiduos a la Factory también ha- bía famosos drag-queens como Holly Woodlawn y Jackie Curtis y transexuales.

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Andy Warhol- Cow Wallpaper (1966) Medium Screen print on wallpaper, 46 by 28 inches (117 cm × 71 cm). The Andy Warhol Museum, Nor- th Shore, Pittsburgh. Fue el primero de una serie de diseños del papel pintado que creó a partir de la década de 1960 hasta la década de 1980.

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‘‘ Andy Warhol (1928-1987) Heinz Tomato Ketchup Box, 1964. Silscreen ink and house paint on plywood 81/2 x 15/ 2 x 10 1/2 in. (21.6 x 39.4 x 26.7 cm) The Andy Warhol Museum, Pittsburgh.’’

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‘‘Las cajas Brillo fueron creadas en un momento clave del cambio de paradigma que tuvo como consecuencia la sustitución de los principios del modernismo por los de lo que más tarde sería denominado posmodernismo. Al ser expuestas como obras de arte, las cajas cuestionaron ideas fundamentales del modernismo, entre otras la de la originalidad de una obra única que muestra “huellas” del genio artístico de su creador.’’

-Benjamín y Danto

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‘‘Marilyn Monroe | Andy Warhol | Pop Art | 1967.’’ Andy Warhol comienza a trabajar en multitud de obras que tienen a la actriz como protagonista. Y es que el maestro del arte pop estaba tan interesado en mostrar en sus obras productos del consumo de masas, que no pudo desperdiciar la oportunidad de mostrar a la actriz como un producto popular.

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‘‘Andy Warhol (1928-1987) Silver Liz, 1963. Silkscreen ink, acrylic, and spray paint on linen (101.6 x 101.6 cm) The Andy Warhol Museum, Pittsburgh.’’ - Liz Taylor - La actriz británica-estadounidense, la Cleopatra por excelencia de la gran pantalla, ganadora de tres premios Óscar, entre otros, también fue musa del artista, quien la inmortalizó al estilo Warhol en este colorido retrato.

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‘‘Andy Warhol (1986). Período: Arte pop. Género: Autorretrato’’ Andy Warhol realizó el Autorretrato unos cuantos meses antes de su muerte, ocurrida en febrero de 1986.Utilizó una fotografía de sí mismo realizada con una cámara Polaroid , con material de pintura de polímero acrílico y serigrafía.

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El Museo Metropolitano de Arte describe la imagen como: “Warhol aparece como una máscara sin cuerpo. Su cabeza flota en un vacío negro oscuro y el rostro y el cabello en color pálido como un fantasma

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la botella de Coca-Cola como musa por primera vez, decidió incluir su admiración por la naturaleza democrática de Coca-Cola en su icónico libro de reflexiones.

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‘‘Andy Warhol (1964), Race riot, acrylic and silkscreen , 150 cm × 170 cm (60 in × 66 in), Gagosian Gallery’’ . Estas pinturas, de temas como accidentes automovilísticos, suicidios, intoxicaciones alimentarias, sillas eléctricas, funerales de mafiosos y la bomba Atom, se conocerían como las pinturas de la Muerte y el Desastre.

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