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Storia del Rinascimento italiano
1. Definizione e periodo
Il Rinascimento è un periodo storico e artistico che va dalla fine del XIV secolo (ultimi vent’anni) fino al primo quarto del XVI secolo. Significa “rinascita” e riguarda pittura, scultura e architettura. Si sviluppa soprattutto nelle corti, grazie a principi e signori che fanno da mecenati, ospitando artisti e scrittori per ottenere prestigio e fama.
2. Rinascimento e Umanesimo
La cultura rinascimentale si basa sull’Umanesimo, cioè la rivalutazione dell’uomo e delle sue capacità. L’uomo diventa centro del mondo, capace di comprendere e dominare la realtà usando ragione, conoscenze scientifiche e studio dell’antico. Le scoperte scientifiche e geografiche, come la scoperta dell’America (1492) e l’eliocentrismo di Copernico, cambiano il modo di vedere l’universo. L’uomo influenza la natura, ma ne è anche condizionato. Nel Rinascimento si riscopre la prospettiva, lo spazio e il paesaggio come scenario delle azioni umane.
3. Autonomia delle arti
Pittura, scultura e architettura escono dalla cornice delle cattedrali e diventano indipendenti, valorizzando il lavoro umano. Lo studio anatomico del corpo umano porta a riconoscere ordine e bellezza nella figura.
4. Riscoperta dell’antico
Gli artisti studiano modelli classici di scultura e architettura. Gli edifici diventano armonici, proporzionati e simmetrici, con attenzione alla luce e agli spazi interni. Firenze diventa un centro di diffusione artistica e gli artisti viaggiano a Roma per studiare l’antico, riportando le conoscenze nelle loro città.
5. Centri del Rinascimento
Firenze: prima fase del Rinascimento, centro di cultura e sperimentazione artistica. Roma: dal primo Cinquecento, capitale dell’arte matura, con artisti come Michelangelo e Raffaello, che avviano il manierismo. Italia settentrionale: la presenza di molte corti promuove l’arte in Toscana, Lombardia, Emilia e Veneto.
Architettura rinascimentale
Caratteristiche principali
Ripresa degli ordini classici (dorico, ionico, corinzio).
Uso di forme geometriche semplici, piante regolari e articolazioni ortogonali.
Ricerca di proporzione armonica nelle parti dell’edificio.
Volte a vela e volte a botte, senza costoloni gotici.
Gli spazi interni diventano misurabili e regolati da leggi geometriche (grazie anche alla prospettiva di Brunelleschi).
Altri elementi
Ordine architettonico: insieme di regole proporzionali che lega tutte le parti dell’edificio.
Facciata delle chiese: navata centrale alta, due piani di ordini e grandi volute laterali.
Simmetria assoluta: edifici equilibrati e proporzionati.
Cupola: elemento dominante delle chiese, ispirata a Roma, con costoloni e semiarchi.
Villa e rocca: tipologie di edifici rinascimentali; torri più basse per resistere ai cannoni.
Decorazioni: stili sobri e razionali, spesso un solo motivo ornamentale.
Concorso del 1401 (Battistero di Firenze)
L’Arte di Calimala bandì un concorso per decorare la porta nord del Battistero con la scena del sacrificio di Isacco.
Parteciparono 7 artisti, tra cui Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti.
Formella di Ghiberti
Stile gotico internazionale, armoniosa e lineare.
Abramo e Isacco mostrano fiducia e rassegnazione.
Dettagli curati, preziosità tecnica e realismo dei tessuti.
Cupola di Brunelleschi
- Contesto storico
Filippo Brunelleschi (1377–1446), architetto e ingegnere fiorentino, introdusse la prospettiva lineare nel primo Rinascimento.
Prima di lui, la rappresentazione dello spazio era ancora piatta e simbolica, derivata dal Gotico.
- Principio della prospettiva lineare
Tutti gli elementi architettonici e figurativi convergono verso un punto di fuga sull’orizzonte.
Permette di creare illusione di profondità e tridimensionalità su una superficie piatta.
Le linee parallele della realtà (strade, edifici, pavimenti) sembrano convergere in lontananza.
- Impatto sull’arte
● La prospettiva lineare rivoluzionò la pittura rinascimentale:
○ Permise spazio realistico e proporzioni coerenti, ○ Influenzò artisti come Masaccio, Piero della Francesca, Leonardo da Vinci.
● Prima di Brunelleschi, la profondità era suggerita solo con sovrapposizione o dimensione ridotta, non scientificamente calcolata.
- Sintesi tecnica 1. Determinare un punto di fuga sull’orizzonte. 2. Tutte le linee parallele convergono verso questo punto. 3. Le figure o oggetti si ridimensionano in proporzione alla distanza. 4. Il risultato è uno spazio coerente e realistico su una superficie bidimensionale.
Caratteristiche principali della Cupola di Brunelleschi
- Struttura a doppia calotta
● È composta da due cupole concentriche: ○ Calotta interna più spessa e portante. ○ Calotta esterna più leggera, che protegge e conferisce slancio visivo.
● Questa tecnica permette leggerezza, stabilità e isolamento.
- Forma ogivale (a “sesto acuto”)
● Non è una cupola emisferica come quelle del Pantheon. ● La forma ogivale riduce le spinte laterali e favorisce l’auto-sostegno.
- Costruzione senza centine
● Innovazione assoluta: Brunelleschi non usò armature di sostegno in legno (impossibili da costruire a quella scala).
● La cupola si regge grazie a: ○ Muri autoportanti costruiti per strati orizzontali (corde e muratura a spina di pesce). ○ Sistema ingegnoso di casseforme interne e camminamenti.
- Muratura a “spina di pesce”
● Alternanza di mattoni orizzontali e verticali. ● Funziona come un “blocco” che impedisce lo scivolamento dei corsi di mattoni. ● È uno degli elementi chiave del successo strutturale.
- Costoloni e vele
● La cupola è suddivisa in otto spicchi (vele) delimitati da otto costoloni principali visibili all’esterno. ● Tra questi, otto costoloni secondari non visibili esternamente.
- Dimensioni impressionanti
● Diametro: circa 45,5 metri (record per una cupola in muratura). ● Altezza: oltre 100 metri dal suolo. ● Fu la cupola autoportante più grande del mondo.
- Tamburo e lanterna
● La cupola poggia su un tamburo ottagonale, che accentua lo slancio verticale. ● La lanterna (progettata anch’essa da Brunelleschi, costruita dopo la sua morte) conclude la struttura e funge da perno di stabilizzazione.
Il San Giorgio di Donatello (1416 ca.), scolpito per la nicchia dell’Arte dei Corazzai e Spadai in Orsanmichele, è una delle opere simbolo del primo Rinascimento fiorentino.
Donatello – San Giorgio (1416 ca.)
- Materiale e collocazione
● Materiale: marmo. ● Luogo originale: una delle nicchie esterne di Orsanmichele a Firenze. ● È una statua a tutto tondo, concepita per essere vista dal basso.
- Rappresentazione e iconografia
● San Giorgio è presentato come un giovane cavaliere: fiero, vigile, pronto all’azione. ● Non è rappresentato nel combattimento col drago: → è il momento prima dell’azione, di tensione e autocontrollo.
- Caratteristiche stilistiche principali
a) Terribilità e dinamismo contenuto
● Il santo ha uno sguardo intenso e concentrato, rivolto lontano. ● Il corpo è in leggero contrapposto, ma più energico rispetto ai modelli classici.
b) Fortissimo realismo
● Muscolatura naturale, volto giovane ma deciso: Donatello supera il gotico tardivo e cerca la verità psicologica.
c) Rapporto con lo spettatore
● L’opera è pensata per chi la guarda dal basso: ○ la testa è leggermente inclinata, ○ la postura è studiata per generare impatto emotivo diretto.
- La base (rilievo in stiacciato): “San Giorgio uccide il drago”
Accanto alla statua, Donatello realizza un rilievo rivoluzionario:
a) Tecnica dello stiacciato
● Rilievo bassissimo (pochissimi millimetri) che crea profondità illusionistica. ● Una delle invenzioni più celebri di Donatello.
b) Composizione prospettica
● È uno dei primi esempi di prospettiva scientifica applicata alla scultura. ● Architetture sullo sfondo e pavimentazione convergono verso un punto di fuga.
È un modello per la scultura successiva grazie a: ● naturalismo, ● introspezione psicologica, ● uso della prospettiva nello stiacciato, ● dialogo tra statua e spettatore.
Il Banchetto di Erode di Donatello (circa 1423–1427) è uno dei rilievi più importanti del primo Rinascimento, realizzato in bronzo per il fonte battesimale del Battistero di San Giovanni a Siena.
Donatello – Il Banchetto di Erode
- Tecnica e collocazione
● Tecnica: rilievo in bronzo (fuso a cera persa). ● Luogo: una delle formelle del Fonte Battesimale di Siena, realizzato insieme ad altri grandi scultori (Ghiberti, Jacopo della Quercia). ● Data: 1423–1427 ca.
- Soggetto
La scena narra l’episodio biblico del banchetto di Erode Antipa, in cui viene presentata la testa di San Giovanni Battista portata su un piatto da un servo, dopo la danza di Salomè e la richiesta di Erodiade.
- Caratteristiche stilistiche principali
a) Uso magistrale della prospettiva
● È uno dei primissimi esempi di applicazione sistematica della prospettiva lineare in scultura. ● L’architettura sullo sfondo crea una forte profondità spaziale. ● Donatello adotta: ○ pavimento a scacchiera, ○ linee convergenti verso un punto di fuga, ○ archi e colonne ispirati all’architettura brunelleschiana.
b) Drammaticità delle espressioni
● Erode e i commensali si scostano terrorizzati alla vista della testa mozzata: una rappresentazione teatrale e potentissima. ● I volti mostrano stupore, orrore, sgomento: una narrazione emotiva molto moderna.
c) Composizione su più piani di profondità
● Donatello fonde rilievi: altorilievo in primo piano (figura del servo, Erode e i commensali), basso rilievo nelle figure lontane, stiacciato per il fondale architettonico.”.
Caratteristiche formali
● Rappresentazione solenne, calma, monumentale. ● Il condottiero non è idealizzato come un eroe divino, ma reso come un uomo forte, razionale, autorevole. ● Il cavallo è potente, stabile, bilanciato.
Stile
● Massima ricerca su: ○ proporzioni, ○ equilibrio, ○ verità fisiognomica.
● Mostra la visione umanistica dell’individuo come “artefice del proprio destino”.
La base (basamento)
● Massiccia, quasi un sarcofago. ● Presenta porte finte e rilievi che richiamano l’antichità. ● Solleva il condottiero in posizione dominante sulla piazza.
Donatello – Maddalena penitente
- Materiale e collocazione
● Materiale: legno di tiglio, scolpito a tutto tondo. ● Luogo: originariamente destinata alla chiesa di Santa Croce a Firenze, oggi conservata al Museo dell’Opera del Duomo. ● Data: 1453–1455 circa.
- Iconografia
● Rappresenta Maria Maddalena nel periodo di penitenza nel deserto. ● È caratterizzata da: ○ Corpo emaciato e ossuto, segnato dalla sofferenza. ○ Capelli lunghi e arruffati che la coprono parzialmente. ○ Espressione intensa e malinconica, sguardo rivolto verso l’alto o verso l’interno.
- Caratteristiche stilistiche principali
a) Realismo drammatico
● Donatello non idealizza la figura: mostra sofferenza, vecchiaia e privazione, un realismo psicologico e fisico senza precedenti. ● Le ossa e le pieghe della pelle sono scolpite in modo crudo ma suggestivo.
b) Espressione spirituale
● L’opera comunica penitenza, meditazione e ascetismo. ● La Maddalena appare isolata, lontana dal mondo, totalmente concentrata sulla salvezza spirituale.
c) Innovazione nella scultura in legno
● Uso del legno per ottenere effetti drammatici e realistici. ● L’effetto di luce e ombra enfatizza il corpo scheletrico e l’intensità espressiva.
- Significato
● Simbolo della solitudine e della penitenza. ● Contrasto con il gusto classico per il corpo ideale: Donatello punta sulla verità emotiva e psicologica. ● Testimonianza della maturità artistica dell’autore, vicino alla fine della sua carriera.
Masaccio – Cappella Brancacci (1424–1428)
Collocazione
● Luogo: Chiesa di Santa Maria del Carmine, Firenze. ● Funzione: cappella privata della famiglia Brancacci, destinata a celebrare la loro devozione e prestigio.
Caratteristiche stilistiche
a) Prospettiva
● Uso della prospettiva lineare: pavimenti e architetture creano profondità reale. ● Prime applicazioni coerenti della geometria spaziale in pittura.
b) Naturalismo
● Figure corporee realistiche, proporzionate, con volume e peso. ● Gestualità espressiva che comunica emozione e azione.
c) Luci e ombre
● Uso della luce direzionale per modellare i volumi, anticipando la pittura rinascimentale.
d) Narrazione
● Masaccio organizza le scene in modo drammatico e chiaro, con protagonisti facilmente riconoscibili e situazioni realistiche.
Ghiberti – Porte del Battistero di Firenze
- Informazioni generali
● Luogo: Battistero di San Giovanni, Firenze. ● Materiale: bronzo fuso a cera persa. ● Committenza: Opera pubblica della città di Firenze. ● Fasi principali:
- Porte nord (1403–1424): prime porte, 28 pannelli con scene bibliche.
- Porte del paradiso (1425–1452): porte est, 10 grandi pannelli raffiguranti episodi dell’Antico Testamento.
- Porte nord (1403–1424)
● Raffigura episodi della Vita di Cristo in 28 pannelli piccoli. ● Tecnica: basso rilievo, con attenzione crescente a spazio, prospettiva e volume. ● Prime innovazioni nella narrazione chiara e leggibile, ma ancora influenzate dallo stile gotico.
- Porte del Paradiso (1425–1452)
● Contengono 10 pannelli principali con scene dell’Antico Testamento. ● Chiamate così da Michelangelo per la loro bellezza e perfezione.
Caratteristiche principali
a) Prospettiva e spazio
● Ghiberti utilizza prospettiva lineare e architetture prospettiche per creare profondità illusionistica. ● Le figure sono inserite in ambienti coerenti e realistici.
b) Basso e mezzo rilievo
● Le figure in primo piano sono in mezzorilievo, quelle lontane in basso rilievo (tecnica dello stiacciato) per creare spazio realistico.
c) Naturalismo e psicologia
● Personaggi proporzionati, movimento naturale, gesti e sguardi espressivi. ● Narrazione chiara, con attenzione al dettaglio emotivo.
- Significato storico
● Le Porte del Battistero rappresentano la nascita del Rinascimento fiorentino: prospettiva scientifica, naturalismo, armonia compositiva.
