GALLERIA BORGHESE
Alla fine del XVI secolo i Borghese, una ricca famiglia di Siena, acquisirono un terreno a nord di Roma, fuori
Porta Pinciana, per creare gradualmente un immenso parco cominciando a costruire una villa nel parco del
Pincio.
Il progetto iniziò nel 1607 e fu affidato all'architetto Flaminio Ponzio. L'architetto Giovanni Vasanzio fu
incaricato di completare i lavori dopo la morte di Ponzio, avvenuta nel 1613, mentre i lavori dei giardini,
opera di Carlo Rainaldi, continuarono fino al 1620. Già nel marzo 1613 opere della importante collezione
raccolta dal Cardinale Scipione Borghese, nipote di papa Paolo V, vennero trasferite dal palazzo Dal Borgo,
dove vissero i fratelli del papa. Lo stile architettonico trae ispirazione da Villa Medici e dalla Villa della
Farnesina, con un portico che si apre sui giardini decorata nello stile del XVI secolo. L'intera facciata fu
impreziosita da 144 bassorilievi e da 70 busti. Le finestre numerose e la distribuzione delle stanze sono
state progettate per favorire una buona visione delle opere. Lodovico Cigoli dipinse alcuni affreschi, tra cui
la Storia di Psiche.
Nel 1770 Marcantonio IV Borghese, desiderando rinnovare l'interno della villa come è tuttora, ne incaricò
Antonio Asprucci che ingaggiò maestranze per eseguire affreschi, stucchi e decorazioni in marmo
policromo.
Nel 1902 venne trasformata in museo, a seguito dell'acquisizione da parte dello Stato italiano delle raccolte
delle opere della famiglia Borghese. Chiusa nel 1983, la galleria ha subito un restauro completo durato
quattordici anni, ripristinando l'aspetto originale dell'esterno dell'edificio con gli intonaci, le statue e la
scalinata con due rampe e riaperta nel giugno 1997.
Vi sono esposte opere di diversi artisti europei, tra cui le opere del Caravaggio, Michelangelo Merisi.
Madonna dei Palafrenieri, Il dipinto fu commissionato dalla Arciconfraternita dei Palafrenieri per il
proprio altare, dedicato a Sant’Anna, nella nuova basilica di San Pietro. L’opera rimase nella sede
originaria solo pochi giorni, poi venne trasferita nella chiesa di Sant’Anna dei Palafrenieri e infine
acquistata dal cardinale Borghese. Sono ancora incerte le cause della sua rimozione dall’altare:
forse per motivi di decoro – vista la scollatura della Vergine e la nudità di un bambino non più in
fasce – oppure per ragioni di carattere teologico, o più probabilmente per assecondare il desiderio
di possesso del cardinal Scipione, nella cui collezione subito dopo il dipinto entrò a far parte.
Caravaggio illustra il tema dell’Immacolata Concezione dipingendo la Vergine, simbolo della Chiesa,
mentre schiaccia il serpente del Peccato aiutata dalla spinta del piede del Figlio. Accanto a loro, ma
in posizione più distaccata, compare Sant’Anna, personificazione della Grazia. Venne duramente
criticata perché il Merisi usò come modello della vergine , la sua compagna non che prostituta .
San Giovanni battista, Probabilmente la tela fa parte delle tre portate dall’artista durante il viaggio
da Napoli a Roma, intrapreso nel 1610, con la speranza di ottenere la grazia dalla condanna a morte
per omicidio. L’intento era quello di ottenere l’intercessione presso il papa, offrendo in dono le
opere al cardinal nipote Scipione Borghese, appassionato collezionista che già possedeva la
Madonna dei Palafrenieri, Il ragazzo con il canestro di frutta e l’Autoritratto in veste di Bacco. Nei
pressi di Palo, sulla costa a nord di Roma, Caravaggio per uno scambio di persona venne
imprigionato per due giorni, perdendo così la nave che portava il suo bagaglio. Nel disperato
tentativo di recuperarlo, trovò la morte sulla spiaggia di Port’Ercole.
Il dipinto è stato tradizionalmente identificato come una variazione introspettiva sul tema
dell’adolescente Battista segnato dal digiuno e dalla rinuncia, sorpreso a meditare in una cornice
naturalistica ombrosa, con la presenza dell’ariete a prefigurare la redenzione dell’uomo attraverso
il sacrificio del Cristo.
David con la testa di Golia, il dipinto fu eseguito con tutta probabilità a Napoli. La scelta del
soggetto, con la vittoria dell’eroe d’Israele sul gigante filisteo Golia, si deve probabilmente allo
stesso pittore. David non manifesta un fiero atteggiamento di trionfo mentre regge e osserva il
capo mozzato di Golia; la sua espressione è piuttosto di pietà verso quel “peccatore”, nel cui viso
Caravaggio avrebbe raffigurato il proprio autoritratto. La descrizione del volto di Golia, così
vividamente espressiva nella fronte corrugata, la bocca spalancata per l’ultimo respiro, lo sguardo
