Текст к презентации с работами Сандро Биттичелли , Презентации из История искусств. Санкт-Петербургский горный университет (СПбГУ)
victoria.98
victoria.98

Текст к презентации с работами Сандро Биттичелли , Презентации из История искусств. Санкт-Петербургский горный университет (СПбГУ)

DOCX (41 KB)
3 стр-ы.
40Количество просмотров
Описание
Текст к презентации с работами Сандро Биттичелли
20 баллов
Количество баллов, необходимое для скачивания
этого документа
Скачать документ
Предварительный просмотр3 стр-ы. / 3
Скачать документ

Сандро Боттичелли (1445-1510) – это один из наиболее выдающихся флорентийских художников, творивших во времена эпохи Раннего Возрождения. Настоящее имя художника - Алессандро ди Мариано Филипепи. Он родился в 1445 году во Флоренции, в семье кожевника Мариано ди Ванни Филипепи и его жены Смеральды. После смерти отца главой семьи стал старший брат, зажиточный биржевой делец, прозванный Боттичелли («Бочонок») из-за плотной фигуры. Это прозвище распр-сь и на др.братьев, в том числе на Алессандро. Братья Филипепи получили начальное образование в доминикан. монастыре Санта Мария Новелла, для кот. Боттичели, позже, выполнял работы. Сначала, будущего художника, вместе со сред.братом Антонио, отдали учиться ювелир. мастерству. Ис-во ювелира, профессия уважаемая в сер. 15-го ст., многому научила его. Четкость контурных линий и умелое применение золота, приобретенное им в бытность ювелиром, навсегда останутся в творчестве художника. Антонио стал хорошим ювелиром, а Алессандро окончив курс обучения, увлекся живописью и решил посвятить себя ей.

В нач. 60-х г. XV ст. Сандро начал обучение у одного из величайших художников той эпохи – Фра Филиппо Липпи. Стиль мастера сказался на юном Боттичелли, что позже проявилось в ранних работах художника.

Уже в 1467 году юный флорент. художник открыл мастерскую, а среди первых его произведений значатся «Мадонна с младенцами и двумя ангелами», «Мадонна Евхаристии» и нек. др. картины.

С 1470 года он имел собственную мастерскую недалеко от Церкви Всех святых. И в этом же году он получает первый официальный заказ: картину с изображением аллегории Силы, которая предназначалась для Торгового суда.

Фигура, написанная Боттичелли, воплощающую в себе нравственную силу и убежденность. Контуры ее четко очерчены, ясно выделяя пластические объемы; одеяние спокойно ниспадает, образуя широкие складки. Хотя фигура восседает на глубоком троне, в позе ее ощущается неустойчивость, а чуть задумчивый наклон головы и руки, нервно прикасающиеся к оружию, выдают внутреннюю хрупкость образа. Тщательно прорисованная чеканная броня выдает глубокие познания мастера в ювелирном искусстве. Фигура на троне исполнена энергии и жизни, в ее лице и позе чувствуется индивидуальная манера Боттичелли.Картина «Аллегория Силы» знаменует обретение Боттичелли собственного стиля.

Около 1475 года живописец пишет картину «Поклонение волхвов», которая принесла ему известность.

В образе волхвов Боттичелли вывел трёх членов семейства Медичи: Козимо Старого, преклонившего колени перед Девой Марией, изображение которого Вазари охарактеризовал, как «лучшее из всех сохранившихся, полное жизненной силы», и его сыновей — Пьеро ди Козимо (коленопреклонённый волхв в красной мантии в центре картины) и Джованни ди Козимо рядом с ним. Все трое ко времени написания картины были уже мертвы, а Флоренцией успешно управлял внук Козимо — Лоренцо Медичи, также изображённый на картине вместе со своим братом Джулиано.

Картина написана по заказу состоятельного флорентийца Гаспаре ди Дзанобе дель Ламы, члена гильдии искусств и ремёсел города Флоренции и придворного Медичи, для его погребальной часовни в базилике Санта-Мария-Новелла. Считается, что Боттичелли изобразил его справа в светло-синем одеянии, указывающим на себя и смотрящим прямо на зрителя. Автопортрет самого Боттичелли выполнен в образе белокурого юноши в жёлтой мантии у правого края картины. Тщательное внимание к деталям, таким как элементы одежды, указывает на сильное влияние фламандской школы в ранний период творчества художника.

В это время Боттичелли становится известным и как портретист. Наиболее значительны «Портрет неизвестного с медалью Козимо Медичи» (1474—1475), а также портреты Джулиано Медичи и флорентийских дам.

Быстро распространявшаяся слава Боттичелли вышла за пределы Флоренции. С конца 1470-х годов художник получает многочисленные заказы.

В 1481 году папа Сикст IV призвал Боттичелли в Рим. Вместе с Гирландайо, Росселли и Перуджино Боттичелли украсил фресками стены папской капеллы в Ватикане, которая известна как Сикстинская капелла . Боттичелли создал для капеллы три фрески: «Наказание Корея, Дафна и Авирона», «Искушение Христа» и «Призвание Моисея», а также 11 папских портретов.

Наказание Корея, Дафна и Авирона К сюжету на который была создана эта фреска Боттичелли обратился первым из ренессансных

художников. События, изображенные здесь, описаны в ветхозаветной книге Числа и рассказывают о том, как «начальники общества», двести пятьдесят именитых мужей, которыми предводительствовали Корей, Дафан и Авирон, решились вопрошать Моисея, освободившего их по повелению Бога из египетского рабства, почему он и его брат Аарон поставлены выше всего народа Израиля.

В центре композиции художник изобразил, как восставшие наказаны Богом за дерзость - разлетаются кадильницы, которые они принесли «пред лице Господне», а сами дерзнувшие в ужасе падают наземь. Слева жилища зачинщиков вместе с ними и их домочадцами проваливаются сквозь землю, а справа толпятся те двести пятьдесят человек, которые тоже пошли против божественной воли и вот-вот будут истреблены. Боттичелли соединяет древние и современные ему реалии, например одеяния Моисея и тех персонажей, которые наряжены по моде XV века, а первосвященник Аарон представлен в папской тиаре. Художник перенес действие в Рим,

запечатлев на заднем плане в центре арку Константина, символизирующую здесь торжество высшего, божественного закона. Справа изображены античные руины, которые должны напоминать о сокрушении непокорных.

Разделенная на три сцены композиция выглядит одним целым. Этому способствует не только единый пейзаж, в который помещено все изображение, но и эмоциональная волна. Она пробегает от левого края фрески через центр и несколько гаснет в группе людей справа, но, будучи подхваченной Моисеем с печатью праведного гнева на челе, воздевающим руки, вспыхивает вновь. Сложный ритм, которому подчинено настроение картины, становящийся то сильнее, то слабее, - одна из особенностей, отличающих живопись Боттичелли.

Искушение Христа На фреске запечатлены три эпизода из Евангелия. Искушение Христа запечатлено в трёх сценах в

верхней части фрески. Слева дьявол под личиной отшельника уговаривает постящегося Иисуса превратить камни в хлеб и утолить голод. В центре дьявол Пытается заставить Иисуса спрыгнуть с вершины Иерусалимского храма, изображённого в виде церкви Святого Духа ди Сассия, чтобы испытать обещание Бога об ангельской защите. Справа дьявол на вершине горы обещает Иисусу богатства земные и власть над миром, если тот отвергнет Бога и поклонится ему, дьяволу. Иисус отсылает дьявола прочь, а ангелы приходят, чтобы послужить сыну божьему.

На переднем плане юноша, исцелённый от проказы, приходит к верховному жрецу Храма, дабы заявить о своём очищении[2]. В руках молодого человека жертвенная чаша и кропило. Две женщины подносят другие ингредиенты для ритуала — жертвенных птиц и вязанку кедровых дров. Верховный жрец символизирует Моисея, принесшего закон, а юноша представляет собой Иисуса, который пролил свою кровь и отдал жизнь во имя человечества, а после был исцелен через воскресение. Таким образом, провозглашается возможность и для человечества духовно очиститься и обрести спасение.

Некоторые из фигур переднего плана представляют собой портреты современников автора, в частности кардинал Пьетро Риарио , а также кардинал Джулиано делла Ровере, известный впоследствии как папа Юлий II.

Призвание Моисея Это одна из фресок, входящих в Историю Моисея, расположена на левой стене капеллы, напротив

фрески «Искушение Христа». На фреске изображены несколько эпизодов из жития Моисея, описанных в Книге Исход. Справа

Моисей убивает египетского надсмотрщика, издевавшегося над евреями, и уходит в пустыню (как параллель победе Иисуса над дьяволом на фреске напротив). В центре Моисей помогает дочерям Иофора (в том числе своей будущей супруге Сепфоре ), прогнав пастухов, которые не пускали девушек к колодцу. В левом верхнем углу запечатлена сцена, где Моисей снимает обувь и слышит повеление Бога вернуться в Египет и освободить свой народ. В левом нижнем углу фрески Моисей ведёт евреев в Землю Обетованную.

Самое известное и самое загадочное произведение Боттичелли — «Весна» (Primavera) (1482). На картине изображена поляна в апельсиновом саду («Сад плодовитый цветёт на полях»). Вся она

усеяна цветами («земля-искусница пышный Стелет цветочный ковёр»). Ботаники насчитали более 500 цветов («нет и числа их числу»), относящихся к более чем 170 видам. Причём воспроизведены они с фотографической точностью, как например, немецкий ирис в правом нижнем углу. Несмотря на название «Весна», среди них много тех, что цветут летом, и даже зимой («Вечной я нежусь весной»).

Рассматривая персонажей картины справа налево, обнаруживается ритм 3-1-3-1. Три персонажа первой группы: бог западного ветра Зефир, рядом с которым деревья гнутся без плодов; Зефир преследует Хлориду, изображённую в момент превращения во Флору – у неё изо рта уже разлетаются цветы; и сама богиня цветов Флора, щедрой рукой разбрасывающая розы («цветы на путь рассыпая, Красками все наполняет и запахом сладким»). Чтобы подчеркнуть метаморфозу нимфы, Боттичелли показал, что одежды у Хлориды и Флоры развеваются в разные стороны.

Следующую, центральную группу образует в одиночестве Венера, богиня садов и любви. Её главенство художник подчёркивает не только центральным расположением, но и двумя ореолами из листьев мирта (атрибута Венеры) и просветов между кустом мирта и апельсиновыми деревьями. Просветы образуют арку, напоминающую многочисленные изображения Мадонны, в том числе и самого Боттичелли. Жест правой руки Венеры направлен к левой части картины. Над Венерой расположен путто (или Амур) с завязанными глазами, направляющий стрелу в среднюю Хариту.

Левее Венеры расположена группа из трёх Харит, которые танцуют, взявшись за руки. Согласно Гесиоду, это Аглая(«Сияющая»), Ефросина («Благомыслящая») и Талия («Цветущая»). Средняя Харита (возможно, Ефросина) смотрит на Меркурия. Позы Харит напоминают позы дочерей Иофора с фрески Боттичелли «Сцены из жизни Моисея» в Сикстинской капелле.

Последнюю группу образует Меркурий с его атрибутами: шлемом, крылатыми сандалиями и кадуцеем. Боттичелли сделал его охранником сада, снабдив мечом. Меркурий с помощью кадуцея добивается того, что «Тучи уходят с небес».

Все персонажи почти не касаются земли, они как бы парят над нею. Эффект усиливался благодаря высокому расположению картины.

Знаменитой также является картина «Венера и Марс» (около 1485). Темой картины является победа Любви. Роща из миртов (дерева Венеры) – фон для изображения двух

богов, которые лежат друг напротив друга на лугу. Одетая богиня любви Венера внимательно охраняет сон Марса. Бог войны, сложив с себя оружие, покоится голый на своём красном плаще. Его прикрывает лишь белая набедренная повязка.

Пока Венера, облаченная в дорогое платье, наблюдает за спящим обнаженным Марсом, маленькие фавны озорно играют с оружием и броней бога войны. Смысл картины Боттичелли «Венера и Марс» в том, что сила любви может победить силу воина. Шумные маленькие фавны из свиты Вакха (Диониса), бога вина, изображены Боттичелли по древней традиции: с козлиными ногами, рогами и хвостами. Раковина Тритона, из которой один из фавнов дует в ухо Марса, использовалась в античном искусстве, как символ охотничьего рога.

При написании «Венеры и Марса» Боттичелли вдохновлялся классическими образцами. К мысли изобразить озорных маленьких сатиров его, видимо, подтолкнуло описание знаменитой древней картины «Свадьба Александра Великого и персидской принцессы Роксаны», сделанное греческим автором Лукианом. Боттичелли заменил амурчиков, которые, по Лукиану, играли на этой картине с оружием Александра, небольшими сатирами. Один из фавнов нахально дует Марсу в ухо из морской раковины. Но у него так же мало шансов нарушить сон бога, как и у ос, которые вылетают из гнезда справа от его головы.

Осы могут быть ссылкой на клиентов, которые заказали Боттичелли эту работу. Осы входили в герб семьи Веспуччи (членом которой был и знаменитый географ Америго, давший своё имя двум огромным континентам). Фамилия «Веспуччи» происходила от слова «Vespa» – по-итальянски «оса». Учитывая, что тема картины «Венера и Марс» – любовь, она, возможно, была заказана по случаю свадьбы.

Также около 1485 года Боттичелли создаёт прославленное полотно «Рождение Венеры». «Рождение Венеры», как и «Весну», художник написал для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи.

Сюжет этой картины основан на мифе о том, как из пены морской появилась на свет богиня любви. Боттичелли мог найти изложение мифа у античных авторов или его пере работку у поэта Анджело Полициано, работавшего при дворе.

Венера, стоя в раковине, плывет, подгоняемая Зефиром(западным ветром) и Хлоридой, а навстречу ей идет Ора, одна из спутниц богини, которая держит покрывало, чтобы окутать ее. Трепещущие на ветру прихотливые складки покрывала и одежд, волны на море, изломанная линия берега, «гофрированная» створка раковины, наконец летящие волосы Венеры - все это оттеняет плавные очертания тела богини и усиливает то чувство высшей гармонии, которое вызывает ее облик. Над головой Венеры едва ли не смыкаются руки персонажей, и кажется, будто ее осеняет арка, которой вторит круглящийся низ раковины. Таким образом, фигура богини замыкается в воображаемый овал. Если в «Весне» композиция состоит из нескольких равноценных по смыслу групп, то здесь Венера - тот центр, к которому стремится все.

У ренессансных художников обнаженная Венера в противовес одетой символизировала любовь небесную. Боттичелли наделил свою героиню тем целомудрием, которое почитается как высшая добродетель, отсюда и мотив поклонения, присутствующий в картине. Прекрасное лицо героини напоминает лики Мадонн на картинах Боттичелли, и потому в этой работе сквозь античную тему звучит христианская, а соединение античного гуманизма и христианства и дало феномен итальянского Возрождения.

В 1480–1490 годах Боттичелли выполняет серию иллюстраций пером к «Божественной комедии» Данте. «Рисовал Сандро исключительно хорошо и так много, что ещё долго после его смерти каждый художник старался заполучить его рисунки».

В начале 1480-х годов Боттичелли создал «Мадонну Магнификат» (1481—1485), картину, прославленную уже при жизни художника, о чём свидетельствуют многочисленные копии. Подобные картины в форме круга были очень популярны во Флоренции XV века. Фоном картины является пейзаж.

«Мадонна Магнификат» (итал. Madonna del Magnificat), известна также как «Мадонна с Младенцем и пятью ангелами» — это типичное флорентийское тондо (итал. tondo, картина или рельеф, круглые по форме), изображающее Коронование Богоматери двумя ангелами в облике прекрасных отроков.

Это самая известная из картин художника на религиозный сюжет, написанных для частных капелл; названа она по первому слову молитвы Богоматери, текст которой хорошо виден на развороте раскрытой книги. Младенец Христос держит в одной руке гранат, а другой водит руку Мадонны, которая вписывает в развернутую книгу начало благодарственной песни. Двое мальчиков в сопровождении третьего, постарше держат книгу и чернильницу, в то время, как двое ангелов поднимают венец над головою Мадонны.

Эта искусно вписанная в круг композиция - одно из наиболее замечательных созданий мастера. Изысканные линии рук, окруживших фигуру младенца Христа, как бы продолжаются жестом одного из прекрасных ангелов и через руки других персонажей замыкаются на короне Марии. Такое кольцо рук подобно некоему водовороту, в центре которого виден отдаленный мирный пейзаж. Как и в "Мадонне с гранатом" Христос держит в руке плод - символ бессмертия, которое он принесет человечеству.

Лицо "Мадонны Магнификат" отмечено всеми качествами, входившими в культивируемый Боттичелли идеал красоты. Среди них - тонкая светлая кожа и твердое, но изящное строение лица. Выражение чистоты и невинности дополняется оттенком нежности, сквозящим в округленных губах. Густые заплетенные волосы производят земное впечатление, напоминающее об облике крестьянской девушке, однако модные предметы туалета - шарф и прозрачное покрывало - как бы преображают реальную женщину, взятую Боттичелли в качестве модели в идеальный образ Мадонны.

В 1490 году во Флоренции появляется доминиканский монах Джироламо Савонарола, в проповедях которого звучал призыв к покаянию и отказу от грешной жизни. Боттичелли был заворожён этими проповедями, и даже, согласно легенде, наблюдал, как жгут его картины на костре тщеславия. С этих пор стиль Боттичелли резко изменяется, он становится аскетичным, гамма красок теперь сдержанная, с преобладанием тёмных тонов.

Новый подход художника к созданию произведений хорошо виден в «Короновании Марии» (1488— 1490), «Оплакивании Христа» (1490). Действие данной картины разворачивается уже после казни Христа. Распятый Мученик окружён близкими людьми – здесь ученики-апостолы, мать, Мария Магдалена. Иоанн и Мария держат безжизненное тело, кто-то из апостолов прижимает к себе голову Иисуса, Магдалена держит ноги Спасителя, с невыносимой мукой на лице рассматривая раны. Эту центральную группу окружают Пётр, Павел, Иероним. Они грустны, но довольно сдержаны.

По своему эмоциональному посылу эта не картина-рассказ, а картина-настроение. Чувства, а именно горе, утрата, скорбь, главенствуют здесь над повествованием. Зритель невольно вовлекается в разыгравшуюся перед ним сцену, и фактически страдает вместе со Святыми.

Нельзя не заметить, как удачно Боттичелли выстроил многофигурную композицию. Это своеобразная пирамида, которая воспринимается как единое целое. Вершина пирамиды – убитое горем лицо матери.

У Иеронима в руке камень, который он прижимает к груди, Павел изображён с мечом, намекающим и на его мученическую судьбу. Все герои, несмотря на свои «говорящие» лица, будто замерли от горя и страданий. Лицо Христа же уставшее и смиренное, зрителем он воспринимается скорее спящим, чем мёртвым.

Портреты, созданные художником в это время лишены пейзажных или интерьерных фонов.

Единственной поздней картиной на светскую тему явилась «Клевета» (около 1495). Сюжетом произведения послужила утерянная работа греческого художника Аппелеса. В оригинале

Апелеса, который был придворным художником, обвиняют в измене. Якобы он предал египетского царя Птолемея IV. После того, как его в память об ужасных застенках тюрьмы, чтобы, как то восстановить себя от несправедливости, греческий художник написал картину Клевета. А Боттичелли создал ремейк на эту картину.

На картине трон с сидящим царем Мидасом с ослиными ушами, которыми его наделил Аполлон из-за несправедливого оглашения победителя. По сути дела в соревнованиях победил он, царь присудил победу другому. Вот он и обиделся.

По обе стороны от царя стоят образы Подозрительности и Неведения. Они что-то шепчут в уши царя, а он их внимательно слушает, с закрытыми глазами. И в то же время просит, чтобы ему помог уродливый человек в черном одеянии по имени Злоба, который протянул царю свою левую руку.

Злоба тащит к царю Клевету. Царь Мидас слушает любую Клевету, потому что руководит мыслями царя Злоба. Волосы у Клеветы захватили два персонажа и стараются заплести ей косы. Эти два персонажа являются Завистью и Ложью. Внешне красивые, но коварные, они хотят символами красоты: белыми лентами и розами себя таким образом отожествить с чистотой.

Тем временем Клевета вцепилась мертвой хваткой в обманутую, обнаженную для того чтобы ее поняли, и молящую о пощаде Жертву в образе юноши. Но все тщетно. Слева художник изобразил обнаженную фигуру по имени Истина, распознавание которой дано лишь Раскаянию, старухе – плакальщице.

В действительности эта картина, так и осталась загадкой для многих поколений. Никто не знает истинную причину написания этой картины мастером.

Среди последних работ хочется отметить картину «Мистическое рождество», написанную в 1500 году. Она была создана в период, отмеченный в его творчестве ростом религиозности и остро трагическим восприятием мира. Это единственное подписанное и датированное им произведение.

В этой картине Боттичелли изображает видение, где образ мира предстает без границ, где нет организации пространства перспективой, где небесное смешивается с земным. В убогой хижине родился Христос. Перед Ним в благоговении и изумлении склонились Мария, Иосиф и паломники, пришедшие на место

чуда. Ангелы с ветками оливы в руках ведут хоровод в небе, славословят мистическое рождение Младенца и, спустившись на землю, поклоняются Ему. Эту священную сцену явления в мир Спасителя художник трактует как религиозную мистерию, излагая ее «простонародным» языком. Он сознательно примитивизирует формы и линии, дополняет интенсивные и пестрые краски обилием золота. Сандро прибегает к символике масштабных соотношений, увеличивая фигуру Марии в сравнении с остальными персонажами, и к символике деталей, таких как ветви мира, надписи на лентах, венки. Ангелы в небе кружат в экстатическом хороводе. Вихрь их одеяний обрисован пронзительно четкой линией. Фигуры отчетливо выступают на фоне голубизны и золота неба. На лентах, обвивающих ветви, читаются надписи из молитвенных славословий: «На земле мир, в человецех благоволение» и другие.

Примечательно то, что эта картина была открыта миру совершенно случайно - один англичанин увидел её на вилле Альдобрандини и решил купить, лишь после рассмотрев автограф великого Боттичелли. Неизвестно как сам живописец назвал одно из своих последних полотен. Всемирно известное наименование принадлежит знаменитому теоретику искусства Джону Рёскину.

Здесь пока нет комментариев
Скачать документ