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La Primavera di Sandro Botticelli
Fra le più celebri opere dell’artista, forse a causa del forte simbolismo, per alcuni versi ancora
oscuro, e per la straordinaria resa pittorica ed elegante, la Primavera, vera “favola” allegorica,
è databile tra il 1478 e il 1482 circa. Fu realizzata, come ci informa Giorgio Vasari, per la villa
di Castello, di proprietà di Lorenzo di Pierfrancesco de' Medici, cugino di secondo grado di
Lorenzo il Magnifico. L’allegoria di Venere, rappresentata al centro del dipinto, sarebbe anche
legata a un oroscopo di Lorenzo, come risulta da una lettera di Marsilio Ficino a lui indirizzata,
in cui il filosofo lo esortava a ispirare il proprio agire alla configurazione astrale che ne
dominava il tema natale, cioè proprio Venere e Mercurio.
In un fitto bosco di aranci colmi di frutti che si staglia sullo sfondo di un cielo azzurro, sono
disposti i personaggi, in una composizione ritmicamente equilibrata e elegantemente
simmetrica attorno ad una figura centrale. I personaggi lungi dall’essere coinvolti in un’azione
comune di facile lettura, si alternano con ritmo irregolare in gruppi animati e figure singole,
assorte in se stesse, senza o quasi nesso apparente. Il suolo è composto da un verde prato,
disseminato da molteplice varietà di specie vegetali e di fiori tuttora esistenti e perfettamente
riconoscibili come l’iris, il fiordaliso, il ranuncolo, il papavero, la margherita, la viola, il
gelsomino, ecc., in un ricchissimo campionario dove sono state contate quasi cinquecento
specie di piante, fra cui centonovanta fiori. Sulla destra alcune piante di alloro (laurus) per
assonanza rimandano al nome di Lorenzo.
Appare chiaro che ci troviamo di fronte a un raro dipinto profano, una di quelle “favole”
mitologiche, con tutti i loro simboli, ben noti ai contemporanei di Botticelli per la
frequentazione assidua degli scrittori latini. I personaggi e l'iconografia generale vengono
generalmente identificati basandosi sulle indicazioni di Vasari, sebbene sfugga tuttora il senso
complessivo della scena. L'opera, ambientata in un boschetto di aranci, identificato come il
mitico giardino delle Esperidi, va letta da destra verso sinistra. Secondo il racconto che ci
fornisce Ovidio nei Fasti, una metafora sull’impollinazione della primavera, Zefiro, vento di
sud ovest, con la forza rapisce per amore la ninfa Clori e la rende gravida; da questo atto ella
rinasce trasformata in Flora, rappresentata come una donna dallo splendido abito fiorito che
sparge a terra i fiori che tiene in grembo. A questa trasformazione allude anche il filo di fiori
che già inizia a uscire dalla bocca di Clori durante il suo rapimento da parte Zefiro. I fiori del
resto sono il tramite attraverso il quale nel dipinto viene evidenziata la metamorfosi
rappresentata dalle due versione dello stesso personaggio. I fiori emanati da Clori finiscono per
confondersi con quelli che ornano l’abito del suo altero ego, Flora, e che a loro volta si
confondono con quelli che intrecciati in corone e ghirlande le cingono la vita e la testa e con gli
altri che ha raccolto sul grembo e sta spargendo sul prato. E’ Flora la figura che tradizionalmente
viene identificata come la personificazione della Primavera stessa. Al centro del dipinto
campeggia Venere, regina di questo luogo di delizie nel quale la primavera è perenne,
ammantata come una figura classica ma con elementi dell’abbigliamento e dei canoni della
bellezza quattrocentesca, inquadrata da una cornice simmetrica di arbusti, che sorveglia e dirige
gli eventi, quale simbolo neoplatonico dell'amore più elevato. Inclinando la testa e alzando la
mano verso il gruppo alla sua destra sembra voler attirare l’attenzione dello spettatore,
introducendolo nel vivo della raffigurazione. Sopra di lei vola il figlio Cupido, dio dell’Amore,
bendato come vuole la tradizione, perché colpisce fatalmente senza vedere le propri vittime.
Cupido sta scagliando la freccia proprio in direzione di una delle tre Grazie, tradizionalmente
al seguito di Venere, considerate le protettrici di villa Careggi, sede dell’Accademia
