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IL TEATRO D’OPERA ITALIANO NELL’OTTOCENTO E LA FIGURA DI VERDI
Quando Verdi debutta alla Scala nel 1839 con Oberto, il teatro d’opera vive la sua epoca d’oro.
Tra il 1820 e il 1850 si affermano Donizetti, Bellini, Rossini e lo stesso Verdi.
L’opera lirica era la principale forma di intrattenimento delle classi medio-alte, ma il repertorio si
diffondeva anche tra il popolo grazie a bande o gli organetti di Barberia,
Nella prima metà del secolo nasce l’impresario che era il vero “regista” dell’intera stagione:
affittava il teatro, scritturava cantanti, librettisti e compositori. Ad esempio Barbaja con Rossini.
Dopo i moti del 1848 c’è un declino dell'opera a causa della censura diventata più severa, la
chiusura di molti teatri minori per via delle difficoltà finanziarie presenti anche nei teatri più
prestigiosi. L’orchestra, inoltre, cresce molto (fino a 100 elementi), i cantanti chiedono compensi
elevati, il pubblico si riduce diventando più selettivo e nasce anche il direttore d’orchestra.
Il teatro era visto per fare salotto, con chi mangiava, infastidiva e le luci rimanevano accese
mentre l’orchestra suonava.
L’opera dell’Ottocento si basa su pezzi chiusi (arie, duetti, terzetti…) collegati da recitativi e il
libretto è in versi: sciolti per i recitativi, rimati per le arie. L’aria solitamente contiene:
Tempo d’attacco, adagio cantabile, tempo di mezzo, cabaletta (parte conclusiva più vivace).
I temi principali sono passioni amorose, conflitti interiori, problemi politici. Ogni voce corrisponde
a un tipo di personaggio: giovane amante (tenore), figura anziana o autorevole (basso),
antagonista (baritono), donna angelica e innamorata (soprano), rivale (mezzosoprano).
Nella seconda metà del secolo cresce l’editoria, in particolare la Casa Ricordi, che stampa e
affitta le partiture ai teatri, tutela la “proprietà artistica” delle opere, fornisce le Disposizioni
sceniche (libricini che spiegano come mettere in scena le opere). Nel 1882 nasce la SIAE, per
tutelare il diritto d’autore, la legislazione che permette al compositore di guadagnare dalla
diffusione delle sue opere.
Nel Settecento il librettista era più importante del compositore (esempio: Metastasio).
Nell’Ottocento la situazione si ribalta ed è il musicista a scegliere il soggetto e guidare la
struttura drammaturgica.
GIUSEPPE VERDI: UOMO E COMPOSITORE
Nato nel 1813 a Busseto, Verdi riceve la prima formazione dal maestro Provesi, direttore della
Società Filarmonica e della banda locale. Rifiutato dal Conservatorio di Milano perché troppo
grande d’età, studia privatamente con Vincenzo Lavigna. Torna a Milano nel 1839 per avviare la
carriera teatrale. Le prime opere (da Oberto a La battaglia di Legnano) sono caratterizzate da:
passioni intense, gusto per il grandioso, forte impatto corale, influssi francesi filtrati da Rossini.
Dopo il successo di Oberto, Verdi compone Un giorno di regno, un fiasco dovuto anche ai gravi
lutti familiari. L’impresario Merelli però lo convince a tentare ancora.
Il trionfo di Nabucco (1842)
Il soggetto (da Bibbia e dramma francese) racconta il conflitto tra Assiri ed Ebrei.
Il celebre coro “Va pensiero”, pur non essendo pensato come testo politico, viene letto dal
pubblico come un canto patriottico, simbolo del desiderio di libertà degli italiani. Verdi, infatti,
partecipa attivamente alla vita civile: frequenta il salotto della contessa Maffei, centro dei patrioti
milanesi, su invito di Mazzini compone un inno su testo di Mameli, nel 1859 compra
clandestinamente fucili per la Guardia Civica di Busseto e nel 1861 Cavour lo convince a
diventare deputato del Regno d’Italia (carica mantenuta fino al 1865). Anche altre opere
accendono l’entusiasmo patriottico come I lombardi alla prima crociata, Ernani e La battaglia di
Legnano.
Gli anni successivi al successo del Nabucco (1842), cioè dal 1843 al 1850, furono definiti dallo
stesso Verdi anni di galera: un periodo di lavoro durissimo in cui compose un’opera dopo l’altra
con ritmi estenuanti. Nel 1847 il compositore intrecciò una relazione con il celebre soprano
Giuseppina Strepponi, che negli anni successivi divenne la sua più fidata consigliera. I due si
sposarono nel 1859.
Dal 1851 inizia la cosiddetta “seconda maniera” di Verdi. A questo periodo appartengono le tre
opere più celebri del compositore, spesso chiamate trilogia popolare: Rigoletto (1851), Il
trovatore (1853) e La traviata (1853)
Rigoletto
Dopo vari scontri con la censura, Rigoletto debuttò Venezia nel 1851 con enorme successo. Il
libretto di Piave deriva dal dramma di Victor Hugo Le roi s’amuse, che in Francia aveva
scandalizzato perché attaccava apertamente la nobiltà e il re. La censura impose modifiche: il
re fu sostituito dal duca, l’ambientazione spostata a Mantova e i nomi cambiati. Rimase però
intatta la forza drammatica: un buffone deforme che tenta di vendicare la figlia sedotta, ma la
sua vendetta si ritorce contro di lui.
Il trovatore
Rappresentato al Teatro Apollo di Roma nel 1853, è tratto dal dramma spagnolo El trovador di
García Gutiérrez. Tema centrale è la vendetta, incarnata dalla zingara Azucena, figura cupa e
misteriosa. L’opera è ricca di atmosfere notturne e di colpi di scena.
La traviata
Andata in scena alla Fenice nel 1853, inizialmente fu un fiasco probabilmente per il soggetto
considerato “scandaloso” e per la scarsa qualità del cast. L’anno successivo, riproposta con
nuovi interpreti e modifiche, ottenne un trionfo. Il soggetto deriva da La Dame aux camélias di
Alexandre Dumas figlio: una vicenda moderna, con protagonista una cortigiana malata di tisi. La
censura impose l’ambientazione nel Seicento, rifiutando costumi contemporanei.
Il Preludio del primo atto anticipa la tragedia: un filo sottilissimo degli archi evoca la fragilità di
Violetta, mentre il secondo tema è “Amami, Alfredo”, simbolo dell’amore dei due protagonisti.
Verdi dipinge anche due grandi affreschi sonori della vita mondana parigina: la festa dell’atto I,
con il celebre brindisi “Libiam nei lieti calici”; la festa di Flora dell’atto II, ricca di maschere e
Fidelio di Beethoven. Una vera rinascita del teatro musicale tedesco si verificò però solo nell’Ottocento, grazie a Carl Maria von Weber e soprattutto a Richard Wagner. Wagner nacque a Lipsia nel 1813 in una famiglia numerosa e di teatro. Dopo la morte del padre fu il patrigno Ludwig Geyer a incoraggiarne il talento artistico. Studiò armonia e contrappunto, imparò molto da Weber e Beethoven e approfondì la letteratura e la mitologia greca. Ottenne incarichi come maestro di coro e direttore artistico che lo portarono a conoscere la grand-opéra francese e l’opera italiana. Ai suoi primi anni appartengono lavori come Die Feen e Das Liebesverbot, opere ancora lontane dallo stile maturo. Durante il difficile soggiorno parigino compose però Rienzi, la prima opera di grande successo, grazie alla quale divenne Kapellmeister alla corte di Dresda. Tra il 1843 e il 1848 Wagner compose tre opere che oggi vengono definite romantiche: Der fliegende Holländer, Tannhäuser e Lohengrin. Questi drammi, ispirati a leggende antiche, introducono i grandi temi wagneriani della redenzione tramite l’amore, del conflitto tra materia e spirito, della maledizione e delle figure eroiche o cavalleresche. In queste opere emergono anche le prime innovazioni stilistiche del compositore: la tendenza a eliminare i “numeri chiusi”, la continuità dell’azione, il ruolo sempre più importante dell’orchestra e l’uso sistematico del Leitmotiv. Con Lohengrin, caratterizzato da un discorso musicale quasi ininterrotto, l’orchestra diventa un vero narratore che guida il pubblico attraverso una rete di temi ricorrenti legati a personaggi, oggetti e simboli. Dopo i moti rivoluzionari del 1848 Wagner fu costretto a rifugiarsi a Zurigo, dove trovò sostegno nel mecenate Otto Wesendonck. In questi anni scrisse i suoi testi teorici più importanti, nei quali elaborò l’idea di dramma musicale e di opera d’arte totale. Il dramma musicale, secondo Wagner, non deve avere arie separate né momenti spettacolari isolati, ma deve sviluppare un discorso continuo in cui musica, parola e scena collaborano in maniera inscindibile. L’opera ideale è per lui la Gesamtkunstwerk, l’unione perfetta di poesia, musica e azione, simile all’unità della tragedia greca. I soggetti mitologici, più universali e profondi, gli permettono di raccontare l’essenza dell’umano senza essere legato a contesti storici. Il concetto di Leitmotiv, ossia un tema musicale ricorrente associato a personaggi, sentimenti o eventi, diventa il cardine del suo linguaggio. La loro continua trasformazione dà origine alla cosiddetta melodia infinita, un flusso senza interruzioni che si evolve costantemente con l’azione. Tutto ciò trova pieno compimento nell’immenso progetto della tetralogia L’Anello del Nibelungo, che comprende Rheingold, Walküre, Siegfried e Götterdämmerung. In questa saga mitica Wagner racconta la maledizione dell’oro e la brama di potere che conduce alla distruzione del mondo divino e umano, proponendo un percorso di rigenerazione attraverso la caduta dei vecchi valori. Fondamentale nella vita di Wagner fu il giovane re Ludwig II di Baviera, che lo sostenne economicamente, lo invitò a Monaco e finanziò in gran parte la realizzazione dell’Anello. Nonostante lo scandalo legato alla sua relazione con Cosima, figlia di Liszt e moglie del direttore d’orchestra Hans von Bülow, l’appoggio del re permise al compositore di continuare a lavorare. Tra le opere più rivoluzionarie di Wagner spicca Tristan und Isolde, rappresentata nel 1865 e destinata a cambiare la storia della musica. Il tema centrale è l’amore assoluto, irrealizzabile nella vita e raggiungibile solo nella morte. L’intero dramma ruota attorno al celebre Tristan-Akkord, un accordo armonicamente ambiguo che incarna musicalmente il desiderio
infinito e mai appagato. Nel grande duetto notturno del secondo atto si realizza la perfetta fusione tra poesia, musica e dimensione teatrale, un compimento dell’ideale wagneriano. Nel 1872 Wagner si trasferì a Bayreuth, dove fece costruire un teatro completamente nuovo, il Festspielhaus, concepito per rappresentare al meglio i suoi drammi musicali. Le innovazioni furono radicali: la buca d’orchestra (golfo mistico) nascosta allo sguardo del pubblico, l’assenza di palchi e il buio in sala obbligarono gli spettatori a concentrarsi solo sull’azione scenica. Il teatro venne inaugurato nel 1876 con la prima esecuzione integrale dell’Anello ed è tuttora sede del Festival di Bayreuth. L’ultima opera di Wagner, Parsifal, composta tra il 1877 e il 1882, ha un carattere sacro e simbolico. Basata sulla leggenda del Graal, narra il percorso di purificazione del “puro folle” Parsifal, che restituisce la salvezza ai cavalieri del Graal. L’opera debuttò a Bayreuth nel 1882 e per volontà dell’autore rimase rappresentabile solo in quel teatro fino al 1913. Wagner morì l’anno successivo a Venezia. Verdi vs Wagner Il confronto tra Wagner e Verdi, entrambi nati nel 1813, mostra due vie opposte dell’Ottocento musicale. Verdi rimase fedele alla tradizione italiana, attribuendo centralità alla melodia e alla chiarezza del canto, mentre Wagner unificò le funzioni di compositore e librettista e concepì un teatro musicale basato sulla continuità e sull’integrazione totale tra orchestra e voce. Verdi fu amatissimo dal pubblico e solo più tardi rivalutato dalla critica, mentre Wagner affascinò soprattutto le élite intellettuali, suscitando al tempo stesso entusiasmi e forti opposizioni. Alle controversie artistiche si aggiunsero quelle ideologiche: Wagner espresse posizioni antisemite e il regime nazista adottò la sua musica come simbolo culturale, causando un’eredità problematica soprattutto nel mondo ebraico. Musica in Europa Nella seconda metà dell’Ottocento la vita musicale europea si istituzionalizzò: nacquero orchestre stabili e sale da concerto come il Musikverein di Vienna. L’influenza di Wagner contribuì alla rinascita della sinfonia, favorendo lo sviluppo di nuovi linguaggi orchestrali in tutta Europa. È in questo contesto che la musicologia moderna iniziò a formarsi come disciplina autonoma, basata sullo studio scientifico della musica in tutte le sue forme, che comprende discipline come la teoria, la storia e l'etnomusicologia. Si formarono scuole importanti in Germania e, nel Novecento, negli Stati Uniti. In Germania, Johannes Brahms rappresentò l’erede della musica pura. Nonostante la fama di conservatore, la sua musica contiene elementi innovativi che Schönberg definì moderni come l’elaborazione continua di piccoli motivi, la profondità contrappuntistica e l’uso creativo delle forme classiche. Le sue quattro sinfonie, insieme ai grandi lavori cameristici e ai concerti, sono oggi considerate capolavori del sinfonismo ottocentesco. A Vienna operò anche Anton Bruckner , ammiratore di Wagner, autore di monumentali sinfonie caratterizzate da grande ampiezza, orchestrazione possente e uso del cromatismo. A differenza di Brahms, la sua musica ebbe un’accoglienza contrastata: Hanslick criticò duramente le sue opere, mentre altri musicisti ne riconobbero la forza visionaria. In Francia, compositori come César Franck e Camille Saint-Saëns contribuirono alla rinascita della sinfonia e della musica organistica, combinando tecniche contrappuntistiche, forme cicliche e influenze wagneriane con una sensibilità elegante e spesso orientata verso l’esotismo.
Hugo Wolf dedicò la vita al Lied, caratterizzato da un’intensa aderenza al testo, un accompagnamento pianistico ricco e influenze wagneriane; la sua parabola si concluse tragicamente a causa della malattia mentale. Gabriel Fauré, autore di mélodies raffinate e di grande musica da camera, unì lirismo sobrio, armonie delicate e atmosfere crepuscolari, come nel Requiem o nella Sicilienne. In Italia la romanza da salotto divenne popolare come genere vocale semplice e cantabile. Francesco Paolo Tosti fu il massimo autore del genere, con brani celebri come Ideale , Marechiare , A vucchella e le Canzoni d’Amaranta , spesso su testi di D’Annunzio.
Opera lirica in Francia e Italia
Nella seconda metà dell’Ottocento si affermò l’opéra-lyrique, genere intermedio tra grand-opéra e opéra-comique, più intimo e adatto alla sensibilità borghese. Opere come Faust di Gounod, Mignon di Thomas e Manon e Werther di Massenet reinterpretavano soggetti letterari in modo lirico e sentimentale. Parallelamente nacque l’operetta, leggera e satirica, resa celebre da Offenbach. Georges Bizet creò una vera rivoluzione con Carmen (1875), inizialmente mal accolta: l’opera introduiva realismo, sensualità, colori spagnoli ed efficaci motivi ricorrenti, ottenendo enorme successo solo dopo la morte del compositore.
In Italia la diffusione di opere francesi e la ricezione progressiva di Wagner prepararono il terreno alla Giovine Scuola Italiana, ovvero Mascagni, Leoncavallo, Puccini, Cilea, Giordano e Franchetti. Il verismo trovò la sua opera simbolo in Cavalleria rusticana di Mascagni (1890), ispirata a Verga: un dramma passionale ambientato in un mondo popolare, con forte realismo, uso centrale dei cori, vocalità tesa e passaggi tra declamato e canto pieno. Il successo portò alla nascita di altre opere veriste, tra cui Pagliacci di Leoncavallo, dove scena e realtà si confondono.
Puccini, tra i maggiori operisti tra Otto e Novecento, unì raffinatezza orchestrale, melodie liriche di forte presa emotiva e senso teatrale. Ottenne successo con Le Villi , Edgar e poi Manon Lescaut , per affermarsi definitivamente con La Bohème (1896), opera priva di numeri chiusi ma ricca di continuità musicale. Tosca (1900) introdusse un realismo drammatico violento, mentre Madama Butterfly (1904) esplorò l’esotismo giapponese. Con La fanciulla del West e La rondine sperimentò nuovi linguaggi, fino al Trittico e all’ultima opera Turandot , rimasta incompiuta. Turandot fonde fiaba, tragedia ed esotismo con un’orchestrazione modernissima e figure contrastanti come Liù e la principessa Turandot, resa celebre dall’aria “Nessun dorma”.
