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LITERATURA EUROPEA:
La literatura hasta el S. XVIII, la gente pensaba que era imitación y que el arte era literatura. Era el paradigma de la imitación. La imitación es lo símil, no se considera lo vero.
PLATÓN:
Habla del mundo sensible (mundo histórico), que estaba dividido en dos mundos. Un mundo engañoso, porque el verdadero mundo es el de las ideas o formas, esto da lugar al IDEALISMO (lo real no es lo del mundo sensible). Como muy bien Platón nos explica en el Mito de la Caverna : “Nos sitúa en una cueva donde hay unos prisioneros que durante toda su vida han sido obligados a mirar unas sombras provocadas por un fuego y unos objetos que se mueven. Con esta primera metáfora, el autor identifica a los prisioneros encadenados con el alma humana, que está atada a un cuerpo terrenal y que pertenece al mundo de las cosas, y es por tanto, imperfecto y sensible, cuyos conocimientos son meras sombras de la realidad. En el mito, Platón se pregunta qué pasaría si uno de los prisioneros se levantase y fuera capaz de ver el fuego y los objetos reales, afirmando que sentiría dolor y se daría cuenta de que lo que veía antes no eran más que sombras de la realidad. Y si ascendiese hacia la superficie, le ocurriría algo similar. Esta liberación es la que permite al ser humano liberarse el mundo sensible para así alcanzar el mundo ideal, que es perfecto, eterno e inmutable, y al que sólo se puede acceder mediante el alma y la razón”.
Para Platón, la literatura ha existido siempre pero no como la conocemos ahora. La poesía que comprende todos los géneros, para Platón es imitación, todo lo que sea imitación no es bueno. Platón no tiene buen concepto de los poetas, ya que solían imitar y encima cosas malas. Cuando los poetas están inspirados, recogen ideas buenas, así sus escritos puede ser bastante buenos y válidos. Tenemos que distinguir entre la cosa IMITADORA, y la cosa IMITADA. Está última cosa, Platón todavía la valora, porque la cosa esta bien imitada y es bonita, es decir, merece la pena. Sin embargo Aristóteles, se basara en la cosa imitadora.
Para Platón se imitan las ideas o formas, si se imitan bien y las cosas imitadas son buenas será buen poeta, pero si se imitan los malos modos o las malas formas, para él, serán malos poetas.
ARISTÓTELES:
La poesía de Aristóteles se centra en la poesía dramática, ya que para él y para el público era la más fácil. Para Aristóteles, la poesía era imitación de acciones humanas. El lenguaje era el núcleo central de todo. Si una cosa no es verosímil, se llama ficción. Puesto que el poeta es imitador, necesariamente imitará las cosas de tres maneras posibles:
- Representarán las cosas como eran o como son.
- Se imitarán las cosas como pueden ser.
- (^) O también, se imitarán las cosas como deberían ser.
Si hablamos de algo VEROSIMIL: vero + símil (parecido a lo verdadero) = fábula (story, en inglés). Es una sucesión de elementos narrativos que narran una imitación de acciones humanas.
Distinguimos de toda imitación: la cosa imitadora y la cosa imitada. Platón se centraba en la “cosa imitada”, si la cosa era buena, estaba bien imitada. La “cosa imitadora”, es la que imita e imita a la “cosa imitada” (acciones humanas). Valora la “cosa imitadora” (fábulas), si la fábula está bien hecha no importa que la imiten.
Aristóteles dirá si no hay fábula no hay poesía, pero la lírica no tiene poesía, sin embargo si tiene fábula. En el caso de la lírica no quiere ser imitada, sino expresar los sentimientos, ya que quiere ser auténtica.
La “cosa imitadora” es la fábula que imita acciones humanas de verdad. La fábula se basa:
- De lo que dice o se crea = doxa.
- De lo que era o es = verdad.
- De lo que debe ser (por deseo o necesidad) = utopía.
La poesía no es la vida, y lo peor de todo es que si lo vemos así no sabríamos nada de lingüística y suspenderíamos la vida, que eso es peor que otra cosa.
Para Aristóteles, el género madre es la poesía trágica.
Cosa Cosa imitadora imitada
DRAMA DIÉGESIS
(narración)
SUPERIOR TRAGEDIA EPOPEYA
INFERIOR COMEDIA PARODIA
Ya que la TRAGÉDIA está en el nivel superior, por ello los personajes tienen que ser grandes físicamente. Con grandes pasiones (el destino, los dioses…), con un lenguaje grandísimo. Siempre le suceden grandes hazañas. Nos sitúa en la perspectiva de que la vida tiene cosas inevitables. Para la tragedia la “cosa imitada” es una oración esforzada y completa de cierta amplitud. Mientras que la “cosa imitadora” (la fábula), tiene un lenguaje sazonado (rebuscado), además se escribe en verso y en canto. Tiene caracteres de hombre esforzado con grandes caracteres de grandeza, de acción directa… Por último, la tragedia persigue un efecto llamado CATARSIS (purificación o purgación). Se basaba en presentar cosas en la que a los humanos le pasaban una serie de cosas, es decir, el humano se regía por el destino, por medio de la piedad y el temor. Por tanto, en la tragedia los personajes son presentados actuando. El poeta expresa sus cosas, su parecer, esto no es bueno porque entonces no es imitador. Por ello debe hablar lo menos posible, y evitar dar su opinión. La lírica es siempre introducción del narrador, aunque no todo sea lírica. Es tan importante la fábula por la tragedia en la que se basa Aristóteles. El poeta debe ser artificie de fábulas, ya que la poesía es un tipo de imitación.
La epopeya, es la cosa imitadora, se hace por narración. Es un género mixto entre drama y narración. No se escribía para ser leída, sino para que le rapsoda la recitara, acompañándose de entonación y gestos. Coincide con la tragedia en ser imitación de acciones de hombres esforzados. Está en verso, es una fábula. Su verso es uniforme y su extensión mayor que la tragedia. El efecto que quiere alcanzar es la épica. La épica trata de animar a la gente de esa producción de la nación. El novelista es un imitador de lo historiador. Para Aristóteles deja de ser imitación cuando el autor habla más que los propios personajes en el dialogo.
La comedia es una mimesis de hombres inferiores en lo visible, que es parte de lo feo. Es una cosa amable, porque no hay dolor. Lo visible es un defecto que no causa dolor, ni odio, ni ruina. Su efecto es cómico. En el mismo plano de la comedia encontramos la parodia: La parodia es una ridícula imitación que produce risa. Por ejemplo: “El Quijote”: a Sancho le avergüenzan riéndose de él durante toda la obra.
- Animal.
- Nombre más representativo.
- Instrumento.
- Donde se desarrolla.
- Árbol más representativo.
La Eneida debe tener un estilo grave, debe seguirle el modelo medio, que imita a las Geórgicas , que quieren imitar un asunto trivial. Le sigue el modelo bajo, humilde, que imita a las Bucólicas.
PARADIGMA LITERARIO CLÁSICO:
ÉPOCA CLASICISTA:
Ha llegado el Renacimiento. Se produce en los siglos XVI, XVII y XVIII. Hay un gran seguimiento de la literatura de los clásicos. Se intenta ir a las fuentes más originales. En el siglo XVI, Robortello traduce la literatura de Aristóteles. Se impone sobre todo en el Barroco la dicotomía de arte e ingenio, y se sigue pensando que el arte debe predominar sobre el ingenio.
Un autor muy representativo dentro de esta época es Lope de Vega , fue el creador del teatro español. Da unas características al teatro que el teatro no tenia, rompe las normas clásicas aunque fue muy criticado por ello. Daba al pueblo lo que el pueblo quería, porque él siempre decía que sólo puede gustar lo que se conoce, no lo desconocido, por ello, no inaugura la estética de la oposición, sigue la de la imitación. Tenemos más testimonios acerca de esta época en pleno S. XVII:
- Alonso López Pinciano: No excluye la imitación, también trabajaba con ella.
- Francisco Cáscalos.
- Baltasar Glaciar: Alude a un atibo del predominio del ingenio sobre el arte.
- Voiture Boilean: Su arte poética sigue las mismas características que hemos visto durante toda la época clasicista (la imitación clásica). La gente no dudaba que el arte fuera imitación.
Para acabar con el paradigma de Cervantes debemos de hablar del Quijote. Esta obra, cambia los moldes antiguos, habla en términos de imitación todavía, repite todo lo que hemos tratado
hasta días de hoy, sigue hablando de imitación y sus características. Habla de conceptos tratados hasta ahora: verosimilitud, imitación (claramente)… Es una de las obras más literarias e importantes de la historia.
En toda PARODIA se ríen de lo serio. La escritura NO lo es todo.
ESCRITURA + LECTURA =
OBRA
Siempre que haya historia, existirá una persona histórica, es decir, habrá una persona que escribe. Esa escritura tendrá un lenguaje histórico, unos hechos históricos…, es decir, con una escritura clara y concisa narrando unos hechos históricos clave. En toda escritura existe un enunciado, y aparece como un “yo”. En toda escritura existen distintos sujetos:
- Sujeto de la enunciación.
- (^) Sujeto de la enunciación enunciada.
- Sujeto de la enunciación postulado.
ESQUEMA DE LA COMUNICACIÓN:
- Contacto Fática.
- Emisor Expresión.
- Mensaje Estética.
- (^) Código Metalingüístico.
- Contexto Referencial.
- Destinatario Conativo.
La estilística (todo el paradigma literario), se centra en el emisor con la característica de la expresión. Algunas veces se alude también a la intención del autor. Sin darse cuenta, siempre se hace hincapié en estas cosas. Sin embargo, los autores no tienen intención en la literatura.
Respecto al paradigma literario romántico, se pone el acento al emisor y no al destinatario, es decir, todo lo contrario al paradigma clásico. De aquí nos viene la idea de que un autor literario se expresa y como expresión estilística, mostrando lo que hay dentro de él. La expresión estilística ve al autor como un emisor que narra una obra (un mensaje). Al psicoanalista le llama la atención todo lo relacionado al psicoanálisis. Respecto al sujeto, se deben conocer los dos tipos, el sujeto inconsciente y el sujeto consciente. Previa postulación de un sujeto inconsciente, se trata de leer a través de él.
Cómo dijo Freud, en parte de una idea suya, todo artista es un neurótico… Para él, no existe la intención del autor, están sumergidos en el subconsciente. Según Freud, hacia el 1900, todo sueño parte del soñador. Por tanto la expresión psicoanalítica se aleja de la comunicación. Es una lectura historicista y es además, como casi todo en el paradigma, es determinista. Freud, ve el arte como una cura, un alivio…, es decir, algo que le hace sentir bien, lo toma como el origen de la actividad artística.
Hemos contrastado dos principios, el principio de placer y el principio de realidad, ya que en muchos momentos nos dejamos regir por los dos. Para Freud, existe el SUPERYO, el YO, y el ELLO. Respecto al SUPERYO, es todo lo que aceptamos culturalmente (el bien es mejor que el mal…); el YO, varía ya que se ve influenciado por el SUPERYO y el ELLO. Podemos referirnos al mundo “ideal” con sus más y sus menos; y,
Propugna el arte comprometido (el proletariado), y naturalmente presupone que es así, llegando a la conclusión de que es el REALISMO. Con esto no queremos decir que realismo y naturalismo sean los mismos conceptos. Después de Lenin, todo esto dará lugar al dogmatismo (corriente filosófica contrapuesta al escepticismo y al idealismo, que haciendo derivar el pensamiento del ser, presupone la supremacía del objeto respecto al sujeto, de la realidad de las ideas, de la naturaleza del espíritu).
- G. LUKACS: Define el realismo como su parte incluso de ideal, es decir, que aparece una tendencia (realismo mágico) que busca en la realidad misma lo mitológico, lo irreal y fantástico. No debemos confundir el realismo con el naturalismo (Zola es el padre del naturalismo). Para Lukacs, la correspondencia de la realidad y la realidad es el realismo, es decir, consiste en captar lo esencial en el fenómeno. Lo que la gente llama REALISMO SOCIALISTA que es tiene más verosimilitud. El naturalismo, no es igual que el realismo pero tiene que representar lo típico (formación estructural). El realismo ha de ser: TÍPICO, y por tanto no tendencioso, aunque ya tiene una tendencia, porque al ser típico, es típico por algo. Y, ha de ser UNIVERSAL, por eso para Lukacs los géneros tienen una visión objetiva del ser. Se enfrentó con Brecht, al que llamo formalista porque se basa en el distanciamiento.
- B. BRECHT: Fue el “inventor” del teatro épico, de tal modo que el espectador salga con ganas de participar en la historia y lo hace mediante el “extrañamiento”, es decir, rompiendo la sensación automatizada aristotélica, y lo utiliza al servicio de la revolución, por lo tanto, ponía unos contenidos sorprendentes, unos contenidos épicos. Ese teatro de reconocimiento, esa literatura…, quiere decir que cuando el espectador lo ve en el escenario, lo reconoce, básicamente este espectáculo podemos llamarlo monótono, Brecht lo intenta cambiar, inventando así el teatro épico. Por ejemplo, una de las características sorprendentes que Brecht incorporo al teatro para sorprender, fue que los hombres se disfrazaran de mujeres. El arte debe manifestar que es arte, es decir, algo artificial. Algo que no nos va a reflejar literalmente.
PARADIGMA LITERARIO CONTEMPORÁNEO:
Coincide con el nacimiento del formalismo, se ocupa de las formas. En el mundo para representar la realidad usamos la lengua, nuestra lengua, aunque a veces con ello no es suficiente. La esencia platónica, como ya sabemos, son ideas y formas. La semántica es distinta en cada lengua. Entramos en el mundo de la NO representación (es un mundo abstracto), coincide con el nacimiento de las revoluciones, es totalmente distinta del Paradigma Romántico. Se abandona completamente la forma de expresión. La relación entre vanguardismo y vanguardia coinciden en los pensamientos y es muy importante dentro de este paradigma. La literatura es el único arte cuyo material previamente significa lenguaje. Las ideas principales de los formalistas son: Tienen un concepto de distanciamiento (lo vimos anteriormente en el paradigma literario marxista, este concepto fue creado por Víctor Schklosky –fue el formalista que acuño el termino del distanciamiento. Nunca podemos conservar la sensación de novedad, porque acaba convirtiéndose en habitual lo que fue “novedoso”-) Una característica bastante importante es el “deleite” (prolongación del gozo); La novedad, es decir, el valor a lo nuevo; Se necesitaba la máxima información para comunicarle lo máximo posible y tenía que presentarse el lenguaje de forma inédita para dificultar la recepción al espectador, y así retener más tiempo al espectador. Se insistía en las palabras (sobre todo en la “ zaum” ) que nos significan, dicho significado no es paciente semántico, es la forma de la que tanto estamos hablando dentro de este paradigma literario.
Otro dato importante dentro de este paradigma, es la musicalidad del hablante, mediante ella se intenta subsistir en el significado del mensaje. Tiene una función significativa (distinta al significante). Esto hace que asuntos triviales resulten atractivos. El arte del oficio tenía una relación con la habilidad técnica, una relación especial.
Uno de los más importantes autores de este paradigma es: Víctor Schklosky , mencionado anteriormente, por ser el creador del concepto de distanciamiento. Para él, el propósito del arte es el de impartir la sensación de las cosas como son percibidas y no como son sabidas (o concebidas). La técnica del arte de "extrañar" a los objetos, de hacer difíciles las formas, de incrementar la dificultad y magnitud de la percepción encuentra su razón en que el proceso de percepción no es estético como un fin en sí mismo y debe ser prolongado. El arte es una manera de experimentar la cualidad o esencia artística de un objeto; el objeto no es lo importante. Dicho de otro modo, el arte presenta a los objetos desde otra óptica. Los arranca de su percepción automatizada y cotidiana dándoles vida en sí mismos, y en su reflejo en el arte. El trabajo de Schklosky acerca a los formalistas rusos a un entendimiento de la actividad literaria como una parte integral de la práctica social, una idea que luego se hace más importante con el trabajo de otros autores.
EL ESTRUCTURALISMO:
Es una doctrina/teoría inspirada por los esquemas lingüísticos. Va a considerar como significante el artefacto y como significado tomaran el sujeto estético, esta teoría es una teoría que formulo Saussure. El lingüista ingles Hjelmslev, propone que todo el signo lingüístico (significante + significado) da lugar al signo. El estructuralismo coincide con la postmodernidad, es decir, con movimientos cuyos significantes son una constelación lingüística. En el posestructuralismo, se dio una mayor importancia a lo mental, ya que coincide con el estructuralismo en ello, es decir, en la mentalidad de inseguridad de las significaciones opuestas de la postmodernidad. Los postmodernos, ven la significación como todo una unidad, ya no existe significado por un lado y significante por otro, como decía Saussure, y que dicha significación es inestable. El signo, ya no es todo una unidad con dos lados, es mas un movimiento entre ambos, esto último lo defienden los postmodernos dejando atrás la primera definición dictada por Saussure. Se da significado según el contexto de la historia por el ser humano, pero la historia que se está viviendo. Destaca Jacques Derrida , sostiene la estructura del estructuralismo, es flexible con la teoría de Saussure del significado y el significante por separado, y la de que el signo es todo una unidad. Se pensaba que el ser humano piensa que el centro de todo es el “yo”, esta teoría la desmonto Freud. Según él, cuando alguien se sale del centro universal, es un incomprendido, aunque años más tarde, cuando los demás llegan a su mismo centro, se convertía en un visionario. O, pensamos dentro del centro del consciente o del centro de inconveniente. Lo más novedoso de su pensamiento es la denominada deconstrucción. La deconstrucción, es un tipo de pensamiento que critica, analiza y revisa fuertemente las palabras y sus conceptos. El fonocentrismo, es el tema central del pensamiento de Derrida, se centra en el sonido. Hay un diferir continuo o logocentrista (el fonocentrismo es parte de esto). Trata lo escrito como lengua contaminada. Si el definir no se conoce puede deberse a los usos del código. Nos atenemos al código de las cosas, con esto lo que queremos decir es que debemos conocer todos los códigos. Lo más importante de este tema se puede resumir en que el mayor poder logocéntrico reside en el silencio de una obra.
