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“Por todas partes se han despertado hoy en las distintas disciplinas tendencias a poner la investigación sobre nuevos fundamentos ” (Heidegger) I. La incapacidad de seguir “leyendo” las manifestaciones artísticas actuales, a través del relato moderno, hacen imperativo la llamada escisión moderno- contemporáneo Desde que Hegel enunció el “carácter pretérito del arte”, en las Conferencias dictadas en la Universidad de Berlín hasta 1828, -recogidas después en las lecciones de Estética- , se han originado diversas interpretaciones respecto a dicho tema, anunciando el llamado “fin del arte”, sobre la producción artística desde mediados del siglo XX, hasta nuestros días. El fin del arte significa que el arte ya no es posible en términos de una narración histórica progresiva. El relato histórico ha terminado Partiendo por el Romanticismo, pasando por las vanguardias históricas del siglo pasado, diversos autores han adscrito a esa muerte, desde las cuales menciono particularmente la visión de Arthur Danto, con su noción de arte poshistórico. En el texto “La pintura moderna” (“ Modernist Paint ”), Greenberg define la esencia de la modernidad, como una disciplina que está posibilitada para criticarse a sí misma. Su método, bajo esta autocrítica, implica que el arte “ se vuelva puro ”, noción tomada de Kant de la razón pura, entendiendo éste como aquel conocimiento que prescinde de empirismo, es decir, es a priori. Greenberg identifica la noción de pintura pura con el plano, no exento de representación, pero sí negando el ilusionismo del espacio tridimensional, perteneciente al paradigma anterior del arte, propio de la lógica vasariana, en tanto heredera de la dimensión escultórica y puesta en crisis con Manet. Materializándose en Mondrian, Malevich o Reinhardt, quienes intentaron definir la pintura pura. Las preguntas oscilaban sobre qué es la propia pintura, y el acto mismo de pintar se volvió, a la vez, una investigación filosófica acerca de su naturaleza. El modernismo es la edad de la autocrítica, -advierte Danto- y la práctica del arte se volvió una autocrítica de ese mismo arte decantando en una pureza que significa “autodefinición” (Danto)
“El arte es entonces su propio sujeto y, en el caso de la pintura…., el sujeto de la pintura fue ella misma”^1 .Eliminando cualquier efecto que pudiera catalogarse de impuro, es decir, algún medio ajeno, matriz purificadora analogía de los totalitarismos, propio de la “sintomatología de la era de los manifiestos”^2 Greenberg celebró las obras de arte de Pollock, llamándolo el mayor pintor norteamericano del siglo XX, admitiendo que las obras de arte no se podían reducir en su totalidad, o en parte, a algo que no sean ellas mismas , una obra que no significa sino, que es , relato utópico que desemboca en las propuestas materiales como Brillo Box. En “la crisis de la pintura de de caballete” Greenberg exhorta acerca de una pintura que se aproxima a la condición de pared, “decoración” o disolución en la pura mezcla, desde el contenido a la superficie, con una pincelada que ofrezca una imagen sin formar parte de su significado, llegando- la pintura- a ser un fin más que un medio, criticando a su vez el efecto kitsch de las vanguardias. La pureza del arte, según la postura de Greenberg, se materializa en los salpicados ondulantes de Pollock que mediante su técnica del dripping, salpica sobre el lienzo tendido en el suelo, aboliendo el espacio pictórico mediante un gesto y exacerbación matérica, operando como una instantánea, llamada polifónica, (de acuerdo a la música de Schöenberg donde los doce sonidos son equivalentes), al igual que la pintura de Pollock, imperando lo impulsivo, lo insospechado, en madejas de pintura goteada evidenciando lo inacabado, metáfora del tiempo, rapidez, brevedad, atacando, y violando la tela, estando en la pintura, en el acto puro, de gran formato eliminando la profundidad, la divina ascensión de la pintura por el muro y el caballete. Estas descripciones las podemos apreciar en obras como “Composición nº 1”donde la tela esta compuesta completamente de pigmento, («all over»), denotando horror vacui , característico en la obra de Pollok, realizada con rapidez y automatismo, sin elementos ajenos al acto puro de la pintura y la ejecución libre por tanto, no posee un tema, ni un espacio determinado, ni una disposición compositiva, ni figuración, no hay nada que descifrar.
(^1) Danto, Arthur Coleman, Después del fin del arte: el arte y el linde de la historia , Traducción de Elena Neerman, Barcelona:Paidós 1999, p.89 2 Ibid. p. 92
agentes de subjetividad, Warhol carecía de esa individualidad al plantear que es lo que es, y nada detrás. El Pop revelaba la naturaleza elitista y esotérica de la tradición moderna y volvía a mostrar la simbiosis arte-mercado, que las vanguardias históricas se empeñaban en ignorar, decantando en una manifestación efímera, consumista, fetichista, a gusto del consumidor, en la era de la posguerra, reproduciéndola miméticamente, desplazando el aura hacia los medios. Warhol que provenía de la publicidad, transita entre la crítica y el mercado, adhiriendo a ambos, produciendo repetición, seriación, difusión, simulacro y tensionado entre la línea que considera la cultura de masas, bella o cosmética y la línea vital y catastrófica, tensionándose ambas. La imagen de mass media de Warhol está desprovista de individualidad, es superficial, nada más que apariencia, pertenencia directa del mercado y el arte, deviniendo este último en mercancía, desapareciendo el remanente romántico entre espectador y artista, o cultura de elite y masas, desde el dandy de Baudelaire hasta el ícono Warhol En el caso de las Brillo Box de Warhol, Danto se pregunta: “¿por qué las cajas de Warhol eran obras de arte… (y por qué) había que presentarlas como esculturas en innumerables exposiciones, mientras que las cajas del supermercado no eran más que contenedores de papel aptos para infinitos propósitos utilitarios…? ”^3 Más adelante se pregunta: “¿Cómo puede una cosa ser una obra de arte cuando no lo es otra que se le parece mucho?”^4 poniendo en evidencia la crisis identitaria del objeto y la obra de arte. Piensa que ese momento histórico, el del fin del arte, llegó en los sesentas, con Warhol. Para Danto, Warhol no sólo había propuesto la idea de que cualquier cosa podía ser arte, sino que en cierto sentido había querido decir que nadie puede decir cuándo algo es una obra de arte simplemente con mirarla, pues el arte no tiene y no va a tener una apariencia particular, de ahora en adelante. El resultado de esto era que no se puede enseñar el significado de arte mediante ejemplos. Definitivamente existe una diferencia entre el arte y el no-arte, entre las obras de arte y lo que Danto llama las “meras cosas reales”; pero lo que
(^3) Danto, Arthur C. Más allá de la Caja Brillo. Las artes visuales desde la perspectiva poshistórica 4 [1992], Traducción de Alfredo Brotons Muñoz, Madrid: Akal, 2003, p. 14. ibid. p. 15.
Warhol nos enseñó era que no hay modo de discernir la diferencia mediante la mera observación. La demostración de que las diferencias son invisibles despojaba radicalmente al ojo de toda utilidad filosófica, cuando éste había sido apreciado como el órgano estético esencial pues la diferencia entre el arte y el no-arte era de carácter visible. “Vivimos en una época en la que cualquier cosa puede ser una obra de arte, en la que las obras de arte pueden estar hechas de cualquier material que se desee y donde no hay criterios perceptivos en virtud de los que algunas cosas sean obras de arte y otras cosas no lo sean. El arte contemporáneo celebra el pensamiento proyectado por obras que, hablando estéticamente, pueden tener muy poca distinción. ”^5
En el caso de la línea cosmética, un ícono del cine de enorme fama como una fotografía de Marilyn Monroe, es para Warhol “un código visual que podía descifrarse en una síntesis gráfica: el cabello rubio, la mirada melancólica y los labios sugerentes, podían ser esquematizados en estructuras autónomas, que pintadas con tinta serigráfica de colores eléctricos, ofrecían una alternancia plástica al conocido rostro de la actriz de cine; es ella, pero no lo es, puesto que su icono ideal se sustituye en un proceso simplificador, para convertirse en un estereotipo, en un esquema de márgenes imprecisos y casi anónimos”^6
Otra línea de Andy Warhol quien al utilizar la fotografía serigrafiada (testimonio de lo real, respeto por el momento, por el objeto), “mediante la impresión seriada de un mismo tema con ligeras variantes de color. Descontextualizaba el sujeto y objeto representado en el cuadro. Desnaturalizado, creaba un fenómeno de obsolescencia de la imagen, anulando el carácter intrínseco de la misma, descargándola de su significación inmediata; “cuando vemos varias veces repetidas una fotografía macabra, termina por no hacernos ningún efecto”, sentenciaba Andy Warhol, para confirmar que las representaciones visuales, por muy duras o execrables o familiares que sean, pueden ser aceptadas si se desvirtúa su sentido primigenio al ser insertadas en otro contexto”^7 .-
(^5) ibid. , p. 13. (^6) Andy Warhol; “Mi filosofía de A a la B y de B a la A" Por "Adolfo Vásquez Rocca" http://revista.escaner.cl/node/
(^7) Ibid.
Catedral Jackson Pollock. Esmalte y pintura alumínica sobre lienzo. 181.6 x 88.9 cm .1947. Museo de Arte de Dallas, Texas
- Andy Warhol, Brillo Box,
- Marilyn Monroe, Andy Warhol,
Bibliografía
Argan, Giulio Carlo: El arte moderno. Ed. Akal. España, 1991. Marchán Fiz, S.: Del arte objetual al arte de concepto. Ed. Akal, Madrid, 1994. Menna, Filiberto: La opción analítica en el arte moderno. Ed. Gustavo Pili GG, Barcelona, 1977 Danto, Arthur Coleman: Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia ; [traducción de Elena Neerman] .Ed. Paidós, Barcelona, c1999. Glusberg, Jorge: Modernismo / postmodernismo Jorge Glusberg; [prólogo de Gianni Vattimo]. Ed. Emecé, Buenos Aires, 1992 Compagnon, Antoine: Las cinco paradojas de la modernidad; [traducción de Julieta Fombona Zuloaga]. Ed. Monte Ávila Andy Warhol; “Mi filosofía de A a la B y de B a la A" Por "Adolfo Vásquez Rocca" http://revista.escaner.cl/node/ Consultada 17 de junio 2009, 23: Benjamin, Walter: La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica (URTEXT) / Walter Benjamin; [traducción Andrés E. Weikert].Ed. Itaca, México, D.F, 2003
