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IMPRESIONISMO
Pescadoras Valencianas 1903
Es una obra perteneciente al pintor impresionista Joaquín Sorolla. Corresponde a su etapa de culminación (1900-1910), donde crea sus mejores obras y en las que la indiscutible protagonista es la luz. En sus diferentes viajes a París absorbe de los nórdicos su especial tratamiento de la luz, de dónde le deriva su luminismo. En París se empapa además de los diferentes ismos que se están desarrollando y con los que experimentará en sus obras. Su interés por el costumbrismo español y en especial por el marinero queda bien reflejado en esta obra figurativa, protagonizada una vez más por mujeres. Los colores son suaves y resaltan los blancos de los vestidos sobre la arena y el fondo del azul del mar. De igual manera queda bien reflejado su entusiasmo por plasmar la luz del Mediterráneo, en la obra vemos como esta luz incide en los cuerpos de las pescadoras creando juegos de sombras. Este juego con la luz y la captación de la brisa marina a través del movimiento de las faldas consiguen trasladarnos a la atmósfera del momento, es una escena cotidiana pero la impresión fugaz de ese momento concreto hace que sea un cuadro cautivador.
Niños en la playa 1910
Importancia de la luz una vez más en las obras de Sorolla. Lo característico de esta pintura es que las figuras se funden prácticamente con su entorno, la progresiva indefinición de las formas. Niños en la playa se acerca a la abstracción solo rota por los cuerpos de los niños. El protagonismo de la obra reside en la captación del movimiento de las olas, vemos como juega con esto utilizando tonos casi morados en la arena. Es una como una instantánea, la captación de un momento fugaz reflejada en el movimiento del agua, el reflejo de los cuerpos en la arena y como estos se funden con ella.
MODERNISMO
Parque Güell 1900-
Es un parque público con jardines y elementos arquitectónicos situado en la parte superior de la ciudad de Barcelona. Fue diseñado por el arquitecto Antoni Gaudí, máximo exponente del modernismo catalán el cual se desarrolla con especial fuerza en España. El modernismo supone la transición entre dos siglos (XIX y XX), entre tradición y religiosidad y el surgimiento de las innovaciones técnicas. La burguesía seguía defendiendo un arte vinculado al pasado pero más refinada, mientras que los modernistas creían en la libertad creativa y en que el arte no debe ser un reflejo objetivo de la realidad. La Revolución Industrial provocó la disociación de vida cotidiana y belleza y precisamente es esto lo que los modernistas querían fusionar la vida y el arte. Frente a la fealdad de la producción en serie defendían la belleza, la originalidad y el refinamiento, crean un estilo decorativo basado en formas inspiradas en la naturaleza.
El parque Güell es reflejo de la plenitud artística de Gaudí y pertenece su etapa naturalista. Es una obra en la que el artista perfecciona su estilo personal a través de la
inspiración en las formas orgánicas de la naturaleza, para ello se basa en sus profundos estudios de la geometría reglada. Para Gaudí el arte tenía que ser seductora, colorida y ornamentada y esta obra lo cumple a la perfección. Vemos ese juego con la línea que otorga a su obra formas y volúmenes desprovistos de rigidez, partiendo de cierto barroquismo le da a la obra gran riqueza estructural, todo ello dado por la gran originalidad y libertad creativa del artista. Además es un conjunto impregnado de un fuerte simbolismo, ya en los elementos comunes del parque están sintetizados muchos de los ideales tanto políticos como religiosos que compartían mecenas (Güell) y arquitecto (Gaudí).
La Sagrada Familia 1882
Diseñada por el arquitecto Antoni Gaudí. Iniciada en 1882 y todavía está en construcción. Es la obra maestra de Gaudí, y el máximo exponente de la arquitectura modernista catalana. Es uno de los monumentos más visitados de España, junto al Museo del Prado y la Alhambra de Granada, y es la iglesia más visitada de Europa tras la basílica de San Pedro del Vaticano. Trabajó en ella durante la mayor parte de su carrera profesional, pero especialmente en los últimos años de su carrera, donde llegó a la culminación de su estilo naturalista, haciendo una síntesis de todas las soluciones y estilos probados hasta aquel entonces. En esta obra consigue la armonía perfecta entre elementos estructurales y ornamentales, entre contenido y continente, logrando la integración de todas las artes en un todo estructurado y lógico. Desde 1915 Gaudí se dedicó prácticamente en exclusiva a la Sagrada Familia, después de la realización de la cripta y el ábside, todavía en estilo neogótico, el resto del templo lo concibió en un estilo orgánico, imitando las formas de la naturaleza, donde abundan las formas geométricas regladas. El interior debía semejar un bosque, con un conjunto de columnas inclinadas y de forma helicoidal, creando una estructura a la vez simple y resistente. Gaudí aplicó en la Sagrada Familia todos sus hallazgos experimentados anteriormente en obras como el parque Güell , consiguiendo elaborar un templo estructuralmente perfecto a la vez que armónico y estético. Además es una obra cargada de un alto contenido simbólico, pues cada rincón está dotado de un sentido religioso, como el cuadro mágico de 16 cifras. Este cuadro está formado por 16 cifras que al sumarse de 4 en 4 en cualquiera de los sentidos siempre dan el número 33, que es la edad de la muerte de Jesucristo.
SURREALISMO
La persistencia de la memoria 1931
En la imagen aparece representado lo que parece un paisaje onírico, con espacios dilatados, en los que los elementos se disponen de forma caprichosa. En un primer plano aparece lo que podría ser un cajón o mesa de madera, sobre ella dos relojes y una rama de un árbol sin hojas. Uno de los relojes se muestra con una textura mórbida y sobre el que se encuentra una mosca. El reloj más pequeño se encuentra cubierto de hormigas. Sobre las ramas de lo que parece el árbol aparece otro reloj de masa mórbida o blando. En el centro del óleo encontramos lo que parece una cara aunque de formas raras. La extraña figura parece dormir sobre la arena y sobre ella se encuentra otro reloj
amor por el toreo no es de extrañar la temática taurina en su pintura, que muestra lo rudo, tosco y lo rural, lo castizo y lo español.
CUBISMO
La Ventana abierta 1921
Juan Gris desarrolló su inconfundible estilo cubista que le haría famoso en todo el mundo, por las influencias recibidas de Cézanne, Picasso y Braque. El tema de las ventanas abiertas fue un recurso recurrente para combinar espacios interiores y el exterior de manera muy original y personal. Poco a poco sus composiciones se van haciendo más rigurosas, simplifica los elementos despojándolos de todo lo anecdótico y los construye a base de retazos coloreados cada vez más planos, con líneas más rígidas y ángulos más duros. Sobre una mesa coloca una guitarra, una partitura, un frasco y unas castañas. Detrás, una ventana, el mar, unas montañas y el cielo azul. La mesa se convierte en el alféizar de la ventana. Los objetos van apareciendo, metiéndose unos en otros. Todos están vistos desde un punto diferente y utiliza el sombreado para dar la sensación de profundidad. Los elementos son figurativos, se identifican fácilmente.
EXPRESIONISMO
Los cuatro dictadores
Eduardo Arroyo es uno de los forjadores de la figuración crítica que nace en la España del desarrollismo durante la década de 1960. Arroyo, a partir de su exilio forzoso en París, elabora los fundamentos de un imaginario asociado a la crítica de la realidad política española, a la naturaleza del papel del artista alienado por la distancia impuesta y al análisis del sentido de los lenguajes canónicos de la vanguardia, convertidos ya en convenciones. Mediante una figuración conectada a la del arte pop, con elementos abiertamente expresionistas, el políptico Los cuatro dictadores reúne en imágenes paralelas a Franco, Salazar, Hitler y Mussolini en un gesto asociativo que recuerda los oscuros orígenes, vinculados a los totalitarismos de entreguerras, de los regímenes dictatoriales que perviven en la Península Ibérica y buscan su homologación con las democracias occidentales. Los cuatro personajes aparecen representados como peleles formados por un amasijo de vísceras, decorados con elementos relativos a la iconografía dictatorial construida por cada uno de ellos, y con detalles que remiten a hechos históricos (referencias como los alambres de espino de los campos de concentración en la efigie de Hitler o el bombardero y los manifestantes en la imagen de Franco). Entre lo grotesco, lo infantil y lo animal, pero abiertamente políticos, los cuatro retratos de Arroyo le supusieron su veto definitivo en España tras su presentación en la III Bienal de París.
