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Departamento de Geografía e Historia. IES FRAY PEDRO DE URBINA TEMA 10.- ESCULTURA Y PINTURA GÓTICAS LA PORTADA GÓTICA: LEÓN Y BURGOS. LA PINTURA GÓTICA: GIOTTO. LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS.)-
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La escultura gótica surge de la evolución que la escultura románica había vivido entre los siglos XI- XII. Podemos considerarla como continuadora de ésta, aunque al mismo tiempo muestra muchas diferencias. Así, si la escultura románica del siglo XI era antinatural y simbólica, la escultura gótica del siglo XIII se carga de naturalismo y humanidad. Esto es signo de que la religión cristiana también ha cambiado desde un plano más divino a uno más humano en este mismo período.
Efectivamente en el siglo XIII la religión cristiana se hizo más cercana a los hombres. Cada vez se tiene menos en cuenta a Dios como un ser lejano y justiciero tal y como lo representaba el Pantócrator Románico. Los cristianos prefieren en el siglo XIII un Dios-hombre, más cercano a ellos y más comprensivo con sus pecados. San Francisco de Asís influye en el nuevo gusto por representar la naturaleza en el Arte. Así, en conexión con las ideas de San Francisco, el Arte Gótico tiene un interés especial por la naturaleza y representará la vegetación de una forma natural y realista.
La escultura gótica fue evolucionando desde la serenidad inicial del siglo XII, románica aún, a la majestuosa belleza idealizada del XIII, pasando por una fase sinuosa y amanerada en el XIV hasta llegar en el XV a un marcado realismo. Hay que hacer hincapié en la importancia del naturalismo, del estudio anatómico, del movimiento y normalidad de pelos y pliegues de las esculturas góticas. Las figuras de las portadas, arquivoltas, parteluz y en los retablos, irán bajo doseletes.
Materiales. El más habitual es la piedra caliza en las esculturas adosadas a la arquitectura o en la escultura funeraria. La madera se utiliza en retablos, sillerías y escultura exenta. El alabastro se utiliza en tumbas, retablos y escultura exenta.
La escultura de piedra y madera se pinta. En la escultura de madera se utiliza la técnica del estofado, un procedimiento muy elaborado y efectista. El estofado consiste en cubrir la superficie de la estatua con panes de oro, sobre él se pinta y después se esgrafia la pintura de los ropajes para conseguir que el oro brille a través de los colores. El pelo rubio se consigue directamente con los panes de oro, mientras que la piel humana se consigue con las carnaciones.
La escultura conservó y acrecentó su monumentalidad en las grandes portadas de los templos, donde se explicaban las verdades bíblicas. Las esculturas de las arquivoltas se sitúan longitudinal y no radialmente como ocurría en las portadas románicas. Uno de los temas más habituales de las portadas góticas es el Juicio Final. Este tema ya aparecía en el Románico, pero en el Gótico la Virgen tiene una gran importancia, así se le representa en el parteluz como Madre de Cristo o bien en el tímpano con el tema de la Deesis (la intercesión de la Virgen y San Juan ante Cristo por la salvación de los hombres). Aparecieron nuevas iconografías (Cristo con tres clavos, Virgen dialogando con el Niño, Piedad...) Desapareció la importancia de las representaciones en los capiteles. Estos se convirtieron en meras cintas de vegetación.
A medida que avanza el Gótico en los siglos XIV-XV se generaliza la escultura yacente sobre sepulcro y el retablo. Entre los sepulcros destacan los que tienen forma de túmulo con la estatua yacente del muerto sobre él. También, a partir del siglo XV aparece el difunto arrodillado en actitud orante, e incluso en otras posturas. Los retablos de madera o alabastro, completamente pintados. Las esculturas están cubiertas por recargadas polseras o guardapolvos.
Elementos Formales: la escultura gótica es naturalista. Así las esculturas rompen la frontalidad y se
comunican entre sí con la mirada y los gestos. Incluso a menudo se imita el contraposto clásico aunque de una manera exagerada y amanerada (estructura compositiva en líneas quebradas, zig-zag). Hay un gran cuidado por la proporcionalidad de los miembros, el estudio anatómico y los pliegues de los ropajes. Los rostros son naturalistas y proporcionados, sin embargo, continúan siendo bastante uniformes y convencionales, carecen de vida y su mirada aún es algo hierática. Ésta será la constante de la escultura gótica hasta la aparición Claus Sluter que en torno a 1400 empieza a individualizar los rostros en el Pozo de Moisés.
ESCULTURA CASTELLANA EN EL SIGLO XIII
A partir de 1230 varias portadas del Gótico Castellano fueron realizadas por cuadrillas de escultores franceses o muy influidos por los estilos escultóricos del norte de Francia. Estas portadas se caracterizan por su perfección técnica, idealismo y belleza formal. En Castilla se imitará rápidamente el arte francés, pero estos escultores hispánicos desarrollan un estilo mucho más expresivo, aunque de técnica no tan depurada.
Catedral de Burgos: En la Puerta del Sarmental (1230-1240) se ha representado un tema arcaizante muy habitual en el Arte Románico: la visión apocalíptica de San Juan: en el tímpano se sitúa el Pantócrator que nos bendice desde su trono rodeado del Tetramorfos, en las arquivoltas se ubican los ancianos músicos del Apocalipsis con instrumentos musicales medievales. En el parteluz se representa al Obispo Mauricio, constructor de la iglesia, y en las jambas santos y profetas. La correcta ejecución de estas estatuas permite relacionar dicha portada con el maestro de Beau Dieu de Amiens. El Pantócrator muestra unas proporciones anatómicas correctas y un rostro natural aunque inexpresivo. Los evangelistas parecen cuatro copistas medievales que se inclinan sobre sus tableros y al mismo tiempo se adaptan al marco del arco ojival de forma natural y no forzada. Quizá lo más llamativo son los músicos que tañen sus instrumentos medievales en posturas perfectamente naturales y realistas fruto de una observación minuciosa de la realidad por parte del escultor. Los rostros continúan siendo convencionales e inexpresivos. El relieve de dintel presenta los doce apóstoles sentados. Cada uno tiene un libro, los evangelios que escribieron los cuatro evangelistas del tímpano, y parecen meditarlo, abstraídos o comentando o consultando con el vecino. En la jamba de la izquierda sacerdotes del Antiguo Testamento (Moisés y Aarón) y a la derecha del Nuevo Testamento (Pedro y Pablo).
En la Puerta de la Coronería (1240) también de la catedral de Burgos se representa la Deesis y el Juicio Final en el que Cristo está flanqueado por la Virgen y San Juan que actúan de intercesores. Mientras tanto, bajo ellos un ángel pesa las almas y los muertos resucitan en las arquivoltas. Según algunos autores este estilo se asemeja mucho a algunas estatuas presentes en Reims, aunque debió ser realizado por autores peninsulares. El estilo de la Coronería es menos idealizado que el del Sarmental e incluso las esculturas de las jambas son mucho más frontales y de factura menos cuidada. En el mismo estilo de la Coronería se realizaron las estatuas del Claustro (1270-1290), en las que destaca la Anunciación de la puerta, la Adoración de los Magos en un pilar del claustro y las estatuas que representan a Alfonso X y Doña Violante.
Catedral de León: En la Fachada Principal se representa el Juicio Final y la Deesis. La influencia francesa es evidente en este tema, sin embargo, como ocurre en Burgos, las esculturas de las jambas son más frontales y arcaizantes. En la parte del dintel de los Bienaventurados (parte izquierda) hay una normalidad de reunión de plaza mayor, en sus posturas, vestimentas, pliegues, movimientos, perspectivas...Realismo castellano en un ambiente relajado donde vemos un rey, monjes, músicos, artesanos, obispos...siendo recibidos por un Pedro bendiciéndoles...En el centro del dintel, encima del parteluz, aparece el arcángel Miguel con un perfil realista y hermosa túnica, pesando las almas. A la derecha se representa el infierno: dos enormes perolas sobre fuego, donde son arrojados los condenados, tres monstruos devoran pecadores...
vírgenes se ha evolucionado de las románicas en su dulzura. Se han humanizado. Están policromadas y se empezó a aplicar la técnica del estofado. Las Piedades son representaciones de la Pasión de Cristo, en que aparece María sentada con su hijo recién bajado de la cruz, muerto en su regazo. Son de origen nórdico (alemán) y su culto se extendió en el siglo XV por toda Europa. Son muy patéticas.
PINTURA GÓTICA
Si la escultura gótica muestra una evolución estilística y temática muy marcada, la vertiente artística que más transformaciones experimenta entre los siglos XIII y XV es la pintura. La pintura gótica anterior (S. XIII) se mantiene dentro de la influencia de lo bizantino, lo que se denomina a la "maniera greca": fondos dorados, sin perspectivas. La pintura del siglo XIII, denominada Gótico Lineal o Franco-Gótico es continuadora de la pintura románica y está muy vinculada formalmente al arte de las vidrieras y al fresco. Sin embargo, durante los siglos XIV y XV la pintura de los Primitivos Italianos y de los Primitivos Flamencos revolucionó el concepto de la imagen medieval (desarrollo de la tridimensionalidad, claroscuro, temática más humana, etc.). Algunos autores consideran a estas muestras pictóricas como los primeros precedentes del arte del Renacimiento.
PINTURA DEL TRECENTO O DEL ESTILO ITALOGÓTICO (PRIMITIVOS ITALIANOS)
El Estilo Italogótico nace en Italia y se produce durante el siglo XIV. Es un período en el que empiezan a emerger las ciudades-estado italianas que protagonizarán el Renacimiento a partir del siglo XV (Florencia, Siena, etc.). Se trata de zonas urbanas y muy ricas en las que los pintores desarrollan una técnica muy elaborada y enormes innovaciones desde el punto de vista formal.
El Trecento se puede considerar el precedente más temprano del Arte del Renacimiento. Un signo de esto es que por primera vez desde la Antigüedad empezamos a conocer perfectamente la vida y obras de los artistas que lo protagonizaron. Esto es signo de que el oficio de artista supera la barrera del mero artesano y se empieza a idealizar y valorar.
Técnicas y materiales: los pintores italianos del siglo XIV centraron sus realizaciones en la pintura mural al fresco y en la pintura al temple sobre tabla.
Temática: los temas son religiosos como ocurre en el resto de la pintura medieval, pero también se pintan ciertos temas profanos. La temática es muy variada, aunque en Italia tenemos que destacar los temas sobre la vida de San Francisco de Asís, el santo italiano del siglo XIII que propugnó una religión más sencilla y humana. Otro tema muy frecuente es el de la Madonna en Maestá (Virgen entronizada con el niño rodeada de ángeles y de santos), tema de influencia bizantina y tradición románica, aunque gana en humanidad y naturalismo. También son muy habituales los temas profanos algo que encaja con la nueva visión del mundo que tiene el Temprano Renacimiento.
Elementos formales. Dominio del dibujo sobre el color. El dibujo va ganando en madurez y precisión. El color se empieza a modular en intensidad gracias al desarrollo del claroscuro. Con ello se consigue dar efecto de volumen y tridimensionalidad. Dichos volúmenes son a menudo rotundos pues se inspiran en formas geométricas como ocurre en las pinturas de Giotto. Los colores son normalmente apagados, sobre todo en la pintura al fresco, y son algo más saturados y brillantes en la pintura al temple. La luz es difusa pues ilumina toda la escena por igual
Existe la intención de crear la sensación de profundidad, pero los primitivos italianos no conocen aún las leyes de la perspectiva, pero intuyen la idea de las líneas de fuga oblicuas. Para enfatizar la sensación de profundidad a veces se valen de arquitecturas, alineamiento de personajes, a la manera como lo hacían los romanos.
El espacio es intencionadamente limitado. El espectador se encuentra fuera de ese espacio que, a su vez se limita a la escena pintada. No se sugiere la idea de espacio ilimitado e infinito fuera del cuadro. A veces se recurre incluso a arcaísmos como el de los fondos dorados que actúan de pantalla o telón de fondo.
Los primitivos italianos desarrollan un arte aparentemente ingenuo y narrativo, que a primera vista nos parece arcaico, muy similar al de las pinturas Franco-góticas, sin embargo, su arte es cada vez más natural y realista, especialmente en el tratamiento de la figura humana. Llama la atención el fuerte contraste que se produce en la pintura de Giotto: una gran preocupación por la proporción, anatomía, volumetría e incluso gestualidad de los personajes; una despreocupación casi total por el paisaje, el cielo, etc. La pintura de Giotto es intensamente humanista, el ser humano es el protagonista (este antropocentrismo anuncia el Renacimiento). Sus escenas religiosas están cargadas de dramatismo (son famosos los logrados gestos de los personajes mediante los ojos rasgados).
En la Escuela de Florencia destaca Giotto (1226-1337) que realizó los Frescos de la Capilla degli Scrovegni en la Arena de Padua (1303-1305). Estos frescos murales que recorren los muros de la capilla están organizados en ciclos, estableciendo un paralelismo entre la vida de la Virgen y la Vida de Cristo. Así entre los paneles más interesantes se encuentran: la Anunciación a Santa Ana, el encuentro de San Joaquín y Santa Ana, la Huída a Egipto, el Santo Entierro y el Noli me tangere.
También destaca la decoración de la Iglesia de Asís , con imágenes de la vida de San Francisco y la decoración de la Capilla Bardi de la Santa Croce en Florencia con la representación de la muerte de San Francisco. Mucho más arcaizante es la Madonna de Ognissanti de los Uffizi de Florencia. Giotto es el gran genio del Trecento, posiblemente el pintor más innovador de su tiempo.
Los pintores de la Escuela de Siena, con una gran influencia bizantina, se preocuparon del color vivo y de la suavidad de las formas. Introdujeron los temas paganos, las alegorías y los retratos en la pintura gótica tardía. Duccio da Buoninsegna (1255-1319) que realizó la Maestá de la Catedral de Siena, Simone Martini (1.284-1344) que pintó la Anunciación de los Uffizzi y los Hermanos Lorenzetti que pintaron los Efectos del Buen Gobierno en el Palazzo Comunale de Siena.
Con motivo del traslado de la Corte Papal a Avignon en el siglo XIV, algunos pintores italianos como Simone Martíni viajaron a Francia. De este modo se mezclaron las características del Estilo Franco- Gótico con los avances conseguidos por los Primitivos Italianos. De este modo nació el Estilo Gótico Internacional que dominó la pintura europea entre fines del siglo XIV y principios del siglo XV. Una de las manifestaciones más impresionantes de este estilo son las miniaturas de los libros de horas. Por ejemplo Las Muy Ricas Horas del Duque de Berry de los Hermanos Limburgo.
LA PINTURA DE LOS PRIMITIVOS FLAMENCOS (SIGLO XV)
La pintura de los primitivos flamencos surge en torno a los dominios de los Duques de Borgoña en Flandes (actual Bélgica), una de las zonas más urbanizadas de Europa. El tercer Duque de Borgoña, Felipe el Bueno y su Canciller Rolin fueron los mecenas de Jean Van Eyck y de Roger Van der Weyden en torno a 1430. Desde el punto de vista pictórico la pintura de los primitivos flamencos significa un impresionante avance técnico y formal frente al Gótico Internacional.
Hacia 1435, los Hermanos Hubertus y Jean Van Eyck desarrollaron la técnica de la pintura al óleo y un estilo de un impresionante realismo y habilidad técnica.
Existe una gran diferencia entre la consideración del artista flamenco y del primitivo italiano. Así, en
El espacio es ilimitado, se sugiere la existencia de espacio real más allá de los márgenes del cuadro. Incluso a veces el espacio en el que se encuentra el espectador es una “continuación” del espacio de la obra de manera que se genera la ilusión de que el espectador está dentro de la escena. El pintor se vale para ello de diferentes recursos (espejos, suelos que se cortan en el margen inferior de la pintura, miradas de los personajes hacia el espectador).
La pintura de los primitivos flamencos destaca por su perfección técnica y formal. Los pintores son auténticos maestros conocedores de su oficio. Sin embargo, hay fuertes contradicciones entre la habilidad por representar las calidades y la luz con un acentuado naturalismo y la incapacidad de representar la perspectiva fielmente (a veces los errores de perspectiva son muy torpes). Los cuadros flamencos parecen rodeados de un ambiente misterioso que encaja con su misticismo religioso.
Hay que destacar a los hermanos Hubertus y Jean Van Eyck (1390-1441). Estos realizaron el Políptico de la Adoración del Cordero Místico para la Iglesia de San Bavón de Gante. El interior del Políptico está organizado en dos registros. El registro inferior representa la adoración del cordero en un jardín paradisíaco realizado con una minuciosidad casi científica. Hasta ese lugar acuden muchedumbres desde los cuatro puntos cardinales para adorar a Cristo y su sacrificio (jueces, caballeros, santos y santas, padres de la Iglesia, ermitaños, etc.). La escena está presidida desde el registro superior por Dios Padre flanqueado por San Juan y la Virgen, los ángeles músicos, Adán y Eva. Toda la representación es muy medieval tanto en su temática y en su composición rígidamente simétrica, pero los elementos formales de la obra indican la nueva preocupación por la profundidad, los detalles, la sensualidad de la anatomía, elementos propios del Renacimiento. En el exterior organizado en dos registros, se representa a los donantes arrodillados ante la escena de la Anunciación que se desarrolla en el registro superior. La Virgen María parece más bien una mujer rica de la burguesía flamenca que se ve sorprendida en su hogar por el ángel de la anunciación. A través de una ventana se puede entrever las calles de una ciudad.
Jean Van Eyck también realizó el Matrimonio Arnolfini. Este enigmático cuadro representa un contrato matrimonial en el que el pintor actúa como testigo ("Jean Van Eyck estuvo aquí"). La promesa de matrimonio se realiza en una habitación repleta de los elementos propios de una casa que, en este caso tienen significados simbólicos que hay que desentrañar (el perro, las zapatillas, la manzana, la vela encendida, etc).
La Virgen del Canciller Rolin es otra de las obras importantes de Van Eyck. En ella Rolin, canciller de Borgoña se muestra "humildemente" arrodillado ante la Virgen, mientras a través de la ventana aparece un paisaje ficticio, un puente y una ciudad. Según algunos autores, el cuadro celebraría la gloria de Rolin al conseguir la paz con Francia en el Tratado de Arrás. Sin embargo, se trata nuevamente de una obra llena de misterio.
Robert Campin, presunto Maestro de Flemalle realizó el Tríptico de Werl y fue maestro de Roger Van der Weyden.
Roger van der Weyden (1400-1464) f ue uno de los pintores flamencos que más ha influido como creador de composiciones, especializándose en tema marianos cargados de gran patetismo y dramatismo. Tal vez su mejor obra sea el Descendimiento (del Museo del Prado). Las figuras tienen tal modelado que dan sensación de ser relieves, magníficos retratos y una composición en diagonal, posición extraordinariamente cerrada, que imita la disposición de las esculturas en los retablos y el Juicio Final del Hospital de Beaune.
J erónimo Bosch (el Bosco) (1450-1516) representa a la tradición gótica alemana. Pintor de una extraordinaria originalidad, no sólo por los temas, sino por el sentido humorista y burlesco con el que
trató su pintura alegórica y moralista. Dibujo preciosista.
El carro de heno, donde la multitud trata de ascender al placer, carro tirado por monstruos...
El jardín de las delicias, que es de una interpretación poco clara: montañas fantásticas, peñascos atravesados por tubos de cristal, hombres desnudos cabalgando sobre animales y monstruos, un gran estanque donde se bañan jóvenes de ambos sexos, grandes fresas que simbolizan lo pasajero de las delicias terrenales. Temas un tanto medievalistas frente al espíritu pagano del naciente Renacimiento.
Tuvo mucho éxito en España. Le encantaba a Felipe II. Así sus mejores obras están en El Prado.
0 0 El eco de la pintura flamenca en Espa (^) F 1 a.
La pintura gótica española de finales del siglo XV estará fuertemente influida por la que se estaba realizando en Flandes. La razón de esta influencia, y no la italiana, será por causas 0 0 político (^) 1 Eeconómicas. La pintura española tendrá todas las características de la pintura flamenca: detallismo, minuciosidad, calidades, paisajes, retratista, pliegues acartonados de las vestimentas, dramatismo...
Lius Dalmau. 0 01 E Estudió con van Eyck en Flandes. A su regreso a Valencia pintó La Virgen de los Consellers en la que se puede apreciar la asimilación que hizo de la pintura del maestro flamenco: monumentalidad, las curvas de los pliegues semejan a los de Van Eyck. Los consellers son auténticos retratos que manifiestan con rigurosa fidelidad los rasgos individuales del personaje.
Bartolomé Bermejo. 0 01 ESus formas recias, casi escultóricas, dan a su obra una impresión de gran monumentalidad a los que se añade un gran sentido de la elegancia. Entre sus obras pueden citarse Santo Domingo de Silos (El Prado). En este monumental cuadro, Bermejo retornó a los recursos medievales, casi bizantinos, para transmitir solemnidad y eternidad. Por eso empleó fondos dorados, muy planos, con estofados y relieves y, especialmente, recurrió al hieratismo y frontalidad de la figura.
Su Piedad del arcediano Desplá en el que todo hace pensar en un artista flamenco: la composición de estructura triangular, el plegado de las telas y ese paisaje en el que, incluso, la iglesia es del norte de Europa; pero, sin embargo, los tipos, sobre todo, los rostros son recios y dramáticos retratos de raigambre española.
