¡Descarga ARTE SIGLO XVI y más Apuntes en PDF de Historia del Arte solo en Docsity!
ARTE SIGLO XVI.
Tema 1: Observaciones conceptuales.
Cinquecento. Es la denominación para el renacimiento italiano del siglo XVI (1500)
Renacimiento. Es el término general en Europa e Hispanoamérica del arte del siglo XVI.
Renacimiento nórdico. Es el arte que se desarrolla en Alemania, Países Bajos, Suecia etc.
Los términos que han creado más controversia son renacimiento clásico y manierismo. Se ha llegado a la conclusión de que no corresponden a dos momentos distintos, no es una sucesión de estilos sino que se desarrollan de forma paralela.
Rafael, Virgen del pez (1513-1514) Tiziano, La Asunción (1516-18)
Estas dos obras son distintas formalmente pero se desarrollan en el mismo período. Los estilos son distintos y esto corresponde a la libertad a la hora de pintar. Mientras que el siglo XV es un período de búsqueda, el siglo XVI se encuentran y se establecen las formas. Por ejemplo, Guirlandaio en su cuadro de La Visitación establece el camino hacia el siglo S XVI. Ya en este momento se alcanza un pleno dominio de las formas y se establece el ideal clasicista. Esto se desarrolla sobre todo en los años 30 y a parte de 1527 y el saqueo de Roma se produjo una crisis del ideal clásico, dando entrada al Bajo Renacimiento o Manierismo. Este es un estilo más libre, con contrastes y juego de luces y sombras.
Todos los artistas renacentistas tienen un objetivo común y es el interés por la antigüedad. Se convierte en un modelo cultural y lo antiguo es su estandarte. De Grecia adoptan el espíritu y de Roma las formas. Por todo esto, los artistas se plantean el viaje a Roma para acercarse al mundo antiguo. Empieza a ser un viaje más habitual entre los europeos y no solo en los italianos. Jan Gossaert (1478-1532) por el ejemplo viajó a Italia en 1508 con el séquito de Felipe de Borgoña. Toma apuntes y hace dibujos, que se convierten en fuentes primarias del siglo XVI. Es una novedad que se empiezan a firmar las obras.
La mayoría de los artistas viajan a Roma pero también se viaja a Venecia, pues es la ciudad más cercana a Europa. Durero viajó a Italia. Los príncipes europeos se rodean de artistas, imitando a los italianos. Otro artista que viajó a Italia en 1532 fue M. Van Hemskerck. En su autorretrato delante del Coliseo colocó una cartela en primer término con nombre y fechas. Es una novedad del siglo XVI. Su ropaje indica la consideración del artista en la época. Es un doble autorretrato pues le vemos al fondo sentado delante de un caballete dibujando, pues quiere dejar constancia de su profesión. Se guardan copias que hizo de ruinas, antigüedades y edificios en constricción como la basílica de San Pedro de Roma. Muestra el interés por el coleccionismo en jardines y casas nobles como la Casa Galli. Las antigüedades eran un objeto de deseo.
Las autoridades van a disputarse a los artistas. El artista empieza a elegir al cliente, la obra, el precio etc. Son personajes respetables de la sociedad. El artista se formaba con un maestro como en el siglo XV y concluido su aprendizaje se marcha a las cortes con un trato distintivo. En este momento surgen las academias con una nueva forma de estudio y aprendizaje. La primera academia la creo Vasari en Florencia (1562) y se conocía como Academia del Disegno. La segunda fue por Zucari en 1577, la Academia de San Lucas en Roma. En Madrid hubo dos, en 1603, se creó la Academia de San Lucas en Madrid y la Academia de Santa Bárbara por Bárbara de Braganza.
El renacimiento se basa en los principios normativos de proporción, simetría y perspectiva. En 1525-27 hubo una crisis del clasicismo y sus principios. Palladio fue un ejemplo de las normas clásicas pues para él la belleza radicaba en la proporción tanto en planta como en alzado. Elevaba los edificios sobre unas gradas siguiendo las normas de Vitruvio. Su edificio más característico es la Villa Rotonda (1556) que tuvo imitaciones como la basílica de Vicenza (1549) o Basildon Park (1776)
El renacimiento es un estilo heterogéneo por lo que no podemos hablar de renacimiento clásico como si hubiese un renacimiento que no lo fuese o solo hubiese un renacimiento. Es más correcto decir clasicismo.
TEMA 2: Iglesia, Estado Moderno y Monarquía.
Jacob Burckhardt, La cultura del Renacimiento en Italia
Michel Péronnet. El siglo XVI. De los grandes descubrimientos a la Contrarreforma.
El desarrollo del arte está estrechamente relacionado con estas instituciones pues fueron sumamente importantes.
Iglesia
Se produjeron una serie de acontecimientos en la Iglesia que afectaron a su estructura. La más importante fue la reforma protestante, que trasciende del ámbito religioso. Es un hecho histórico que fue muy importante para Alemania y desencadenó una cadena de valores diferentes. Comienza en 1517 con Martín Lutero, un monje agustino que cuelga en las puertas de la Universidad de Wittenberg sus 95 tesis en contra de la venta de indulgencias. Estaba en total desacuerdo con el mercantilismo del Papado. La corrupción, los hijos naturales, la compra de ascensos, los favoritismos en los obispados etc., se habían convertido en algo habitual y había un ambiente de descontento.
Uno de los personajes que anteriormente había producido una revuelta en la Iglesia por denunciar estos mismos sucesos fue Savonarola, que denunció la corrupción de los Medici y el Papa. Alejandro VI Borgia le ofreció un puesto para callarle y Savonarola no lo acepta, por lo que es excomulgado y finalmente quemado en la hoguera. Pero sí algo es cierto es que se acaba echando a los Medici. Este es el primer caldo de cultivo para Lutero.
Lutero denunciaba varias cosas. Alberto de Brandeburgo, príncipe elector y obispo de Maguncia, Magdeburgo y Halberstadt, pidió a la Hacienda Füger 24.000 ducados para comprar el puesto de obispo en esos tres lugares y para cubrir esa deuda el papa organiza la venta de indulgencias. Lutero pide que se le retire este poder al Papa. Se movió siempre en el ambiente humanista pues era profesor universitario. Se ve favorecido por los alumnos de Lutero que tradujeron sus tesis al alemán (estaban en
latín) Lutero envía una carta al cardenal con las tesis y cuando el Papa se entera le pide que las retire. Lutero se niega y es declarado hereje por Roma aunque a causa de su predicación su pensamiento consiguió muchos adeptos entre los príncipes alemanes.
El movimiento luterano se desencadena enseguida pues los príncipes alemanes se veían ya de antes coaccionados por la Iglesia al pedirles ésta dinero para contribuir a su mantenimiento. Fue un movimiento social entre varios países como Francia. Lutero declaró sus creencias en base a la Biblia como única fuente, el sacerdocio de los creyentes y la justificación por la fe.
En 1520 el Papa León X condena sus escritos con una bula. Martin Lutero quemó públicamente esta bula y es excomulgado. Con esto Europa se separa a nivel religioso. Lutero encuentra protección en Federico El Sabio de Sajonia. En 1555 el emperador le declara la guerra a los príncipes. Se capturaron a personajes tan famosos como Federico de Sajonia. Después de esto y con la Paz de Augsburgo se consigue la libertad religiosa. En 1521 en la Dieta de Word se le pide a Lutero que vaya para defenderse pero no surge efecto. En 1530 en la Dieta de Augsburgo se discute de nuevo pero no se llega a un acuerdo. En esta guerra destaca en 1547 la Batalla de Mulberg.
Los protestantes niegan la representación de los santos así como la vida de la Virgen pues no aparecen en la Biblia. En la pintura hay una postura crítica con lo católico. Entre los pintores del norte de Europa hubo reaccione diversas pues hubo algunos, como Durero, que fueron católicos.
Como en 1522 se consolida el movimiento, comienza la iconografía expresionista y dramática con un origen en la crisis espiritual. En el cuadro de Grünewald podemos ver como el Cristo en la cruz o en el camino al Calvario no es grandioso y plácido, sino dramático y torturado. Cristo se identifica con los habitantes perseguidos por sus creencias.
Se identifica con la reforma y es amigo de Lutero. Tenía clientela como los duques de Sajonia, pintó a Brandemburgo etc. Siempre le fue fiel a Lutero. Cranach tuvo diversos mecenas como Alberto de Brandemburgo, Lutero, Melanchton, Federico III de Sajonia El Sabio, John Duque de Sajonia, Juan Federico I de Sajonia.
La Iglesia no asume la separación enseguida así que en 1545 organiza el Concilio de Trento para reestablecer la unión de la Iglesia entre 1545-1563. En la sesión XXV se establecen unos modelos de conducta como la invocación, veneración a las reliquias de los santos y a las imágenes sagradas. El arte se convierte en un instrumento de propaganda para estimular al fiel en la devoción.
Los pintores deben representar con sencillez para que el pueblo les entiende. Deben centrarse en lo principal y olvidarse de los detalles. Debe representarse con respeto y sin detalles para embellecer, sino con claridad. Representan los dogmas que están en contra los protestantes. Hay cuadros inspirados en las herejías. Los artistas debían seguir las instrucciones de la Iglesia y así se crea la Contrarreforma, ayudada e impulsada por los jesuitas.
Se crean disputas entre los intelectuales, se crea el Tribunal de la Inquisición, atento siempre a las producciones artísticas. Veronés por ejemplo con su Cena en casa de Leví (La última cena, 1573) tuvo problemas pues sus imágenes no fueron agradables para el papado. Sufrió un proceso judicial que hizo que tuviera que borrar ciertas y cosas y cambiarle el nombre.
Tema 3: La Roma Papal y sus programas artísticos.
Julio II, León X, Clemente VII, Adriano VI, Pablo III, Julio II, Pío IV y Sixto V.
Las obras que se van a realizar en este momento son definitivas para entender el desarrollo del arte moderno. Roma es la capital del arte renacentista. En 1503 llega a ser papa Julio II y se propone devolverle a la ciudad su grandeza a través de una serie de programas artísticos que van a impulsar una actividad enorme. Se realizan obras para la nueva capital del Papado. Julio II es un gran mecenas y Vasari habla de él como un pontífice emprendedor. El mecenazgo lleva un deseo personal.
Este programa artístico será continuado por León X y especialmente por Pablo III y Sixto V. Mientras tanto, el resto de papas se mantienen pero en menor medida por la convulsión política. Julio III y Pío IV son los menos importantes. León X y Julio II van a llamar a los artistas más importantes a sus cortes como Bramante, Rafael y Miguel Ángel. En el ámbito arquitectónico se busca construir nuevos edificios y apoyar la reconstrucción y la arqueología.
♦
Donato Bramante (1444/45-1514)
Es nombrado arquitecto del Papa en 1503 cuando tiene cerca de 60 años y ya está muy bien formado. Su carrera se desarrolla en Roma con Julio II, su protector. Se formó en Urbino y se desarrolló en Milán con el duque de la ciudad. Está hasta la expulsión del duque de Milán. Recibió propuestas al igual que Miguel Ángel pero las rechaza y se muda a Roma. Allí hace los proyectos más importantes de su carrera. Fue admirado por Vasari y le dedica un capítulo. Es un gran hombre del Renacimiento, multidisciplinar y que escribió sonetos.
En Urbino pudo conocer a muchos artistas y estuvo en contacto con la corte del duque de Montefeltro, duque de Urbino. Sus maestros fueron Piero della Francesca y L.L Laurana. El primero se interesó mucho por la perspectiva y la ciencia. Le daba importancia a la arquitectura en sus cuadros. Vemos acciones que luego utiliza Bramante como los trampantojos, las bóvedas etc. Laurana, que realizó el patio del Palacio de Urbino, despertó su interés por la arquitectura y el sentido de la belleza, las formas, el orden y la simetría. Estas obras tienen relación.
Es de planta octogonal y a pesar del pequeño espacio consigue un efecto de monumentalidad por la altura de los muros. Hay decoración vegetal y medallones clásicos. Se sigue el orden y la medida.
- Ábside de la iglesia de Santa María delle Grazie (1492-99)
La planta y sección son de Guiniforte Solari. Es un espacio de planta centralizada y con una bóveda semicircular y ábsides. Nos ponen en relación con los dibujos de Leonardo. Se mantiene el entronque con la tradición pues el edificio se hace en ladrillo y terracota. Es una cabecera con gran monumentalidad. Utiliza un estilo decorativo lombardo con pilastras, medallones, círculos etc.
Ya en Roma, impresionado por los restos, los va a estudiar y va a admirar la armonía, la grandeza y a la vez simplicidad de las formas. Esto marcará su arquitectura y toma contacto con la antigüedad clásica. Su arquitectura es la primera clásica en el siglo XVI.
- Claustro de Santa María della Pace (1500-1504)
El claroscuro realza la propia arquitectura. Nos recuerda a Laudano. La decoración se libera y hace un arte más monumental y establece los principios. Hace un estudio de proporciones con retícula bajo unos principios. Tiene arquerías desnudas y separadas por pilastras con un friso en latín. El piso superior mantiene los ejes. Alterna espacios abovedados y adintelados. Tiene unas columnas y pilares con superposición de órdenes.
- Templete de San Pietro in Montorio (1502)
Fue encargado por los Reyes Católicos sobre la antigua cripta de San Pedro y el lugar donde fue martirizado. Hay una gran perfección en sus medidas. Es la primera obra de clasicismo romano. Es un hito del Renacimiento. Está en el interior del convento de San Pietro in Montorio. Tiene unas dimensiones reducidas pero es un edificio totalmente nuevo. Sigue la simetría y armonía. Recoge el modelo de planta circular del templo de Vesta según Paladio y un peristilo griego con friso de columnas con triglifos y metopas.
Las metopas son historias del martirio de San Pedro, con alusiones también a la iglesia y al Papado. La iconografía va en consonancia con el edificio. Se cambia al orden dórico, al contrario que en el templo de Vesta, pues éste es el unido a los templos de varones. Tiene tres gradas. En realidad es un monumento conmemorativo con un interior de 4,5 m de diámetro. Su estructura es de 8 m y 13 de altura. La parte baja se remata con una balaustrada con varios adintelados y hornacinas. El claroscuro de la mayor solidez. La parte inferior y la superior son iguales. Sigue el modelo ideal de templo religioso: el circular.
Vemos un escudo, la desnudez del muro y hornacinas con veneras. Hay una perfecta unidad entre el interior y el exterior. Es la culminación de la teoría y la práctica que sigue con Serlio y Paladio. Es un modelo de perfección y de integridad de las partes con el todo. Parece ser que el patio era circular con columnas pero es solo una hipótesis de reconstrucción.
En 1503 Bramante pasa a ser el jefe de las obra pontificas y en 1506 se plantea la obra del nuevo San Pedro. Tenía cuatro ábsides con pórtico de entrada al templo, cuatro capillas, cuatro torres y cuatro cúpulas menores. Estaba muy deteriorada pues era del siglo IV y se pretendía hacer el edificio más grande de toda la cristiandad. Ya Nicolás V planteó reconstruirla.
Julio II la concibió como exaltación de su gloria y como lugar de enterramiento. Miguel Ángel fue el encargado de hacer el mausoleo. El modelo que se siguió fue el de planta centralizada con cruz griega inscrita en un cuadrado. Sigue unos severos principios de racionalidad matemática con ordenación del espacio. Trabajará en esta obra hasta su
suaviza los brazos del crucero. Se viven tiempos difíciles pues el Saqueo de Roma se produce en 1527 y las luchas hacen que los proyectos artísticos se paren. El papa Paulo III continua el proyecto con Antonio de Sangello (1536-1546) como arquitecto. Se plantea volver a la planta de cruz latina. Construye una gran maqueta que aún se conserva. Fue un punto medio entre cruz latina y griega.
Miguel Ángel (1546-1564) por insistencia del Papa, se convierte en el arquitecto que terminaría la construcción. En principio se negó porque estaba dedicado a la pintura y escultura. Retoma el proyecto de Bramante de cruz griega. Hace pequeñas modificaciones como cerrar los pequeños ábsides y hacer una gran entrada. Paulo V en 1607 encarga a Maderno terminar la basílica y su proyecto es una mezcla entre Bramante y Rafael. La forma basilical se mantiene hasta el barroco.
Bramante también realizó la unión del patio Belvedere con el palacio de Nicolás V. El patio Belvedere era un espacio de goce de la naturaleza de estilo cásico. Se une estos dos espacios con una serie de jardines lo que demuestra la importancia de la naturaleza. Es un espacio de 300 m con desniveles que soluciona con terrazas, corredores y escaleras. Esto da lugar a un gran patio y jardín. En 1589 H. Van Cleve nos enseña cómo era el El Belvedere.
En estos momentos adquiere mucha importancia la naturaleza y la arqueología. Se hacen los patios con exedras pero se van cerrando poco a poco. Nos recuerda a Piero della Francesca. Finalmente se cerrará el patio. A causa de las excavaciones se encontraron obras como el Apolo Belvedere del siglo II d.C imitando a uno anterior. Estos jardines se convirtieron en un pequeño museo.
Gregorio XIII construye logias sobre sus planos. Un ejemplo es el patio de San Dámaso. A raíz de esto se hace un palacio pontificio con logias de Bramante y Rafael y fachada oriental del palacio nicolino. Hay superposición de arcos y ordenes como en el Coliseo.
Tenemos también el Palacio Caprini (1510) Fue demolido posteriormente para construir la columnata de Bernini. Se conoce a través de un dibujo de Palladio. Rafael llegó a habitar este edificio. Se crea una nueva tipología de residencia urbana. Tiene dos pisos: el primero almohadillo con grandes bloques de piedra y el segundo piso ordenado, con frontones clásicos, columnas dobles, friso con triglifos etc. Se cambia el modelo para el arte posterior. Bramante produce una transformación definitiva de la arquitectura.
♦
Leonardo da Vinci y el ideal clásico
Es uno de los mayores genios del Renacimiento y de todos los tiempos. Concibe ya en Florencia el estilo clásico por primera vez. También piensa que los artistas son intelectuales y que debían tener un conocimiento amplio del mundo que les rodeaba. Debe haber un proceso artístico y una investigación. Él fue más allá del arte y fue un absoluto investigador científico abierto a todos los campos. Tiene interés y
En su tratado de la pintura plantea seis colores simples: el blanco (luz), el amarillo (tierra), el verde (agua), el azul (cielo), el rojo (fuego) el negro (oscuridad). Se puede ver en la Virgen del Clavel (1472-1478) Se ha encontrado en parte el tratado pero se conocía su existencia por una carta de Lucas Paccioli al duque Sforza.
Leonardo da Vinci es el único artista, además de Miguel Ángel, que ha dejado escritos. A través de ellos podemos conocer sus pensamientos y sus obras. Cuando Leonardo muere sus papeles pasan a Leonardo Medici, su aprendiz más cercano. Cuando este muere en 1570, su hijo los vende. Se empiezan a dispersar y se encontraron más tarde algunos fragmentos. Vasari debió conocer los textos de Leonardo. En 1651 se publica la primera edición en París y un siglo más tarde Diego Rejón de Silva, un académico de la RABASF, publica una en castellano, en 1784, junto con los libros de Alberti. Después hubo muchas ediciones. Destaca la más reciente comentada por Ángel González García.
Junto a los escritos hay abundantes dibujos. Leonardo defendía que la pintura era superior a la escultura, en un momento donde había un gran debate sobre esta cuestión. Leonardo opina que es necesario tener más destreza y es más maravillosa (62-68) La relación entre Leonardo y Alberti es destacable pues tenían opiniones similares acerca de la pintura. Ambos pensaban que la pintura era una ciencia y que se fundamentaba en la perspectiva matemática y en el estudio de la Naturaleza. En otros temas, diferían en sus opiniones. Alberti solo copiaba lo bello de la naturaleza y utilizaba un único canon, que era el que se consideraba aceptable. Leonardo sin embargo busca una imitación exacta de la naturaleza y utiliza un canon de proporciones de las partes con el todo. Para él, había muchos tipos de bellezas y todos eran válidos.
Además pensaba que el buen pintor tenía dos objetivos: representar al hombre y a su espíritu. Lo primero es fácil, pero lo segundo es más complicado porque las emociones se expresan mediante gestos y movimientos. Por eso debía observar al hombre en su entorno. Se conservan dibujos de personas en varios estados de ánimo. Le pone más pasión en el estudio del hombre.
Leonardo da Vinci (Vinci 1452 – Cloux 1519) era hijo de un notario y de una plebeya. En 1469 se traslada a Florencia e inicia su aprendizaje en el taller de Andrea Verrochio junto a Guirlandaio, Botticelli y Perugino. Recibe una educación esmerada para que siguiese la profesión paterna pero él se inclina por las artes. Existía una amistad entre el padre de Leonardo y Verrochio y por eso le enseñó dibujos de su hijo. Al ver las facilidades y destreza que Leonardo poseía, le invita a su taller. Se da cuenta enseguida de que Leonardo supera a los demás. Por eso, en 1470 participa en una obra de su maestro, El bautismo de Cristo. Leonardo dibuja uno de los ángeles. Es un ángel con espíritu, que transmite los valores.
Desde sus inicios se plantea si la pintura debe representar 100% la realidad o el espíritu religioso. Se decide por plasmar los dos. El ángel de este cuadro es una imagen diferente a lo que se hacía en el momento y establece las bases del ideal de perfección clásica renacentista. Hace una mezcla de óleo y temple. El resultado tiene más matices y sutileza. Es posible que participara también en el fondo del cuatro por el paisaje y la luz. La figura de Cristo también pudo ser suavizada por Leonardo. Verrochio se retira después de esto para hacer escultura.
En 1472 entra en el Gremio de Pintores de San Lucas y se convierte en maestro. Esto quiere decir que puede ser pintor independiente y abrir un taller.
OBRAS DE JUVENTUD
En sus primeras obras encontramos parecidos con Verrochio, su maestro. Por ejemplo, en la Virgen del Clavel.
La Virgen de Leonardo es más idealizada y destaca el tratamiento de la luz, el paisaje, situando la figura en un medio natural. Coloca arquitectura, que sirve como trono. El paisaje es mucho más natural y consigue a través de la luz y es color, mayor profundidad. Es más armoniosa y delicada. El paisaje está cercano a la pintura flamenca del momento. A partir de aquí Leonardo le dará una gran importancia a la naturaleza.
La Anunciación (1472-1475) Se relaciona con la pintura de 1400. Pone interés por la vegetación y utiliza la arquitectura para pasar de un plano a otro. El tratamiento de la luz y la niebla es de una extraordinaria modernidad. Utiliza una técnica difuminada en las líneas y el contorno. Da profundidad a las escenas. Corresponde a las normas de la pintura del momento pero no desvela algo nuevo y se relaciona con los flamencos.
En 1481 comienza una Adoración de los Reyes Magos en el altar mayor de la iglesia del convento de San Donato en Florencia, pero la obra queda inconclusa cuando Leonardo se marcha a Milán en 1482. Es óleo sobre tabla y se conservan muchos dibujos preliminares. Daba más importancia al proyecto, donde se demuestra su conocimiento. Trabaja los rostros de forma individualmente. Coloca en el centro a los personajes principales y al resto alrededor. Todo está bien integrado y es un círculo cerrado. Un personaje dirige su mirada al exterior. Podría ser un autorretrato, como hizo Botticelli en su Adoración de los Magos. Guarda también ciertas similitudes con el David de Verrochio. Hace un estudio para la composición y la perspectiva.
En su primera estancia en Milán está desde 1482 a 1499. No están documentados los motivos por los que dejó Florencia pero sí se barajan varias ideas. Leonardo no tuvo una buena relación con los Medici desde el principio. El Papa le pidió a Lorenzo de Médici a sus pintores para la Capilla Sixtina. Llevó a Guirlandaio o Botticelli pero no a Leonardo. Otra razón fue una denuncia en 1476 por sodomía que se desestimó por falta
de pruebas. Esto hizo mucho daño a su reputación. Mientras tanto, Ludovico Sforza era un gran mecenas y tenía problemas con los franceses. Necesitaba un asesor para fortalecer sus defensas. Leonardo envía una carta ofreciendo sus servicios como ingeniero militar, arquitecto, inventor, escultor y como último pintor. Sabía que Sforza quería un monumento ecuestre dedicado a su padre. El duque le acepta y trabaja para él durante 20 años.
Se dedica a renovar y ampliar los edificios de los Sforza. Crea máquinas de guerra como la máquina de asedio, nuevos sistema de defensa, máquinas de artillería, carros de combate con hélices móviles y armas. En 1849 se convierte en el ingeniero de la corte. Mientras tanto hizo diseños de arquitectura religiosa que se convertirían en el modelo ideal clasicista. Era una iglesia centralizada con todos sus elementos relacionados de forma armónica y basadas en las figuras geométricas.
En 1485 hubo en Milán una gran epidemia en gran parte causada por la mala higiene. Leonardo crea la ciudad ideal como una utopía pero que se llevaría a cabo siglos más tardes. Dividiría la ciudad en dos niveles: el superior para peatones y el inferior para el transporte rodado. Por la necesidad de agua potable colocaría canales y tuberías que suministraran las plazas. Se han hecho reconstrucciones virtuales. La ciudad sería de trazado regular y basada en plazas. Se le considera el primer urbanista de la Edad Moderna.
Realizó el proyecto del monumento ecuestre en honor a Francesco Sforza. Hasta ese momento solo se habían hecho para condottieros y no para príncipes. Esta es una forma de relacionar la antigüedad con los príncipes. No se llegó a realizar el proyecto y solo quedan dibujos. Se inspiró en bronces clásicos, en el Gattamelata y en el de Bartolomeo Colleoni en Venecia. Éste último pudo conocerlo en su taller. Adoptó el movimiento de Donatello y Verrochio. El modelo se hizo en barro y aunque se había reunido el suficiente bronce, la situación hizo que la gran parte se utilizara en cañones. El modelo de barro se destruyó cuando los franceses conquistaron Milán.
