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Obras arquitectónicas de la Edad media
En la arquitectura de la Edad Media se desarrollan principalmente tres estilos: El bizantino, que influye durante todo el período, el románico entre los siglos XI y XII, y el estilo gótico desde el siglo XII hasta el XV.
Arquitectura Bizantina
La arquitectura bizantina, es el primer estilo importante en la Edad Media, destaca por su solidez estructural, utiliza esplendidos mosaicos. interiores, capitel hermosamente decorado, una característica cubierta abovedada, y buena ornamentación, un buen ejemplo de este tipo de edificio es la Iglesia bizantina de San Vital. Estilo Gótico El empleo de las construcciones de tipo medieval finaliza con el desarrollo del estilo gótico, de origen germano. Se caracteriza por sus líneas alargadas con arcos de apariencia innovadora y ornamentación exterior recargada.
Materiales de construcción de la Edad Media
La piedra, esta íntimamente ligada a la historia y cultura del hombre, desde sus orígenes, durante milenios se utilizo como elemento estructural y ornamental, su empleo o uso en pavimentos y revestimientos solo data de la edad media, esto debido a la gran evolución de las técnicas de extracción y transformación. La variedad más famosa de este mármol procede de las canteras del monte Pentelikon, en Atica, que fue utilizado por los grandes escultores de la Grecia antigua como Fidias y Preexisteles. El mármol de Paros utilizado también por los escultores y arquitectos de la Grecia antigua, era extraído de las cantaras del monte Parpessa, en la isla griega de Paros. El mármol, tratado como un material técnico, alcanza por vez primera su difusión en la arquitectura griega del siglo VI. A su vez las funciones decorativas del mármol se denotan también en la arquitectura bizantina y en la Siria cristiana. En el siglo VII se difundió en Italia a través de Bizancio y alcanzo su gran difusión en el renacimiento, en el periodo barroco se utilizo principalmente como un revestimiento. Desde el arte egipcio hasta la escultura del periodo romántico, la obra se realizaba directamente sobre el material, pero, a partir del periodo gótico se esculpía previamente un modelo en yeso, en el que se tomaba puntos de referencia que se trasladaban al bloque de mármol antes de comenzar la obra.
Simbolismo de la arquitectura del puente medieval
Desde el punto de vista del simbolismo románico el puente románico y por extensión todo puente medieval, con su característica forma tiene una expresión espiritual ligada a la transición entre dos estados espirituales. Según el experto en simbolismo J. Cobreros: " Las dos orillas representan dos estados diferentes del ser, vinculados por el hilo fino que es el puente... El paso del puente no será otra cosa que el recorrido del eje, medio por el cual se unen los diferentes estados. Se pasa así del sentido más horizontal, como puede ser el puente concebido como línea que une dos orillas, al sentido estrictamente vertical de eje del Mundo.. Esto explica en el orden constructivo las acusadas pendientes de muchos grandes puentes medievales. Porque todos esos puentes con perfil de lomo de asno no están buscando otra cosa que la verticalidad..."
como uno de los momentos más brillantes desde el punto de vista artístico, del mundo occidental. Aunque el gótico nace a partir de la evolución arquitectónica del románico del siglo XII, lo cierto es que ambas arquitecturas responden a principios inspiradores opuestos. Como sostiene el gran experto Otto von Simson, con el gótico se produce una de las más radicales rupturas estilísticas que han conocido la arquitectura occidental. La razón de tal revolución es el cambio de la mentalidad medieval sobre el conocimiento y la verdad existente. Los siglos XII y XIII contemplan la derrota del idealismo de Platón, defendido por San Agustín, que fue la base filosófica de los siglos altomedievales. Desde estas fechas, se recupera las filosofía basada en la preeminencia de los sentidos de Aristóteles, intensamente defendido por personajes de la talla de san Alberto Magno y santo Tomás Aquino. La idea de que sólo la racionalidad humana es el único sistema de conocimiento y que las formas sensibles son sólo una apariencia engañosa de la verdad, es desplazada por la convicción de que de los sentidos son necesarios descubrir las cosas de la naturaleza, verdadera fuente de conocimiento. Como consecuencia de este cambio de mentalidad, en el campo del arte y la arquitectura, el obstinado equilibrio simétrico y la regularidad y geometrismo del románico, son desplazados. El arquitecto ya no tiene que apegarse a formas regulares para construir (círculos y cuadrados fundamentalmente) sino que se ve libre para trabajar, no como une geómetra sino como un ingeniero. Por tanto, si en el campo de las ideas se sustituye el idealismo por el naturalismo, en el campo del arte se sustituye la inteligencia abstracta por el empirismo. René Huyghe escribe estas bellas palabras sobre la arquitectura gótica: "Una estética pragmática edifica monumentos donde, descartadas las superficies planas, se erizan de puntas, de calados, de proyecciones, se rompen en el juego complejo de los salientes y las aberturas, donde las líneas tropiezan, se cortan, se interseccionan con aspereza, donde todas las previsiones de la inteligencia son derrotadas por el imperioso dictado de los hechos"
En este contexto y aunque la arquitectura sigue sujeta a ciertas reglas básicas de geometría, los edificios se liberan del rigor racional anterior y a sus estructuras se les permite la vida y la espontaneidad. Como afirma Huyghe, un edificio gótico puede entenderse como un organismo vivo que crece hacia el sol. Por último, esta nueva arquitectura, utiliza este empirismo ingenieril es inventar ingeniosas soluciones tectónicas para el fin de crear espacios de gran altura y colorido. La manera del siglo XIII de simbolizar la Jerusalén Celestial es mediante la creación de un grandioso espacio de luz y color. Como indica el eminente Profesor Santiago Sebastián: Se prefiere a causa de su valor sensible las relucientes paredes de piedras preciosas, la transparencia de paredes y puertas, las calles de oro puro y en general la abundancia de luz que adquiere un carácter sobrenatural. Lo que ahora se trata de representar es el "ser" cielo. No es de extrañar que el hombre medieval, al entrar una catedral gótica se sintiera sobrecogido por el espectáculo de luz y color, transportándoles a una plena sensación celestial. No es extraño, en este contexto, que el liturgista Durandus escribiese a finales del siglo XIII: Las vidrieras son las Escrituras que esparcen la claridad del sol verdadero, es decir, de Dios, en la iglesia, iluminando los coros de fieles.
Materiales
Los materiales empleados en escultura determinan un resultado del aspecto y textura
de la obra con el que adquiere también diversas características. Con el uso de una
piedra blanda es más difícil un resultado minucioso, por su desmoronamiento, con un
material más duro como el granito, se requiere un mayor esfuerzo físico. Los detalles
de formas delicadas y con calados se consiguen mejor con el uso de la madera, como
lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El trabajo en arcilla permite diversos
acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con las señales propias de los dedos del
artista. Finalmente es el escultor y su propósito el que consigue sacar del material la
forma y la textura deseada.
Arcilla
Es uno de los materiales más antiguos utilizados por el hombre, por ser fácil de
modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se pueden utilizar simplemente
las manos. Con el barro se pueden sacar moldes para después trabajar con otros
materiales o hacer reproducciones. Si es empleado como material definitivo debe
cocerse; en este caso recibe el nombre de terracota. Para la preparación del barro, los
procesos de industrialización han modificado y aligerado el trabajo manual de
prensado y desmenuzamiento de la arcilla. Se encuentran ya en el mercado bloques
preparados para el uso de los escultores.
Piedra
Este material es usado desde la antigüedad por encontrarse abundantemente en la
naturaleza. Para trabajar la piedra se necesitan herramientas especiales. La piedra fue
empleada en las Venus paleolíticas, en estatuas griegas y las posteriores copias
romanes, las obras de grandes escultores de la renacimiento como Michelangelo,
Donatello o Bernini y es utilizada desde hace mucho tiempo en monumentos públicos,
prácticamente en todos los países.
Las piedras más comunes en la escultura son:
Piedra caliza: roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores
minuciosas. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras. Se ha
utilizado mucho en escultura monumental, como la Gran Esfinge. La piedra caliza fue
una de las más empleadas en Egipto, la mayor parte del valle del Nilo está excavada en
esta clase de piedra y con la cantera de Tura es con la que se realizó las estructuras de
la necrópolis de Giza y la mayor parte de las esculturas encontradas en ella.
Mármol: piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Su tratamiento de la
superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas texturas, como tersura,
morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante perdurable fue uno de los
preferidos por los grandes artistas de la Antigüedad y el renacimiento. El mármol
blanco se impuso desde la época clásica, ya que con un buen pulido puede alcanzar un
aspecto translúcido y con una gran brillantez y por ser una piedra que no presenta
grandes fisuras, por lo que el escultor puede esculpir con plena libertad, ya que los
golpes en una piedra que no sea compacta puede llegar a producir una fractura en la
piedra y obligar a cambiar el bloque de mármol.
Arenisca: roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con humedad natural; se
emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de hacerse más dura y frágil con
el paso del tiempo. Se ha utilizado mucho en escultura de capiteles románicos. Es muy
porosa y normalmente no se puede pulir. Actualmente no se suele emplear esta piedra
en escultura.
Alabastro: es un mineral de yeso (aljez), de color amarillento, parecido al mármol a
simple vista. Es frágil y quebradizo, pero muy fácil de trabajar. Ligeramente translúcido
Granito y diorita: son rocas ígneas mucho más duras que el mármol y están formadas
por enfriamiento de materiales volcánicos fundidos. Su calidad es excelente una vez
costuras por medio de hilos metálicos, hay que ir golpeando el metal y para seguir el
trabajo, hay que calentar las láminas conseguido así elasticidad al metal. Después de
esta primera parte, la obra se retoca con los buriles y los punzones. Antiguamente
estas esculturas se realizaban mucho para su uso como relicarios, dejando el interior
vacío para la custodia de reliquias.
Madera
Es un material muy apreciado por los escultores, por sus propiedades físicas y buenos
resultados. Hay muchos tipos de madera y en función de su cualidad puede dejarse la
escultura en su color natural o por el contrario teñir con anilinas al agua o alcohol,
policromarse o protegerla con goma laca. Las maderas llamadas nobles suelen dejarse
en su color natural, protegidas con una cera neutra. Son el nogal, roble, haya, cedro,
caoba y otras.
La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de
invierno cuando la savia está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien
seca y sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árboles presentan unos
troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga, a preparar piezas
diferentes según las necesidades de la obra. Habitualmente la madera se adquiere en
tablones, que previamente al encolado han de cortarse según la dimensión de la pieza
a realizar; para conseguir un bloque ancho de un mismo tablón han de colocarse los
diferentes trozos uno encima del otro en el mismo sentido que el tablón original. A
menudo, las esculturas de madera se aligeran haciendo un hueco su interior.
La escultura en madera policromada ha ocupado un lugar importante dentro de la
imaginería religiosa. Una vez tallada la pieza, se cubría con una capa de yeso, o bien
con una tela fina sobre la que se ponía yeso como preparación y se pintaba con colores
al temple o al óleo, a veces dorándolas con hojas de pan de oro.
Marfil
El marfil se obtiene de los colmillos de varios animales, particularmente de los
elefantes. Se ha trabajado en todos los países, principalmente de África, Japón, China,
India, el área mediterránea y la Europa continental. El uso ornamental del tallado ya se
producía en el Antiguo Egipto y Mesopotamia. Es fácil de cortar y si se quieren obtener
superficies planas se cortan los colmillos longitudinalmente y se sumergen en una
mezcla de aceite de almendras con vinagre, al absorber este líquido se ablanda y
puede modelarse ligeramente.
Hormigón
El uso del hormigón en la escultura es relativamente nuevo y ha adquirido más
importancia a medida que ha aumentado su uso en las fachadas arquitectónicas de los
edificios. Sobre el hormigón se pueden conseguir texturas diferentes con el uso de
cinceles o limas. Es un material económico y permite su exposición al aire libre. Henry
Moore lo empleó en varias obras. Se utiliza haciendo un vaciado sólido dentro de un
molde de yeso empapado en agua, para evitar que al poner la mezcla de hormigón,
chupe el agua que esta mezcla lleva. Es conveniente que la masa del hormigón sea lo
más compacta posible para que mantenga su densidad homogénea y para evitar
burbujas de aire al final. Se pueden utilizar moldes realizados con cajones de madera
previamente untados con grasas o aceites.
Para la realización de un vaciado, el molde de yeso debe aislarse con capas de goma
laca. El hormigón debe ponerse en capas y con trozos de fibra de vidrio adaptándolo a
la forma final de la escultura, y hay que dar dos o tres capas intercaladas.
También el hormigón puede ser modelado sobre una carcasa realizada normalmente
con varas de acero dulce y una red metálica. Esta armadura se cubre con una mezcla
espesa de hormigón, reforzándola con fibra de vidrio. Cuando esta capa está casi seca
se modela sobre suyo, con otra masa más espesa de hormigón, hasta la finalización de
la obra.
Obras pictóricas de la edad media
La pintura medieval es sobre todo una pintura religiosa (arte religioso) salvo
excepciones, que se hacen más numerosas al final de la Edad Media (retratos, sobre
todo como donantes que aparecen en una composición principalmente religiosa). La
representación de paisaje suele limitarse al fondo de las composiciones, que en
muchas ocasiones se limita a un color plano (dorado simbolizando la eternidad) o se
llena con figuras de forma casi obsesiva (horror vacui) que se agolpan en el primer
plano, se yuxtaponen en horizontal o incluso en vertical, sin buscar efectos de
profundidad. No se utiliza la perspectiva geométrica hasta los periodos finales (se
insinúa en el gótico -escorzos imperfectos de muebles o arquitecturas- y se culmina
con su estudio matemático consciente en el renacimiento); y la perspectiva aérea está
del todo ausente. Suele usarse la perspectiva jerárquica (representación a un mayor
tamaño de la figura más importante en rango teológico o social, sin consideración de
su ubicación en el espacio). Es muy importante la utilización de simbolismos y un
complejo lenguaje iconológico.
Periodos y estilos
han conservado algunos de época posterior (Mistra, Hosios Loukas). ElMonasterio de Santa Catalina del Monte Sinaí, respetado a pesar de los siglos de dominio musulmán, conserva una extraordinaria colección de iconos. La tradición de pintura de iconos, que se conservó con rígidos convencionalismos, se continuó en los países eslavos (pintura rusa) con una evolución en sutiles variaciones. La geometría , vitral del medallón del rosetón del transepto norte de la Catedral de Laon; comienzos del siglo XIII. Frescos románicos de las bóvedas del Panteón de los Reyes de la Colegiata de San Isidoro de León. Baja Edad Media Aunque la ilustración de manuscritos se siguió realizando durante todo el periodo (Las muy ricas horas del Duque de Berry, Libro de horas de Isabel la Católica), la pintura se desarrolló como forma de cubrir grandes superficies arquitectónicas o en soportes exentos, tanto fijos comomuebles. Un arte pictórico muy particular fue la confección de vidrieras, en las que el artista trabaja directamente con la luz y sus efectos en el espacio arquitectónico. Los tapices fueron objeto en la época de un aprecio superior al que se tributaba a lo que hoy consideramos pintura (Tapiz de Bayeux, colección del Museo Cluny). En los últimos siglos medievales, la invención del grabado produjo una revolución en el campo del dibujo y las artes gráficas, con decisivas consecuencias, sobre todo a partir de la invención de la imprenta. Románico Pintura románica (siglo XI y siglo XII). Se caracteriza por frescos de vivos colores y líneas marcadas, con gran expresividad y esquematismo, que cubren las paredes del interior de las iglesias, sobre todo en los ábsides. Los temas más repetidos son de tradición bizantina,
representados con gran hieratismo ( pantocrátor, tetramorfos, theotokos ), así como las representaciones narrativas de escenas evangélicas ovidas de santos. Gótico Pintura gótica (siglo XIII y siglo XIV). Sin dejar de utilizar el fresco, es más abundante el uso del soporte tabla, aislada o en retablos, al temple. Las figuras se dulcifican o buscan una mayor expresividad. Se representan escenas de la vida de Cristo, muy humanizadas (natividad,crucifixión). La técnica se hace más compleja, buscando la representación de la tercera dimensión del volumen (sombreado, colores menos planos). Gótico internacional. La Pintura del Duecento italiano ( Duecento : años 1200s ó siglo XIII) tiene características peculiares, que en perspectiva histórica se consideran un precedente del Renacimiento. La Pintura del Trecento italiano ( Trecento : años 1300s ó siglo XIV) se afirma en la misma evolución.
Arquitectura del Renacimiento
Palacio Medici Riccardi, deMichelozzo, Florencia, 1444. Ejemplo de palacio florentino.
góticas; mientras que no sólo las grandes obras renacentistas, sino muchos pequeños edificios o incluso meros proyectos, fueron cuidadosamente documentados desde sus orígenes, y objeto del estudio de tratadistas contemporáneos.
Escultura del Renacimiento
Piedad del Vaticano, obra del Renacimiento deMiguel Ángel Buonarroti. La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de procuración de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura. El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo propio de godos»,y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras.
Pintura renacentista
Tiziano, Amor sagrado y amor profano , h. 1513-1514.
La Capilla Sixtina, cuyos frescos suponen una de las cumbres de la pintura renacentista, no sólo los pintados por Miguel Ángel sobre el altar y en la bóveda, sino por los de las paredes, de artistas del primer renacimiento como Botticelli. La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre el arte de la Edad Media y el barroco. Como todo el arte del Renacimiento, la pintura de esta época está relacionada con la idea de volver a la antigüedad clásica, el impacto que tuvo el humanismo sobre artistas y sus patronos, gracias a la adquisición de nuevas sensibilidades y técnicas artísticas. Características[editar] La escuela de Atenas , pintada por Rafael. Hay una serie de características que distinguen la pintura renacentista de su inmediata antecesora, la pintura medieval.
Stift Melk , Wachau, Austria. La arquitectura barroca es un período de la historia de la arquitectura que vino precedida del Renacimiento y delManierismo; se generó en Roma durante el siglo XVII y se extendió hasta mediados del siglo XVIII por los Estados absolutistas europeos. El término Barroco, derivado del portugués " barru ", "perla de forma diferente o irregular", se utilizó en un primer momento de forma despectiva para indicar la falta de regularidad y orden del nuevo estilo. La característica principal de la arquitectura barroca fue la utilización de composiciones basadas en puntos,curvas, elipses y espirales, así como figuras policéntricas complejas compuestas de motivos que se intersecaban unos con otros. La arquitectura se valió de la pintura, la escultura y los estucados para crear conjuntos artísticos teatrales y exuberantes que sirviesen para ensalzar a los monarcas que los habían encargado. En algunos países europeos como Francia e Inglaterra y en otras regiones de la Europa septentrional se produjo un movimiento más racionalista derivado directamente del Renacimiento que se denominó Clasicismo barroco. A lo largo del siglo XVIII se fue desarrollando en Francia un movimiento derivado del Barroco que multiplicaba su exuberancia y se basaba fundamentalmente en las artes decorativas que se denominó Rococó y se acabó exportando a buena parte de Europa. Cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma. Contrariamente a las teorías según las cuales el movimiento barroco surgió a partir del Manierismo, fue el Renacimiento tardío el movimiento que acabó desencadenando en último término el Barroco. De hecho, la arquitectura manierista no fue suficientemente revolucionaria para evolucionar radicalmente, en un sentido espacial y no sólo superficial,
a partir de los estilos de la antigüedad a los nuevos fines populares y retóricos de la época del contrarreformismo. Ya en el siglo XVI, Miguel Ángel Buonarroti había anunciado el Barroco de una forma colosal y masiva en la cúpula de la Basílica de San Pedro de Roma, así como las alteraciones en las proporciones y las tensiones de los órdenes clásicos expresados en la escalera de acceso a la Biblioteca Laurenciana de Florencia, del mismo autor, y la enorme cornisa añadida al Palacio Farnese. Estas intervenciones habían suscitado diversos comentarios en su época por su brusca alteración de las proporciones clásicas canónicas. No obstante, en otras obras Miguel Ángel había cedido a la influencia manierista, por lo que fue sólo tras el fin del Manierismo cuando se redescubrió a Miguel Ángel como el padre del Barroco. El nuevo estilo se desarrolló en Roma, y alcanzó su momento álgido entre 1630 y 1670 ; a partir de entonces el Barroco se extendió por el resto de Italia y de Europa. La influencia del Barroco no se limitó al siglo XVII; a principios del siglo XVIII se desarrolló el estilo denominado Rococó, que no siendo una pura continuación del primero podría ser considerado como la última fase del Barroco.
Escultura barroca
Pestsäule ("columna de la Peste")^1 conmemorativa de la Gran peste de Viena de 1679, Matthias Rauchmüller.^2
