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3. El Cinquecento y la crisis del Manierismo en Italia. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel, Palladio. Escultura: Miguel Ángel. Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La escuela veneciana: Tiziano. Introducción Se da en el siglo XVI. Aunque Italia sigue fragmentada en estados, la capital del arte no va a ser Florencia sino que será Roma. El mecenazgo principal, quien encarga las obras más importantes, será el Papado. Los grandes Mecenas son Julio II, porque va a encargar la construcción de la Basílica de San Pedro la cual se le encargó a Bramante pero participaron todos los artistas del momento, y Leon X, quien va a realizar importantes encargos sobre todo a partir del descubrimiento de la domus aúrea de Nerón. Además en este periodo se va a iniciar la expansión por Europa del Renacimiento. En Europa en este momento tenemos a Roma como protagonista, desde Italia se extienden los valores clásicos, pero en Europa se da un ambiente convulso debido a las reformas protestantes (Reacción religiosa De la Iglesia contra la iglesia católica de Roma/papado de roma, debido a que había mucha corrupción. Ante esta corrupción por parte de la Iglesia católica de Roma en Europa surgen movimientos contrarios contra el papado de Roma, Martin Lutero se rebela contra la iglesia cristiana de Roma). En cuanto a las disciplinas artísticas, en arquitectura destaca Bramante y Miguel Ángel Buonarotti la obra más importante será la Basílica de San Pedro del Vaticano se convierte en la sede del arte renacentista italiano, en escultura Miguel Ángel Buonarrotti destaca el David, la Piedad y el Moisés, en pintura destacaron Miguel Ángel Buonarotti, Leonardo da Vinci y Rafael Sanzio. El Cinquecento solo durará hasta el 1527, tiene lugar un acontecimiento el Saco de Roma, el saqueo de Roma por parte de Carlos V de Alemania y I de España, este emperador va a atacar Roma y oponerse al Papa, tras este apoyar a Francisco I, y lo hará atacando y saqueando Roma. A partir de ahí el esplendor del Cinquecento se empieza a deteriorar (los valores clásicos) , se da una reacción anticlásica y esto da lugar al periodo conocido como Manierismo. Surgen imágenes sinuosas, alargadas o cuadradas; composiciones confusas por el frenesí, el uso de la luz nocturna y los colores tornasolados. La impresión general es de tensión y ruptura de las reglas del arte clásico. El manierismo será el paso intermedio entre el Renacimiento y el Barroco. Arquitectura: Bramante, Miguel Ángel y Palladio La arquitectura, con Bramante y Miguel Ángel, la arquitectura será más monumental, severa, austera y con menos decoración, predominan las estructuras y la sencillez. Para demostrar el poder creciente de la Iglesia y el Estado se recurre al clasicismo:
- Empleó de los órdenes clásicos con mayor exactitud o preocupación.
- se utiliza columnas adosadas y superposición de órdenes
- se abandona el almohadillado florentino
- es un arte solemne y monumental, predomina la medida, el equilibrio y la proporción.
- Renuncia a lo ornamental: prefiriéndose un gusto por la simple estructura.
- Se prefiere el relieve más alto.
- Empleo de frontones triangulares y semicirculares en combinación
- Preeminencia de plantas centralizadas con cúpula símbolo del orden divino.
DONATO BRAMANTE (1444-1514)
Sus comienzos se producen trabajando en las cortes de Federico de Montefieltro (Urbino) y de Ludovico Sforza (Milán). Los conocimientos adquiridos los completa en Roma con el estudio de las ruinas de la época clásica. Esto le permite desarrollar su estilo, adquirirá un estilo solemne y austero, con menos ornamentación. Representa la severidad arquitectónica, preferencia por las estructuras simples, es lo constructivo lo que le interesa especialmente; se interesa por los problemas de geometrismo, perspectiva y simplicidad. Arte severo y con sereno equilibrio. ● Su primer trabajo en Roma es un encargo de los Reyes Católicos. Para conmemorar el triunfo por la toma de Granada le encargan un templete sobre el lugar donde había sido crucificado San Pedro según la tradición. San Pietro in Montorio , es un templete circular, con 16 columnas jónicas, y 4,5 m. de diámetro, que recuerda al tholos griego. El templo se divide en dos pisos. Se accede por una escalinata circular, sobre las columnas se levanta un entablamento clásico formado por un arquitrabe, un friso con triglifos y metopas decoradas con instrumentos del martirio de San Pedro. El piso superior es más estrecho, rodeado de una balaustrada y rematado por una cúpula. Este segundo cuerpo tiene unas serie de ventanas rematadas por frontones triangulares y semicirculares, se alternan ventanas abiertas con ventanas ciegas. ● La Basílica de San Pedro del Vaticano : Julio II tuvo la idea de demoler la basílica paleocristiana de San Pedro y sustituirla por otra más grandiosa. Bramante diseña un edificio de planta central, con forma de cruz griega inscrita en un cuadro de ábsides salientes. Las cubiertas serían cúpulas; el empuje de la cúpula situada sobre el crucero sería contrarrestado con otras cuatro más pequeñas situadas sobre las capillas de los ángulos. Pero a la muerte de Bramante sólo se habían levantado los cuatro pilares maestros. En los años sucesivos, los planos de Bramante sufrirían numerosas innovaciones, Rafael Sanzio y Miguel Ángel culminarán el proyecto. San Pietro in Montorio ,(1502) Proyecto de La Basílica de San Pedro del Vaticano MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)
Sacristía Vieja que había construido Brunelleschi y que sirviera de panteón a cuatro miembros de la familia Medici, entre ellos Lorenzo “el Magnífico. EL proyecto incluía arquitectura, escultura y pintura al fresco, pero finalmente Miguel Ángel solo pudo terminar y con ayuda del taller, la tumba de Lorenzo, la de Giuliano y toda la arquitectura. Miguel Ángel sigue en esta obra el esquema de Brunelleschi pero le añade tensión nerviosa a través de la utilización de frontones curvos y ventanas ciegas, elementos que se convertirían en característicos de su arquitectura. ● En este mismo edificio, realiza la Biblioteca Laurenciana. Consta de sala de lectura y vestíbulo. En este último, los soportes no sostienen, dado que las columnas, en vez de sobresalir, se disimulan; la escalera de acceso unifica sus tres tramos en uno por razones exclusivamente decorativas y expresivas. Miguel Ángel inicia en esta obra el uso de la gramática clásica (elementos clásicos ) de manera anticlásica. ● En Roma , las intervenciones arquitectónicas de Miguel Ángel serán tres: -La Porta Pia , de gran influencia en los posteriores autores manieristas. -Las reforma urbanística de la Plaza del Capitolio, en forma de trapecio y rodeada de palacios, en la que organiza todo el espacio y ubica la escultura ecuestre de Marco Aurelio (romana) como centro de la misma.
- Cúpula de San Pedro del Vaticano , en 1561 vincula su nombre para siempre a la Basílica vaticana, es el encargo más importante que recibe cuando cuenta ya con más de 71 años de edad, donde retoma la idea de Bramante : una iglesia de cruz griega. Miguel Ángel diseña una doble cúpula semiesférica inspirada en la de Brunelleschi de Santa María de las Flores con dos casquetes, el casquete interior esférico y el exterior apuntado o achatado unidos mediante tirantes y que contrapesan las fuerzas de los empujes. Remataría la cúpula una larga linterna para que se viera desde todos los puntos de la ciudad. A su muerte, en 1564, se empezaba a levantar la construcción de la cúpula encima del tambor, terminándose en la parte exterior en 1603 por Doménico Fontana y Giacomo Della Porta. El tambor con doble fila de columnas, tiene un zócalo que ejerce de base de dieciséis contrafuertes radiales que contrarrestan estructuralmente el peso de la cúpula, las ventanas están decoradas siguiendo la tradición clásica (alterna frontones y lunetos) y la altura de la cúpula desde el suelo hasta la claraboya es de 120 mt. La cúpula es el símbolo del poder de la cátedra de San Pedro, elemento de unión del poder terrenal y celestial, debía ser el faro guía de toda la cristiandad.
Cúpula San Pedro del Vaticano Biblioteca Laurentiana Plaza del Capitolio Andrea di Pietro della Gondola “PALLADIO” (1508-1580) Su máxima preocupación fue adaptar las formas clásicas a las necesidades modernas. Lo conseguirá, tanto en las obras religiosas (iglesias) como civiles (basílicas, villas y teatros. En 1549, recibe el encargo de revestir de piedra la Basílica o Palacio de la Razón de Vicenza, un edificio gótico de planta trapezoidal. Su intervención fue magistral. Diseña una fachada con dos plantas (dórica, la primera; jónica la segunda) y una repetición del llamado “módulo palladiano” , compuesto por marcos arquitrabados con columnas gigantes y, en su interior, arcos de medio punto sostenidos por columnas más pequeñas (inscripción de un arco de medio punto y dos dinteles laterales apeados sobre columnas de orden normal, en un marco arquitrabado con columnas de orden gigante.) Quizás las construcciones más famosas de Palladio fueron las villas que construyó en Vicenza, Verona y Venecia. Las hay de dos tipos: a) Las que servían de segunda residencia a las clases acomodadas. Construyó una treintena de villas campestres concebidas como lugares de ocio o de producción agrícola, en las que la alta sociedad veneciana se retiraba del ajetreo de la ciudad. Este es el concepto con el que diseña y construye Villa Capra conocida como la Rotonda (1551-1569). El exterior presenta perfiles idénticos en las cuatros fachadas, en las que destaca la escalinata que termina en un pórtico de seis columnas jónicas, con entablamento y frontón clásico. En el centro del edificio, en forma de cruz griega, destaca una cúpula que cubre una sala circular central que articula todas las habitaciones y estancias de la villa. Las cuatro fachadas se orientan hacia los puntos cardinales, permitiendo aprovechar al máximo la vista privilegiada del entorno. Villa Capra fue construida para el clérigo Marius Capra Gabrielis. b) Las construcciones para uso agrícola. Por ejemplo, Villa Barbaro. Tiene un cuerpo central para viviendas y dos alas para almacenes, establos, bodegas y graneros. El éxito de sus teatros provisionales de madera motivó que la Academia Olímpica de Vicenza le encargó los planos del llamado teatro olímpico de Vicenza. Palladio, inspirándose en los teatros clásicos romanos, construyó una estructura semi elíptica cerrada por un escenario con decoración
movimiento, hasta llegar a reflejar en sus obras gestos y actitudes delirantes, vía que seguirán el Manierismo y el Barroco.
- El rasgo definitorio del Manierismo escultórico es la figura serpentinata, dibujando una ascensión helicoidal; obras con un complicado movimiento, con varios puntos de vista, no limitándose a ofrecer una perspectiva principal. Ya en Miguel Ángel encontramos ejemplos de Manierismo: en la Tumba de Lorenzo de Médici las figuras escapan del marco y del espacio que las contiene, con fuerza centrífuga que las hace inestables, de tono grave y tenso, las proporciones parecen rotas. Sus años de formación los pasa en el palacio de los Medici en Florencia, donde estudia las estatuas clásicas que ha ido coleccionando Lorenzo “el Magnífico”. De este periodo, es el relieve de la Virgen de la Escalera , influido por la técnica del stiacciato. Tras la caída de Savonarola, al que apoyó, se establece en Roma. Su primera obra en su nuevo destino es un Baco que ha sido definido como una combinación entre “la esbeltez de la juventud masculina y la carnosidad y redondez de la femenina”. Poco después, el banquero Jacopo Balli, que había comprado la estatua de Baco, le consigue un encargo para el embajador francés ante la Santa Sede una Piedad para su tumba: La Piedad del Vaticano (1499) -Está realizada en un gran bloque de mármol del que el autor extrae la escultura.
- Es la primera vez que realiza este tema iconográfico, que pasa a convertirse en el prototipo de imagen devota para el arte cristiano y la única ocasión en la que firma un trabajo. -Presenta a una María joven y bella. Según Vasari, símbolo de la pureza no corrompida por el pecado. -Desproporción de la Virgen respecto al cuerpo de Cristo que se debe a la composición piramidal del grupo. Composición cerrada en triángulo equilátero.
- Modelado es extraordinario, creando una gran sensación de dinamismo en los paños de los ropajes, mayor volumen en los paños bajos para dar estabilidad visual, y menor en los superiores, para que la luz resbale. -Gran precisión en los detalles anatómicos y en los estigmas de la pasión gracias al conocimiento de la anatomía, a través del estudio de cadáveres. -Las figuras responden a un canon clásico, de posiciones estáticas y muy controlada expresividad, serenidad clásica, apreciada en los rostros de María y Jesús. -Representan la belleza platónica, serena, íntima, idealizada, con la que Miguel Ángel quiere comunicar el concepto de perfección. . En 1501, Miguel Ángel recibe de sus paisanos florentinos el encargo de esculpir un David sobre un bloque de mármol de Carrara de más de cuatro metros. Tres años después, en 1504, “el Gigante” –como lo llama la gente- se coloca en la Plaza de la Señoría. Representa al joven pastor hebreo, con la honda sobre el hombro en el momento previo al combate para significar que, así como David había defendido a su pueblo y lo había gobernado con justicia, el que gobernase la ciudad de Florencia debería defenderla y justamente gobernarla. Todo su cuerpo refleja esta tensión propia del momento. David está estudiando a su rival en un momento de máxima concentración y energía, preparando fuerzas para el asalto, movimiento contenido y centrípeto, con los miembros hacia adentro. No representa la acción, sino la tensión contenida, por eso la figura es musculosa. Está inspirada en la estatuaria clásica y testimonia el profundo conocimiento de la anatomía que poseía el artista, por necesidades expresivas agranda la cabeza y la mano derecha.
Marca la transición entre el estilo “dulce” y la “Terribilitá ”: esa expresión de ira contenida, el estilo grandioso, monumentalidad, tensión interna y de fuerza potente que a partir de ahora trabajará el autor. La obra está hecha para ser vista de frente pero rompiendo la simetría con la mayor tensión del brazo y la pierna izquierda. Miguel Ángel rompe la tradición iconográfica florentina de representar a David como adolescente desnudo con la cabeza de Goliat a sus pies (como el de Donatello), convirtiendo al héroe bíblico en héroe renacentista como símbolo de la fuerza republicana florentina. La postura es griega, pero las manos, el gesto terrible, la disposición en zigzag del cuerpo, comunican una tensión que no es clásica, sino punto de partida del Manierismo Terminado el David, Miguel Ángel proyecta el Sepulcro para el Papa Julio II. Constaba de tres pisos, distribuidos en una estructura piramidal, concebido como una verdadera montaña de mármol exenta bajo la Cúpula de San Pedro , con más de cuarenta figuras de tamaño colosal. La base adornada con victorias flanqueadas por esclavos, que representaban los territorios conquistados por el Papa; la planta intermedia contiene relieves con los hechos del Pontífice y cuatro grandes imágenes en las esquinas: Moisés, San Pablo, la Vida Activa y la Vida Contemplativa ; en el ático aparecía Giulio II en su silla gestatoria, llevado por dos ángeles sediaris (portadores de la silla papal). El proyecto, que trataba de armonizar la fama temporal con la salvación eterna del alma del Papa, tuvo enormes dificultades para ser ejecutado, sobre todo por la oposición de Bramante, que trató de convencer a Julio II de la inconveniencia de construir un sepulcro en vida, hubo de irse reduciendo por presiones de todo tipo (económicas, políticas, familiares), por ello, quedó incompleto, y las figuras realizadas están dispersas en distintos países, de las cuarenta y siete esculturas proyectadas sólo se realizaron ocho: dos esclavos del Museo del Louvre, cuatro esclavos de la Academia de Florencia, la Victoria del Palazzo Vecchio, también en Florencia, y el Moisés que es la única que se conserva en el mausoleo cuando mucho años más tarde se instaló en la Iglesia de San Pietro in Vincoli.
- El Moisés : motivo central de la tumba, obra capital de fuerza contenida y grandiosidad terrible, pensativo y sereno, reflexivo y prudente, el ideal del Renacimiento, pero en la fiereza de su mirada destella la terribilitá miguelangelesca. Está representado en posición sedente y con la cabeza barbuda girada hacia la izquierda, coronada por los cuernos de la revelación que lo identifican. Su brazo derecho se apoya sobre las tablas de la ley, mientras la izquierda acaricia la tupida barba. El modelo representado remite directamente a los frescos de la Capilla Sixtina. La obra fue realizada en un solo bloque de mármol, estructurado en un eje vertical en el que se mueve la figura en un forzado contrapposto por el giro de la cabeza y el torso a la vez que retrae una pierna en un signo de inminente movimiento elevación. El estudio anatómico es de un naturalismo asombroso (los brazos del profeta exhiben la fortaleza y tensión de un atleta, pese a su edad avanzada), las ropas caen en pliegues de gran naturalismo.
- Los Esclavos : Debían ir también en el Mausoleo de Julio II, pero quedaron inacabados: hondamente patéticos, expresan el esfuerzo por liberarse de las cadenas, muestras dos aspectos fundamentales del arte de Miguel Ángel: la potencia dramática o terribilitá y el inacabado o non finito. Mientras los realizaba se descubrió en Roma el Laocoonte, que supuso para Miguel Ángel y todos los escultores de su tiempo una verdadera revelación. A partir de este momento la expresión en sus figuras se hará más intensa, las actitudes más violentas y un halo de dramático pesimismo velará los rostros.
Moises. Tumba Guilliano de Médicis. Piedad de Florencia. Piedad Rondanini Pintura: Leonardo, Rafael y Miguel Ángel. La escuela veneciana: Tiziano
- El siglo XVI italiano es la "época de los genios”. Florencia continúa siendo la capital del arte, pero sus figuras se trasladan a Roma, donde el Papa es ahora el mayor mecenas, o viajan por diversas ciudades. Los aristócratas hacen los encargos.
- Mejor manejo del color, perdiendo su imperio el dibujo y el contorno, aunque los pintores florentinos siguen dándoles mayor importancia que otras escuelas.
- La luz adquiere una nueva importancia y con ella las sombras, casi ausentes en el siglo anterior. Las formas son ya redondeadas, no con apariencia tan plana como antes, gracias al claroscuro de luces y sombras se consigue el volumen, la pintura es ahora un arte de tres dimensiones.
- Ya no hay obsesión por la perspectiva, la profundidad se consigue ahora de una forma más natural, sin esfuerzo.
- Los paisajes se enriquecen, son más variados, unos luminosos con flores de primavera, otros neblinosos o crepusculares, con rocas, etc.
- La composición es clara, con frecuencia triangular o piramidal, relacionándose las figuras con las miradas y gestos, con una única escena o destacando claramente la principal. Proporciones naturales y graciosos ademanes.
- Al final del siglo XVI aparece el Manierismo: es entonces cuando las nítidas composiciones piramidales, las proporciones naturales y graciosos ademanes son sustituidos por composiciones nerviosas, carentes de espacios y atestadas por imágenes turbulentas, artificialmente alargadas y, a veces, arbitrariamente coloreadas, donde triunfa la "figura serpentinata''. LEONARDO DA VINCI (1452-1519) El tránsito del Quattrocento al Cinquecento lo encarna de modo excepcional Leonardo da Vinci, que ha sido considerado siempre uno el arquetipo de hombre renacentista por su pasión por todas las formas del saber, fue científico, ingeniero, escritor y artista (escultor y pintor). Como pintor su gran creación es el “esfumato”, artificio pictórico que consiste en prescindir de los contornos netos y precisos del Quattrocento, y envolverlo todo en una especie de niebla imprecisa, que difumina los perfiles y produce una impresión de inmersión total en la atmósfera. El paisaje adquiere así una misteriosa dimensión, y los personajes un encanto distante y enigmático.
Cursa su aprendizaje en el taller del pintor y escultor florentino Andrea Verrocchio, conservando de esa época el cuadro del Bautismo de Cristo , en el que pintó un ángel que sostenía unas vestiduras, que estaba mucho mejor que las figuras de su maestro, por lo que se dice, que Verrocchio nunca más volvió a coger los pinceles. Este cuadro representa perfectamente el tránsito del Quattrocento al Cinquecento. En 1482, Leonardo marcha a Milán, donde Ludovico Sforza lo contrata como ingeniero militar, arquitecto, escultor y pintor. Su primera obra terminada es La Virgen de las Rocas , se muestra como gran maestro de la composición triangular y de los juegos de luces, las figuras se destacan en primer plano de la penumbra de la cueva que hay tras ellas, lo que le da un aire de misterio. Composición equilibrada, idealización de los modelos y perspectiva aérea, las figuras no tienen perfil, sus límites se pierden en una neblina conocida como “esfumato”. El grupo se inscribe en una composición piramidal delimitada entre la cabeza de la Virgen y los cuerpos de ambos niños, destacando el juego de las manos y las miradas de los personajes, dejando clara la interrelación que existe entre ellos. Su gran obra en Milán será La Última Cena , pintada en 1482 para decorar el refectorio del convento de Santa María de lle Grazie: -Como la técnica del fresco no le interesaba porque le obligaba a pintar muy deprisa desatendiendo los detalles, trató de inventar un sistema que le permitiera pintar al temple y oleo sobre yeso seco. El resultado fue un fracaso: la magnífica pintura que vieron sus contemporáneos está hoy casi desvanecida. -Como necesitaba mucho espacio para representar las trece figuras, Leonardo amplía ópticamente el muro central creando una habitación fingida. -Siguiendo las leyes de la perspectiva lineal, agranda ópticamente el muro frontal del refectorio con un cenáculo fingido, dirige las líneas de fuga hacia las tres ventanas situadas a la espalda de Cristo, que, por otra parte, dan luz natural al espacio.
- La escena no se centra en la institución de la Eucaristía, si no en el momento en que Jesús anuncia la traición de uno de ellos sin nombrarlo, por lo que realiza un completo estudio de los temperamentos humanos: cólera, sorpresa, incredulidad, duda o culpabilidad, agrupando a los apóstoles de tres en tres, el único que no se sorprende del anuncio es Judas, que estruja con inquietud la bolsa de monedas. Sólo Cristo permanece quieto y silencioso. En 1501, regresa a Florencia. Es ya un pintor consagrado. Pinta el lienzo Santa Ana, la Virgen y el Niño que ya desde que es presentado el cartón preparatorio recibe numerosas visitas. Conocida como una Santa Ana triple, ya que las tres imágenes están superpuestas unas a otras, como se representaba en la Edad Media. Emplea en esta obra todas las técnicas propias, desde la perspectiva al sfumato. Realiza varias cartones del mismo tema, aunque solo pinta la versión que se conserva en el Museo del Louvre Poco después, realiza el fresco de la Batalla de Anghiari , para la sala grande del palacio Veccio ,que representa una carga de la caballería florentina contra los milaneses. El cuadro está perdido, aunque algunos suponen que permanece bajo otro pintado posteriormente. Entre 1503 y 1506, pinta Leonardo el que quizás sea el retrato más importante de la pintura universal, el busto de Monna Lisa : -Óleo sobre tabla que luego se traslada a lienzo. -Llamada “Gioconda” por estar casada con Francesco Giocondo.
habitaciones, que han pasado a la historia con el nombre de Estancias Vaticanas : Cámara de la Signatura, de Heliodoro, del Incendio del Borgo y de Constantino Cámara de la Signatura o Estancia del Sello. Es la única que Rafael pintó personalmente. En sus cuatro paredes, se representa un programa humanístico con alusiones a la Jurisprudencia, la Poesía, la Teología y la Filosofía: ● La alegoría dedicada a la Teología lleva el nombre de La disputa del Sacramento. ● La dedicada a la Filosofía, con el título de La Escuela de Atenas , es un canto a la filosofía clásica. En ella, Platón indica el cielo, mientras Aristóteles señala la tierra. Toda la escena se desarrolla en un espacio arquitectónico que recrea el modelo que diseña Bramante para la basílica vaticana, colocando a los protagonistas en el centro como punto de fuga de la perspectiva lineal que usa para el fresco. Destaca en toda la composición el uso de modelos reales para la representación de los diferentes filósofos, así como el uso de una amplia variedad cromática y la excelencia del dibujo con la que perfila todos y cada uno de los detalles. Prototipo de la pintura del Pleno Renacimiento por su armonía y perfección: perspectiva, composición de gran número de personajes, fuerza expresiva de los gestos, colorido, etc. En la villa Farnesina trabajó con temas mitológicos. El fresco más importante es El triunfo de Galatea , una amable escena en la que la protagonista navega sobre un carro tirado por dos delfines, donde retrató a su amante Margarita Luti “la fornarina”. En la pintura al fresco representa una dulce ninfa en el mar sobre un carro tirado por dos delfines, a cuyo alrededor se ven muchos tritones y dioses marinos. El campo del retrato fue otra de las especialidades que cultivó con gran éxito, como acreditan los realizados a los pontífices Giulio II y León X entre otros. Su última obra son diez cartones para tapices con los Hechos de los Apóstoles que fueron tejidos en Bruselas para decorar las estancias de León X. Madonna del Jilguero Escuela de Atenas Triunfo de Galatea MIGUEL ÁNGEL BUONARROTI (1475-1564)
- Fundamentalmente escultor, por lo que sus figuras conservan la importancia del dibujo, el deseo de movimiento y la apariencia más escultórica que pictórica.
- Ejercerá una influencia capital en artistas contemporáneos y posteriores, sobre todo del Manierismo, cuando las nítidas composiciones piramidales, las proporciones naturales y graciosos
ademanes son sustituidos por composiciones nerviosas, carentes de espacios y atestadas por imágenes turbulentas, artificialmente alargadas y, a veces, arbitrariamente coloreadas, donde triunfa la "figura serpentinata''.
- Sus figuras están cargadas de dinamismo, los colores que emplea son fríos y azulados, muy expresivos, los perfiles consiguen un volumen escultórico, la técnica es suelta y de vigorosas pinceladas, las figuras son grandiosas y de expresión terrible. Tensión expresada en la musculatura y en los gestos de los rostros.
- Colosalismo y gran dinamismo, carencia de espacio para las figuras y sensación de angustia, dramatismo, en todos estos rasgos encontramos ya las raíces del Manierismo. Miguel Ángel se inicia en el arte a través de la pintura. A los trece años su padre le puso de aprendiz en el taller de Ghirlandaio, donde aprendió la técnica del fresco, y aprende el esplendor plástico estudiando a Giotto y Masaccio. Su primera obra relevante data de 1504 y fue un encargo del fabricante de paños Agnolo Doni ( El tondo de Doni ). Pintura al óleo sobre tabla circular, en él se aprecia a la Virgen tendiendo el Niño a San José en un escorzo exagerado, con un fondo de cuerpos desnudos (composición helicoidal). Miguel Ángel llega a la perfección anatómica tras un minucioso estudio de cadáveres en el Hospital del Sancti Spiritu en Florencia. Las mismas formas se pueden observar en el cartón de La Batalla de Cáscina , que debía servir para decorar al fresco una de las paredes del Salón de plenos del Palacio Público, que hoy se encuentra perdida. Entre 1508 y 1512, Miguel Ángel realiza la que será su obra maestra como pintor: la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina : Para levantar la óptica del techo, imagina un conjunto levantado sobre grandiosas pilastras fingidas y entre ellas fue acomodando las monumentales figuras de los Profetas y las Sibilas , que habían vaticinado la redención de Cristo. A su alrededor pintó a los antepasados del Salvador: los miembros de la Casa de David que componen la generación temporal de Cristo. Luego, compartimentando el espacio rectangular central en nueve tramos, separados por desnudos y tondos, narra la Creación y la Caída del hombre tal como aparece en el Génesis. Las figuras emergen de un cielo azulado en el que flotan con seguridad y energía extraordinarias. Los personajes están situados en diferentes planos, pintados mediante escorzos acentuados que adelantan el manierismo y el barroco. Miguel Ángel suple la carencia de perspectiva gracias a la representación anatómica y el volumen de los cuerpos. -En la parte baja del techo pintó a los antepasados de Cristo. -Sobre ellos, pintó alternados a los profetas y a las sibilas. -En la parte central, Miguel Ángel pintó nueve escenas del Génesis. Originalmente sólo se le encargaron doce figuras, los doce apóstoles. Rechazó el trabajo porque él se consideraba escultor, no pintor. El Papa le dio permiso para pintar las escenas y figuras bíblicas que él eligiera como compensación. -Cuando el trabajo estuvo terminado, había pintado más de 300 figuras, que mostraban la Creación, Adán y Eva en el Jardín del Edén y el Diluvio Universal. Pero el trabajo de M. Ángel en la Capilla Sixtina no había terminado. Entre 1535 y 1541 pintará, en el Altar Mayor, un Juicio Final que se ha convertido en una de las más hermosas obras del genio humano. En esta obra refleja la visión sombría y pesimista del momento en que fue realizada, mediados del siglo XVI: el Dios de la Justicia, totalmente desnudo (cubierto por Volterra), castiga
- exaltación de la riqueza en los ambientes que pintan: grandiosos palacios, ricas telas, presencia de instrumentos musicales... La escuela veneciana de pintura se caracteriza, sobre todo, por el uso del color. El maestro indiscutible de esta escuela será TIZIANO VECELLIO (1490-1576). (otros maestros fueron Giorgione, Tintoreto y Veronés ) Su formación la hace con Giorgione, un pintor modesto pero que es el primero que funde las figuras en el paisaje mediante el color. En 1508, discípulo y maestro decoran al fresco el Fondaco dei Tedeschi , centro comercial de los alemanes residentes en Venecia. Se considera que Tiziano conjuga el cromatismo con la gracia de Rafael y con la terribilitá de Miguel Ángel, es el retratista de la escuela, en sus retratos los elementos de encuadre (paisajes, cortinas, joyas, etc.) son tan importantes como el propio retratado, realizando una síntesis entre la captación de la psicología y temperamento del personaje y la atención a los detalles de vestuario y al escenario, que definen a su vez la categoría social de la persona retratada. También es el maestro de las formas blandas y redondas, de los desnudos femeninos e infantiles, sobre todo en composiciones de temática mitológica. En 1516, es nombrado pintor oficial de la República de Venecia y pinta su primera obra maestra, la Asunción de la Virgen , para el altar mayor del convento de Santa María Gloriosa dei Frari: -Las imágenes son de tamaño colosal pero de formas clásicas. -La composición está dividida en tres pisos. -María, en el centro, aparece envuelta en una nube dorada, asciende al cielo rodeada de ángeles, mientras los apóstoles admiran la asunción desde el plano terrenal, y Dios padre la espera en el plano celestial para coronarla. Importante fue también para Tiziano la colaboración con la monarquía española, que le llevaría a ser nombrado “pintor de corte” en 1533, Tiziano es único en retratar al emperador y su familia, ya que sabe dar a los personajes el parecido físico y la gallardía triunfal. En 1548, pintó el Carlos V en la batalla de Mühlberg , en el que representa al emperador a caballo y en actitud triunfante. En la misma línea pintó una serie de cuadros dedicados a Felipe II. Otra línea interesante de la pintura de Tiziano son los temas mitológicos realizados para la nobleza. Destacan Venus de Urbino , Diana y Dánae recibiendo la lluvia de oro , todas con fuerte carga erótica. En sus últimos años, desarrolla un estilo de trazo nervioso que anticipa la técnica impresionista pero que conserva su notable gusto por el color.
Asunción Carlos V en la batalla Mulberg Danae Otros pintores importantes de la escuela veneciana son: -Tintoretto. Muestra la crisis de los ideales renacentistas en sus composiciones de rasgos manieristas: maestro de las luces violentas, de los contrastes de luces y sombras, de los escorzos, del movimiento tenso e inestable, del paisaje romántico, de la profundidad conseguida por contrastes lumínicos o utilizando un punto de vista bajo, acusando así la lejanía del fondo. El Lavatorio de los pies. del que podemos destacar. El Lavatorio de los pies, La Última Cena. Lavatorio de los pies La última cena -Paolo Veronese : Las bodas de Caná. Es el pintor del lujo: escenas en palacios de mármol, con columnatas, balaustradas y jardines con fuentes; sus figuras con ropajes costosos y joyas. Inclinación hacia los detalles anecdóticos en sus grandes composiciones. Bodas de Caná
