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Cine Soviético: (relación con Kawalerowicz)
El cine permitía transmitir el mensaje soviético al pueblo en su mayoría analfabeto. Permitía ser comprendido y por medio de copias, podía hacerse llegar a los lugares más alejados del país. Esto hizo que el soviet se dedicase especialmente al cine como medio de comunicación.
El cine soviético seria ejercido por un reducido grupo de profesionales, con amplia formación en centros especializados, de ideología afín al partido único. El cine tenía que inculcar unos valores esenciales que sirviesen de ejemplo para ser imitado. Debía de ser un cine que sirviese intelectualmente y fuese alcanzado por la mayoría. Esto no quería decir que se tuviesen que ser vulgares. La iconografía vendrá inspirada por una estructura de la imagen lo más clásica posible.
Serán muy modernos y avanzados en la idea del montaje y la edición, debido a la influencia de “ Intolerancia ”. La capacidad para jugar en el tiempo y en el espacio de los rusos será decisiva en el desarrollo en el cine como lenguaje, ampliando y profundizando en el sentido con el que Griffith había realizado “ Intolerancia ”. Se puede decir que las narraciones visuales actuales proceden de Griffith, los rusos y del expresionismo alemán del periodo de entreguerras.
Todo esto podemos resumirlo en que las escuelas de cine serán la catapulta de lanzamiento de toda una generación de cineastas del este europeo hasta la actualidad.
Durante un tiempo, este cine marxista conto con grandes dosis de libertad, sobre todo durante el tiempo en el que se encontraba Lunatcharsky en la dirección de artes. Sin embargo con la IIGM y la subida de Stalin, este cine experimentó un retroceso, no en cuanto a la técnica y el lenguaje si no a la libertad expresiva de sus creadores. Fue marginando todo lo relacionado sobre la historia política, para dedicarse a la creación de películas sobre temas literarios, obras emblemáticas, pero desprovistas de carga ideológica, o bien que pudieran ser reinterpretadas por la ideología marxista. Probablemente la mejor adaptación del Quijote la hayan hecho los rusos.
Polonia, al ser un país que permaneció bajo la influencia soviética, fue una nación que participó abundantemente de este cine. Se crearon dos escuelas de cine: Cracovia y Lodz, donde bajo la dirección de Aleksander Ford se fueron formando toda una generación de importantes directores. “ Los Caballeros de la Orden Teutónica ” es una de sus obras más importantes.
En estas escuelas de Polonia se formaron directores como Andre Wajda, W. Haas, J. Skolimowski… estos dos últimos hicieron cine con temas españoles. “Las aventuras de Gerar”.
Neorrealismo (relación con Visconti)
A mediado de los años 40 surge en Italia un movimiento Cinematográfico llamado Neorrealismo. La película fundacional es de Roberto Roselini, titulada “Roma Chita aperta”.
Este movimiento surge como consecuencia de la situación en que la Italia de la posguerra ha quedado. No padeció una destrucción como la de Alemania… pero desde el punto de vista humano y social el país experimentó una conmoción, y esta conmoción habría de trasladarse a sus formas de expresión y finalmente al cine.
El movimiento neorrealista rompía con una tradición estética y narrativa que había hecho escuela en la Italia anterior: cine de comedia, histórico… la manera de entender este medio por parte de los Italianos podía entenderse como algo superficial. Por el contrario el neorrealismo centra sus argumentos en la siguiente relación de temas:
Lo social cobrará una importancia primordial, el mundo de los trabajadores, jubilados, emigrantes… se convierte en el eje de las preocupación de la nueva oleada de directores, de forma y manera que a través de toda una serie de títulos se procurara aliviar los problemas, angustias y tensiones de la sociedad italiana.
En 2º lugar habrá un canal político filo comunista, teniendo en cuenta que el PCI era el más poderoso de la Europa occidental en aquellos años. Este izquierdismo no llega a ser espectacular pero se encuentra en la ideología, en las opciones políticas de muchos directores y en las preocupaciones sociales de muchos guiones.
3º hay un sustrato, una preocupación de carácter cristiano, moviéndose igualmente por las distintas obras de este estilo. Esto es debido al catolicismo de la sociedad italiana y al Estado del Vaticano residente en Roma.
4º El tipo de los rodajes es más naturalista del anterior cine italiano. Rodajes en la calle, interiores naturales… contando que roma disponía de los mejores estudios cinematográficos de Europa, Cine Chita, que persisten en la actualidad.
El cine neorrealista, sin embargo, y a pesar de la importancia de sus directores, entre los cuales podemos citar a P. Germi y R. Castellani, habría a su vez de infiltrar nuevos géneros como el policiaco y la comedia, que se revisten de una sensibilidad procedente del neorrealismo.
A finales del los años 60 en Neorrealismo empezó a dejar de ser un movimiento, muchos de sus directores más representativos todavía poseen una referencia a este.
El neorrealismo no gustaba a los italianos, y desde el punto de vista económico no tuvo mucho éxito en su país debido a sus argumentos que reflejaban la realidad. Sin embargo influyo mucho en Europa, en España a Berlamga, Bardem, Saura… teniendo muchos elementos del neorrealismo.
Los franceses, en 1954, de la mano de André Bazin, y de Doniol Volcroce, van a crear toda una línea de pensamiento “filosófico” para reflexionar sobre el cine. Sera la primera vez, que de una manera sistemática, el cine entrará en las universidades, como práctica o como teórica. A demás el cine será estudiado en función del pensamiento que
nacionales, porque una película tiene una estructura muy costosa, a diferencia de las demás artes como la literatura, la pintura… el cineasta necesita mucho más, incluso hoy en día, con las facilidades tecnológicas.
- Los EEUU supieron construir historias que podían ser férreamente localistas, y sin embargo que los comprendieran y disfrutaran en todas partes del mundo. Un ejemplo de esto es el Western.
- Los EEUU entienden que las historias tienen que tener una brillantez para atrapar al espectador y hacer que no tenga inconvenientes en gastar el dinero en taquilla. Por eso sus historias tienen que ser atractivas.
No tienen inconveniente en considerar el cine como un arte y como un medio de comunicación. A partir de esta filosofía estos crean unas plataformas industriales, donde la productora va a ser quien realmente gobierne todo el flujo de información cinematográfica.
Los EEUU entendieron que el cine debía de contar con un leguaje, que sin menospreciar las influencias de la pintura, la historia, la música… tuviese su personalidad propia.
Los focos de producción primarios fueron: Nueva York y Hollywood. En este contexto es donde hay que incluir la personalidad de D.W. Grifith (IR A AUTORES), el cual fue un precursor de esta mentalidad.
Caller de Cinema (relación con Cecil B De Mille)
Caller de Cinema es una revista que ha tenido una inmensa influencia en el pensamiento y construcción cinematográfico específico. Desarrollarán el concepto de “política de autor”: los directores deben ser entendidos como narradores en pie de igualdad con los pintores, escritores… De manera que un director de cine debe ser estudiado como si se estudiara a Beethoven.
En torno a esta revista se va a construir todo un grupo de jóvenes escritores que desembocaría en cineastas de prestigio. Representaran diversas tendencias, presididas y organizadas, entorno siempre a la figura del redactor jefe. Este planteamiento, unido a un movimiento literario Francés llamado “La nueva novela”, a la hora de hacer cine, fueron profundamente intelectuales. Sin embargo a la hora de escribir sobre cine esta gente se enfrentó a una tendencia que había ido haciendo escuela años antes, que consistía en el menosprecio del cine americano. Ellos entendieron que esto se trataba de un tremendo error, y sostenían que el cine de EE.UU. tenía un mensaje que debía ser tenido muy en cuenta. Para ellos J. Ford era una figura a seguir, y en este sentido entendieron que De Mille era un autor a recuperar, y que en su filmografía se encontraban obras que podían nombrarse como obras maestras, y que su espectacularidad no escondía una banalidad si no que respondía a una manera de
entender el cine. En la actualidad, determinadas películas de Spielberg, Oliver Stone, tienen en sus raíces la influencia de Cecile B. De Mille.
Cine alemán (relación con W.F. Pettersen)
El cine alemán es uno de los fundacionales por lo que respecta al lenguaje cinematográfico fundamentalmente a través del campo de la estética, donde construye una plástica que luego es rastreable en diversos géneros cinematográficos de otros países. En EE.UU., el western, en algunos de sus títulos nos puede presentar iluminaciones, decorados, puestas en escena… cuya raíz se encontrará en el expresionismo.
Este género surge de 1920 a 1930 en la Alemania de entreguerras. Alguno de los autores que van a hacerse famosos con este movimiento, si bien muchos de ellos emigran a la llegada de los nazis al poder, son F. Lang, W. Pabst, W. Murnau… Estos autores serán quienes inicien el cine de terror, como w. Murnau, y alguno, como Lang, llegarán incluso a plantear una situación contradictoria cuándo los Nazis ocupen el poder.
F. Lang es el autor de dos películas que son “ El anillo de los nivelucos ”, inspirada en el poema épico del mismo título, que causó un fuerte impacto en algunos de los que habrían de llegar a ser jerarcas del régimen Nazi. Cuando Goebbels se hace cargo del Ministerio de Propaganda, una de sus primeras decisiones fue llamar a Lang y decirle que, como admirador suyo, quería que se pusiera al frente de la nueva cinematografía alemana. La respuesta de Lang fue “Agradezco mucho, pero sabe su excelencia que yo soy judío”, al saber esto Goebbels lo nombra ario honorario. Lang se terminó marchando de Alemania.
Algunos de estos directores, por la llegada de los nazis deciden emigrar a otros países, básicamente EE.UU. que quedará influido por este estilo expresionista.
Desde el punto de vista cinematográfico, el movimiento expresionista encontrará un cauce industrial para desenvolverse. Es el último gran movimiento europeo y, a partir de él, los movimientos que vallan surgiendo serán bajo el poderío americano, que se materializa en el hecho de que la influencia cultural que habían tenido ciudades como París y Londres se van a ir trasladando a Nueva York, Los Ángeles… Por ello es importante resaltar que los expresionistas alemanes encontraron un instrumento industrial que canalizo su producción cinematográfica. Este instrumento es la UFA (productora estatal que se crea en Alemania y que dota a estos directores de la capacidad para la puesta en marcha de sus producciones, sobre todo durante el periodo que tuvo al frente de la misma a Eric Pommer).
Con la llegada de los Nazis al poder, el cine alemán experimenta una transformación. Como ocurre con todos los regímenes dictatoriales, el cine constituyó un elemento valiosísimo para su ideología, infiltración… pero esos argumentos, esa estética que hicieron famoso al expresionismo, ya no va a ser compartida con el Nazismo.
V. Schölondorf va a hacer una película: “ La repentina riqueza de los pobres de Kombaçh ” basada en una historia real. “La revolución es imposible cuando los que sufren las consecuencias de una determinada estructura social no se dan cuenta de su situación y son incapaces de transformarla”.
Paulatinamente al movimiento de Overhausen le fue sucediendo lo mismo que a los otros movimientos europeos, fue disminuyendo y dejando influencias en los nuevos directores. Estos nuevos directores tenían nuevos puntos de vista, al evolucionar junto con la sociedad alemana. De estos directores destacan:
Herzog, es un hombre que se va a dedicar fundamentalmente al cine histórico, en el que pretende mostrar de qué manera Alemania por un lado y el ser humano considerado en abstracto por otro, son siempre consecuencia de acontecimientos anteriores a ellos que de algún modo les condiciona. Pretende explicar como un pueblo llega a ser algo. En este sentido se muestra heredero de una tradición romántica que se encuentra en la base del espíritu alemán que se muestra en su cine, donde lo misterioso cobra mucha importancia, junto al sentido de la naturaleza. Este cree que el hombre en abstracto es el resultado de muchas cosas y en especial la climatología en la que se desenvuelve. En este sentido entronca con un historiador inglés llamado A. Toynbee, el cual dice que la historia es el resultado que el hombre da a la naturaleza, y por este derrotero es por donde caminará Herzog. Una película es “ La aventura de Lope de Aguirre ”.
Fassbinder, es una personalidad que no es fácil de catalogar, por lo tanto es interrogante. Murió joven. Como personalidad artística fascinante y desbordante. Fue educado por su madre, se dedicó al teatro y toda su vida artística caminó entre el teatro y el cine. Era un gran admirador de un escritor francés llamado Jean Genet y adapto muchas de sus obras. Tenía una enorme influencia de Godadr. Era un apasionado del western, del marxismo y del anarquismo. Trabajó también en series de TV como “ Berlín Alexander Plats ”, y entre sus películas hay que citar “ Todos nos llamamos Alí ”, sobre la emigración norteafricana.
Otra nueva oleada de directores entre los cuales destaca Wenders (junto con los anteriores). Es un autor profundamente influido por la cultura americana, el rock, la novela… Sobre todo los años 50 en adelante pueden ser detectables en su forma de hacer cine, incluso su admiración por directores norteamericanos como Nicolas Ray y San Fuller que aparecen en alguna de sus películas. Le interesa mucho los temas del viajero, el fugitivo de la sociedad, que muchas veces es fugitivo de sí mismo. También le influye un autor austriaco que es Peter Handke, adaptando una de sus novelas que es “ El miedo de un portero al penalti ”, tratando sobre el miedo a fracasar. La película más famosa es “ El amigo americano ”, es una narración inspirada en una novela de Patricia Haisi, basada en el personaje de Ripley.
Cine en los 60 y 70 (relación con Eloy de la Iglesia)
Los 60 y 70 son un espacio de tiempo en el que el cine ocupo una gran importancia en el ámbito social, académico… y todo un importantísimo espectro social de universitarios y no universitarios entendió que el cine era la fórmula ideal, para expresarse y para hacer preguntas y hallar respuestas en la propia vida. Fue una generación cinematográfica que intentó producir una transformación en la forma de entender el cine como expresión artística y comunicación.
Durante estos 20 años el cine fue un instrumento importantísimo en la sociedad, desde la política a lo periodístico, desde lo académico al entretenimiento… el cine era un eje fundamental. Motivos:
El cine había adquirido una madurez tecnológica y narrativa importante, que permitía la construcción de escenarios donde desarrollar la fantasía o encontrar un calco de la realidad cotidiana en la cual te desenvolvías. Su estructura industrial permitía que el producto pudiera resultar económicamente más barato que otros medios equivalentes en la época.
Por ejemplo, es cierto que en aquellos años el teatro también gozaba de gran prestigio y tenía una tradición académica de superior raigambre a la del cine, sin embargo el teatro presentaba dos inconvenientes: era mucho más caro para el espectador, y requería una superior preparación intelectual por parte de los espectadores. Al mismo tiempo al estar sustentado fundamentalmente en la palabra de la moralidad, desde el punto de vista escenográfico, tenía menor capacidad de impacto de la que pudiera tener el cine.
A sí mismo, un medio como la radio, de indudable popularidad y de capacidad de penetración en la sociedad, tenía un abanico cultural que resultaba mucho más limitado. Es cierto que la no visualización permite a la fantasía actuar libremente, pero, por el contrario, el tipo de programación de la época, tanto del punto de vista de los informativos, eran de una homogeneidad muy similar y de un nivel cultural bastante bajo.
Esto y una serie de elementos ayudaron al cine a ser el espectáculo por excelencia, donde solo le hacían competencia los espectáculos deportivos, pero que tanto en su estructura comercial como en su difusión tenían unas perspectivas totalmente distintas.
En lo académico el cine también empezó a experimentar una atención que repercutió sobre la forma de entenderlo. Es verdad que, en sus inicios, el cine había sido menospreciado por los académicos, se consideraba que era un espectáculo de “barraca de feria”, incluso importantes autores literarios que veían interpretadas sus obras, manifestaban que el cine no les interesaba. A mediados de los 50 y los 60 el cine fue experimentando una transformación cultural. Es el momento en el que los medios de comunicación empiezan a una cobertura mediática a través de programas de radio y TV, aunque la índole de todo esto era “el cotilleo” sobre el cine, muy popular por entonces.
Pero también surgirán medios especializados como revistas, intelectuales… Es el momento en el que las universidades comienzan a interesarse por él y deciden que, el cine, tiene que ser estudiado y explicado con una perspectiva académica, y al mismo tiempo una serie de disciplinas (filosofía, semiótica…) se apropian e intercambian
carreta fantasma”, “ El tesoro de Arne ”… y Chisttensen es el autor de Haxan que trata sobre la historia de la brujería con especial dedicación a la edad media, rodada con un realismo verdaderamente duro, en donde no se le ahorran al espectador ningún tipo de durezas a la hora de presentar la brujería como algo directamente relacionado con la maldad y el sufrimiento. Sus películas tienden a tocar el folclore sueco, donde sus autores literarios constituyen su fuente de inspiración principal, sintiendo atracción por lo misterioso, lo inquietante… donde lo religioso o seudo-religioso ocupa un lugar primordial. Alguno de estos autores emigró a EE.UU. como es el caso de B. Stiller, que llegó a convertirse en un director relativamente importante. Sin embargo la popularidad de Stiller no viene por sus películas en sí, si no porque fue el descubridor de una de las figuras principales del cine, como es Greta Garbo.
En este contexto es donde situaremos la aparición, ya en la segunda parte del siglo XX, de Bergman. Es, sin duda alguna, la figura más prestigiosa del cine sueco, con una extraordinaria personalidad, con una profunda importancia en muchas de sus obras y produciendo una gran influencia en numerosos cineastas posteriores, hasta el punto en el que un director como Woody Alen reconozca su admiración por él.
Western (relación con Anthony Mann y Sergio Leone)
El western es uno de los géneros cinematográficos de mayor raigambre, que ha influido a su vez de una manera muy profunda en otros géneros cinematográficos y en otras geografías fuera de EE.UU.
Por género cinematográfico se entiende aquel conjunto de películas que sin prejuicio de su variabilidad argumental van a poseer siempre un grupo de elementos comunes: tipologías, paisajes, decorados… En función de esto hablamos de terror, comedia…
Pero el western puede poseer diferentes ramas o subgéneros y de
este modo habrá un western que hará referencia a la guerra civil de EE.UU., otro a las luchas con los indios, otro a la presencia de los Cowboys, e incluso a la colonización británica en la costa este, otro mexicano…
El western a su vez tiene la peculiaridad de que, siendo un genero específicamente norteamericano, muy nacionalista, posee una especial habilidad para ser entendido por culturas alejadas de la norteamericana. Se entiende en todos lados. Los narradores han sabido contar historias concretas de una manera que, al mismo tiempo, es muy abstracta. Esto quiere decir que sabe contar
argumentos que poseen capacidad de extrapolación, el diseño de sus tipos y personajes, acciones, paisajes… pueden ser presentados en otras geografías. El héroe del western posee elementos comunes con
los griegos, medievales, indios… tiene unas raíces comunes, por eso tiene capacidad de abstracción. Cuenta cosas básicas: la maldad, la bondad, la injusticia…
El western no tiene muchos westerns marítimos. Una excepción es “ Tambores lejanos ” protagonizada por Gary Cooper, “ Veracruz ” de del mismo actor, con Bar Lan Caster y Sara Montiel.
Suelen ser ganaderos, agrícolas… el paisaje en el western tiene una presencia que rebasa lo puramente decorativo. Esa ambientación se integra en la narración.
El western a su vez ha influido en otros estilos, un ejemplo es “El Cid” de Anthony Mann. Esta capacidad de abstracción produce que determinadas películas japonesas, como las de Kurosawa, hayan tenido su traslación al western, como por ejemplo “ Los siete samuráis ”, de “ Los siete magníficos ”.
Por otro lado el western apareció con el cine en Norteamérica. EE.UU. es un país con poca historia, y el western se va a hacer la edad media de EE.UU. La guerra de la independencia, con “ El último Mohicano ”, o “ El Patriota ”, la guerra civil con “ Lo que el viento se llevó ”… Todo confluye con la Biblia, los cantares de gesta, la Ley del Talión… Hay
un sentimiento trágico, como por ejemplo el pistolero que no quiere pelear y al final tiene que hacerlo.
En el western también están los arquetipos: el sheriff, el cowboy, los forajidos, el piel roja… En unos primeros momentos los pieles rojas son malos pero más tarde se da un giro de tratamiento como en “ El soldado azul ”.
En un momento el western traspasa fronteras, llegando a Italia, España… siendo un western manierista, en el que los arquetipos están exagerados, un ejemplo es Sergio Leone con “ La muerte tenía un precio ”.
