Fichas varias - Peliculas, Apuntes de Comunicación Audiovisual

¡Descarga Fichas varias - Peliculas y más Apuntes en PDF de Comunicación Audiovisual solo en Docsity!

Descargado en:

patatabrava .com

HISTORIA DEL CINE (UCM)

ALGUNAS FICHAS DE CINE

GARCÍA FERNÁNDEZ, EMILIO 16-

FICHAS DE CINE:

1. EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN , The Birth of a Nation ( 1915) DAVID WARK GRIFFITH

Sinopsis: La Guerra acaba con el asesinato de Abraham Lincoln a manos de John Wilkes Boothy con la toma del poder por parte de los negros, encabezados por el mulato Lynch (George Siegmann), lo cual genera una situación de caos y desorden en el país. Es entonces cuando Ben Cameron (Henry B. Walthall) ve necesario hacer frente al poder negro, y para ello lidera el ejército racista denominado Ku Klux Klan. Mientras tanto, Gus (Walter Long), un miembro del ejército de los negros, le propone matrimonio a una de las hijas de los Cameron, Flora (Mae Marsh), a lo cual ésta se niega en rotundo y huye de él, con tan mala suerte que cae en un acantilado y muere estrellada contra las rocas. Ante esto el Ku Klux Klan llevará a cabo su venganza, lo que hará que Lynch ataque a los Cameron y éstos se vean obligados a esconderse. Además, por si esto fuera poco, Lynch tratará de casarse por la fuerza con Elsie, la hija de Austin Stonesman, su propio mentor, pero éste no aprobará ese matrimonio y ella tratará de rechazarle. Lynch manda arrestar a Austin para después raptar a su hija, la cual luego será salvada por el Ku Klux Klan. Más tarde las milicias negras atacarán a los Cameron en su escondite, donde también llegará el Ku Klux Klan victorioso a salvarles de los negros. El filme acaba con la victoria del Ku Klux Klan en las siguientes elecciones.

Clásico del cine mudo que narra los acontecimientos más importantes de la creación de los Estados Unidos de América: la guerra civil, el asesinato de Lincoln... Ha sido tachada de racista por su glorificación del Ku Klux Klan, Pero tiene el mérito de ser la primera película que cuenta una historia de modo coherente: hasta ese momento Una película era un conjunto de escenas con muy poca relación entre sí. Obtuvo un enorme éxito en su tiempo. Con El nacimiento de una nación el público deja de tener esa concepción del cine como algo modesto que Acuden a ver algunas personas y empieza a considerarlo como un gran espectáculo de masas al que irá gente de Todo tipo. Producción: En 1915, año en que Griffith hizo El nacimiento de una nación, Estados Unidos estaba en plena ebullición económica en prácticamente todos los sectores productivos. Esto es debido sobre todo al papel que venía jugando este país en la I Guerra Mundial, donde Estados Unidos intervenía como exportador y suministrador de armamento. Esto le permitió alzarse como potencia mundial en la sociedad internacional y ofrecerse voluntario Para ocupar el puesto de “tierra donde los sueños se hacen realidad”. En el terreno cinematográfico, en Estados Unidos el cine está dejando de ser una mera curiosidad científica para empezar a ser una posible inversión Económica. El nacimiento de una nación es considerada la primera superproducción, destacando los enormes Beneficios que reportó a su creador. Oficialmente, hacer la película costó 112.000 dólares, aunque hay autores Que cifran el coste en bastante más, y señalan que fácilmente pudo alcanzar los 300.000 dólares. Sea como fuere, El nacimiento de una nación fue la película que más beneficios ha reportado de la historia del cine, sólo superada Por Blancanieves y los siete enanitos. Elementos estéticos: Es, en gran medida, el origen del lenguaje cinematográfico: apenas veinte años después de la invención del cine, Griffith utiliza con una sabiduría de experto el primer plano, el montaje paralelo, el flash back y la profundidad de campo; y, por si fuera poco, sienta las bases de la narrativa y la tensión dramática del cine clásico de Hollywood. Cuando hablamos de El nacimiento de una nación podemos hablar de un doble alumbramiento Porque, con esta película: 1. El cine desarrolló un lenguaje autónomo. 2. El cine dio el paso definitivo para Convertirse en un espectáculo de masas. Aunque con El nacimiento de una nación se considera que nace el arte cinematográfico, lo cierto es que la dirección y caracterización de actores es pésima, presentando a éstos o bien como muy buenos o bien como muy malos, sin ningún tipo de matiz que pueda llevarnos a pensar que son personajes creíbles. La película se llevó a cabo en siete meses de producción, con 18. actores y extras, de los cuales, por cierto, muy pocos eran negros, y si lo eran tenían un papel muy poco destacado, porque lo cierto es que los personajes negros principales están interpretados en realidad por actores blancos con la cara pintada de color negro. Para modificar la forma habitual de los fotogramas, Griffith ennegrecía algunas partes para conseguir un efecto dramático. También es novedoso en la película de Griffith el empleo del ritmo y la iluminación natural (de Influencia teatral) como recurso narrativo.

época en que es realizada, y en la que todo Elemento es utilizado como propaganda para la legitimación ideológica de una revolución naciente. En este sentido es valorable la exaltación del hombre común, sobre todo del oprimido que decide romper sus cadenas. Una de las escenas más famosas en la historia del cine pertenece a esta película. Se trata de La Escalera de Odesa, cuando los cosacos disparan contra el pueblo inocente para acabar con el apoyo a los rebeldes. En ese momento, una madre es alcanzada por una bala mientras corre con un coche de bebé, que rodará escaleras abajo al morir la madre. Otra mujer coge en brazos a su hijo muerto por los disparos y se enfrenta a los cosacos La acción va adquiriendo una tensión casi insostenible en cada nuevo plano hasta que llega un momento en que prácticamente estalla. Los espagueti western que décadas después dirigió el gran Sergio Leone recurren con frecuencia a este mismo mecanismo de tensión acumulada. Para Eisenstein dos nociones yuxtapuestas conforman una tercera: Así, por ejemplo, casi al final de El acorazado, mientras vemos al barco disparar sus cañones (que para Eisenstein suponían una fuerte imagen fálica relacionada con el coraje y la fuerza de los hombres) aparecen los famosos planos del león que despierta y se lanza a rugir. Es decir, frente al terror y la opresión siempre sale triunfante el arrojo y la valentía de las hasta entonces aletargadas fuerzas revolucionarias. El director en su mayoría maneja planos medios, donde muestra los rostros expresivos de los personajes. A la vez la cámara hace tomas inclinadas y con trapicadas donde resulta un efecto de sensación distinta a la que se relata. Lo interesante de la película el director no maneja movimiento de cámara, en toda la película son solo planos, donde captura el dramatismo visual, se ayuda con los planos de detalle, donde resalta las partes del cuerpo o objetos como en la magnífica escena de Las escaleras de Odesa; es la escena con mayor duración y dramatismo resaltado en conjunto con la música.

4. EL ANGEL AZUL , Der Blau Engel (1930) JOSEPH VON STERNBERG

SINOPSIS Una femme fatale al más puro estilo de la Carmen de Mérimée, que no podía ser otra que Marlene Dietrich, es la estrella indiscutible del Ángel Azul, un cabaret alemán típico de los años treinta. El profesor Rath, tutor de inglés y literatura y solterón entregado de lleno a su trabajo, se siente molesto por la fijación de sus alumnos en Lola, la atractiva cantante del cabaret. Convencido de que aquel no es ambiente para sus potencialmente disciplinados estudiantes, decide acercarse al club con la sola intención de darle un escarmiento a los chicos. Pero al llegar allí cae en las redes de la atractiva Lola, enamorándose hasta perder su puesto en el liceo para casarse con ella y seguirla en sus giras. El pobre profesor Rath irá perdiendo paso a paso toda su dignidad, hasta quedar reducido a un payaso que acabará por no contar ni con la más mínima atención de Lola.

PRODUCCIÓN

Dirigida por Joseph Von Steinberg, “El Ángel Azul” es un melodrama alemán de principios de los años 30. Película sonora. Levantará a Marlene Dietrich como estrella de cine internacional, siendo la primera mujer en mostrar los muslos en una película. Aunque inicialmente la estrella indiscutible fuera Emil Janning, quien hace una interpretación magistral de un hombre que pierde su dignidad completamente, y por amor. La película empieza como una auténtica comedia, con diversas secuencias entre los dispersos chicos de clase y el profesor estricto, hasta llegar al cabaret dónde se siente completamente fuera de lugar por su rectitud personal y su disciplina extrema. Sin embargo, será este claro contraste, uno de los motivos por los cuales se enamorará de Lola sin remedio, dejando en estado de shock a todo su entorno compuesto por sus alumnos, el personal del cabaret e incluso la mismísima Lola, que no terminará de comprender su propuesta de matrimonio. En esta película no hay buenos ni malos, e imagino que es uno de los rasgos claros de una producción europea. Aquí solo hay personajes en unas determinadas circunstancias. Creo que la trama deja bastante claro que ni siquiera el personaje de Lola es necesariamente malo, solo tal vez indolente, pero incluso parecería justificada por ello. ELEMENTOS ESTÉTICOS La película empieza con la austera decoración del Liceo y las aulas. Solo en el despacho del profesor se pueden apreciar montañas de libros y bastante caos, señal de quien está inmerso en sus investigaciones. La asistenta se queja de la cantidad de colillas en el cenicero y del aire contaminado del despacho del profesor, indicios de una ansiedad latente. Al llegar al cabaret, igualmente el caos reina por todas partes: exceso de atrezo, motivos eróticos como esculturas desnudas o vestuario fetiche, y un desorden general. No nos es extraño que el profesor acabe por encontrarse cómodo es este entorno, más parecido al suyo personal que al de la institución donde trabaja. El ambiente, que transmite hostilidad en cada escena de la película, es solo amable a la llegadadel profesor al cabaret, una vez identificado como eminencia. Pero este buen trato es claramente hipócrita, y se puede intuir que la verdadera naturaleza del cabaret estallará en la cara del protagonista que tras todo el rigor esconde un hombre bastante inocente y falto de calor humano. Lola es una mujer amable en un ambiente hostil… ¿pero cuánto tiempo puede ser alguien verdaderamente amable en un entorno así, si no es hipócritamente? No la podemos culpar por si vida itinerante y su instinto de supervivencia. Nada se sabe del pasado de los protagonistas, y aunque uno puede imaginarse el del profesor, e incluso el de Lola, lo cierto es poco nos cuenta la historia sobre quiénes son. Poco más

podemos ver que como actúan, sin juzgarlos, puesto que en un cabaret pocas cosas deben estar prohibidas excepto eso. La película discurre a un ritmo pausado, sin prisas por que el protagonista llegue a la encerrona como un ratón al queso. Curiosamente, una vez se casan el profesor y Lola, se produce un salto en el tiempo y la acción transcurre casi de forma acelerada. Una vez se consuma la seducción, el realizador no da lugar a demorar más la trama. Lo mismo que una araña que se acerca a su presa lentamente, pero una vez comienza a devorarlo actúa con una rapidez inesperada. ESCENA: El ángel azul (1930) Joseph Von Sternberg Escena en la que el profesor de la universidad se ve vestido de payaso para poder ganarse la vida. En este escena cabe destacar el montaje, pues se puede apreciar en la expresión del profesor al mirar a su alrededor la desesperación más profunda por el penoso paso atrás que ha dado en la vida.

5. LUCES DE LA CUIDAD, City Ligts (1931) CHARLES CHAPLIN

Charles Chaplin, actor, director, músico y guionista es uno de los más reconocidos actores de la historia del cine mudo y uno de los padres de la comedia cinematográfica. Cuenta con una extensa filmografía con más de 80 películas a sus espaldas y su carrera abarca varias generaciones en las cuales experimenta de primera mano los cambios producidos en el mundo cinematográfico. Además, gracias a su personaje de Charlot logra llevar los sentimientos humanos a otro nivel logrando provocar catarsis en el propio espectador convirtiéndose así en un personaje arquetipo el cual logra convertirse en una gran influencia para directores, guionistas y actores posteriores. Aclamado por ser uno de los más notables actores de cine mudo, su carrera se ve peligrar con la llegada del cine sonoro. Negándose a la revolución provocada por el sonido, Charles intenta seguir produciendo películas mudas naciendo así Luces de la Ciudad (1930) una “comedia romántica en pantomima” que, tras varias dificultades para su estreno debido a la negativa de los productores de estrenarla logra romper todos los récords en taquilla y se convierte en otra de las obras maestras de Chaplin asentándolo como un actor al que aún le quedaba una larga carrera por delante. Tanto la producción, el guión y el papel protagonistas son llevados de la mano de Charles Chaplin además, a partir de esta película, Chaplin también adopta el papel de compositor haciendo que sea una de las figuras más completas en el mundo del cine. Junto con Charles en el papel de Charlot completan el reparto actores como Virginia Cherrill, Florence Lee, Harry Myers, Al Ernest García y Hank Mann.Se trata de una de las obras clave en la filmografía de Charles Chaplin y en ella serecoge el perfecto equilibrio entre el drama y la comedia. Para conseguir este efecto, Chaplin tuvo que renunciar a uno de las escenas cómicas más sublimes de su carrera y sustituirla por otra con menos contenido cómico con tal de no desequilibrar esta mezcla de géneros en la película. SINOPSIS:Charlot es un vagabundo en la gran ciudad que malvive vagando por las calles. Un dia conoce y se enamora de una humilde florista ciega que vende flores a los viandantes. Charlot le compra una flor gastando así el poco dinero que lleva encima, ella lo confunde con un millonario y él por miedo al rechazo decide no contarle la verdad. Esa misma noche conoce a un millonario ebrio que tiene la intención de suicidarse, Charlot lo disuade y este en agradecimiento le considera su amigo y le considera su amigo. Cuando el millonario recupera la sobriedad olvida conocer a Charlot y lo rechaza. Charlot comienza una relación con la florista y un dia, una carta de embargo lleva a Charlot a tener que buscar trabajo como barrendero o boxeador con tal de poder reunir el dinero suficiente para pagar la deuda. Habiendo fracasado en su propósito, el protagonista se reencuentra con el millonario que vuelve a estar borracho y le ayuda dándole mil dólares; en el transcurso de la noche, el millonario es golpeado en la cabeza haciendo que se vuelva a olvidar de Charlot y este sea acusado de robo. Charlot logra escapar y le da el dinero a la florista con la intención de pagar la deuda y someterse a una operación para recuperar la vista sin embargo, es capturado y es enviado a prisión durante un tiempo. A su salida, se reencuentra con la florista, la cual no le reconoce y por compasión le ofrece una moneda y una flor, al tocar su mano, la florista reconoce a su benefactor y este responde con unasonrisa. ELEMENTOS ESTETICOS:Luces de la ciudad es una de las apuestas de Charles Chaplin por intentar mantener en pie al cine mudo una vez se haya sucedido la revolución provocada por el cine sonoro. Fiel al estilo característico de las películas de Charlot, ésta podría quedar enmarcada dentro de genero tragicómico con la incursión de elementos cómicos y gags típicos de las películas de Chaplin encuadrado dentro de una historia dramática llena de emotividad y lucha social. En esta película se puede distinguir bien la lucha de la sociedad de clases y los conflictos y prejuicios existentes entre ellas. Hechos como el que Charlot no confiese su verdadero status a la florista por miedo al rechazo hace aún más evidentes los problemas y controversias producidas por este tema. También cabe destacar el papel del millonario, siendo uno de los reflejos más evidentes de esta conducta social. El millonario se comporta de una manera amigable y generosa con Charlot cuando el alcohol anula todo tipo de prejuicio en él, sin embargo, una vez es consciente, su status superior al del protagonista hace que le rechace e incluso le acuse de

alguacil que cuando le vuelva a detener la lleve a su rancho, Ringo se dirige a la calle principal para enfrentarse a los terribles hermanos Plummer. El esperado duelo es un instante y con resultado indeciso: vemos a Ringo lanzarse al suelo y disparar contra sus oponentes. En la siguiente escena vemos al mayor de los Plummer entrar en un bar y desplomarse muerto.Ringo vuelve para cumplir su palabra con el alguacil, pero este le hace que se monte en un carro con Dallas y que se marche a su rancho con ella, pues le sabe inocente del crimen por el que había sido acusado y considera justo que haya matado a los Plummer, responsables de la muerte de su padre y de su hermano.

Producción: Ford no descuida detalle, de ahí que mención aparte debe hacerse de la banda sonora de este filme. Diez y siete canciones folklóricas de fines del siglo XIX fueron adaptadas por cinco compositores, bajo la dirección de Boris Morros. Filmada durante diez semanas, y requiriendo de tres meses adicionales para edición y musicalización, la película tuvo un presupuesto de trescientos noventa y dos mil dólares, y recaudó más de un millón durante su primer año de presentación. Fue reestrenada en muchas oportunidades, por lo general junto a The Long Voyage Home (1940), del mismo Ford. Eventualmente el negativo original de La diligencia se deterioró o se destruyó, pero la intervención de John Wayne, que aportó su propia copia en 1970 impidió que la cinta se perdiera para siempre.

Elementos estéticos: La base de la historia es el trayecto que tiene que hacer este taxi peculiar del oeste americano desde el Tonto hasta Lordxburg. A medida que transcurre el viaje se producen cambios en los personajes, situaciones extremas en las que deben elegir, pero sin perder el hilo conductor que es la propia diligencia. En el caso de la diligencia los hechos se muestran de forma cronológica. Un fax o un telegrama llega al puesto del ejercito de Tonto donde se enteran de que los Indios han vuelto al combate de la mano de Jerónimo; La diligencia llega y se suben los pasajeros y parten hacia Lordxburg; primera parada; segunda parada. Emplea elipsis y dilataciones, en el caso de las primeras se trata de acortar la duración de los diferentes hechos, como los trayectos por el desierto no se ven mucho y duran escasos minutos. las dilataciones debemos destacar que sirven para alargar la extensión de una acción, así por ejemplo, la llegada de la caballería cuando la diligencia esta a punto de sucumbir ante los indios. También hay que nombrar el ambiente de la película que transcurre principalmente dentro de la diligencia, el cual es un espacio muy cerrado donde van siete personas dentro de esta y dos más afuera manejando la diligencia, por otro lado se utiliza ambientes desérticos y calientes. Igualmente se debe de hablar de cómo Ringo va avanzando en su búsqueda de venganza, desde el punto en que es recogido por la diligencia hasta que se logra llegar a Lordsburg y matar a Luke Plummer y sus dos hermanos, en medio de todo esto se enamora de Dallas y le propone matrimonio, así que nos encontramos con dos metas las cuales Ringo Kid es cada vez más capaz de cumplir. Cada uno de los pasajeros es un prototipo social muy característico -un autentico microcosmos del lejano oeste- que nos es presentado tanto con valores positivos como negativos. Destacada secuencia del ataque indio: -Encuadre posterior de ladiligencia, mostrando enprimer plano las ruedasdel vehículo sobre laarena.La cámara se desplaza (travelling) siguiendo a ladiligencia. -Plano ligeramente contrapicado: conversaciónentre el sheriff y elconductor de la diligencia.Conversación relajada,que incluye toque dehumor: “¿Crees que debocobrar medio billete albebé?” -Panorámica desde un gran plano general queencuadra la diligencia en el paisaje típico fordiano (MonumentValley) hasta el grupo de indios.Cambia el fondo musical. -Primeros planos de indios. Luego un plano americano cuando deciden atacar. -Conversación dentro de la diligencia (Plano medio) -Réplica del plano anterior. Primero plano fijo que encuadra aldoctor, luego rápida panorámica hasta mostrar la flechaclavada. La cámara sigue al personaje que cae hastaencuadrar al doctor arrancándole la flecha y un primer planode la mano de éste. Todo esto en un solo plano. La cámara se desplaza lateralmentesiguiente la carrera de los caballos Merece una mención aparte la inestimable aportación de los especialistas en esa secuencia. Se juegan el tipo saltando de caballo a caballo

7. EL GRAN DICTADOR , The Great Dictador (1949) CHARLES CHAPLIN

Sinopsis: Un barbero judío que combatió con el ejército de Tomania en la I Guerra Mundial vuelve a su casa años después del fin del conflicto. Amnèsico a causa de un accidente de avión, no recuerda prácticamente nada de su vida pasada y no conoce la situación política actual del país: Adenoid Hynkel, un dictador fascista y racista, ha llegado al poder y ha iniciado la persecución del pueblo judío, a quien considera responsable de lasituación de crisis que vive el país. Paralelamente, Hynkel y sus colaboradores han empezado a preparar unaofensiva militar destinada a la conquista de todo el mundo. “Si yo hubiera tenido conocimiento de los horrores de los campos de concentración alemanes no hubiera podido rodar El Gran Dictador; no habría tomado a burla el proceder nazi”. (ChalesChaplin) Producción: El set de rodaje del ghetto se reconstruyó para regrabar algunas escenas que no acababan de convencer a Chaplin. Fue completamente financiada por Chaplin. El presidente Franklin D. Roosevelt animó al director a seguir con el rodaje cuando muchos le animaban a no grabar la cinta. Chaplin tardó 559 días en terminar la película Elementos estéticos Tiene una estética muy próxima al cine “mudo”. El guión, de línea clara y sencilla en el trazo argumental, aparece constantemente salpicado de gags de alta categoría, de imprevistos giros-

sorpresa. a- Chaplin juega permanentemente con los planos generales y primeros planos poniéndolos en diálogo permanente. un claro ejemplo es el discurso de Hynkel donde se pasa de los primeros planos donde se exalta la figura y la gestualidad del dictador, a un plano más general en el que entra en pantalla la toda la cúpula de militares que acompañan silenciosa y obedientemente las palabras y gestos del dictador, remarcando la autoridad que Hynkel ejercía sobre ellos. b- Un ejemplo de travelling es la primera escena de la película dondeen un ángulo prácticamente fijo nos muestra la escena de la batalla de la primera guerra mundial hasta llegar al Gran Berta, el poderosísimo cañón donde nuestro protagonista ejerce sus funciones. Además de darnos un panorama de la batalla, esta escena escena sirve para remarcar la magnificiencia y lo gigantesco del cañón, simbolizando el gran poderío bélico con el que contaba Hynkel-Hitler. En el minuto 29:47 se inicia una secuencia de trayectoria cuando Hanna lo golpea sin querer al barbero, ya que la cámara se mueve siguiendo los movimientos del barbero mareado por toda la calle hasta volver hasta el mismo lugar donde recibió el golpe. Es una manera también de mostrar en una escena cómica el estereotipo de barrio judío de aquella época. Un ejemplo de panorámica se puede observar en el minuto 89:00, cuando Hynkel recibe a Napoloni y juntos saludan a la multitud. La cámara gira verticalmente hacia arriba para dar lugar al gigantesco monumento con la figura del mismísimo Hynkel. Esta escen cumple perfectamente su cometido de magnificar la figura del dictador. c- Un claro ejemplo de elipsis, es decir, de dejar fuera del cuadro los acontecimientos pricipales, es la irrupción de las fuerzas de la doble cruz en la casa donde se encuentran escondidos el barbero y Schultz. La cámara sólo muestra un pájaro encerrado en una jaula, actuando a su vez como elemento simbólico y metafórico de la brutalidad de los hechos que acontecen, a los que el espectador accede mediante el sonido de los soldados reprimiendo y golpeando a quienes se interponen en su camino. d- La metáfora se encuentra permanentemente en esta película de Chaplin. Una de las escenas más emblemáticas del film es cuando el dictador juega con un globo que simboliza a la tierra. Esta utilización de la metáfora alude a las decisiones que puede llegar a tomar alguien que domine al mundo entero, haciendo que cada una de sus decisiones, de sus actos tengan un total influencia en el resto del planeta. La escena donde Hynkel cruza uno de los salones de su palacio y tropieza haciendo que los que estaban allí dejen inmediatamente de hacer lo que hacían para hacer el saludo al dictador, es un símbolo del miedo que generan los regímenes dictatoriales para dominar a las personas. Esta muestra hasta qué extremos ridículos puedellegar la humanidad cuando delega toda la autoridad en la figura de un dictador.

8. CIUDADANO KANE , Citizen Kane (1941) ORSON WELLES

SINOPSIS: Tras la muerte del rico y controversial Charles Foster Kane, el periodista Jerry Thomson intenta descubrir el significado de la última palabra pronunciada por Kane: “Rosebud…”. Mediante entrevistas a los más allegados al magnate, su segunda esposa, Susan Alexander; su mejor amigo, Jeddediah Leland, su banquero, el Sr. Thatcher, y su gerente de negocios, el Sr. Bernstein; Thomson va reconstruyendo la vida de un hombre que fue separado de su madre cuando era solo un niño. Los testimonios cuentan como Kane recibe una gran fortuna que proviene de una mina de oro que fue dada a sus padres, y la utiliza para comprar el periódico The Inquirer. Kane construye un gran imperio periodístico que luego usa para impulsar su carrera en la política. Su vida política, sin embargo, dura poco cuando se descubre que le estaba siendo infiel a su esposa con una aspirante a cantante, Susan. Kane se casa con Susan y se dedica a promover la carrera de cantante de su esposa, construyéndole una Ópera. Este nuevo propósito falla también, y Kane termina edificando un enorme castillo, Xanadú, donde vive los últimos años de su vida en soledad. PRODUCCIÓN: La película Ciudadano Kane fue producida en Estados Unidos por Mercury Productions Inc (Orson Welles) y distribuida por R.K.O. Radio Pictures. Orson Welles fue concedido con una oferta que le otorgaba total libertad creativa para hacer dos películas. Una de ellas fue Ciudadano Kane. Welles se encargó de dirigir y coescribir el guión del largometraje junto con Herman J. Mankiewicz. El encargado de la fotografía fue Greg Toland. Esta película fue rodada en los estudios de la R.K.O. en Hollywood, desde el 30 de julio hasta el 23 de octubre de 1940, y fue estrenada el 1ro de mayo de 1941 en Nueva York. Citizen Kane no puede ser clasificada en un género específico, ya que contiene rasgos de tres géneros diferentes: biográfico, periodístico y detectivesco. Entre los miembros del reparto se encuentran Orson Welles, interpretando el papel de Charles Kane, Joseph Cotten como Jededdiah Leland, Dorothy Comingore como Susan Alexander, Everett Sloane como el Sr. Berstein, George Coulouris como Walter Parks Thatcher, Ray Collins como James Gettys, Paul Stewart como Raymond y William Alland como Thompson. ELEMENTOS ESTÉTICOS La historia de Ciudadano Kane se presenta a modo de flashbacks como una investigación periodística.

van en coche), ya que el fondo cambia y se entiende que se han trasladado de espacio. El director utiliza para empezar la historia una voz en off con la imagen del globo del mundo, utiliza transiciones normalmente por corte, pero en algunas secuencias tiene una transición encadenada y al final de toda la película termina con un fundido. Se puede ver de diferentes puntos de vista, en la pelicula se ve desde el puntote vista de Rick, un hombre que ha sufrido mucho y a causa de la situación que está viviendo se tiene que ir a Casablanca, donde monta un bar nocturno, en el que se hacen trapicheos, allí es un hombre bastante respetado que no da la cara por nadie, y lo único que quiere es sobrellevar la vida hasta el final, después se encuentra con la mujer que le destrozó el corazón y vuelve a sentir ese sentimiento que ocultó tanto tiempo, se volvió a enamorar de la misma mujer, hasta el punto de dejarla irse con otro para que tenga una vida de felicidad. Escena en la que Rick se emborracha y Sam toca el piano. 1º. Sonido diegetico: piano. 2º Sonido extradiegetico: orquesta. ¿Por qué es un montaje MRI? Entrando a describir las características del MRI, nos encontramos lo siguiente: Los planos no son totalmente frontales a los personajes. No todo son planos generales; existen planos más Cerrados que dan más detalles. Existen muchas mejoras técnicas respecto a películas anteriores que repercuten En una mejor calidad de imagen, iluminación, (la cara del personaje, claramente iluminada). Cada plano Introduce nueva información, pero a la vez está relacionado con el anterior, lo que da continuidad a la película. Usa la Imagen Centrípeta: Obliga al espectador a mirar al centro de la pantalla, ya que aquí es donde transcurre Lo importante de la acción. Ninguna acción importante para el desarrollo ocurrirá en una esquina. Y por último por la Clausura: Existe una historia, la cual transcurre en el tiempo y tiene un final claramente Definido. ¿Por qué fue nominada al Oscar al Montaje? El sonido siempre debe apoyar la imagen, y reforzar su mensaje. Esto se cumple perfectamente en la película que vemos. Por ejemplo, en una escena en la que vemos una calle Llena de gente, se oye el murmullo de la gente de fondo. No tendría sentido que estuviese totalmente silenciosa. Al igual que al entrar en el bar, se oye música, sonidos de copas chocando, conversaciones… Vamos, lo típico de Un bar. Todo nuevo plano que no contenga nueva información, no es necesario. Un nuevo plano debe contener nueva Información. En la película, por ejemplo, vemos tres planos consecutivos en los que se cumple: Cuando uno de Los personajes esconden los salvoconductos en el piano. Empezamos con un Planos Medio Largo, mostrando que Saca los salvoconductos de la chaqueta. Si mantenemos este plano, tal vez no quede demasiado claro lo que Hace con ellos, por lo que vemos un Plano Detalle de dónde los guarda. A continuación, volvemos al PM para Mostrar cómo se va. En cuanto a los ejes, en la película se respetan. Un salto de eje produciría en el espectador un choque visual, que Le desorientaría. En definitiva, todo esto lleva a que el montaje sea fluido, y casi no se aprecien cortes. Evidentemente, en la vida Real no existen cortes, pero la prueba de que el montaje está bien hecho es la sensación de que estamos viviendo Una historia real, a pesar de esos cortes. El Flash Back que se puede ver por la mitad del largometraje es otro ejemplo de un buen montaje. A pesar de Estar en el centro de la historia, no la desequilibra para nada. Todo el mundo sabe que es un recuerdo del Personaje, que ocurrió en el pasado.Como conclusión, podemos decir que Casablanca ha sido y es un gran largometraje, no sólo por el éxito que tuvo y que sigue teniendo, sino también porque es un claro ejemplo de cómo debe hacer las cosas un montador

**10. IVÁN EL TERRIBLE, Ivan Groznyy (1944) SERGEI M. EISENSTEIN

11. LADRON DE BICICLETAS. Ladri di bicicleta (1948) VITORRIO DE SICA.** SINOPSIS : Antonio Ricci, casado y padre de dos hijos pequeños, lleva más de dos años en paro hasta que finalmente consigue un empleo municipal pegando posters por las calles de Roma, trasladándose con su bicicleta – la cual ha empeñado por falta de efectivo-.Con mucho esfuerzo, su mujer devuelve el dinero vendiendo las sábanas de su ajuar y consiguen de vuelta la bicicleta para comenzar el empleo.Pero por desgracia, en su primer día de trabajo mientras colgaba sus primeros carteles sólo, un ladrón se hace con ella sin que Antonio pueda recuperarla. Al día siguiente, él y su hijo se echan a las calles de Roma con el propósito de recuperarla como sea, porque no encontrarla significaría caer en desgracia ya que la Roma de la posguerra ha dejado muchísima pobreza. Encontrarán al ladrón, montado en la bicicleta, y luego al final del día consiguen atraparlo, pero habiéndose deshecho ya de la prueba del crimen, Antonio no puede probar el robo, y tendrá que volverse a casa junto a su hijo Bruno y con las manos vacías. PRODUCCIÓN El LADRÓN DE BICICLETAS fue filmado en 1945, pocas semanas antes de que terminara la II Guerra Mundial. Supuso el lanzamiento al estrellato de su apenas conocido director, Vittorio De Sica y, más importante aún, la definitiva consagración del neorrealismo italiano en el contexto cinematográfico internacional.Octavo largometraje de De Sica y una de sus obras más emblemáticas.

Escrita por Cesare Zavattini y De Sica, con un grupo de colaboradores, se basa en la novela “Ladri di biciclette” (1946), de Luigi Bartolini. Se rueda en escenarios reales de Roma entre mayo y junio de 1948. Nominado a un Oscar (guión), gana el Oscar honorífico a la película de habla no inglesa. Producido por Giuseppe Amato y De Sica para PDS, se estrena el 24-XI-1948 (Italia). El cine neorrealista se caracteriza por tramas ambientadas entre los sectores más desfavorecidos, mostrando una Italia deshecha y miserable ELEMENTOS ESTÉTICOS Abundante uso de rodajes en exteriores. Faltos de decorados y de medios debido a la ocupación de los estudios Cinecittà por una multitud de personas desalojadas a causa de las penurias de la guerra, las películas se rodaban con las devastaciones bélicas de fondo. Se utilizan nuevos modos de producción con iluminación natural y una importante presencia de actores no profesionales entre sus secundarios y, a veces incluso, entre sus protagonistas. El neorrealismo italiano se caracterizó básicamente por mostrar las cosas tal cuales eran hablando de temas profundos. El film presenta un detallado retrato de la Roma de 1948, cuando habían transcurridos 3 años desde la finalización de la IIGM. La cámara muestra las colas del paro, la desesperanza de los parados, la presencia en las calles de mendigos, descuideros, vendedores furtivos, las colas de las casas de empeños (Montes de Piedad), las colas para tomar el tranvía o el trolebús, comedores de caridad, prostíbulos, videntes, etc. Las imágenes, directas y sinceras, dan testimonio de un país arruinado por la guerra, azotado por la miseria y paralizado por la incapacidad de las instituciones públicas. La narración está hecha con ánimo más documental y testimonial que reivindicativo. La narración, por otra parte, es perfectamente clásica. Su estructura es cíclica: el protagonista sale de la multitud anónima en la primera secuencia y vuelve a ella al final. Maravillosamente fotografiada en un crudo blanco y negro, casi en tono documental, EL LADRÓN DE BICICLETAS presenta un intencionado escenario de la posguerra lleno de personajes que, perdidos en su anonimato, impregnan sus carencias por las pobladas y vívidas calles romanas. En un segundo nivel narrativo, se explican las relaciones padre/hijo, puestas a prueba en la empresa de buscar la bicicleta sustraída. La dinámica de los hechos hace que las actitudes de ambos evolucionan, maduren y se transformen. La figura de Bruno (Staiola), de 6 años, listo, tierno y afectuoso, compone uno de los personajes infantiles más atractivos del cine. La obra incorpora momentos de emotividad chaplinesca: la comida de niño rico y del pobre en el restaurante, la ternura de Bruno evoca la de “El chico” (Chaplin, 1920) y el emocionante plano final. La historia es sencilla, simple, casi minimalista, pero directa, conmovedora e intensa. Los intérpretes son actores no profesionales, que aportan verismo y naturalidad. Los personajes son seres corrientes, normales, del montón. No se emplean decorados artificiales: se rueda lo que hay según se ve, sin artificios, ni adornos. El guión elabora unos diálogos que reflejan el modo de hablar de las personas sencillas. Desarrolla una progresión dramática creíble y convincente, que se focaliza en la desesperación individual. La autenticidad y realismo que animan al film son posiblemente las causas por las que éste conserva su frescura y su fuerza.

12. EL TERCER HOMBRE, the third man (1959) CAROL REED Sinopsis : Viena, 1949. Cine de espías. La aventura de Holly Martins (Joseph Cotten), escritor norteamericano de novelas policíacas, supone uno de los periplos más pesimistas de la historia del cine, ya que en su intento de restablecer el buen nombre de su amigo Harry Lime (Orson Welles), supuestamente muerto (aunque en realidad vivo) en un accidente en extrañas circunstancias, no sólo no lo conseguirá, si no que tendrá que enfrentarse al hecho de que su amigo es un traficante de penicilina adulterada y un asesino, tomando la decisión de entregarlo a las autoridades militares que le buscan, traicionando así veinte años de amistad, y perdiendo toda posibilidad de lograr a la mujer a la que ama, la novia de Harry Lime, Anna. Elementos estéticos: Comparar lo literario con lo cinematográfico, ya que es una película basada en una idea literaria. Destacar los diferentes planos, movimientos de cámaras, picado y contrapicado -fijarse especialmente en la vista aérea desde la noria- y destacar la unión entre lenguaje cinematográfico y lo que dice el texto. La importancia de la música de Anton Karas, en cítara, es otro elemento que se convierte en cómplice de la narrativa literaria y visual. La música escolta toda la película, haciéndose protagonista tanto en los créditos iniciales como en el acompañamiento del personaje principal, presentándolo o despidiéndolo. Es la música la que juguetea durante la secuencia de la noria, componiendo actitudes de los personajes, texto literario, y alejándose cuando se aleja el personaje. En la construcción del clima moral del relato influye decisivamente la elección de Viena como escenario para su desarrollo, una ciudad cuyo antiguo esplendor imperial se enfrenta ahora a los ruinosos solares dejados por la guerra, una mera extensión de las sombras físicas y morales en que se han convertido tanto sus habitantes, como los Holly Martins, Harry Lime o los militares que tiene en sus manos el control de la ciudad, perfectamente ejemplificados en el Mayor Calloway. Y estas sombras están perfectamente explicitadas en la excelente labor de iluminación de Robert Krasker, y en la utilización que de ella hace Carol Reed. Todos los personajes están envueltos en la sombra en algún momento de la película, o es su propia sombra la que juega un importante papel. El mejor ejemplo de esto lo tenemos en la aparición de Harry, ya muy avanzada la película, y uno de los varios momentos inolvidables del film; Martins se fija en unos zapatos que aparecen bajo el dintel de una puerta, mientras que su propietario permanece oculto en la sombra. Al gritarle que se deje ver despierta a una vecina que enciende la luz iluminando la cara del desconocido, que no es otro que el propio Lime. Reed se acerca en ese momento a la cara de éste mediante un corto y elegante travelling, mostrando su socarrona y satisfecha sonrisa, para desaparecer cuando se apaga la luz, pudiendo Martins seguir tan sólo su sombra proyectada en la pared, perfecta metáfora del encuentro que ha tenido lugar entre los dos hombres. En este sentido también se puede

no quiere ir solo, quiere viajar con Patricia, aunque ella se resiste, muchas veces se planteará acompañarlo. Patricia no está muy segura de lo que siente por él, pero para ello se aventurará a acompañarle hasta donde descubra cuáles son sus verdaderos sentimientos. Sabiendo que la policia busca a Michel, decide ayudarle y convertirse en cómplice, pasando por varios lugares hasta el último escondite, donde Patricia se da cuenta que no está enamorada de él, así que, le denuncia dándole a Michel la oportunidad de escapar, pero este no quiere, es así como encuentra su muerte y denunciando a Patricia de "asquerosa". PRODUCCIÓN: À bout de souffle, conocida en español como Al final de la escada fue realizada en 1959), fue el primer largometrage del director Jean-Luc Godard. Al cargo de su producción estuvo Georges de Beauregard y su distribución a cargo de Société Nouvelle de Cinématographie, Francia), Imperia Films (Francia). Se trata de un drama policial, formando parte de los pilares de una corriente cultural experimentanda en Francia, inicialmente, la Nouvelle Vague.(la nueva ola) que se considera como el auténtico manifiesto en imágenes del nuevo cine francés. Se tratapues de un film, que rompe con el cine convencional que se venía haciendo, por lo que, Godard, modificando el lenguaje narrativo, es decir, Godard en su busqueda de proporcionar un nuevo cine, un cine con aires frescos, ágil, sin excluir a la sociedad de la realidad de su entorno y buscando conectar con la juventud, provoca un cambio en el eje narrativo, asi pues, vemos en el film como se rompen con los esquemas de dirección y montaje, percibiendo así una mayor ligeresa y flexibilidad de los equipos de rodaje. No es de extrañarnos que François Truffaut se vea implicado en el guión, junto con Godard, en este film, pues también es otro director fundamental en la Nouvelle Vague. En los actores principales podemos reconocer los nombres: Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg como los protagonistas de la historia. Es pues, una producción poco convencional. ELEMENTOS ESTÉTICOS: La historia de este peculiar y experimentado filme transcurre en Francia, los lugares son bastante variados, desde salas de cine, habitaciones de alquiler, bar "la pergola"(lugares interiores), hasta terrazas de bares y calles de la ciudad, (lugares exteriores). En cuanto al tiempo, este se ve afectado por sus singular montaje, persibiendo en el siertas asincronías, sin embargo podemos diferenciar, tres días, en el primero Michel llega a la ciudad huyendo, en el segundo este visita a Patricia y se escapa con ella, ya en el tercero ambos estan en su último escondite hasta que poco después michel es herido por la policía. La historia se encuentra sumergida en la sociedad de los años 50. En cuanto al montaje, este resulta bastante llamativo, vemos en él sierta asincronía, pequeñas elipsis, cortes de plano inesperados, es bastante rítmica. El empalme de las imágenes no es nada convencional, mantiene al espectador impaciente por los planos siguientes. Su planificación es bastante variada, observamos planos detalles como de la imágen de Humphrey Bogart, primeros planos como en el final cuando Patricia mira directamente a la cámara, planos generales y planos picados en el último escondite de Michel. La fluidez de la cámara también resulta llamativa, puesto que Godard no podía invertir el dinero suficiente para unas técnicas o un uso tecnológico más apropiada para la filmación, se producen travellings bastante llamativos hechos desde una silla de ruedas. Observamos planos secuencia bastante largos, como el de la persecución por las calles de parís con Michel y patricia o el de dentro de la habitación de patricia. Las actuaciones de ambos protagonistas estaban abiertas a la improvisación tan solo en el guion tenía unas marcadas sugerencias; y entre lo más llamativo vemos como los protagonistas hablan dirigiéndose a la cámara o simplemente mirándola directamente. La puesta en escena da la percepción de ser bastante descuidada, con encuadre a veces un poco inestables, sin embargo, trasmiten una sensación de realismo y de funcionalidad , con ayuda también de una fotografía (Raoul Coutard), bastante funcional como su iluminación. Se da la intertextualidad: referencias en la película: 1. influencias del cine negro, 2. cierre en iris de Griffith, cortes de manos de Breson.

17. PSICOSIS, Psysho (1960) ALFRED HITCOCK SINOPSIS: Inspirada en la novela homónima de Robert Bloch, la historia está ambientada en un tétrico motel de carretera llamado cuyo dueño es Norman Bates (Anthony Perkins, 'Asesinato en el Orient Express'). Junto al motel hay una casa, tan poco acogedora como el edificio, en la que reside el señor Bates con su madre.Una lluviosa noche llega al lugar una joven llamada Marion Crane (Janet Leigh, 'La niebla') la cual solicita una habitación aportando un nombre falso tras haber robado 40.000 dólares a su jefe. Tras disfrutar de una cena en compañía de Bates, Marion decide ir a su habitación para tomar una ducha y acostarse. Cuando la joven parece estar disfrutando de una placentera ducha una sombra aparece tras la cortina y de pronto una persona con un cuchillo le arebata la vida. Al cabo de una semana, el novio de Marion, John (Sam Loomis ) y la hermana de esta, Lila Vera Miles), comienzan la búsqueda de la desaparecida, empezando así una trepidante historia repleta de misterio y suspense.

PRODUCCIÓN: Psicosis se trata de una película dirigida por Alfred Hitchcock y que fue estrenada en

1960. Está basada en la novela de Robert Bloch y el guión es de Joseph Stefano. Sería distribuida por la Paramount Pictures y producida por Shamley Productions. El reparto va de la mano de Janet Leigh (Sed de mal, 1958) en el papel de Marion, Anthony Perkins (El Proceso, 1962) como Norman Bates, Vera Miles como Lila y John Gavin como Sam Loomis. El personaje del detective sería interpretado por Martín Balsam (al que veríamos en Desayuno con diamantes en 1961). Cabe destacar, como curiosidad, el pequeño papel que realiza la hija de Hitchcock, Patricia, como Caroline, la compañera de trabajo de Marion. Psicosis es uno de los hitos más reconocidos del cine de terror, del que ha sido renombrada en reiteradas ocasiones la escena de la ducha. Los orígenes de este género cinematográfico se remontan al llamado cine expresionista alemán (El gabinete del Dr. Caligari de Wiene, 1920) y se desarrollarían en las primeras décadas con ejemplos como Nosferatu (1922) o El Doctor Frankenstein (1931). A partir de Psicosis, se

puede observar el cambio que está experimentando el cine de la época, en este caso el terror no nos viene dado por un monstruo, sino que es mucho más psicológico, siendo la evolución de los personajes, sus fobias y miedos, lo que marca la trayectoria de la trama. Los pájaros de1963 sería otra gran contribución de este director maestro del cine de terror. ELEMENTOS ESTÉTICOS: Espacio y Tiempo: en cuanto al desarrollo de la trama la mayor parte se produce dentro de campo, sin embargo hay una gran cantidad de escenas que utilizan la técnica de “campo vacío” en la cual, la acción se ve de forma indirecta. Hitchcock utiliza esta técnica principalmente para dar juego con el personaje de la “madre” de Norman, ya que se pretende que el espectador no sepa que en realidad es él mismo el asesino, por eso le tapa la cara con sombras, o las conversaciones que se escuchan entre Norman y su madre no se ven. Personalmente me llamó la atención la escena en la cual el detective es asesinado por el psicópata. Para el desarrollo de esta se usa un plano picado y después uno principal en el que el detective cae por las escaleras. Por otra parte la duración de la trama está perfectamente marcada desde el principio de la película ya que nos lo señalan con rótulos. Así se sabe que la acción comienza en Phoenix, Arizona el viernes 11 de diciembre. Por lo tanto, se puede calcular que la trama total, desde que Marion y Sam están hablando, hasta que el coche es rescatado del estanque donde Norman lo había ocultado, serán más o menos seis o siete días. Por lo tanto estamos ante un filme que se desarrolla de manera lineal sin que se juegue con flash-backs u otras técnicas narrativas. Montaje y Planificación: Hitchcock utiliza un montaje acorde con la narración, la escenas se suceden de forma natural. Se ve quizá el uso del mismo en las secuencias que ocurren durante el viaje que realiza Marion por la carretera, ya que está mira en reiteradas ocasiones a través del retrovisor, aquí podríamos hablar de un montaje con el fin de representar la visión subjetiva del personaje. En lo que respecta a la planificación vemos que existe ya un gran desarrollo técnico, e público está suficientemente educado para entender la sucesión de hechos. Y la tecnología del momento permite realizar una gran cantidad de planos, desde un plano detalle como en el que Marion se está desvistiendo mientras Norman la observa a través de un agujero, a planos con claros movimientos de cámara como es al comienzo de la película que se hace una pequeña panorámica de la ciudad. Puesta en escena: en el momento en que se filma la película nos encontramos ante un cambio muy marcado en cuanto a la concepción que se tenía en el cine clásico. Ya no vemos un desarrollo tan teatral como en el caso de filmes de la primera década (El nacimiento de una nación, o incluso Casablanca). Se pretende conseguir una narración natural de los hechos, hay una búsqueda, a mi entender, de que la historia sumerja al espectador más por su veracidad que por otra cosa. Sonido y Fotografía: el sonido es esencial en la película. Se hace un uso nulo de canciones a modo de banda sonora, sin embargo, el sonido ambiente y los diálogos, principalmente en escenas como en las que están hablando Norman y su “madre”, mientras Marion los escucha es esencial para el desarrollo y la comprensión de la trama. Las imágenes en blanco y negro (sería la última película que Hitchcock filmaría sin color) poseen también una gran relevancia debido a la necesidad de crear una historia que pueda entretener a la vez que capte la atención del espectador recreando a la perfección una sensación de continua tensión.

22. EL PADRINO, the Goldfather (1972) de Francis Lord Coppola

Sinopsis: El Padrino narra la vida de Don Vito Corleone (Marlon Brando), jefe de una de las cinco familias que ejercen el mando de la Cosa Nostra en la ciudad de Nueva York en los años 40, representa la experiencia de los inmigrantes (en su caso italianos) a los Estados Unidos y al mismo tiempo expone las contradicciones del "sueño americano". Don Corleone tiene cuatro hijos; una chica, Connie y tres varones, Santino, Michael y Freddie, al que envían exiliado a Las Vegas, dada su incapacidad para asumir puestos de mando en la ”Familia”. Don Corleone recibe la propuesta de Virgil Sollozzo, otro capo, para adentarse en un negocio que promete mas ganancias que el juego y la bebida y crece a paso agigantados: las drogas. Pese a la opinión de su consejero y de sus hijos, el padre decide no entrar en ese negocio, considerando que ensuciaría considerablemente los negocios y el ambiente actual. Es entonces que Don Corleone es víctima de un atentado que amenaza su vida y sus hijos y aliados deben refugiarse y planear los siguientes movimientos. Los personajes son la anteposicion de las tradiciones Italianas heredadas de sus padres (Don Vito) y el modo de vida americano (Michael, Fredo, Santino) que conviven en conflicto y adaptación. Producción: El padrino es una película basada en el libro del mismo nombre escrito por el novelista italoamericano Mario Puzo. Paramount Pictures decidió llevarla a la pantalla grande y convertirla en la típica película de gangsters; la casa productora veía en esta película una mera explotación comercial del best seller de Puzo. Para que la película tuviera éxito, a lo que el productor ejecutivo de Paramount Pictures, Evans, se refirió como "que se pudiera oler el spaghetti", debía ser hecha por italo-americanos. Francis Ford Coppola, fue la opción "idónea" a dirigirla, tenía ascendencia italiana, era un director desconocido, por lo que les salió barata su contratación, y por tener la experiencia de sacar adelante películas de bajo presupuesto. El primer día de producción fue oficialmente el 23 de marzo de 1971 con un presupuesto inicial de cerca de un millón de dólares y se emplearon 77 días para rodarla. Contaba con un guion de cerca de 163 páginas para una película de aproximadamente tres horas de duración. Para no provocar problemas, el autor y el director eliminaron del guion todas las referencias a la palabra "Mafia”. Los actores principales son: Marlon Brando como Don Vito Corleone, Al Pacino como Michael Corleone, Robert Duvall como Tom Hagen y james Caan como Santino Corleone. Desde el punto de vista del género, esta película representa un drama de violencia. Elementos estéticos: Algo muy característico del cine de Coppola es el uso de las intaxis narrativa. Podemos aprecia en "ElPadrino" el uso de los fundidos y encadenados en todas sus variantes, utilizados tanto para reflejar el paso del tiempo y el cambio de espacio, como para la unión de planos con valor

que en otras películas de Pedro Almodóvar, subrayado por la muy buena puesta en escena. La voz en off de Pepa al principio de Mujeres al borde de un ataque de nervios, se debió a un problema técnico que apareció e impidió al director rodar en una sola secuencia el principio. Fragmentándolo en varios planos, tuvo que encontrar una solución para unificarlos después. Mujeres al borde de un ataque de nervios es una película más límpida que otras del director español, menos compleja y menos extraña. ESCENA: Mujeres al borde de un ataque de nervios (1988) Pedro Almodóvar Escena en la que la protagonista, Pepa, está esperando la llamada de Iván, su exnovio. Destaca el plano en movimiento en el que la cámara sigue en primer término los zapatos de Pepa de un lado a otro mientras se mueve, y en segundo término se encuentra la puerta, creando la sensación de que ésta se va a abrir de un momento a otro aunque no lo haga.

28. THE ARTIST (2011) MICHEL HAZANAVICIUS

SINOPSIS: Hollywood, 1927. George Valentin es un célebre actor del cine mudo al que todo le sonríe, pero la llegada del cine sonoro marca el final de su carrera y le lleva a caer en el olvido, mientras la joven extra Peppy Miller empieza a ser propulsada hacia el firmamento de las estrellas.

‘The Artist’, de Michel Hazanavicius, que se estrena esta tarde en cines españoles, nos habla del nacimiento del sonoro –“the talkies“– en el año 1928, etapa clave para la historia del cine, que ya han tocado películas como la maravillosa ‘Cantando bajo la lluvia’, en la que, al igual que aquí, se exploraban las dificultades de algunos intérpretes para incorporar una novedad que hoy damos tan por sentada: utilizar su propia voz. Asimismo, nos muestra la llegada de los musicales, clara consecuencia de la invención del sistema que incorporase el sonido al celuloide de proyección. Con ese marco de fondo, lo que nos cuenta esta delicia es una historia personal y amorosa sencilla, pero muy sentida.

Los años veinte no suponen el escenario temporal en el que ambientar el film sin más: éste, a su vez, se disfraza de una propuesta de ese momento. No existe un solo detalle que no esté imitado a la perfección. Proyectada en 4/3, la película comienza con los créditos en un tipo de letra de entonces, fotografía en blanco y negro y una música muy de la época. La banda sonora se remonta esos años no solo por el estilo de las canciones –algunas de films preexistentes–, sino por la forma en la que se emplean las composiciones, dejándolas sonar hasta el final y arrancando con la siguiente, décimas de segundo después. Las emociones de la película se marcan por subidas de intensidad en los acordes mucho más evidentes que los acompañamientos musicales que se suman hoy en día a las narraciones.

Hazanavicius no se queda en la clonación del un film de los años ’20, sino que se dedica a jugar y crear humor con la idea de esa vuelta atrás. El empleo del sonido o de los intertítulos consigue espléndidos guiños metalingüísticos y se extraen divertidos gags de esta consciencia del espectador de que está viendo un film de entonces, pero realizado ahora. El creador toma las metáforas evidentes, como las arenas movedizas y la foto pisoteada y empapada por la lluvia, no para que funcionen hoy en día, sino como otra referencia. ‘The Artist’ está plagada de hallazgos visuales y sonoros que se disfrutan con una blanca sonrisa. Uno de ellos sería la escena en la que los dos protagonistas, tras haberse conocido fortuitamente, tienen un primer encuentro: una pantalla en medio de los dos permite que se vean solo sus piernas y se embarcan en una competición juguetona de claqué.

Emotiva historia:La sorpresa y admiración que producen en los espectadores se estos experimentos, por ingeniosos que sean y bien ejecutados que estén, se agotarían al cabo de unos minutos. Por ese motivo, lo que engancha al film y lo convierte en bello son los personajes entrañables que viven una historia de amor y de éxito personal. Funciona como prueba fehaciente de que se pueden expresar los sentimientos y conflictos con imágenes, sin recurrir al diálogo. No obstante, también es cierto, en el único punto negativo que le reprocharía a ‘The Artist’, que se optado por una historia sumamente sencilla y lineal quizá por temor a que algo más elaborado no se comprendiese. Por ese motivo, hacia la mitad, durante la etapa de decadencia del protagonista, se agotan las cosas que contar y la progresión se hace ligeramente pesada hasta que se retoma para llegar a un final que vuelve a conmover.

La simpatía de los rostros de Jean Dujardin y Bérénice Bejo, con esas contagiosas sonrisas, supone la baza que despierta la cercanía hacia esos personajes con una conexión bastante básica, pero efectiva sin duda. Además de que se vuelve a un protagonista más blanco y positivo de lo que ahora mismo se está creando, nos encontramos ante una película sin malos, sin antagonistas, en la que el personaje principal solo se tiene a sí mismo, a su orgullo, como enemigo para superar el escollo que le plantea su profesión y lograr sus objetivos. El resto de los intérpretes, en papeles sumamente breves pues, como decía, no existen las tramas secundarias, son asimismo grandes nombres que demuestran saber adaptarse a este tipo de interpretación que no llega a la gesticulación y sobreactuación de las mudas, pero que sí se diferencia de las actuales. John Goodman, James Cromwell, Penelope Ann Miller, Malcolm McDowell están todos sublimes y a ellos hay que añadir al perro, que, como en muchos films de entonces, constituye otro personaje que logra la misma o mayor empatía que los humanos.

El trasfondo:La negación a adaptarse a una transformación por parte de uno de los baluartes de la vieja escuela se podría extrapolar de forma directa y clara a todos los cambios que estamos viviendo en esta

época en la que la tecnología avanza a pasos agigantados. Cambiamos el sonoro por Internet y seguiremos encontrando, no a unos cuantos incomprendidos, sino a industrias enteras tratando de frenar el progreso y de evitar que llegue un futuro que ya está ahí, sin otro motivo que el de no ser capaces de adaptarse a las nuevas formas de funcionar. La película, de esa manera, se convierte en una reflexión sumamente actual, sin que importe que lo que plantea como marco circunstancial tuviese lugar hace ochenta años. Paradójicamente, al mismo tiempo que critica la no adaptación, se rebela contra el paso del tiempo y hace lo que le reprocha a su protagonista por intentarlo. A principios del siglo XXI, Hazanavicius nos entrega una película semimuda y en blanco y negro, pero no como opción minoritaria o experimental, sino como estreno exitoso y para todo tipo de público. Eso quiere decir que, si algo está bien hecho, no importa cómo sea y que todas esas consideraciones sobre que “tal cosa no vende” o “eso hoy en día no gusta” o “eso ahora nadie lo vería“… en realidad son fútiles. La fórmula del éxito no existe, como todos ya sabíamos, pero es posible que tampoco la del fracaso. El director se plantea un reto y sale adelante, más que a pesar de esas trabas, por causa de ellas.

‘The Artist’ es, en resumen, una cinta muy moderna. El retroceso a los modos de narrar de los años veinte no es puro, sino que se mezcla, a modo de juego, con las opciones de las que se dispone en la actualidad. El conflicto de base equivale a situaciones del presente. Los sentimientos de amor y orgullo son atemporales. Su valor, en definitiva, radica en haberse hecho en 2011, pues la misma película en 1927 sería una más y quizá no de las mejores. En un tiempo en el que protestamos porque el cine no nos sorprende o aporta, lo novedoso resulta que se encuentra en algo que retoma, recrea e imita. Sin embargo, no se trata de un ejercicio nostálgico, no solo porque las generaciones que disfrutaron aquel cine en el momento de su estreno ya no estarán para echarlo de menos, sino también porque no hay un tono de añoranza, sino intenciones de celebración y de homenaje, de decir que eso no se ha marchado, que sigue presente para todos nosotros y que en el siglo que vivimos tenemos los argumentos para disfrutarlo mejor. Es una película que se goza, independientemente del grado de cinefilia de cada uno, y que se vive con emoción y cercanía, una encantadora propuesta llena de momentos brillantes.

29. LA INVECIÓN DE HUGO , Hugo (2011) MARTIN SCORSESE

SINOPSIS: Hijo de un relojero, y habiendo heredado su habilidad con la precisión para las máquinas, intentará reconstruir un autómata que dejó incompleto su progenitor. Lo hará acompañado de una excéntrica niña, Isabelle (Chloë Grace Moretz, 'Kick Ass. Listos para machacar') y de un viejo juguetero (Ben Kingsley, 'La lista de Schlinder'), que no es otro que George Méliès. A partir del momento que se encuentren, se internarán juntos en un mundo inesperado repleto de fantasías en el que cada uno encontrará sus propias respuestas a los enigmas tanto terrenales como de su imaginación. En la era de los inventos, de las máquinas y de la ciencia ficción, todo es posible, incluso que los sueños se hagan realidad en medio de la realidad más miserable.

30. DJANGO DESENCADENADO, Django Uchained (2012) QUIENTIN TARANTINO

SIPNOSIS: La historia se desarrolla en Texas en 1858, dos años antes de estallar la Guerra de Secesión. Un dentista alemán y cazarrecompensas, el Dr. King Schultz (Christoph Waltz) consigue liberar a Django (Jamie Foxx), un esclavo negro vendido a los hnos. Speck (James Remar y James Russo). Schulze se vale de Django para encontrar a los tres hnos. Brittle, vivos o muertos, sobre los que pesan sendas recompensas. A cambio, Schulze ofrecerá a Django su libertad y le enseñará el oficio de cazarrecompensas, enseñándole a usar la pistola. Tras un fructífero invierno en el que Django y Schulze se llenan bien los bolsillos, Schulze ofrece a Django la posibilidad de viajar a Mississippi y liberar a su mujer Broomhilda (Kerry Washington), también esclava en una plantación de algodón propiedad de Calvin J. Candie (Leonardo DiCaprio). Para contactar con el despiadado terrateniente, ambos protagonistas fingen estar interesados por las peleas de mandingos y proponen a Ms. Candie la compra de un luchador negro por 12000 $. Sin embargo, el jefe esclavo de la mansión Candie, Stephen (Samuel L. Jackson) descubre que la verdadera intención de Schultz y Django es la de liberar a Broomhilda y pone en alerta a Candie, quien entonces hará todo Lo posible por no PRODUCCIÓN ; El desarrollo de Django Unchained empezó en 2007, cuando Quentin Tarantino, hablando con The Daily Telegraph discutió sobre una idea para hacer un spaghetti western ambientado en el sur profundo de Estados Unidos, que él llamó "southern", afirmando que quería "hacer películas que trataran del horrible pasado de Estados Unidos con la esclavitud y esas cosas, pero como lo hacen los spaghetti westerns, no como las películas de temática social. "Quiero hacerlo como si fueran películas de género, que nadie aborda en Estados Unidos porque se avergüenzan de ello, y otros países no tratan sobre ello porque no sienten que tengan derecho a hacerlo." ELEMENTOS ESTÉTICOS : Las señas de identidad a nivel de estilo de la película son los zooms ultrarápidos típicos de los spaguetti western o de las cintas de artes marciales producidas por los estudios Shaw Brothers, algunos travellings a caballo, planos detalle de los ojos o de la mano cogiendo la pistola, diálogos rodados sin acudir al repetitivo y cansino plano-contraplano, y una estilizada, orgásmica y cien