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Formas musicales
Jueves 30 Septiembre 2010 Como definición de forma tendremos a las figuras de Arnold Schöenberg (compositor de principios del siglo XX) quien afirma que la forma propone la comprensibilidad utilizándose para hacer comprensible un discurso. Hugo Riemann afirma que las formas musicales son la coordinación de todos los elementos en una composición en un todo homogéneo. El discurso formal será la repetición y la no repetición, la repetición no tiene porqué ser siempre exacta sino que pueden aparecer distintas variantes. No solo tiene que ser la repetición exacta, también puede decirse con la alteración de una octava por encima o por debajo. La secuencia es repetir una idea o modelo musical en otra escala o tonalidades, la repetición se tiene que hacer de forma inmediata para que auditivamente lo veamos. La imitación se podría utilizar la fuga (melodía que va repitiendo las frases pero variando las formas de presentar ese tema), otra forma sería el canon. La variación tiene un factor de transformación de un tema pudiendo ser rítmico, melódico, el timbre, tonal… Por último tenemos el desarrollo, transformación o reelaboración del tema, manera en la que sus elementos son reorganizados. Todas las técnicas se pueden introducir para el desarrollo. Como conclusión tenemos el material sonoro podemos hablar de unidad dentro de la diversidad utilizando la repetición y las otras formas musicales. El canto folclórico y el canto llano (de la edad media) serán utilizados. Lunes 4 Octubre 2010 Se ha productivo un alargamiento de la forma musical, se puede observar como al comienzo eran obras muy cortas y como progresivamente se a tendido a ir alargando la duración de las piezas. En el siglo XVI hay pocas composiciones musicales que duraran más de 5 minutos, en el siglo XVIII encontramos las sinfonías (estructura que proviene de la sonata) la cual tendrá cuatro movimientos y cada uno de ellos empieza a durar más pero no pasa de 8 minutos. Con el romanticismo duran más las obras musicales llegando hasta 17 minutos dependiendo de los intérpretes. El primer movimiento de Elgar dura unos 19 minutos, una sinfonía suele durar 24 minutos. Una sinfonía se compone de Allegro, Andante, Scherzo y Vivace, en la Edad Media las composiciones solo tenían un movimiento. Los compositores para que haya una unidad, tienen que haber una gran variedad de discursos instrumentales en fragmentos musicales que han sido escuchados para establecer una relación. Una obra requiere distintas personas, el compositor (cuando la escribe el es el ejecutante), ejecutante (cualquier interprete pero que le tiene que quedar clara la composición) y el oyente (no debe de ser difícil de reconocer la forma musical de la pieza) Por otra parte, la relación del texto con la estructura formal, desde un punto de vista histórico la música y el texto dejan de ser rivales cuando se unen. Encontramos discusiones en el siglo XVI cuando se establece cual de las dos tiene importancia. A finales del siglo XVI se declara sujeto el texto a la música. En un primer lugar uno tiene más importancia que otro, ¿Qué texturas van más acorde que podamos entender el texto? Las tendencias que dan supremacía a la música será la polifonía contra puntillista son unas melodías a confirmación de otros. Recurso predominante para dar importancia a la música. Lo que hace que el texto nos confunda son los melismas. Si queremos que el texto sea entendido en una obra musical tendremos:
- Homofonía y homoritmica: pronunciación silábica. Hay tres gases de incorporar la palabra a la obra musical:
- Palabra hablada con naturalidad, consevado el ritual, el matiz y la altura.
- Palabra hablada con cierto énfasis. Suprechgesang (hablar cantado. Se utilizaba con Schönberg. Consiste en declamar un texto con ciertas alturas.
- (^) Palabra cantada: estilo silábico (cada sílaba una nota) y por otra parte el melismático (más de una nota por sílaba)
En la relación de la música y el texto, podemos decir que el acento es importante, en las composiciones del siglo XVII y XVIII es más importante que la acentuación métrica de fuertes y débiles. Las frases musicales coinciden con las oraciones y las subdivisiones. Jueves 7 Octubre 2010 En el siglo XX se vuelve a la concepción de forma en relación con otros conceptos. En la música contemporáneo se adapta la concepción de forma lo que tiende la forma es a alejarse de las simetrías. Javier Artaza tiene un tratado donde dice las características de la forma:
- Idea musical, pero no con la rigurosidad del clasicismo o el Barroco. Ahora se busca el improvisto.
- La repetición se manifiesta de forma libre, sin esperarlo.
- Se busca perder todo lo que muestra unos patrones fijos.
- Se utilizan las formas clásicas pero modificando las formas. Laguarda dice que la estructura musical se basa en tres principios:
- La música se estructura en torno al elemento rítmico o modo rítmico (se utiliza para hacer más fácil la lectura de la partitura)
- (^) La estructuración en torno a interválica, ejemplo: los árboles de Stravinsky.
- La estructuración basada en timbres (instrumentos= Ligeti establece como podía definirse la orma en el siglo XX. Habla de intentar jugar con el ritmo, para el acento en cada compás no coincida, por ejemplo poniendo un silencio. También habla de que no existe una síntesis única para los compositores MUSCIA EN LA EDAD MEDIA La Edad Media se puede ver desde dos puntos de vista:
- Sacra
- Profana Todas partían de la monodia, mientras que surge más tarde la polifonía, la música religiosa llamada rito: misa y oficio y el propio. Se podía hacer en monasterios, catedrales o iglesias. Encontramos dos tipos de misa:
- Ordinario: misma letra, misma música.
- Kyrie: Señor Ten Piedad (3 voces)
- Gloria: se alterna coro y solita
- Credo
- Santus y Benedictus
- Aglinus Dei
- Ite missa est
- Propio: cambia la música y la letra. Varía según la festividad. Dentro de este tenemos:
- (^) Intrito
- Gradual (aleluya o cantos)
- Secuencias
- Ofertorio
- Comunión Todas se caracterizan por se cantaban en gregoriano.
- Canto Gregoriano: aleluya, parte de la misa. Canto melismático con más de tres notas por sílaba. Dentro de los cantos de la iglesia, se empieza a utilizar el troppo y la secuencia. Tropo añade palabras en los melismas, es decir, una letra. Lo convierte en forma silábica. Podía haber troppo textual y misto (letra y música). Esto se hizo sobre todo en el canto del Aleluya, recibiendo el nombre de secuencia (letra con grandes melismas. Música profana No tiene una finalidad litúrgica, destinándose al pueblo, lo hacían juglares y trovadores. La mayoría de los trovadores se situaban en Cataluña. Muchos de ellos se situaban en el Camino de Santiago. Expresaban diferentes emociones, aunque a veces hacía referencia a la Virgen recibiendo el nombre de laudes (lo hacían italianos)
Cláusulas: forma de evolución. Data a cada vez de un esquema rítmico. Consiste en dotar a cada voz de un esquema rítmico preciso (1250 más o menos). Conductus: función de la forma de acompañar la procesión. Es la forma que utiliza melodías fuera del canto gregoriano. Es importante como en esta forma se utiliza el compás ternario. Motete: forma que significa la evolución hacia el Ars Nova. Se trata de añadir un texto más largo a las cláusulas. Añaden palabras. Motete viene del francés. Como surge en el siglo XIII se hace en diferentes idiomas. En sus orígenes se escuchan distintas líneas melódicas y cada una con un idioma diferente. Autores más importantes:
- Leonin (maestro) escribe un tratado llamado Magnus liber Organum
- Perotin (discípulo) desarrolla las pautas de un maestro de forma que llega a evolucionar, incluyendo unos parámetros rítmicos más claros. Junto a estas dos composiciones surgen Franco de Colona y Petrus de Cruce. Se insertan casi estos dos en el Ars Nova. En España también se da otro códice “Codex Calixtinus”, con una primera composición a tres voces que es un conductus de Congaudeant Catholici. Martes 12 Octubre (no clase) Jueves 14 Octubre 2010 Ars Nova se sitúa en pleno siglo XIV, final de la Edad Media, desde el punto de vista musical es importante porque las formas de polifonía van a tener mayor libertad, en Avignon tenemos la sede papal. Permisión de reflejar sentimientos como el amor en la música, siempre hablando desde el punto de vista de la polifonía, tendríamos motetes, organum… poco a poco se va a expandiendo la polifonía más allá de lo religioso. Encontramos una manera más fluida, donde las voces principales no son tomadas de la música religiosa o gregoriana sino que se va a abrir a pequeñas melodías del ámbito profano. Coincide con las primeras formas de las danzas, los tropos y las secuencias serán las formas de alargar tanto musical como melódicamente. El Ars Nova no es solo de las composiciones que se hacían en los centros específicos, ahora se van a encontrar composiciones en Francia, pero va a tener gracias a las rutas comerciales encontramos vinculaciones con los países permitiendo que se expanda. Las formas que encontramos en el Ars Nova, el motete tendrá una transcendencia en el Renacimiento, cada voz tendrá un texto diferente tomado una voz del gregoriano y cada una vez de las voces se escribía en una lengua diferente, posteriormente se convierte a todas las voces en un mismo idioma, tendrá cuadro voces, bajo, tenor, contralto y soprano (solo hombres) El motete isorrítmico donde las voces están sometidas a esquemas que se repiten con regularidad, gran complejidad en las composiciones. Tenemos otras composiciones más sencillas como eran la balada siendo una estructura definida con un esquema “aabc” donde c era el estribillo, será una forma profana y se denominaba “ballade”. Tenemos también el virelai siendo una evolución de las canciones trovadorescas respondiendo al esquema “abba”. Otra será el rondeau con gran transcendencia posterior donde se repetía la misma frase musical acompañada de una estrofa que era diferente “abaca…” consecutivamente, provenía de la danza que hacían los peregrinos al lugar al sitio de culto. En el ámbito profano también tenemos la cacia siendo el contrapunto iniciativo, siendo una persecución de las voces. Por último tenemos el madrigal aunque empieza en esta época posteriormente evoluciona, compuesto a dos voces con temática pastoril, contaba con la misma música con sencillez denominado ritornello siendo el estribillo. Escuela francesa tiene su sede en París siendo un centro del Ars Anticua, encontramos a Phillipee de Vitry y Guillaume de Machant, pero no solo tenemos esta escuela, también tenemos a la escuela italiana con Francesco Landini. En la escuela española con Montserrat es donde se darían estos tipos de composiciones.
TEMA 2: MÚSICA DEL RENACIMIENTO
Siglos XV y XVI. El siglo XV desde la perspectiva histórica es Edad Media. El Renacimiento comienza por Italia, donde el arte y el pensamiento van por delante. La cronología no es igual en todos los países, se dan dos etapas:
- Estilo internacional.
- Mayor variedad de estilos No hay modelos a imitar en la música, considerándola como arte nuevo. Se encuentra una separación entre el estilo vocal y el instrumento. Tiene una mayor importancia el compositor. En el siglo XV y XVI se vean distintas composiciones ya firmadas. La música tendrá una función social y de unión con la gente. Poco a poco, se desarrollaría la danza de forma paulatina, aunque en el barroco eclosiona. Evolucionan las técnicas de otros tiempo encontrando diferencia entre música de corte y música de iglesia. En cuanto a estilos lo vinculamos a la forma diferenciándolo entre vocales y el instrumento. Hay avances que dan a conocer a diferentes personajes como Leonardo, Rafael… la música quedaría abandonada en un plano de tiempo corto. La práctica musical era habitual en las casa burguesas. Una rama de la música era lo que tenía que ver con lo burgués y lo cortesano. Baltasar de Castiplioni afirma que para ser una persona culta había que conocer la música, tocar un instrumento… es un periodo donde la iglesia tiene una gran cantidad de conflictos: el cima de Lutero, la reforma protestante. La Iglesia de Roma contesta con la Contrareforma, volviendo a los modelos anteriores, con mayor sencillez. Con el Concilio de Trento, se vuelve a los textos silábicos. Felipe II aceptaba esa simplicidad.
LOS ESTILOS Y LAS FORMAS Dentro del estilo vocal podemos decir que la práctica vocal estuvo extendida en el ámbito profano y en las iglesias siendo el profano el más utilizado. En primer lugar la Chanson siendo la forma predominante para cualquier obra destinada a ser cantada, ahora se llama cantata todo lo que fuera cantado y la tocata todo lo que se tocaba con instrumentos, quiere decir que podemos encontrar una obra para voz con acompañamiento instrumental o que al mismo tiempo la forma rondeau o estrofa y estribillo lo podemos encontrar con Chanson. Aludir a todo lo que es cantado. La temática es diferentes: pastoril, de guerra, amoríos… dentro encontramos una tipología llamada la Chanson francesa siendo una derivación de la anterior, compuesta en Francia como seña de identidad tendrá un carácter alegre con onomatopeyas.
- Tan que vivray, de Claudin Semisy: no transmite alegría. Posee dos partes la primera es más tranquila. Los instrumentos acompañan a la voz, y son de cuerda (laud…) Hay otro autor que es Jannequin. Madrigal denominación para toda canción dirigida a las clases cultas. Adquiere su importancia en el siglo XVI. A partir de aquí se da el origen de la opera. La temática en muchos casos era mitológica mezlada con lo moralizante, utilizando la retórica. Composiciones: Monteverdi. Este madrigal empezaría a tener disonancias a partir de cromatismos. La evolución del madrigal hace que sea más cromática para expresar mas los sentimientos.
- Madrigal de Monteverdi: intenta mostrar un sentimiento. En dicha composición hay mujeres, por lo que no se refiere al ámbito litúrgico. Posee contrapunto y homofonía. Representa a lo culto. La iglesia veía mal estos cantos por su carácter libidinoso, había muchas censuras. La Frottola solía tener improvisaciones aunque no había una manera fija de escribir estas composiciones. Juan de la Encina será uno de los compositores más importantes de España, Villancico a modo estrófico. En una composición a cuatro voces. En el barroco es cuando se le da el significado de villancico actual, ya que antes no significaba lo mismo. Romance: proviene de la Edad Media, con temática de reconquista o de relato. Nos han llegado versiones más elaboradas de los romances o en algunas ocasiones nos llegan versiones modigicadas.
- Laúd: apreciado en las cortes europeas. Se utiliza para acompañar el canto, con cuerdas dobles llamadas ordenes. Diferentes tamaños variando el nombre: archilaúd (muy grande)
- Vihuela: alternativa de la guitarra actual. Apreciada en la corte de los reyes católicos. Hay autores que transcriben la música de la vihuela: Mudarra.
- Viola: diferentes tesituras. Existe la viola de gamba y la viola de braccio.
MÚSICA EN EL BARROCO CONTEXTO Y CARACTERÍSTICAS El Barroco en Europa se da con cierto pesimismo. Se motiva por la crisis económica y por la repercusión de las guerras de carácter religioso. La forma de gobierno era la monarquía absoluta. La producción musical se da en palacios. La producción musical religiosa es menor porque las iglesias pierden poder. Hay manifestaciones dentro de la iglesia sobre todo de Bach, pero en la época no se le aceptaba y se pensaba que no era innovador. Las características musicales:
- Diferenciación social de la música: se diferencia según el lugar donde se produjese, aunque era consumido básicamente por la nobleza y la aristocracia. La música se encuadra:
- (^) Eclesiástica: no alude al culto, sino a la que no se siendo litúrgica se realiza en la iglesia. Ejemplo: Bustehude, predecesor de Bach.
- Teatral: la ópera empiece a surgir. En España surgen las primeras zarzuelas.
- Cubicular: se realiza en salas de palacio, con carácter privado.
- Aparción del bajo continuo: diferencia la música barroca de otros estilos. Para acompañar a instrumentos solitas, se contaba con otros instrumentos que den el sustento más grave. Ejemplo: el clave, viola de gamba. La viola de gamba se media por la votación cifrada donde se ponían números que indicaban los acordes. En la música religiosa el bajo se representa mediante el órgano. En la música de ópera se recurre a la tiorba.
- Surgimiento del estilo fugado: a este estilo también se le puede llamar imitativo (imitando voces). Este daría lugar a la forma de la fuga, dando lugar al culmen. Como contrapartida, dentro de la música surgiría la melodía acompañada (promotores, hijos de Bach). Ellos defienden la pobreza de una línea melódica. Rosseau defiende que haya escaso acompañamiento, porque así se entiende mejor el texto. Son dos realidades.
- La escritura entre lo vocal y lo instrumental: se intenta crear música específica para un determinado instrumento, desarrollando el instrumento en sí.
- Profesionalización del músico: surge la figura del maestro de cámara, que proviene de Alemania. Para hacer una cronología desde el punto de vista musical, se observan diferencias:
- Primer Barroco: 1590-1630. Barroco Temprano con el manierismo. Final del REnacimeitno. Se ven los rasgos de la tonalidad y el recuperamento (estructuración de la música). Se utilizan formas del periodo anterior.
- Segundo Barroco: 1630-1680. Barroco Medio. Se consolda la ópera. Periodo de debates: estilo imitativo y claridad melódica.
- Tercer Barroco: Barroco Tardío hasta 1750. Muerte de Bach. Se estructura la ópera y se consolida lo anterior. Se estandariza la suite, la fuga y se empieza a ver la demanda de obras de todo tipo, con especialización.
MÚSICA VOCAL
- Madrigal Monteverdi. Combottimento di Tancredi: posee danza. Son dos personajes que se enamoran, donde las familias pertenecen a diferentes etnias. El instrumento de soporte era el clave. Hay un movimiento en la música que no se ve con anterioridad. La obra se inicia con la perspectiva de Tancredi a Clorinde. Esta pieza es un ejemplo de la unión del drama con la música. Es lo que hará Wagner más tarde. El tono se agudiza y se apremia con el inicio de la lucha. Falta lunes 25 Octubre 2010 Jueves 28 Octubre 2010
En Inglaterra hay un declive musical, porque es un periodo de guerras. La figura que destaca en el panorama de la ópera es Henry Purcel (intenta aplicar las técnicas italianas en ingles). Fruto de esta es la ópera Dido y Eneas. En el Barroco Pleno aparece Haendel, que ejerce su actividad en Londres. En su obra se ve una mayor utilización de los instrumentos y de las líneas melódicas más complejas. Se destaca su ópera Julio Cesar.
- Julio Cesar: Haendel, el concertino o primer violín, es el que dirige a toda la orquesta. Es una ópera, el preludio concretamente. Hay otro género español: Zarzuela. La diferencia entre esta y la ópera es que incluyen temas populares, y también se sustituyen los recitativos las partes habladas, sin intervalos. Dicen que esto se debe a la dificultad de realizar los recitativos y las arias en español. Reyes como Felipe V, encargan a autores como Calderón de la Barca, textos de zarzuela.
- Sebastian Durón: celos aun del aire matan, parece una ópera, aunque aquí aparecen danzas cortesanas. Desembocará en el siglo XIX en zarzuelas típicas. En 1734 el incendio del Palacio Real provocó la perdida de muchas de las partituras, haciendo que Maestros de Capilla compusieran nuevas obras o se cogieran de fuera.
MÚSICA RELIGIOSA Podemos ver qe está vinculada a la Iglesia Protestante aunque no quiere decir que en la Iglesia Católica no hubiera composiciones musicales. Encontramos:
- Cantata: pieza interpretada por la voz, cualquier cantante acompañado con isntrumentos o no se denominará cantata. A partir del Barroco Cantata a la temática profana como religiosa pero a diferencia de lo anterior, que no tenga representación teatral. Nace con compositores italianos como Carissimi o Stradella. Y sobre todo, posteriormente con Bach esta forma se considera una forma de grandes dimensiones con gran relieve. Su función en las cantatas de Bach será un comentario a la reflexión hecha en el ámbito religioso. Utilizan coros, arias, recitativos… podríamos denominar una ópera sacra de pequeñas dimensiones.
- Oratorio: obra musical con la misma estructura que la ópera pero sin representación escénica, hay unas épocas en las que estaba prohibía la representación de las óperas como en la Cuaresma, por lo que montan fiestas dentro del culto. Derivan de la práctica que realizó Felipe Neri, cuando se juntaba un grupo a orar con laudes.
- Mesías de Haendel : la obra más famosa de Haendel. Es un Aleluya, utilizado fuera del ámbito sacro. Participan hombres y mujeres. Están presente la familia de cuerda y percusión. Intenta ser una canción esplendorosa. Texto en la música. Posee contrapunto imitativo por la participación de hombre y mujeres. Repetición de ideas y modelos contra puntillistas, construyendo la forma textual y melódica.
- (^) Pasión: género alemán, las manifestaciones que nos han llegado. Tratan la Pasión y la Muerte de Cristo retratadas por los Cuatro Evangelistas, destinadas a la Semana Santa, dadas sus dimensiones acabaron por separarse y darse por separado en conciertos. Tenemos compositores como Schutz, que realiza la obra: Las siete palabras de Cristo en la Cruz. También tenemos a Elemann, pero las que nos han quedado serán las de Bach. Los bajos al fondo a la derecha, debajo contralto, lado de la izquierda aparecen los tenores y las sopranos. Los instrumentos de viento aparecen en las esquinas de la orquesta, pero normalmente aparecen en el fondo para atrás. Textura: homofónica o que van todos a la vez siguiendo la armonía.
- Misa: la Iglesia católica tiene menos influencia. De esta forma la composición será menor. La realización musical consiste en interpretar obras anteriores, de autores españoles como por ejemplo Vivanco. Uno de los referentes es Bach, Misa en Si Menor hay otras manifestaciones que son como motetes renacentistas y que se dedican a momentos puntuales: Stabat Mater Pergalesi (imagen principal la Virgen en la Cruz). Hay otras composiciones como el Te Deum, donde se alaba a dios con carácter festivo.
MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL BARROCO
Entre las danzas que constituyen la suite están:
- Allemande: carácter sobrio, ritmo binario. Es una danza de toma de contacto.
- Courante: ritmo ternario. Consiste en unos pasos diagonales, donde los hombres danzan en diagonal para cautivar a la mujer.
- Sarabande: lenta. Ritmo binario, reposando la anterior. Procede de la pavanna
- Giga: la más rápida de todas con orgen en Inglaterra y raíces populares. Se baila por parejas en saltos. Se le suman mmás danzas como la pavota, el minuet, el presto, pasacalle… Suite orquestal se basa en un acompañamiento. Se destaca la compuesta por Haendel, compuesta para los fuegos artificiles. Se hace para celebrar la vistoria de una batalla.
- Música para los Reales Fuego Artificiales (Haendel): También había Suite para instrumentos solos que se suelen llamar partitas La Tocata tenía un matiz diferente a la Sonata, una cuestión técnica mientras uqe la sonata tenía en cuenta la armonía y otros factores. En un principio, a principios del siglo XVII se introducían para acompañar los sermones, pero poco a poco empieza a meterse como una forma que va a ser más virtuisista. En la plenitud del Barroco tenemos toctas de Bach y grandes maestros compositores La Fuga será el contra punto compositivo, donde las voces imitan unas a otras, produciéndose diálogos debido a la imitación de unas con otras. La primera parte se denomina exposición donde se presentan los temas y en cada una de las voces, cada voz que repita esta fraase se llamará TEMA 1 y el resto se denomina contratema porque va en contra del propio tema. La siguiente parte se denominará Estrechas que se hace de más corta duración. La última parte se llamará resposición será la vuelta al tema principal pero completo acompañado por el resto de voces. Las Obras de estudio en el siglo XVIII de carácter didáctico o pensadas para el desarrollo del interprete, para desarrollar la parte técnica. Pueden ser invenciones como las de BACH.
EL CLASICISMO Si estudiamos el paso del Barroco al Clasicismo encontramos unos detonantes para pasar de un lado a otro, por un parte tenemos unos condicionantes sociales y económicos (hace que las clases populares se manifiestan contra las monarquías, haciendo que los reyes se vean a merced de las clases nobles). Todo lo moralizante decaerá. Se busca un equilibrio racional, y en cierto modo, una vuelta hacia la arquitectura griega. Se intenta volver a ello, eliminando el contenido filosófico. A este periodo primero se le llama pre clasicismo, como periodo de trasición. También se le puede llamar rococó, por el final de esa época. También se llama Empfindsamker siendo el inicio del romanticismo, acuñado por los hijos de Bach, alude a dejar fuera lo que dificulte lo realmente importante como era la expresión del sentimiento, también va ligado a Sturmund Drang. Habrá otra denominación, estilo galante, queriendo alagaren la música, siendo una excusa para el divertimento. Este término proviene de un francés llamado Campra. Entre las características, se ve:
- Paulatinamente desaparición del bajo continuo acompañamiento de las melodías y nace bajo de Alberti consistiendo en la realización de acordes por notas sucesivas..
- Desaparición de la ornamentación: no se quiere la saturación de sonido, con mayor regularidad.
- Simplifican los estilos musicales de los distintos países, intentando llegar a algo único.
- Ampliación de la orquesta: con instrumentos como la sección de viento-madera como el oboe, también aparecen los instrumentos viento-metal como el trombón.
- Búsqueda del buen gusto: aquello que resulta agradable para el que lo está escuchando en cuanto a la cantidad de notas intentando quitarnos de ese rococó. La música pretende entretener. Esta es la época en la que tendrán importancia los hijos de Bach. Formas predominantes:
- La sonata galante
- La sinfonía
- La La principal forma y que será más importante es la sonata, que evoluciona desde el Barroco para crear la sonata del pre clasicismo. De ella surge la sinfonía, con la misma estructura que la sonata pero realizada por la orquesta. La sonata (pre clásica) Nace de la evolución de los ejercicios planteados por Scarlatti. Esta sonata se estructura en tres movimientos: primero consta de un primer tema, luego un puente (idea temática que conduce a una idea principal). Luego hay un tema B. El primer tema es más rítmico, con un gancho más… y el tema B más tranquilo y más melódico. Contraste. Entre medias hay una idea que une a los dos. El tema A está en la tonalidad principal y el tema B está en el quinto grado. Segundo se trata de un desarrollo temático de los expuestos en el primero Tercero la resposición que se exponen los temas completos estando lso dos en la tonalidad principal. Esta Sonata pre clásica, en el clasicismo constituirán el primer movimiento de la sonata clásica, La sinfonía tiene la estructura de la forma sonata, pero hay que tener en cuenta de la independencia de esta forma. Funcionalidad de ser escuchada, tomando la forma de la sonta. Entre los autores que podemos destacar en la primera etapa será Sanmartini. Por última la gran forma vocal será la ópera siendo uno de los fenómenos más importantes de la música, formándose en el Barroco estableciéndose la diferenciación entre ellas. La reforma de Gluck, eliminando lo superficial de la escena y de todo que pudiera recargar la composición y en esta época la diferenciación de óperas:
- Ópera Seria: mueve la conciencia del individuo. Aquí encontramos la reforma de Gluck.
- Ópera Bufa: destinada a la clase media alta que busca la diversión. Con lo que intenta comprender mejor el texto.
- Gluck, Che faro, senza Euridice: recurrencia en temas literarios. Lunes 15 Noviembre 2010 Características del clasicismo La terminología habla del periodo que será el final del barroco en cuanto al preclasicismo mientras que el clasicismo tendrá una evolución. Como características encontramos coincidencias, la afirmación clara de un sistema tonal. En cuanto a la consonancia y la disonancia, hablando de periodos disonante, desde una perspectiva más racionalista. Supeditación a la forma, ver si la música tiene una forma definida o no la tiene, se buscan unas características desde donde están basada la música como la sonata, sinfonía… En el precalsicismo vemos una evolución de la orquesta, viéndose en Manheim siendo la escuela donde se desarrolla el número de instrumentos que vamos a tenemos como el clarinete, trompas, fagot, contra fagot… en el barroco el fagot hacía el instrumento del continuo, pero en este momento va a ser un instrumento más. Músico como sirviente al servicio de las posibilidades económicas, relación donde la realeza es absolutista viendo una gran dependencia del músico con la corte, como por ejemplo el caso de Mozart que dependerá de los contratos. Busqueda de la realidad compositiva, encontramos frases cuadradas en ocho compases, siendo el mismo número de compases tanto en la pregunta (cuatro compases) y una respuesta (en otros cuatro compases). Encontramos a Haëden, Mozart. Encontramos una estructuración de la sonata clásica:
- Allegro
- Andante
- Minué o Scherzo
- Allegro o Presto Pero dentro de la sonata encontramos la forma sonata sin distinguir la sonata (con cuatro movimeintos) con el primer movimiento que es Forma sonata. El allegro de la sonata distinguimos el primer movimeitno en:
- Exposición de dos temas, A y B.
Época del nacimiento de los grandes nacionalismos, destacando en 1830 aparece el nacionalismo italiano, la fusión creará Italia. Los italianos piensan que hay varias músicas populares italianas igual que en el caso español, si hay distintas culturas hay distintas manifestaciones artísticas. Hay una reivindicación política en el siglo XIX partiendo de movilización de masas. En la parte psicologísta, no se suele aludir desde los grandes tratados literarios. Comenzamos por MEYER quien tendrá un libro “La emoción y el significado de la música” explica que la reacción del oyente frente a la música es emoción es la respuesta a un estímulo, cuando no te suscita ningún sentimiento la música que estás escuchando significa que no es un arte. El oyente culturalmente (en cualquier cultura) recibe ciertas expectativas de la música que se tienen que cumplir, que espera linealmente. El compositor se parecerá a un psicólogo.. Cada compositor a lo largo de la historia es distinto a lo largo de la historia y que manipula al espectador. Puede crear expectativas o engañarlo. La historia de la música es el desarrollo de sistemas acústicas que desarrollan distintos niveles de concepción. Idea de la obra abierta, característica del romanticismo. Un ejemplo es Umberto Eco, esta característica viene del romanticismo. En el que oye surgirá la duda. Hay obras que se versionarán. Ha incertidumbre. La mente busca un regreso a la certeza. El compositor gradúa los niveles de incomodidad. Stravinsky fue rechazado, pero imitado, creando tendencia. En Meyer aparece la noción de peripecia. Es un término de literatura. Son elementos de un argumento y de aventura pero problemática. La música tiene capítulos. Habrá grandes obras como la sonata que proviene de un término italiano. Todos los instrumentos tienen la misma importancia. Concierto será una composición para orquesta. Sinfonía que tendría que ver una orquesta, aunque en distintos puede haber un solita, será una sonata para orquesta. El coro no pertenece a la orquesta. Oratorio será una misa de concierto donde las voces se comen a la orquesta. La gran revolución del romanticismo será romper con lo establecido en la sinfonía, sonata y concierto. Las grandes composiciones musicales serán porque ocupan una gran cantidad de espacios, una sonata puede durar entre 15 minutos y media hora, el concierto puede durar media hora igual que la sinfonía. Surgen nuevas formas musicales muy cortas que no tienen una estructura concreta, sino que estñan ligadas a formas literarias o de la cultura romántica, el compositor tiene en mente algo que ha leído. No quiere decir que todas las composiciones deban estar cantadas. En el romanticismo el Lied ya no será la voz con el acompañamiento del piano, ahora se ceden tiempos para cada uno de ellos, tan artista es el pianista como la parte de voz, no pueden prescindir una de otra. Será música para pequeños salones pero no para hacer demostraciones de riqueza, en el clasicismo con el incipiente creación de la burguesía aparecerá una gran importancia. Mientras que en el romanticismo ya no aparece ya como esto, sino para que el compositor se diera a conocer, esos recitales de mecenas que ponen la merienda y el piano. Hasta el clasicismo tenemos a Hayden que ganará dinero por los Estarhazy como persona para todo, tuvo una invitación al Reino Unido esforzándose mucho para el público europeo. Será un asalariado, siendo contrario a lo que aparece en el romanticismo. Bach también será asalariado pero a tiempo parcial. El compositor será autónomo, siendo libre de componer lo que quiera pero creando un gusto según unos gustos marcados por la sociedad. Beethoven viene de un entorno en el que él había sido un autónomo en el clasicismo, organizándose para llegar a los grandes salones, el buscaba a gente que interpretara sus obras, dedicándose a la composición.
MÚSICA POPULAR
Se había adoptado en el clasicismo la música popular, con Mozart en “La marcha Turca”, había imitado ritmo que el había estudiado que eran lo jenízaros siendo una etnia dentro de los turcos, entre cuyas características encontramos la intrusión de instrumentos de percusión. Los jenízaros eran un ejército temido y animaban a entrar a la batalla por el fragor de los tambores, para los compositores esto será importante ya que será la utilización de los biorritmos, empezando por los tambores y bombos, también tenemos los zíbalos. Mozart había incluido rasgos folclóricos de los jenízaros en un contexto que había un elemento exótico del romanticismo, donde se desarrolla el tren, los barcos, carruajes… con posibilidad de que los artistas viajes que les permitirán dar otras realidades a los compatriotas. En el clasicismo estos viajes se darán como una información, mientras que en romanticismo la mezcla será mucho más profunda que permanecerán en la música cambiándola. La música popular va a aparecer como un elemento de reivindicación, los turcos oprimen a los griegos. El racionalismo cartesiano tiene un fin, una sonata de Mozart tenemos un desarrollo en cada uno de los compases. El romántico se rebela contra la oligarquía, las monarquías absolutistas, nobleza… El artista romántico lee el periódico, participa en las reuniones o tertulias, toma partido… la sonata tiene que abrirse en abanico siendo el planteamiento del que va a venir la complejidad de las formas compositivas. Estableciendo incluso jerarquías, llegando a establecer métodos de composición de una sonata mientras que el romanticismo es el germen de la atonalidad principalmente Chopin. La raíz del atonalismo se encuentra en el romanticismo. Música popular será como reivindicación y de romper las normas establecidas, buscando la expansión
LITERATURA En música va a pasar algo parecido en la novela, donde las novelas son inesperadas hasta el final. El ejemplo europeo será WALTER SCOTT quien escribe “Rob Roy” siendo esencial que no se espera el final de la novela. Beethoven hace un final de sus obras inesperadas y enérgicas. Los finales de las nobles románticas serán disfórico (contrario de eufórico), el romántico está bien informado. LA novela romántica termina trágicamente, mientras que las fábulas aparecen en la ilustración con el fin de enseñar. La melodía va paralela al discurso, la melodía se va haciendo infinita, se dice que Wagner tenemos un hilo conductivo de la narración. Se llegará a un punto que para una sola melodía se crean distintas bases compositivas, creando una sonoridad diferente por el acompañamiento. Distintas formas de componer, ya no será el patrón armónico sino el patrón melódico el que manda siendo el estable, con el poder que nunca termina una composición. En el romanticismo tenemos otra novedad, para marcar el ritmo se diluye en el romanticismo ya que el compositor quiere que el interprete se recree, se da una libertad muy grande al intérprete contrastando con lo que estaba sucediendo en el clasicismo. Tenemos tres características, la atonalidad, la ruptura del ritmo y la ruptura de las formas musicales tradicionales. Ahora ya no se repiten las formas o variaciones que se van presentando, en el clasicismo todavía no tenemos una buena creación de papel por lo que se repetirá mucho las composiciones para que crezcan. Con el romanticismo ahora no se repiten las composiciones, ya que se abarata el papel. El melodismo cobra importancia, si la articulación de la melodía a veces se sigue la articulación de la poesía estableciéndose desde el romanticismo para que el acento de las palabras coincida con los acentos musicales, adaptando la música a la letra. No se puede hacer perder significado a la letra perdiendo se acentuación. En los tecnicismos como son las tonalidades mayores (alegres) y menores (tristes) pudiendo establecer comparaciones y equivalencias durante el romanticismo. A través de la bitonalidad utilizando alternativamente las tonalidades, lo que no es posible en el romanticismo utilizar dos tonalidades a la vez.
- Audición, KV 265 de Mozart, “ya te contaré Mamá”: Será una sonatinaKv se debe a Verzeichmtz quien establece la numeración de los nocturnos. El original será en francés. Repetición resultando muy cuadrado. Armonía sin acompañamiento. Aparece una primera variación. Pertenece al clasicismo.
- Audición, Nocturno número 1 de John Field: primación de la melodía fretne a la armonía. Ritmo demorado. La melodía esta como desintegrado, sonando a la melodía de Chopin. Ruptura del ritmo. Produce incertidumbre. Reexposición forzada que pueda provocar un ruptura abrupta.
- Audición Brahms, sinfonía número 1: esta audición produce caos, sonando a algo asonante. En el principio no se aprecia la melodía, aunque sí el ritmo, que más tarde se rompe. La idea de ritmo se sustituye por constelaciones de sonidos. Percepción de que el que oye no tiene ritmo. Preeminencia de los violines. Hay un momento de la música donde empieza un proceso, con una reexposición abrupta. Sinfonía típicamente romántica.
- Audición, Chopin Orquesta-piano (concierto): formación de Chopin será clásica, compositor para orquesta. El tema lo da la orquesta. El piano todavía no ha entrado. La orquesta como Beethowen siguiendo estilos. El piano entra en el minuto cuatro, entrando abruptamente porque crea unas expectativas erróneas, estando la orquesta en segundo plano. Uso paródico d ela orquesta.
- Audición, Claro de Luna de Beethowen: va particulando el ritmo, llenándolo de rubatos hasta cerrar la frase. Va atrasado métricamente pero va buscando la belleza que quiere reflejar
- Audición, Opus 3 número 10 de Chopin: la estructura de un preludio y de un nocturno va el elemento del intérprete, más que de la obra. Siendo una obra de concierto de 1 minuto y medio. Encontramos rubatos o demora de tiempo.
- Audición, Sueño de amor de Lizst: autor moldavo. No pertenece a una forma determinada. Efecto arabesco, utiliza el mismo estilo que Chopin, encontramos cambios abruptos en la tonalidad en las masas de notas en poco espacio de tiempo. El piano mecánicamente había ido perfecionado con un pedal de freno, alargamiento del sonido… La revolución industrial permite que los instrumentos musicales mejores mucho permitiendo en el piano que las notas puedan subir con mucha rapidez.
- Audición, Preludio de Chopin, opus 28: se llama “l gota de agua” presente en el grave con un obstinato en el grave. Como volver a la voz de la primera polifonía.
- Audición, Vals de Chopin: de origen polaco, pequeñas obras polacas o melodías infinitas.
- Audición, Chopin opus 10 número 2:Elementos forzados y entradas abrupta de piano en la melodía.
- Audición, Sonata 8, Patética de Beethowen: muchos cambios abruptos y sustos en las composiciones. Tenemos una reposición por lo que tenemos que esperar al final otro cambio abrupto y dura unos segundos. Los comienzos inestables
- Audición, Improntu, opus 90 número 2: comienzo inestable con melodía infinita, Bach lo había hecho en otra cantata pero mucho más pausada Comienzo disfórico.
- Audición, Schubert, Die winterreise (viaje de invierno): ciclo de lieder, cuya característica será que tenemos un protagonista acompañado de un pianista, también lo encontramos en España con Fernando Lors. Tiene tanta importancia la escritura para voz como la escritura de piano. Uno escucha al otro y viceversa, lo que articula todo es el poema ya que el compositor parte de un poema que ha escuchado. El compositor ve las partes tristes y las partes alegres y compone la música teniendo en cuenta el poema inicial. También encontramos transiciones para que se procese la letra, presencia de cambios dentro de la composición retomando la tristeza del principio. Jueves 24 Noviembre 2010 El cromatismo aparece a voluntad del intérprete ad libitum es muy raro encontrarlo por los problemas que podemos encontrar en una sinfonía, pero si que aparece en el siglo XX. En las composiciones solistas aparece mucho, en el romanticismo, el compositor delega voluntad en el intérprete, haciendo crecer la forma musical de un modo un poco inesperado.
Cuando un músico ejecuta se limita a seguir las instrucciones que se dicen, pero el interprete ve más allá y si no hay instrucciones las introduce. La interpretación es algo más que una ejecución. Hay relaciones sub intelectas que están fuera de la partitura.
SIGLO XX La cota de libertad se va a ampliar, lo que explica que la forma musical vaya a crecer de forma inesperada es porque se cambian las relaciones, intérprete y público. La música clasicista, la relación entre el músico y el público, donde el público será el que pagaba y tenía que estar complacida a determinados gustos. Al llegar a los grandes salones, a la generalidad del músico, el personaje que paga al intérprete impone sus gustos. En el romanticismo el músico se convierte en un freeland, al principio le debe gustar la música a él y su círculo más cercano, marcando una tipología de arte. Ahora en el siglo XX se van a romper más las relaciones, el compositor compone porque cree que tiene que componer y porque tiene que experimentar, no tiene porque facilitar la escucha ni explicar al público, se rompen las relaciones. Cambia el panorama socio-político-cultural, el mapa político europeo está revolucionado por guerras civiles o internacionales, reivindicación de nacionalismos, nuevas economías entre los habitantes. Simultáneo a nuevas ideologías que son las que ayudan al desarrollo de estas revoluciones. El artista refleja, a través de su reflexión interior, lo que ocurre fuera de él. En el siglo XX va a tomar partido por ideologías, sin tener que darlas verbalmente pero se verá en su arte. Las formas musicales que tenemos serán las anteriores como la Sonata: un instrumento o dos, pero se amplía el tiempo siendo de 2 de 3 o de 5. Al límite de lo que el interprete sea capaz de hacer. Aparecen los conservatorios introduciendo de las nuevas cosas que se pueden hacen en el instrumento o imitando otros instrumentos. La música adopta de formas clásicas pero ya no se sabe cuánta es la duración que tienen. Podemos tenemos concertó formado por instrumentos no tradicionales ya pueden ser folclóricos, de poco uso, absoluta novedad tectológica o cualquier cosas (botella de agua, piedras chocando…). La música concreta interviene cualquier instrumento para hacer música, ya sea fotocopiadoras, piedras, botellas… un clarín sería una trompa pero sin pistones, contrafagot siendo un instrumento muy caro (12.000 €), tuba grave siendo el instrumento más grave (14 kg) sino se sustituyen por bombardinos… La forma sonata va a ser la más complicada, en un concierto te puedes encontrar cualquier cosa como un “cinta magnética” sirviendo para grabar las formas. Tenemos un cambio fundamental por la introducción de las nuevas formas, una sinfonía será una sonata para orquesta, pero los instrumentos deben parar para descansar, podemos encontrar cuerdas que son solistas durante un tiempo. La forma sonata tendrá más reformas, porque los instrumentos y los artistas son muchos mejores, en el siglo XIX la enseñanza se hacía con preceptores, pero en la ilustración tenemos una emancipación de la iglesia, por eso encontramos profesores particulares. La forma sonata se caracteriza, ya no solo por el virtuosismo, sino por dejar al instrumento al límite al igual que al intérprete, cosas no esperadas con el instrumento rompiendo con el ritmo. Cuando Lucciano Belo pide que a un flautista cante a través de la flauta, experimentando con nuevas sonoridades sin identificar la fuente. Los límites técnicos, se intentan eliminar los pasajes de repetición de un tema, reposición del tema inicial, si las hay tienen que ser lo más alejadas posible, aparecen con otra tímbrica, sufriendo una metamorfosis importante. Curiosamente hay civilizaciones que no aceptan las redundancias, como una conducta infantil. Culturas como las precolombinas donde no gusta la repetición. En la música contemporánea el oyente necesita ver alguna referencia marcadas por islas de orden que pueden ser silencios que permiten establecer los pensamientos del público, donde la música atonal le va a dar, ruptura con el público pero hay combinaciones de obras que pueden ser geniales si las vinculamos con las obras barrocas.
intensidad de las mismas (mezopiano, fortísimo, piano, tutoforte, mezoforte, mezopiano), en cuanto a la duración encontramos hasta 20 unidades. Pero no utiliza más de siete y ocho unidades en las series. Javier Rosado se especialista en ello en España. Con Brahms encontramos anotaciones cuidadosas no solo las articulaciones sino también los matices, haciendo el favor al director de orquesta, decide ser muy cuidadoso, algo que se espera hoy en día en la anotación de instrumentos de cuerda frotada la dirección del arco. En el siglo XX se llega al extremo de ser más que Brahms, llegamos a un compositor de música contemporánea que se llama Ferneyhough quien realiza música instrumental y para cada nota le pone una articulación distinta, siendo obras muy impracticables siendo dialectos de la técnica. El arte no se puede regir por parámetros tan precisos, cuando algo gusta permite avanzar en la música pero cuando es difícil se abandona. No gustaba la sonoridad de Stravinski pero se reinterpretaba. Llegamos a la notación musical permite controlar el crecimiento y la forma en el músico, encontramos microtonalismo los vemos en Grecia, fundamentalmente con las flautas y con la cuerda. Los microtonalismos hacen crecer la forma. O bien el compositor da mucha libertad o no la da, incluso encontramos dibujos que dan libertad en la composición, que no tiene na correspondencia perfecta de imagen-sonido. La libertad es característica del siglo XX, la cuota de liberta parece por esta época. El dodecafonismo surgen porque anteriormente la dominante es do-la-sol, “monarquía casi absoluta”, en el siglo XX aparece la democracia con el mismo peso estadístico de las notas, aunque no será completa ya que si todos fuéramos consultados en todas las decisiones no podría evolucionar. El dodecafonismo da idea de caos, siendo una traslación de la democracia al pentagrama también encontramos similitudes con el cubismo sintético. Donde hay mayor paralelismo será con la literatura, por ejemplo con Ulysses de James Loyce (muchos pasajes sin puntuación, siendo un chorro de conciencia o escritura automática). La música del siglo XX aparece en algunas lagunas de consciencia en toda la laguna del caos, idea del caos moderno relacionado con las migraciones, industrialización. Tenemos también la novela de Manhattan Transfer por John Dos Passos en 1925, ilustrando el protagonismo anónimo y efímero. Esto también lo hace Cela en “La Colmena”. Da igual por donde empieces igual que en la música. Se va a intentar encontrar hermanamiento entre la plástica y la música, los futuristas a veces eran pintores y músicos a la vez, entrando en las sinestesias o intercambios sensitivos. Lunes 29 Noviembre 2010 Tutoría obligatoria sobre el trabajo opcional. Nada de newage. Interlineado 1,5 máximo de 12. AITOR SALVADO. Jueves 2 Diciembre 2010 Ruptura del ritmo en el siglo XX. El artista siente intuiciones, plasmándolas. Hay una ruptura de las formas musicales por expansión. El siglo XX es el siglo de las rupturas. Es el siglo del timbre, como lo más revelante. Eclecticismo tendencia fundamentada dentro de la arquitectura, nos encontramos edificios neoclásicos elementos de la antigüedad romana y griega, planos arquitectónicos europeos… el arquitecto decide hacer una mezcla sensata, siendo la característica dominante en estas artes. Por el desgaste de las formas tradicionales compositivas, cuando la sinfonía llega a sus límites hay que buscar formas nuevas. Fusión de distintos estilos, siglos, momentos… La forma sonata crea más retos a los compositores, habíamos dicho que crecen en duración, también la novedad aparece en un tratamiento diferenciado de los instrumentos. En la música de cámara tiene que haber un primer tema que se desarrolla, un segundo tema que se desarrolla claramente, pero en el siglo XX esto no va a ocurrir, uno de los autores que plantean este tema será un avanzado en su tiempo siendo Cesar Frank, uno
- Audición, sonata para violín y piano en La Mayor de Cesar Frank: creó una especie de leyenda entorno a ella, dando pistas sobre una música que le obsesionaba, siendo Marcel Proust que escribe “en búsqueda del tiempo perdido”, con datos bibliográficos de la vida de la burguesía francesa del siglo XIX, recogiendo lo sentimientos del hombre enamorado que sufre.
Aparece la música de Vintevil, el desarrollo, la exposición y reposición de los temas no está tan clara con una naturaleza serpenteante que engancha al espectador. Da la impresión de que es un fragmento de la pieza, formando un desarrollo apareciendo los dos entrelazados, dando la impresión de que el tema ya se está desarrollando. Puede tener algo parecido con el lied, el violín hace una función compositiva cantábile, no está claro el tema siendo una característica común en estos momentos, obliga a un ejercicio intelectual del oyente buscando la reposición del tema. Cesar Frank será un adelantado, cuando algo se repite habrá luego un truncamiento, el piano terminará anulando a la voz del violín. Esto cautiva a Marcel Proust dejándolo en un enigma planteada en el libro. La forma sonata tendrá varios cambios. Las tendencias del siglo XX, con la ruptura del ritmo.
- Primer tiempo de la Primavera de Strawinsky: encontrando disonancias con ruptura de la tonalidad y del ritmo aunque con los instrumentos tradicionales de la orquesta. Algo característico será el oboe con el fagot, marcando la asociación tímbrica, se aproxima a crear un timbre haciendo tocar a dos instrumentos que no estaban normalmente juntos. Si se superponen los sonidos unos con otros se crea un nuevo tipo de timbre, entrando en el tema de textura dando la creación de la masa orquestal con el concepto de sinergia. Experimenta con el timbre desde el principio, lo cual no era lo tradicional y por lo tanto no es canónica. Cuando se rompe el equilibrio tradicional de utilizar intervalos de 3, 4, 6… se entra en otro sistema nuevo. La ruptura del ritmo, donde la percepción no es a base de pulsos que están en correlación con biorritmos como son los latidos del corazón.
- Claro de luna, Debussy: no hay pulso siendo relajante, siendo ruptura del ritmo, siendo tonal. Se le califica de impresionista, hay una ligera ruptura del ritmo pero no encontramos disonancias. Intemporal y suspendido en el aire
- Arabesco, Debussy: ruptura del ritmo. Arpegios de notas
- Preludio a la siesta de un fauno, Debussy: ruptura del ritmo pero sigue siendo tonal. Un timbre que entra en el siglo XX, será el del arca como instrumento oficial de orquesta siendo una moda introducida desde el romanticismo, anteriormente desaparece por la aparición del clavecín que posteriormente evoluciona al piano, el arpa tendrá un timbre exótico. Otro tipo de ruptura del ritmo que será con Gyorgy Ligeti, dentro de los compositores atonales, estando muy interesado en la fragmentación del tiempo, lo retoma.
- Lux Aeterna, Griorgy Ligueti: atonal y aritmico, siendo un hermanamiento del pasado con el presente buscando la novedad. Es solo una voz humana, y repiten la frase lux eaterna, con una armonía disonante que luego han creado escuela con Arvo Paart. No hay idea de perspectiva sino superposición de voces, la estructura no es tan evidente, la forma musical es un nebulosa, termina como disgregándose en el espacio.
- Sequencias número 3, Luciano Verio: forma sonata para instrumento solo, haciendo una para cada instrumento de orquesta llegando hasta 14, con experimental tímbrico y técnico. Ligada a la voz humana como instrumento siendo un guiño al pasado. En este caso será un hombre el que hace experimentos sobre ella. El pone al límite la vz en cuestiones articulatorias de velocidad, consonancia vocales, aparecen frases reconocibles en ingles y fragmentos irreconocibles.
- Sequencia para flauta, Luciano Verio: será atonal, aparecen frullato que se puede hacer en instrumentos de viento saliendo el sonido vibrante y con texturas. Aparecen bastantes con este compositor. Hay saltos de un sonido a otro sonido, algo que sigue una línea continua y que no tiene espacios intermedios. Tiene para arpa, flauta, voz humana, saxofón, guitarra y piano, presta atención a instrumentos como el oboe, acordeón (dos sonidos que suenan simultáneamente). El término sequencia aparece en el renacimiento pero ya tocado en la Edad Media por lo que será una mirada a lo anterior, retomar los títulos de las obras como una forma musical. Bela Bartok pasa de las piezas más sencillas a las más complejas, del estudio atonal, como público cuando vamos oyendo las primeras cuatro composiciones del microcosmos, facilita la escucha atonal.
