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EL CINE MUDO (1895 – 1930)
1: Orígenes del cine. el invento y la máquina. pre – cine. jueguetes ópticos. fotografía y moviminento: mybridge
La Prehistoria del Cine
- La prehistoria comenzó con un invento tecnológico que conseguía descomponer y reconstruir el movimiento mediante la fotografía.
- Comenzó como un aparato de feria hasta conseguir desarrollar formatos narrativos y crear una industria.
- El 80% del material fílmico anterior a 1920 ha sido destruido al pasar las películas de una bobina (10 – 30 minutos) a dos bobinas (una hora y media de duración). Muchas películas fueron recicladas para aprovechar el material en la fabricación de otros objetos como peines, etc.
- En 1930 hay una segunda oleada de destrucción de películas (70%), ya que se pasa del cine mudo al cine sonoro.
- En los años 50 son destruidas muchas cintas, al pasar de las películas inflamables de nitrocelulosa a las de seguridad de acetal. En esta tercera oleada no se ha establecido el porcentaje de las películas destruidas.
- Es difícil estudiar la prehistoria del cine, puesto que sólo conservamos un 20%
- 30% del material que existía.
- Tres “líneas temporales” que confluyen para llegar al cine:
- Lo primero fue la captación de la imagen F 0E 0 querer que el mundo quede reflejado en la realidad
- La fotografía se basa en la cámara oscura que se desarrollo en el siglo XVI: cuando se hizo por primera vez se utilizo un cuarto enorme. Se obtiene la imagen pero no se puede fijar todavía.
Nicéphore Niépce logró en 1827 la primera fotografía captando una imagen en una plancha de estaño tras una exposición de luz de varias horas.
- Louis Daguerre (1939 ) fija la imagen sobre una plancha sensible de cobre después de media hora de exposición de luz.
- 1940 se inventa el calotipo q fija una imagen en 2 minutos de exposicion
- La fotografía tiene dos fases hasta llegar al cine:
- Fotografías fijas
- (^) Crono fotografías F 0E 0 fotografías colocadas cronológicamente, con ilusión de movimiento como hizo Muybridge (carrera del caballo). No puede ser considerado el inventor de la cámara cinematográfica, ya que descomponía la imagen en movimiento mediante una batería de cámaras, mientras que el cine integra esas funciones en un solo aparato.
- Después la animación de la imagen F 0E 0el cine es imagen en movimiento (YO) La reproducción de la imagen en movimiento se basa en un defecto del ojo, “la persistencia rutinaria”, por la cual, a partir del paso de una serie de imágenes secuenciadas a una velocidad entre 6 y 8 segundos, éstas no son percibidas aisladas, so como un flujo en movimiento. La continuidad solo existe en nuestro cerebro.
- La animación de la imagen se basa en la persistencia de la visión y según otras teorías modernas, en el efecto Phi (el cerebro rellena los huecos que faltan).
- La persistencia de la visión = un número de imágenes sucesivas se ven como seguidas. La continuidad sólo existe en nuestro cerebro.
- Hay una serie de inventos:
Taumátropo (juguete óptico inventado por John Ayrton Paris en 1826. Era un disco q tenia en una cara un dibujo y en el envés otro y al girar se superponía con el 1º hasta formar uno solo: pájaro por un lado, jaula por el otro; al moverlo rápido se superponen las imágenes)
Zootropo (inventado por William George Horner en 1934: cilindro giratorio acoplado a un tambor) (es la evolución del fenakistiscopio)
Praxinoscopio: inventado en 1888 por Emile Reynaud. Es la evolución del zootropo. Permitía la proyección de imágenes móviles fijadas en cintas perforadas. “pantomimas luminosas” de Reynaud: bandas transparentes pintadas a mano q contaba una historia de 10 o 15 min. Con el había nacido el cine de dibujos animados
- El cine fue el primer medio de comunicación que basado en una ilusión de percepción creada mediante máquinas.
- Con el tiempo, las cámaras de cine mudo trabajaron con 16 fotogramas/ segundo, con el cine sonoro a 24 fotog./seg. y en la televisión aumenta a 25 cuadros/seg.
Genero Ficción y Documental
Documental Ficción Experimento
Idea Beneficio Económico
Ciencia Magia Innovación
Espectador Posición Centra l
Descentramiento Centramiento Descarado
Descentr./ Centramiento
Cine de atracciones Cine de Integración Narrativa Se el llama así porque el cine era considerado un espectaculo menor como los de feria.
Yo: VOYEUR MODERNIDAD Cine de atracciones Cine de Integración Narrativa Se llama así porque el cine era considerado un espectaculo menor como los de feria. TOM GUNNIG
Edison (ee uu):
Edison encarga a su ayudante Dickson un dispositivo para servir de ilustrador visual al fonógrafo (reproductor de sonidos/ música).
- Edison se tribuyó el invento del kinetógrafo que pasaría a ser el kinetoscopio.
- El kinetoscopio permitía un visionado individual a 46 ftg/s. Edison no estaba interesado en la proyección sobre una pantalla.
- YO : Aunque Edison se atribuyó el invento, fue Dickson quien invento el kinetógrafo en 1989: era una camara que incorporaba un dispositivo de movimiento discontinuo (para separar las imágenes) y unas ruedas dentadas q permitian el arrestre uniforme de una película de celuloide.
- Edison no estaba interesado en la proyección de imágenes en movimiento sobre una pantalla y derivo sus esfuerzos hacia el kinetoscopio dispositivo con un motor electrico que pasaba las imágenes a 46 fotos x segundo y permitia un visionado individual de hasta 15 minutos.
- Las películas de Edison eran coloreadas manualmente
- Más tarde Edison inventaría el vitascopio que impedía la rotura de la película y permitía filmaciones más largas.
- Edison y el hecho de que hubiese varios inventos simultáneos provoco una guerra de patentes en EE.UU.
- 1889: Edison habia ensayado el cine sonoro sincronizando el kinestocopio y el fonografo, logrando así el kinetófono
esto va aparte: 1986 se pone fin a los problemas de la fotografia. El cine sonoro se basaba en el telefono y la radio
- Herencia cultural: Vodevil = espectáculo popular con magia, diversión, baile, etc.
- Género: en los comienzos manejaba la ficción y el documental. A Edison le interesaba mostrar algo que a la gente le llamara la atención; le interesaba el espectáculo.
- idea: era el beneficio económico.
- Espectador. En las películas de Edison, el espectador ocupa una posición de centramiento; no hay imágenes que lleven la mirada a otro sitio. Pretende satisfacer la mirada y lo hace poniéndolo todo delante de los ojos, sin dejar escapar la mirada.
Los hermanos Lumiere (Francia):
- El 28 de diciembre 1895 Los hermanos Lumiere presentaron en el "Salón Indien" de Paris el cinematógrafo.
- Los Lumiere eran reputados fotógrafos trabajaron sobre el invento de Edison para perfeccionarlo. Inventaron una cámara manual que proyectaba 16 ftg/s.
- La repercusión de aquella proyección fue muy grande por ser en Paría y los hizo famosos aunque ya hubo otros antes que hicieron proyecciones (Max y Emil Skladanowsky en Berlín con el bioscopio).
- Pero en 1898 los Luimere abandonan casi por completo la producción para centrarse en la venta de aparatos. No vieron el potencial del cinematógrafo como medio de narración.
- Herencia cultural : la pintura impresionista. Les interesaba la naturaleza y lo que se hallaba a su alrededor: el mar, una barca, etc., y eran escenas breves de aproximadamente un minuto.
- Género: documental. Enviaban a cámaras para que fueran a otros países para enseñar lo que habían grabado y volvían con imágenes exóticas de tribus, etc.
- idea: la ciencia. Pretenden hacer buenos inventos y de hecho inventan el cine. Pero su interés no va mucho más lejos y abandonarán la producción fílmica en
- Espectador : descentramiento. Las imágenes dejan que tu mirada se desplace por todos los sitios.
- Películas:
- “La demolición de un muro” (pasada al revés creaba la ilusion de una pared que se alzaba sola; es la pionera de todos los trucos y efectos especiales );
- “ Llegada de un tren a la estación”
- “Salida de los obreros de la fábrica” 4. Meliés (francia):
- Melíes, ilusionista vocacional, vio en el cine un aliado para sus trucos de magia.
- Sus aportaciones más importantes fueron: el escamoteo (sustitución de un objeto por otro mediante el montaje), guión, división de escenas en cuadros, actores profesionales, vestuario y maquillaje, color manual, las sobreimpresión, mascarillas para impresionar sólo parte del fotograma, di solvencias para introducir imágenes gradualmente.
- Características de las películas:
- Montaje
- Estilo
- Espacio fuera de plano
- Espacios naturales; la cámara que no es frontal
- Persecuciones 6. porter y griffith (ee uu):
- Cine de integración narrativa:
- De integración, porque lo que tomaba el cine de Porter y Griffith como referente era el espectáculo, el comic, el circo, el teatro, etc., cosas que no son estrictamente novelas. Integra todos estos referentes en uno solo.
- Narrativo, porque a partir de aquí nace el cine narrativo: montaje, plano, etc.
A) porter:
- Producía películas para Edison..
- Herencia cultural : Escuela de Brighton.
- Género: ficción y entretenimiento.
idea: contribución en la perfección del lenguaje fílmico.
- películas: “Asalto y robo a un tren” (1903) – la primera película del Oeste y una de las que más contribuyó a establecer la narración realista.
B) de los nickelodeones a hollywood:
- El cine salió de las barracas de feria y a partir de 1905 se crearon las primeras salas dedicadas exclusivamente a la proyección de películas: los Nickelodeones. Llamados asi porque ofrecian programas de 15 minutos a cambio de una moneda llamada níckel. Su recaudación era tan grande que bastaba con los beneficios de una semana para abrir otro nuevo.
- El nacimiento de los Nickelodeones fue uno de los primeros cambios brutales en el cine y a afectó a la gente y a la producción. La avalancha de personas que asistían a las proyecciones hizo que la producción se multiplicara.
- Se impuso el alquiler de películas en vez de su compra, para ofrecer títulos más variados. Este sistema dio origen a un intermediario decisivo entre las productoras y los exhibidores: los distribuidores.
- La clientela de los Nickelodeons era poco exigente y estaba formada principalmente por emigrantes con pocos conocimientos del inglés y para los cuales el cine era un medio (a diferencia del teatro) que sí podían entender.
- Fueron emigrantes europeos, en su mayoría de origen judío, los primeros empresarios de gran envergadura. Así se crearon los estudios de Hollywood: Universal Pictures (Carl Laemmle); Paramount (húngaro Adolphe Zukor y J. L. Lasky); Warner (los hermanos Warner) y los hermanos Mayer que se juntarían con Samuel Goldwin para fundar la Metro Goldwin Mayer.
- El cine vivió un “boom” en Estados Unidos. De una decena de salas en 1905 se pasó a 10.000 en 1909 mientras que el resto del mundo andaba por 3000.
- Hacia 1913 los Nikelodeones empezaron a ceder porque el público se volvió más exigente y se construyeron salas más lujosas en la que se exhibían películas de mayores pretensiones como “El nacimiento de una nación”.
3: (1908 – 1918) narración y slapstick. la guerra de las patentes. d.w. griffith. charles chaplin. buster keaton. harold lloyd.
Slapstick:
= Género cómico de comienzos de siglo que se caracteriza por el gag (escena que compone una unidad cómica).
edison y la guerra de las patentes:
- Edison encabezó unas maniobras monopolísticas para dominar toda la industria cinematográfica estadounidense. Así se construye la Motions Pictures Paterns Company (MPPC) y se boicotea las producciones independientes.
- En 1913 la ley antimonopolio dio la razón a los independientes.
- La Patents (ley de patente) pretendía evitar las películas de más de una bobina de duración (porque al público no le iba a gustar). Pero independientes empezaron a distribuir en EEUU películas italianas y francesas más largas. El éxito de estas películas hizo que se levantara la estúpida imposición.
Los orígenes de hollywood:
- Poderosos distribuidores de cine forman en 1914 la Paramount Picture Corporation encabezada por Adolphe Zukor y Jesse L. Lasky con el propósito de dedicarse a los largometrajes.
- Otro concepto de cine: pasan del entretenimiento barato para iletrados al espectáculo respetable para las clases medias. Se crearon salas más lujosas (Sala Strand Brodway).
- La producción se volvió mas lenta y costosa y la calidad artística y técnica más importante.
- Entre 1908-1913 las productoras se trasladaron hasta California. era el lugar más lejano de los detectives de la Patents y más cercano a la frontera mexicana para poder escapar en caso de necesidad. Pero sobre todo tenía unas condiciones óptimas para los rodajes: clima soleado, montaña, costa, lagos, etc.
- En 1914 nace la industria fílmica de Hollywood y gracias a la Primera Guerra Mundial conseguirá imponerse al cine italiano y francés. 7. D.W. Griffith (1875 – 1948):
- D. Griffith es considerado el padre del cine. En sólo 6 años, (1908 - 1914), nos dio la gramática del cine y el arte de mover la cámara.
- Nació en un distrito rural de Kentucky y la educación que recibió fue rigurosamente anticuada. Cuando murió su padre, D. Griffith tenía 10 años y tras varios oficios acabó trabajando como actor en una compañía ambulante. En 1907 empezó a vender guiones de cine y le ofreció a Porter la adaptación de una pieza de teatro. Porter estaba interesado sin embargo en que Griffith protagonizara “Rescate de un nido de águila”, con ayuda del cual consigue introducirse en los platós.
- La decadencia, hasta el intento de los filmes sonoros “Abraham Lincoln “ (1930) y “The Struggle” (1931).
- Griffith probó con el sonido, y grabó un discurso de su propia cosecha sobre la evolución del cine. Pero la inseguridad derivada de su desconexión respecto a los nuevos valores morales y técnicas de rodajes se tradujeron en un estático “Abraham Lincoln “. En “The Struggle” (1931) aborda un problema que él había empezado a padecer, el alcoholismo. 8. el afianzamiento de hollywood en los años 20
- Hollywood se convirtió en la industria cinematográfica líder mundial.
- Los presupuestos se habían multiplicado:
Ejemplo:
- 1914 “Nacimiento de una nación” de Griffith costó 100.000$.
- 1925 "Benhur” de Fred Niblo costó 4,5 millones $.
- Las fórmulas narrativas se estandarizan para la producción masiva y para evitar riesgos.
Harold Lloyd (1893-1971)
- Comenzó imitando a Chaplin
- En 1917 encontró su propio personaje: un inofensivo muchacho con gafas de clase media.
- Su humor se basaba una lucha acrobática contra coches, rascacielos y demás.
- Una de sus mejores obras es “El hombre mosca” en la que escala un gran rascacielos. Pero su humor no sobrevivirá al cine sonoro. 9. charles chaplin (1889 – 1977):
Nacido en Inglaterra y tras una dura infancia, Chaplin comenzó a trabajar muy joven en la compañía inglesa de Fred Kearno desde 1907 hasta 1913.
- En 1914 se une a la productora americana Keystone de Sennett. Aquí empezó a configurar su personaje de "Charlot”.
- En 1915 firmo una contrato con la Essanay que le hacia ganar diez veces más y que le permitía ser director de todas sus películas. Películas destacadas: “El vagabundo” y “Carmen”.
- De 1916 a 1917 trabajo en la Mutual con un salario de 700.000$. Película destacada: “El inmigrante”.
- En 1917 pasó a trabajar con la First Nacional por 1 millón de dólares. El dinero le permitiría crear su propio estudio donde rodará todas sus películas entre 1918 y 1952. Películas destacadas: “El chico”(1921), “La quimera del oro”(1924) y “El circo”(1928).
- En 1919 funda la United Artists con Mary Pickford, Douglas Fairbanks y Griffith.
- En 1936 su película "Tiempos modernos" fue acusada de propaganda comunista.
- Y en 1941 abandona el personaje de Charlot para hacer su primera película hablada: “El gran dictador”.
- Charlie Chaplin fue acusado por sus “actitudes políticas y morales" en EEUU, por lo que se quedaría a vivir en Inglaterra y luego en Suiza.
el personaje de charlot:
- Charlot es el personaje del vagabundo que convirtió en estrella a Charles Chaplin. Era un personaje que explotaba las capacidades del cine mudo. Su gran faceta es el lenguaje corporal (su forma de moverse, sus poses y sus gestos) con los cuales conseguía enganchar y transmitir al público.
- A través del personaje de Charlot, Charles Chaplin trataba temas sociales con humor inocente.
En clase vimos el documental "La vida de Charles Chaplin"
10. buster keaton - Más desconocido que Charles Chaplon, Búster Keaton ha sido rescatado como gran cómico en los últimos años. - Comenzó como actor secundario entre 1917 y 1919. - Entre 1920 y 1923 pasó a ser ya protagonista. - Después empezaría a hacer sus propias películas como la de “Sherlock Junior” (1924). - Su obra maestra sería "el maquinista de la General” (1927). - A partir de 1928 su carrera vive un declive. Trabajó para la MGM que no respeto su independencia artística. En 1933 le despidieron. - Búster Keaton fue un director mucho más innovador que Chaplin.
En clase vimos la película “Sherlock Junior”:
Búster Keaton encarna a un proyeccionista de cine al que le gustaría ser detective como Sherlock Holmes. Se ve envuelto en un engaño por el cual pierde a su amada que se va con un ladrón. Al final consigue recuperarla salvándola de los bandidos. Lo más destacado en esta película es la escena en la que se queda dormido en el cine y sueña que se mete en la pantalla donde suceden las cosas como a el le gustaría. Eso es metacine: Cine que habla de cine.
Harold Lloyd (1893-1971)
- Comenzó imitando a Chaplin
En 1917 encontró su propio personaje: un inofensivo muchacho con gafas de clase media.
- Su humor se basaba una lucha acrobática contra coches, rascacielos y demás.
- Una de sus mejores obras es “El hombre mosca” en la que escala un gran rascacielos. Pero su humor no sobrevivirá al cine sonoro.
Sinopsis : la película narra los delirios de un hombre internado en un psiquiátrico que esta obsesionado con la idea de que el gerente del psiquiátrico vive una doble vida. Su lado oscuro es el personaje del Doctor Caligari, que con hipnosis crea el asesino de Cesare.
El argumento de la película permitía explorar formas de plasmar el mundo interior y el “yo” tan importante para los expresionist as. Aunque la película es arcaica en sus técnicas (sobre todo en las cinematográficas) tiene un gran interés por su escenificaci ón.
En el decorado colaboraron importantes pintores del expresionismo alemán (del grupo llamado “Der Sturm”). También el vestuario y las actuaciones de los personajes resultan extravagantes y exagerados para plasmar el “pathos”. De esta forma el personaje Caligari se convertiría en el primer trágico creado específicamente para la pantalla, no heredado de otras manifestaciones artísticas y Cesare en el antecedente de todos los zombis que ha habido en el cine.
El cine soviético. Eisenstein y el acorazado Potemkin
El cine soviético nació con el decreto de nacionalización del 17 de agosto de 1917. Sin embargo, ya contaba con incursiones anteriores tales como “Guerra y paz” dirigida por Protazanov, las producciones vanguardistas de Mayakovsky o “El retrato de Dorian Gray” filmado por Meyerhold.
Entre 1909 y 1916 la producción rusa pasó de 23 a 500 películas pero las clases bajas eran demasiado pobres para ir al cine y las clases altas demasiado conservadores para prestar atención a aquel espectáculo plebeyo.
La Revolución de 1917 cambiaría este panorama, Lenin declarando el cine el arte más importante para sus propósitos. El problema era que la mayoría de los actores y técnicos que trabajaban en la Rusia zarista estaban exiliados lo que obligó al gobierno a partir prácticamente de cero.
Con la nacionalización de la industria cinematográfica se funda una Escuela de Cine, la primera de este tipo en el mundo, que hacía especial hincapié en los documentales de propaganda (la “agit – prop).
La etapa de esplendor del cine soviético transcurre en la década de 1924 – 1934. A partir del 32, el Realismo Socialista es declarado doctrina estética oficial en la URSS, ambiente en el que la experimentación y la creatividad estaban bajo sospecha.
Dziga Vertov
Dzwiga Vertov es uno de los pioneros del cine soviético que creo una propia filosofía del montaje con su “Cine-Ojo”:
El Cine-Ojo es una teoría creada por el documentalista soviético Dziga Vertov, que será el fundador del noticiario Cine-Verdad o Kino-Pravda. Intenta :
- Conseguir una objetividad total e integral en la captación de las imágenes.
- Captar las imágenes sin una preparación previa.
- Piensa que la cámara ve mejor que el ojo humano.
- Rechazo al guión, a la puesta en escena, a los decorados, a los actores profesionales.
- Uso del montaje para unificar los fragmentos extraídos de la realidad.
La meta de Vertov era la de desembarazar a la captación de imágenes de todos sus artificios para conseguir una objetividad integral , que él creía posible debido a, según sus palabras, la inhumana impasibilidad de la pupila de cristal de la cámara. El Cine- Ojo de Vertov es más una actitud filosófica que una proposición técnica.
Lev Kulechov
Hasta el estalinismo, la vanguardia de la URSS dejaría huella en la Historia del Cine.
Uno de los pioneros del cines soviético fue Kulechov (1899 – 1970), influyente debido a su incorporación en la Escuela del Cine, donde disponía de un taller propio y podía experimentar con discípulos como Eisenstein.
Sus reflexiones sobre el montaje se debían en gran parte a la necesidad de limitarse a planificar las películas sobre papeles y combinarlos en distinto orden, ya que había carencia de película virgen. Una prueba de esto sería “Intolerancia” de Griffith. Kulechov estudió en su taller diferentes combinaciones de su complejo montaje.
Experimentos de Kulechov (intentan demostrar que el significado de una cosa depende de los elementos que la rodean F 0E 0 “Efecto Kulechov”):
- El primero, consistía en montar un plano neutro del mismo actor asociándolo un plato de sopa, una mujer en un ataúd y una niña jugando. En el primer caso, los espectadores creían apreciar una expresión de hambre; en el segundo de tristeza; y de alegría en el tercero. Sin embargo, el rostro era siempre el mismo
- Intelectual/ ideológico: el que verdaderamente apasionaba a Eisnestein. Se basaba en la relación conceptual entre los planos y su capacidad para generar asociaciones de ideas y abstracciones. Ejemplo: “Octubre”
Películas:
1924 – “La huelga”: película que subvenciona el Teatro de Proletkult.
1925 – “El acorazado Potemkin”. Película que se le encarga a Eisenstein cuando se cumple el vigésimo aniversario de la abortada Revolución de 1905 contra el zarismo y trata sobre aquellos sucesos.
- La famosa escena de las escaleras se inicia con una serie de primeros planos que individualizan a varios de los protagonistas de la masacre. Y con las palabras “De repente” empieza el ataque de los soldados, que es muy acelerado y contiene planos que duran 2 segundos.
El caos de la multitud se enfrenta con los dos ritmos de los soldados, el implacable de las botas al descender y el más espaciado de los fusiles al disparar.
- En la multitud se individualizan: un hombre sin piernas; un cojo con muletas; una madre que se enfrenta a los soldados con el cadáver de su hijo en brazos; los que se esconden y los que avanzan hacia las tropas, pidiendo clemencia; el cochecito con el bebé, que va cobrando velocidad y sirve de unión entre el rimo metódico de los soldados y el desordenado y débil de la multitud.
- Como cierre de la secuencia, el ataque de los cosacos coge a gente entre dos fuegos y les bloque la única salida posible. Entonces los cañones del acorazado disparan contra el Teatro de Odessa, donde se encuentra el Estado mayor zarista.
- Brian de Palma le rendiría en 1987 un “homenaje” en su película “Los Intocables de Eliot Ness”.
“Octubre”: el Partido Comunista le encarga una película en 1926 para celebrar al año siguiente el décimo aniversario de la Revolución soviética de octubre de 1917. Se trata de una película no acabada.
“Lo viejo y lo nuevo” (1929) – testimonio propagandístico sobre la colectivización de la agricultura soviética. Este mismo año Eisenstein emprende una gira por Europa y EEUU para familiarizarse con las técnicas del sonoro.
“Que viva México” (1931 – 32): rodada en Europa y de la cual existen distintas y muy variadas versiones.
“Alexander Nevisky” (1938): fue un éxito y restableció el prestigio de Eisenstein. Tenia musica.
“Iván el terrible” (1945 –46): iba a tener tres partes, la última iba a ser íntegramente en color por una película virgen capturada de los alemanes durante la segunda guerra mundial.
Eisenstein (1898 – 1948) Pudovkin (1893 – 1953)
Discípulo de Kulechov Discípulo de Kulechov y en cierto modo el gran rival de Eisenstein. Mucho más popular entre las gentes de la URSS y para algunos críticos más personal.
“El acorazado Potemkin”(1925) - Película que se le encarga a Eisenstein cuando se cumple el vigésimo aniversario de la abortada Revolución de 1905 contra el zarismo y trata sobre aquellos sucesos.
“La madre” (1926) es una versión de una novela de Gorki, que le lleva a la fama internacional. Se trata de una obra sobre la Revolución de 1905, encargada en paralelo al Potemkin de Eisenstein.
Ambas se cupan del mismo proceso histórico; sin embargo Eisenstein centra su atención en las masas mientras que Pudovkin sobre los individuos, recurriendo a actores profesionales para lograr mayores matices.
“Octubre” - el Partido Comunista le encarga una película en 1926 sin embargo no se llega a finalizar.
“San Petersburgo” – Mucha gente lo consideró mejor que “Octubre” y ello le condujo a hacer una tercera película.
El décimo aniversario de la Revolución de 1917 dio lugar a estas dos películas.
“Lo viejo y lo nuevo” (1929) – testimonio propagandístico sobre la colectivización de la agricultura soviética. Este mismo año Eisenstein emprende una gira por Europa y EEUU para familiarizarse con las técnicas del sonoro.
“Tempestad sobre Asia” (1928) – narra la concienciación de un trampero mongol respecto a la colonización padecida por su país. Como remate, una gran tempestad acaba con los extranjeros. Pudovkin recibió críticas del Partido y no se adaptó bien al sonoro.
Surrealismo. El perro andaluz
El cine surrealista ha sido muy discutido y lo que se considera como tal depende de la concepción particular de las doctrinas de André Bretón (el padre del surrealismo).
Las únicas dos películas que se consideran unánimemente surrealistas son “El perro andaluz” y la “Edad de oro” de José Luis Buñuel. En ellas se expone un lenguaje fílmico onírico que intenta plasmar el subconsciente. Hay una ruptura en la lógica narrativa espacial y temporal y una gran relevancia de los símbolos.
El perro andaluz (1929):
Influencias: psicoanálisis F 0E 0 lenguaje de los sueños
Por “cine sonoro” se entiende aquel que incorporaba diálogos y efectos sonoros
previamente grabados.
La sonorización mediante discos sincronizados con la imagen se dio desde el
comienzo mismo del cine, pero esto suponía tres problemas:
- La sincronización era muy difícil de mantener.
- La amplificación del sonido.
- Corta duración de los cilindros de fonógrafo y los discos de gramófono en
comparación con la que iban alcanzando los largometrajes.
En 1919 se creo en Alemania la patente Tri-Ergon. Con este invento se consiguió
incorporar la banda sonora en la banda de la película asegurando una perfecta
sincronización.
En 1923 las películas sonoras ya no tenían problemas técnicos pero las
productoras no se atrevían a apostar por ellas por el enorme desembolso que
suponía adaptar las salas, la producción y etc.
Por ello los primeros en intentarlo fue la Warner que no tenía nada que perder.
Las primeras películas tuvieron un éxito arrollador entre las cuales destaca “El
cantador de Jazz” (1927). El éxito obligo a las mayores a adaptarse al costoso
cambio.
Pero no solo las mayores decidieron apostar por el cine sonoro. Las cadenas de
radio crearon la RKO (productora importante).
El paso al sonoro supuso un cambio enorme no solo en la infraestructura sino
también en el personal. Se buscaban acores con nuevas cualidades y guionistas
(Ej: “Cantando bajo la lluvia” ).
También surgió un debate en los años 30 respecto al cine sonoro sincrónico o
asincrónico. Los cineastas soviéticos (Einsestein y compañía) creían que el cine
sonoro debía poder componer como se hacía con las imágenes con el montaje.
Este debate culmina con el invento del doblaje con el cual se podía "construir" el
sonido con independencia de la imagen e viceversa (ejemplo: mientras alguien
anda por la calle se oye como piensa aunque no hable).
el musical:
Con el cine sonoro, uno de los grandes géneros
que triunfarían en el cine americano sería el
musical. Uno de sus máximos exponentes
fue Bubsy Barkeley.
En los años 30 las productoras más importante
s eran por tanto la RKO y la Warner. Pero a
partir de los años 40 la hegemonía sería de la MGM (Metro Golden Mayer). Aquí
surgen los musicales "modernos" de Kelly y Donen como " Cantando bajo la
lluvia " o " Un día en Nueva York ". Lo novedoso es que la parte musical se
incorporaba a la acción haciendo la película más llevadera (los cambios no eran
tan abruptos).
el código de producción (Contexto histórico):
Durante los años 20 hubo una especie de autocensura por parte de las productoras
por una oleada de moralismo que surgió en estados unidos. Con la llegada del
cine sonoro se agravó la situación y la autocensura se hizo más fuerte. En 1933 se
añadió el “Código de producción” bajo presión de la iglesia católica.
La censura llegó hasta tal punto que no se podía mostrar a los matrimonios en la
misma cama (de ahí surgió una moda de camas separadas en la vida real).Esta
etapa duraría entre 1934 y 1954 cuando se empezó a suavizar el movimiento
moralista en parte gracias al cine extranjero.
Clases: cantando bajo la lluvia y el cambio al sonoro
(A Partir de aquí son las explicaciones del profesor. He escuchado la grabación y
resulta curioso ver como habla de tres aspectos fundamentales y luego solos
cuenta dos. De todas maneras el profesor se va un poco por las ramas. Por ello
los distintos apartados del tema son un poco raros.
La película es un gran ejemplo de lo que es el cine clásico, del cine de género
musical, de lo que pasa en el cine de Hollywood en los años 50 antes de llegar a
los 60 (cine moderno). Pero sobre todo es un ejemplo del paso del mudo al
sonoro.
Tres grandes aspectos:
De repente el sonido incorporo una tecnología que no eran la que tenían los
cineastas del cine mudo. No habían técnicos que conocieran la técnica. Para
poder asumir la carga el cine recurrió a las dos empresas que en ese momento
habían manejado el sonido: las empresas telefonía y la radio. Hasta el punto es
así, que una de las siete “Mayors” era la RKO; empresa formada por telefónicas
y radios.
Anécdotas en la películas: el productor se choca con el cable y no sabe ni de que
va la cosa.
