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EXAMEN 2 PARTES 60%
1 parte de pregunta 1 parte análisis de una de las fotografías que demos en clase.
LECTURA 20%
Lo haremos como un trabajo. Fecha de entrega → 13 de diciembre.
2 opciones →
Leer → LA CÁMARA DE PANDORA, Fontcubierta. Una de las ideas fundamentales del libro y a partir de ahí reflexión propia. Tecnologías han cambiado la consideración de lo que entendemos de fotografía. Manipulación fotográfica, memes, etc. Temas de actualidad. 4- páginas. Debemos demostrar que lo hemos entendido. Debemos usar citas del libro, según ARS LONGA.
Coger un libro de (explicado en aula virtual) donde reflexiona qué es para él la fotografía. Debemos presentar 5 fotos de nosotros mismos. Inspiradas en Cartier wilson (?). Hay que incluir citas de su libro. 6-11 páginas.
TRABAJO INDIVIDUAL 20% → 2 actividades complementarias.
LIBROS DE REFERENCIA
- Historia de la fotografía, Mari Luz Sougez. 1994
- Fotografía como documento social, Freund, G. 1983. Qué condiciones históricas determinaban en cada momento la fotografía. ⅔ primeros del libro son los más importantes. Últimos capítulos menos interés. - Historia general de la fotografía, Mari Luz Sougez. 2007. Más recomendado.
- Walter Benjamin (?), La obra de arte en la época de su reproductividad escénica. Cómo foto
- grafía transformó historia del arte. Genial para entender el siglo XX. Cambia nuestra relación con la historia del arte.
La fotografía busca crear efectos de realidad.
Surgimiento → Por qué se inventa? Principios que dan lugar a la fotografía; estaban ya en la naturaleza. Piel alterada por la luz, luz puede cambiar apariencia de las cosas. Uno de los principios básicos. El otro, los ojos funcionan como una cámara oscura que nos permite captar las imágenes que vemos.
LA INVENCIÓN DE LA FOTOGRAFÍA
Crear tecnología mediante la cual la imagen se pueda reproducir automáticamente sin intervención de la mano humana.
Antecedentes →
- Plano técnico → Invenciones técnicas o química que hacen posible la invención de esta. 2 elementos cruciales. 1 → permite la imprimación de la imagen. Cloruro de plata. Cámara oscura. Medio por el cual la luz entra y la imagen se ve de forma invertida.
- Plano ideológico → Cambios sociales que dan paso a la invención de este aparato. Revoluciones burguesas, momento donde la fotografía cuaja como algo que queda por lograr. Investigadores de manera independiente en el mundo que la inventan más o menos al mismo tiempo.
- Las revoluciones burguesas → Esta nueva clase quiso representarse a sí misma. Esta nueva clase lleva consigo nuevos modos de producción. Éstos dan paso a la revolución industrial.
De la misma forma que un telar puede ser hecho mecánicamente por qué no hacer lo mismo con la imagen.
Principios técnicos.
Investigaciones sobre efectos de la luz en distintos materiales. Primera prueba escrita de esto en el tratado de Vitruvio. Alquimistas hablaban del Cloruro de plata - Luna cornata se iba oscureciendo según se exponía ante la luz. 1782 ya teníamos tratados que especifican los distintos grados de ennegrecimiento según el grado de luz. 1802 se publicó cómo habían logrado copiar distintos perfiles de objetos con este material. Una de las ideas más perseguidas al principio era saber cómo hacer que la imagen se quedara impresa de forma permanente.
Cámara oscura. Se habla ya de esto en el siglo IV a.C con Aristóteles. En china también hay textos que hablan de ella. Entendían el proceso. Desde siglo XVI distintos artistas usan el principio de la cámara oscura como recurso para sus dibujos. Con ello iban haciendo dibujos → Campo San Giovanni e Paolo a Venezia 1741.
Antecedentes sociales e ideológicos.
Arte burgués busca mayor realismo, línea clara. Finales siglo XVIII y principios XIX. Revoluciones burguesas dan lugar a industrialización.
Silueta hueca.
Variante, recortar el contorno blanco sobre un fondo negro.
Fisionotrazo.
Una idea compleja para mecanizar el dibujo 1786-1830. Durante la revolución francesa se hace muy popular. Permite hacer miniaturas en serie y más baratas. Caballete que funciona como el de la silueta. Retratado frente a fuente de luz. Silueta se ve reflejada en el papel. Artista calca su silueta. Lo que el dibujante calcaba se iba copiando en pequeño en una hoja pequeña conectada al mismo cuerpo del caballete. Automatiza el dibujo y permite no tener tantos conocimientos para dedicarse a ello. Burgueses que participan en la revolución se hacían estos retratos en la calle.
Con este sistema se lograban retratos muy precisos. Quenedey, Guyton - Morveau. S.XVIII.
Diorama.
Edificio en el que tenía lugar una representación muy especial. El público entraba y se encontraba ante una tela pintada. Podía haber plantas delante para dar sensación de profundidad. Cuadros pintados con cámara oscura, perspectiva muy lograda. Mediante un sistema de luz delantera y trasera daba efecto de realidad. En la parte trasera cuarto con luces móviles + luces delanteras. Buscaba crear ilusiones de luz, de movimiento. Diorama Louis Daguerre y Charles Bouton. Su inventor es uno de los principales inventores de la fotografía. Está detrás la idea de conseguir mecánicamente efectos de realidad.
NICÉPHORE NIÉPCCE
1816 consigue la primera imágen impresa. Cuando la saca al recibir más luz solar la imagen desaparece. Necesita conseguir materiales que permita que la imagen se plasme de forma permantente. Tenía un estuche de sortija. Caja cerrada con un agujero por donde entra luz. Cuanto más grande el agujero más borroso. Cuanto más pequeño más nítido. Soluciona el problema reduciendo el tamaño de la caja.
También en este año se le ocurre otra solución. Inventa el diafragma. Regula la intensidad de luz que entra dentro de la cámara.
Él quería hacer litografía automática a modo de fotocopias. Primera imagen fotográfica que se conserva, grabado del que se conserva una copia. Cheval avec son conducteur. 1825. Heliografía.
Heliógrafo.
Se coge el grabado original y se aplica una sustancia para ser trasparente menos las líneas de tinta y lo superpone con un material impregnado de células fotosensibles y se expone a la luz en largos periodos. Luego se traslada a otro material y se consigue un positivo. Cardenal d’Amboise, 1826.
Le interesaba lograr los ‘puntos de vista - Point de vúe’. Manera de captar imágenes a distancia. Usaba una placa que cubría con material de judea. La metía en la cámara oscura y la dejaba expuesta al sol, se lava con alcohol de lavanda y se obtiene un negativo. Luego se aplican vapores de yodo y la imagen se convierte en positivo.
Época de muy intensa exploración. Hace pruebas con Productos de revelado.
Durante este proceso de investigación, en 1825 su tío se traslada a parís. Este le encarga que vaya a ver a un óptico (Vicent Se Valliere) Le lleva una de las pruebas hechas por su sobrino y se queda impactado. Se lo enseña al inventor de Diarama y se da cuenta de que Nicéphore lleva ventaja. 1825 le pide la dirección de su sobrino para colaborar con él. Nicéphore no le respondió a la carta. Años después consigue hacer la primera fotografía captada. Point de vue du Gras, Nicéphore, 1826. Son las vistas desde su ventana. Primera vez captada una fotografía en papel conservada.
Su hermano este mismo año estaba tratando de vender uno de sus inventos en inglaterra. Allí se pone muy enfermo y éste debe ir. De camino para en parís y visita el Diarama. Se entrevista con su autor y se plantea la colaboración. En Londres trata de vender su invento a la Royal Society. En aquellos momentos no le hacen caso. Una de las fotografías se quedó allí. Es la prueba de que él fue el primero.
Al poco de volver a Francia fallece su hermano dejando deudas muy grandes. 1828 accede a colaborar con el autor del Diarama, Daguerre. Estaba en la ruina. Comienza un proceso en el que colaboran en la invención de la fotografía. Daguerre se da cuenta del potencial económico de la invención. Se escribían en clave para no descubrir los materiales con los que trabajaban. 1832, La table servie, Nicéphore. Fisautotipo. Reduce el tiempo de exposición con lo que puede lograr fotografías. 1833 muere Nicéphore sin que cuaje el invento.
Daguerre sigue la investigación. Daguerrotipo. Ésto se inspira en Nicéphore. Coge los inventos del autor y desarrolla este nuevo sistema. No tiene continuidad el daguerrotipo pues se agota enseguida. Fue un gran logro tecnológico. Da el pistoletazo de salida. Daguerre, origen humilde. Se enriquece por sus inventos. Exponente del realismo, usaba cámara oscura para las perspectivas. Grandes efectos de realidad. Mentalidad diferente a la de Nicéphore.
Ese año consigue que se apruebe un proyecto de ley que hace que el estado francés compre el invento. Pero lo pone a disposición de todo el mundo. A cambio de pagar una renta anual a Daguerre y al hijo de Nicéphore. El hecho de que se ponga a disposición de todo el mundo hace que en Francia se agilice la invención. Se consigue muy rápido avanzar.
En muy pocos años, en 10, se consiguen unos daguerrotipos de gran calidad. Le pavillon de Flore et le pont Royal. Ya se encuentran figuras humanas. Han reducido el tiempo de exposición a 10 segundos. Arago defiende el invento de forma pública como herramienta científica y arqueológica.
- Algo que apoya a las artes y las ciencias - consideración del invento en el momento, no como arte en sí.
Ese mismo año (1839) sucede la Daguerrotipomanía. Artista representa el furor del pueblo francés ante ese invento. Este año se pone a la venta el daguerrotipo fabricado en serie. Hay cientos de traducciones del manual que acompaña a la cámara. Todo el mundo quería poder retratarse. Este mecanismo aún abarataba y facilitaba más la democratización de los retratos.
Problemas? 400 francos, muy caro. Pesaba 50 kg. Demasiada cantidad de objetos químicos para hacerlos. Cuando uno sensibiliza la placa la debe meter corriendo en la caja porque sino con la luz se perdía la imagen. Tiempo de exposición, en 1839, el cliente debía estar totalmente inmóvil.
La daguerréotypomanie, 1839.
18/09/
La luz se mueve en línea recta, de ahí que se vean las imágenes invertidas en una cámara oscura. ‘La Daguerreotypomanie’ es decir, la enorme explosión de artefactos fotográficos, sin embargo hubieron una serie de inconvenientes en los que, a pesar de ellos, este artefacto tuvo éxito. Presenta imágenes de las que no se pueden sacar copias debido a su ausencia de los negativos, además sus características técnicas haran que se conviertan en algo unico. Reproducidas en soporte de placa pulida le dan el aspecto especial, casi como tesoros.
Fotografía de 1860→ Personajes reales, mineros, que se fotografiaron para enviarla a sus familiares en USA. Estas imágenes tienen una fuerte presencia, sin embargo, si tuviéramos uno en la mano no todos lo verçiamos igual, así, sería visible para algunos y para otros no. Habria que cogerlo individualmente. El tipo de contemplación es mucho más intimo que el que tendrá la fotografía posterior. Además dicha contemplación nos permite apreciar detalles de este momento único.
Otra característica es que la emulsión que está en el espejo no se filtra, sino que estará mezclada, y por ende borrosa. Esto le da un volumen todavía mayor. Las convierte en una tremenda veracidad ‘espejos con memoria’, como si fuese permanente. Era necesario quedarse parado hasta que se captara la imagen. Carácter único, irrepetible.
- Efecto de nitidez insólita que resultaba desconcertante. Daguerrotipo de Edgar Allan Poe.
Esto hace que este medio fuese recuperado por un artista llamado Chuck Pose , por ejemplo el de Brad Pitt, que hizo daguerrotipos de varios artistas, convirtiéndolas en espejos. Buscaba una nueva dimensión que darle al rostro, con un fondo negro, siendo el rostro el único paisaje de toda la fotografía. Con personajes conocidos intentaba buscar la humanidad de los rostros, sin retocar ni maquillar. El sistema le permitía jugar con los brillos y texturas de la piel. Utiliza una gradación desde el desenfoque hasta el enfoque, siendo el ojo el único enfocado. No sólo el ojo, sino más rasgos del rostro. Una de las más conocidas son las series de Kate Moss.
William Henry Fox Talbot, otro de los inventores de la fotografía. Un sistema llamado Calotipo, procedente del griego, es una impresión hermosa. El era un terrateniente con contactos, siendo miembro de la sociedad. Recibió una educación elitista, especializado en escritura cuneiforme. Aficionado a la pintura, se casó con una pintora. Durante un viaje (33) se llevó la cámara lúcida dibujaba las personas durante el viaje. Al año siguiente, cuando el dibujo seguía siendo desastroso volvió al método de la cámara oscura, donde los objetos están colocados en una hoja de papel.
1834 empieza a investigar sobre el dibujo fotogénico o ESQUIAGRAFÍA → Sistema en el que coge una lámina húmeda con sal al 1%, después se seca y se mezcla con nitrato de plata. Por último se coloca encima el objeto para calcarlo, tras unas horas de exposición.
Se superpone la copia negativa a un papel y, con el contacto directo del sol, la negativa quedará positiva en la siguiente hoja, convirtiendo las partes oscuras en claras.
Con el uso de cajitas como ratoneras las convertirá en cámaras oscuras. Año 1835, primera imagen en cámara oscura.
- Latticed Window, 1835. Primera vez que consigue una ‘fotografía’.
Año 1839, en Inglaterra se da cuenta que sus inventos ya habían sido hechos por otro fotógrafo. Uno de los miembros le enseñó una fotografía de una ventana para demostrar que no había sido el pionero. Aún así, seguirá investigando sobre el tema y trabajando sobre papel. Se da cuenta que su sistema permite hacer todas las copias que se quieran a partir de un negativo, algo que el ‘daguerrotipo’ no podía. El primero de los inconvenientes era que necesitaba muchísimas horas de exposición, entre 1-12 h. Para evitarlo reducirá el tamaño de la cámara.
David Octavius Hill : pintor y fotógrafo, fue el secretario de la academia escocesa de pintura, hizo que un momento le hicieran un encargo importante. 1843 → La Iglesia escocesa se separó de la iglesia británica, encargándole una imagen que captará este hecho en un lienzo que ocupa 5m2. Con el calotipo saco un retrato de 563 personas para después realizar un estudio sobre esto. Captó todos los rostros de los asistentes con su sistema, sin embargo se da cuenta que las imágenes saldrán borrosas y el papel absorberá la impresión. Robert Adamson se ocupará de la parte técnica de las fotografías. Con el poco avance del calotipo y sus minutos de exposición se da cuenta que el sujeto todavía tenía que estar quieto, así que el personaje debía tener una pose contenida que expresara su humanidad. Muchos fotógrafos de la época utilizaban artilugios para que permanecieran quietos, sin embargo él quería que las poses de aquellas personas que fotografiaba fueran más naturales. Pronto se hará famoso y llegó a realizar 1500 retratos de habitantes de Edimburgo. Sus fotografías tenían un carácter documental. La textura del papel absorbe la impresión dando un carácter rugoso.
19/09/
Soporte de papel → Soporte de metal →
Hippolyte Bayard , funcionario de hacienda y pintor aficionado a la química, será responsable de la invención de fotografía sobre papel. 1836 empezó a investigar y en el 39 hizo ensayos de fotosensibilización para ver como el nitrato de plata se oscurecía en la luz según como le daba. Sin embargo, el daguerrotipo ya estaba descubierto. Ese mismo año hace fotografías en papel de buena calidad técnica. Fue el responsable de la primera exposición de fotografía (a finales del 39) basada en la ciudad de París.
_- Autorretrato en el jardín, 1847
- Los molinos de Montmartre:_ El soporte daba unos claroscuros muy fuerte, él los utilizó para dar más intensidad a sus fotografías. - Madeleine, París, 1845: Juega con las perspectivas y paisajes urbanos. El punto de fuga está reforzado por las líneas verticales de las columnas.
- Arco y dibujo : Al contrario que Daguer busca los callejones de la ciudad o lugares menos conocidos.
Terminó abandonando el sistema ya que a nivel práctico era insostenible.
- Autorretrato como ahogado: Se representa como descansado. Al girar la fotografía había un texto culpando a la Academia de la no financiación de su proyecto.
Hércules Florence , viviendo en Brasil investigó sobre sonidos de animales, además de una cosa a la que llama fotografía. Como oficio se dedicaba a dibujar diplomas y etiquetas; se le ocurrió que algún modo habría de hacer esto de forma mecánica.
EL RETRATO FOTOGRÁFICO, IMPULSOR DE UNA NUEVA INDUSTRIA
París, 1850. Debido al clima económico el nuevo invento pudo convertirse en una nueva industria. Entre 1840 y 1850 fueron las décadas de más industrialización de la fotografía. En Francia habrá un período de esplendor económico y social debido al fin de la revolución francesa y a su posterior recuperación. El aumento del crédito la ciudad tendrá un cambio urbanístico, el impulso de la luz eléctrica, la creación de la industria y el ferrocarril. Napoléon III llegó al poder en el 53 en una época de enriquecimiento y especulación bancaria, en la que se creará capital financiero, con el aumento del proletariado industrial. Su gobierno tuvo un amplio equipo de funcionarios que podían comprar edificios e industrias para incrementar el ocio de la ciudad, en este momento se sentarán las bases de la sociedad consumista del s XX.
Entre las aficiones de la clase media-alta de París estaba visitar los salones de exposiciones en los que las personas que acudían afinaban su gusto por el arte y en concreto por el Academicismo. Caracterizado por la minuciosidad y la ausencia de detalles grotescos.
Este estilo estará muy presente en las fotografías posteriores. Joseph Désiré Court. El prestigio que estaba ganando la fotografía hizo que en 1855 en la exposición universal de París hubiese un espacio dedicado a la fotografía. Dedicado no tanto por la moda de la fotografía, sino porque los parisinos la utilizaban para acercar la realidad social a sus vidas.
En el año 41 el tiempo de exposición ya era de 10’’. Taller de Amédé Fleury. En las azoteas de los edificios solían estar los estudios fotográficos. Las cortinas eran utilizadas para crear luz blanda, así como reflectores o espejos. El alto coste del daguerrotipo.
Nuevo sistema: Colodión húmedo. Inventado por Gustave Le Gray pero perfeccionado por Scott Archer. El colodión es un barniz que se vierte sobre una placa de vidrio solo por una cara; una vez la superficie está cubierta (no se puede tocar); después se humedece en nitrato de plata con unas pinzas insensibilizando la plata; una vez está se saca se mete al chasis para realizar la fotografía, para revelar la fotografía hay que tener rapidez ya que el colodión no se puede secar. Será un proceso muy utilizado incluso en los 30 años posteriores. La emulsión es más estable a la hora de hacer la fotografía, y, al ser un negativo se pueden hacer todas las copias que sean necesarias.
La realización del positivo será en papel hecho con albúmina, extraído de los huevos de gallinas. El papel se mete en albúmina, después en bromuro de potasio y por último en nitrato de plata. La albúmina sacará en el positivo tonos marrones, y en general, cálidos o sepia. La proteína que ofrece la albúmina impermeabiliza el papel de forma que se evita la rugosidad que si da el daguerrotipo.
Algunos de los fotógrafos venían de campos relacionados con el arte o cualquier campo en general. Para las mujeres era un oficio más accesible que por ejemplo en la pintura.
Los estudios fotográficos se implantará rápidamente. Sus principales características incluyen el aparato que sujetaba las cabezas de los fotografiados, sillas e inmobiliario
cristal, así, esta es la fotografía definitiva, a pesar de ser un negativo, tiene tonos más tenues. Al superponerlo a una superficie negra, nos da la impresión de ver un positivo. Era una imitación más barata que el daguerrotipo aunque la placa de ambrotipo fuere más cara. El daguerrotipo hay que moverlo para poder ver la imagen, la fotografía en ambrotipo si se puede ver desde todos los ángulos.
Ferrotipo: Es el mismo que el daguerrotipo pero está impreso en una chapa de latón, siendo más barato, resistente y duro. Tendrá mucho éxito en EEUU, siendo una forma muy barata para hacerse una foto en un país donde predominaban las migraciones internas. El hecho de estar en una placa de hojalata hace que se oxide fácilmente. Es una imagen obtenida directamente, por lo que no se pueden sacar más copias a partir de esta. Aunque predominó en el oeste americano, la vez donde más se ve acabó siendo en las ferias ambulantes.
FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA/ RETRATO
Charles Baudelaire. La fotografía perderá prestigio debido a la producción en masa, por lo que dejó de considerarse arte para los más puristas. Baudelaire fue uno de estos detractores, fotografiándose durante toda su vida. ‘ Una multitud inmunda que se lanzó narciso a contemplar su imagen trivial’. Una política muy clasista. La fotografía artística es una idea aristocrática del retrato. El fotógrafo artista es el genio visual y tienen personas trabajando para él. Mathew Brady tuvo a más de 60 operarios trabajando para él. Así, en el s.XIX la sociedad podrá coleccionar fotografías de hombres ilustres. Tienen recursos más ricos, expresivos e innovadores para buscar retratos psicológicos, de nuevo, una mentalidad aristocrática, ya que solo las grandes personalidades de la política y la cultura tienen una personalidad que merezca quedar plasmada en un retrato. Cuando se ven fotografías de personas de clase media o baja en la misma posición en una fotografía, en realidad es la propia fotografía o el estudio fotográfico el que no permite dar más opciones que esa. Un problema de la cultura de masas.
A partir de este momento, la fotografía perpetúa la separación de clases, y la aristocracia muy pronto se dará cuenta de que la fotografía ayuda a conservar el poder. Ejemplo: La reina Victoria, usó una fotografía en formato tarjeta de visita para que su retrato se pudiera multiplicar y aumentar su popularidad.
En el momento en que nos familiarizamos con la fotografía, empezamos a ver a la gente más popular o con más poder adquisitivo como personas a pie de calle. Usarán recursos que a pesar de ver a la clase alta así, la publicidad pueda dejar claro que su poder es más alto que el del resto de la sociedad, algo que Hollywood cultivará mucho.
Dilema fundamental: Visibilizar aquello que es invisible/ la posibilidad de repetir algo como el alma en un medio que se reproducirá millones de veces.Durante la década de 1850 y 60 tendrá su gran respuesta.
Retratistas franceses:
- Nadar, Gaspard-Félix Tournachon:
Hijo de burgueses monárquicos. Pero su familia perdió la fortuna. Abandona la facultad de medicina y se convierte en artista, periodista y dibujante. Su color reseña será el rojo.
La bohemia parisina se ubicaba en el barrio latino, proletarios, estudiantes y bohemios, muy mal vistos por la clase burguesa. La clase bohemia era un proletariado cultura, en un tiempo donde surge la prensa de masas, donde la nueva industria cultural necesitará gente que trabaje de forma cultural y barata. Detestaba muchos aspectos de la sociedad respetable precisamente por estar fuera de ella. Nadar ingresa en este país bohemio.Trabaja como periodista y caricaturista, en un momento en el que arranca el mercado de masas. En periódicos como Le Corsaire publicará sus columnas y empezará a hacer caricaturas. Pantheon Nadar. Compra su primera cámara en 1853, al siguiente año hará esta obra. Delacroix acudirá al estudio de Nadar para fotografiarse. Su estudio se convertirá en un lugar de encuentro intelectual. Durante un tiempo se cansa de la fotografía hasta que por la situación abre otro estudio de lujo. Este modelo sin embargo, acabará fracasando.
El representar el alma íntima de los retratados lo hace utilizando recursos visuales como guiños u otros métodos. Detiene la conversación con los clientes para hacerle la fotografía. Rasgos de estilo: Colodión húmedo como medio técnico, o bien impreso en albúmina o en papel salado, menos terso y brillante. Formatos grandes. Fondos neutros grises. Rostros perfil, a cámara o ¾. Busca el rostro, la mirada o las facciones del retratado. Luz natural que proviene de la esquina superior derecha, es decir, luz diagonal, que creará una gama de contrastes suaves a lo largo del rostro.
Eugene Pelletan; Giocacchini Rossini; Sarah Bernhardt
1862 → fotógrafos comienzan a cansarse. Todo el mundo quiere hacer retratos. 1853 → fotografía aérea. Tiene mucha utilizad política y estratégica. Controlar avance de tropas enemigas durante la guerra. WADAR.
Comienza a trabajar en estos proyectoss de fotografía aérea. Fotografías no le salen. Hace varios vuelos en globo pero las fotos están estropeadas. En un momento en el que tuvo que ahorrar combustible fue el único en el que no se le estropean. Se debía a los líquidos de combustión. Contaminaban la impresión de las fotografías.
Nadar en su globo aeroestático, 1865.
Estuvo a punto de costarle la vida. 1863, se sube al globo que ha construido. Invento una helice para desplazarse en el globo pero una fuerte racha de aire casi los hace quedarse en el intento.ç 1870 - paris asiado por tropas francoprusianas. Una de las primeras fotos de guerra.
Es uno de los principales ingenieros de la corona británica. De la ingenieria industrial, caminos, estructuras, etc. Se encarga él. El hecho de hacer el barco es como la culminación de su carrera. Caracter público y conocido. El hecho de que esté al aire público es algo muy importante. El sujeto depende del contexto. Continuidad visual entre la verticalidad. Otro contraste, lo pequeño y lo gigante - el reloj diminuto, con la enorme cadena. Pequeñez del humano frente a la grandeza del progreso. Él es quien hace posible ese progreso. Era de pequeña estatura, pose tranquila segura pero mirada inquieta. Se relaciona con que su cerebro siempre está en marcha al igual que sus obras. Lo que lleva colgando es una caja de puros, siempre los fumaba. Pose digna, bien vestida en parte superior. Traje sucio y zapatos sucios. Porque no es simplemente alguien de clase alta, es alguien que con su trabajo y su capacidad para realizar esas obras hace posible el progreso del imperio. Mirada perdida - distintos contrastes. Pequeñez del sujeto en contraste con su determinación (casi ocupa todda la fotografía). Las limitaciones del humano frente a la capacidad de alcanzar progresos.
Momento de industrialización rápida y fuerte. Mundo esencialmente masculino dedicado a la ciencia. No es toda la realidad. 2 contrapuntos. Clases altas y de su función en el progreso. Pero detrás de todo ello la gente que hacía posible todo ese progreso, con condiciones de vida ínfimas. Ciudades sucias, negras, malolientes, etc. Otra realidad → Mujeres. De la misma clase social alta pero, segregadas de ese mundo de la ciencia, de los hombres, etc.
Mundo femenino →
CLEMENTINA HAWARDEN
Hija de un famoso altocargo. Casada con 4 conde de Hawarden. Esas condiciones le permiten acceder a una tecnología y a una cultura visual y pictórica que no estaba al alcance de todo el mundo.
En este momento la fotografía como afición de ocio no estaba mal vista para las mujeres. Era algo de buen gusto dentro de la alta sociedad británica. No tenía que ganarse la vida con estas fotos. De normal los fotográfos debían atender a todas las exigencias para luego poder venderlas. Ella no atendía a estas necesidades por ello su fotografía le permitió más exploraciones. Trataba de retratar el mundo privado. Idealizado. Casi imaginario. Fue miembro de la Royal Society of London. Le concedieron 2 medallas de honor. 1857/58 → comienza con fotos familiares en Irlanda. Fotografía estereoscópica de sus hijas. Hace muchas de este tipo dentro del ámbito doméstico. Cuando se traslada a Londres, comienza a explorar más. Entre 1860 - 1865 hace su obra más intensa. Mundo interior femenino segregado del masculino. Grandes estancias con enormes ventanas. No solo sirven como iluminación.Separación radical entre mundo externo masculino e inaccesible y mundo interno de clausura y femenino.
Clementina Maude, 1860-1865. Aparecen o vestidas de fiesta o disfradadas. Es al mismo tiempo íntima y con un punto de carnaval. Luz intensa del ventanal pero la modelo aparece en sombra. Mundo que se ha llenado de luz pero siguen habiendo sombras. Mundo oculto a la mirada masculina, por ello la diagonal de la sombra recae sobre ella. Pose relajada, ojos semicerrados como si estuviera soñando con ese mundo de estrellas (como el tapiz). Mundo de sueño de la infancia, apoyada en un mueble rococó de patas salomónicas. Escena imaginaria y muy privada. Cabello suelto - espacio íntimo (cabello siempre debía estar recogido en público).
Tenía 8 hijas y 2 hijos. Las retrata una y otra vez. The return from the ball. Study. 1860- Retrata una belleza femenina, casta, pura (órbita del ámbito victoriano). Personajes románticos, como durmiendo. Mujeres jovenes, recluidas, soñadoras, mundo cerrado del que alejarse de lo peligroso de los hombres.
Clementina Maude Hawarden, 1860-1865. Está como guardando algo. Mundo con secretos, invitan a preguntarse el por qué. A qué se dedican en ese mundo tan privado.
Muestra una vertiente del mundo femenino, pose sensual, disfruta de la luz que entra por la ventana, modelo está vestida hasta el cuello pero al introducir una tela por el medio da la sensación de quitarse la ropa. Disfrutan de la vida. Mundo del disfraz - Florence Elizabeth and Clementina Maude → identidades de género son disfraces. Identidades construidas. Mujer victoriana siempre porta un disfraz al salir.
Clementina Maude 1862-1863 → Líneas marcan un empuje radical hacia el exterior. Sombras y trasluces de la cortina y pliegues del vestido refuerzan las líneas hacia fuera. Intención de conocer y salir al mundo externo. Luz es cegadora, llega a quemar la fotografía. Es un impulso negado. Ni nosotros ni la modelo sabremos qué hay fuera. Una vez más la modelo tiene los ojos cerrados.
Identidad de género, feminidad puesta en escena, juego de roles de género. Como si ese mundo interior fuese un mundo donde construir una identidad diferente
03/10/ Reflejo que no se corresponde a la imagen entendida como real. Feminidad en época victoriana como algo que no se corresponde con una imagen más íntima (serie de Hawarden de sus hijas frente al espejo).
Reflejo de la retratada disfrazada con un gran vestido y una escoba. Disfraz de feminidad ante el público. Valorada por su habilidad técnica, interiores de abandono, recuerda a pintura dominante de la época. Fallece muy pronto año 65’. Consiguió una buena obra. Murio muy pronto. Fue muy lamentada su pérdida.
1866 - ofrece sus fotografías al museo South Kensington. Era un museo creado recientemente para favorecer el desarrollo de las artes, industrias y artesanías de Inglaterra. También ofrece al director unas copias de sus últimas fotografías para sorprender al mundo.
El museo se las compra y comienza a promocionar su figura. Esta vocación que tenía se traduce en qué es lo que quería hacer con sus fotografías. Quiso sacar dinero y fama de sus fotografías. Muy recientemente se aprobó el Copyright. Es una de las primeras fotógrafas que se acoge a este derecho para evitar copias. Llevaba sus obras a una empresa londinense - Autotype company- para que sacaran copias al carbón. Eran copias caras y de mucha calidad. Quería que esas copias de vendieran como obras de arte en serie. Quiere colocar sus obras en un museo para así aumentar el valor de sus obras. Sigue hasta 1875 haciento fotos y en el 1875 vuelve a la India donde pasa el resto de su vida. Cuando se va sabe que nunca volverá a Londres. Se lleva 2 baules. En la india retrata su hacienda, sus trabajadores… No es el mismo tipo de obra que hacía en londres.
Profundidad de campo: Lo que está más cerca hasta lo que está más lejos, hay distintos planos de profundidad, y todo, desde el primer término hasta el horizonte está enfocado.
Sin profundidad de campo : Desenfocada.
La mayoría de los fotógrafos buscaban en sus obras la profundidad de campo. Poeta victoriano más famoso de su época: Lord Tennyson. Sería muy fotografiado por Julia Cameron. Temas que se repetirán: ● Retratos: Individuales, buscan captar la psicología del personaje, como en el caso de Nadar, que buscaba la esencia del personaje. Tanto la grandeza del espíritu como los rasgos del rostro. ● Madonnas: Composiciones pintorescas de aire renacentista, con protagonista femenina. Muchas veces era su criada quien posaba para las fotografías. Muy frecuente que sus personajes aparezcan disfrazados con poses teatrales. Imágenes puramente melancólicas. ● Fantasía con efecto pictórico: tema alegórico, religioso o literario. En ellas quería captar un mundo mágico puramente espiritual, poblado por ángeles, vírgenes o diosas de todo tipo.
Fotografías de gran tamaño, sin embargo quería aumentar el tamaño de las fotos. Si el negativo tenía un determinado tamaño, por ejemplo, 30x38, el positivo tendría el mismo. La fotografía no debía ser nítida, sino emocionalmente profunda. Utiliza una luz sobre el peinado recortando la figura sobre el fondo.
El formato de sus fotos es grande. Tiene continuidad de las pinturas prerafaelistas que se hacían coetáneamente. Ambos recurren a la naturaleza, temas medievales, mágicos y pasado perdido. Otra de las influencias es la pintura renacentista, ‘ el éxtasis de Santa cecilia’. La influencia de Rafael influye mucho en su obra. Evoca a las artes elevadas. Misma pose en fotografía que obra de Rafael. ‘La fornarina’ se repite en su obra ‘Beatrice ferdi(?). También con claroscuros de Caravaggio - Similar al retrato quer hcae de su hijo.
Retratos de medios planos. Muy cercanos. Buca intimidad y cercanía del retratado para acercarnos a su mundo interior. A su intimidad y psicología. Tamizados suaves en el que hace tránsito de luz y sombra. Claroscuro pictórico. Combinado con el primer plano. ‘Julia JAckson’ También usaba efectos de difuminado, muy reconocido en su fotografía. Principio estilístico. Trata de nor representar solo la superficie visual, sino ir más allá. Suaviza contornos. Las primeras veces que usa el desenfoque lo hace por accidente. Se da cuenta que esto le resulta más interesante que la nitidez que buscaban todos sus contemporáneos. El difuminado da lugar a la duda, algo que siempre quedará en la duda. Ella crea tendencia posterior. Otro motivo: aprendió de DaVID Wiffil (?), también usaba el desenfoque. Se esforzaba a conseguir efectos expresivos mediante desenfoque. No son imagenes estáticas, aportan más movimiento. Le da un sentido de mayor vivacidad y más cercanía.
Cree que le permite alcanzar una mayor belleza a partir de lo indefinido. Otro motivo; subrayar la simplicidad de las fotos. Voluntariamente deformas la imagen para afirmar quién es el artista que la manipula → para considerarla realmente arte.
Zoe maid of athens. → obras con intención alegórica.
No todo el mundo entendió su uso radical del desenfoque. Muchas críticas. Su prioridad era captar el mundo onírico. Lagrimeo de las imágenes: Problema de revelado debido a que el fijador no se ha aplicado bien. En zonas oscurecidas ella rascaba la propia placa para crear un alo entorno al retrato. Rechazo a los desenfoques→ ¿Que es el foco? Anticipaba la fotografía victorialista.
- Beatrice: Personaje histórico condenada en 1539.
10/10/ (.................) - Falta la 1ª hora.
Hermanos Zangaki
Joven Turca : (albúmina). La fotografía tiene el fondo pintado.
La fotografía servirá para catalogar y divulgar el arte de la fotografía
South Kensington Museum: Primeras exposiciones de fotografía en la que se buscan
dos cosas: coleccionar las fotografías del mundo para llevarlas hasta Londres y,
Occidente, dicho conocimiento de otras culturas. Además, empieza a coleccionar
fotografías artísticas.
No solo de los grandes monumentos, sino por el mero hecho de ser estéticas. Es
una forma muy buena de divulgar el conocimiento geográfico de otros países.
