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Caracteristicas musicales del
Romanticismo:)
La música del Romanticismo se expande aproximadamente entre los años 1815 y 1880, hasta avanzando el siglo XX. Las caracteristicas mas importantes del romanticismo son estas:
-Tienen composiciones íntimas y humanas. -No se preocupan tanto por la forma externa y se preocupan mas por la inspiracion y forma expresiva. -Con melodia apasionada e intensa y calurosa expresion de los sentimientos. -Con frases melodicas poco regulares y simétricas que en el Clasicismo. Desaparece la frase cuadrada. -Con ritmos complejos y y libres, casi llegando a la polirritmia. -Enriqueicido armónico, basado en nuevos acordes y nuevos recursos para la modulación. -Buscan contrastes musicales que puedan sugerir sentimientos a través de matices dinámicos (fuerte, piano,crescendo...) -Una atención grande al folclore y a las melodías populares con mucha inspiración, que lleva a los nacionalismos musicales. -Se predomino de la música intrumental sobre la vocal. -Consolidación y ampliación del número de intrumentos de la orquesta sinfónica. -Efectos nuevos de orquestación en la música sinfónica gracias a las innovaciones y mejora técnicas de los intrumentos de la orquesta. Utilizan mas los intrumentos de madera, metal y percusión. -Tienen preferencia por las formas menores: preludio, estudio, lied, impromptu... -Crean el poema sinfónico. -Aparición del ídolo virtuoso. -Preferencia por el piano y el violín y recuperación del arpa y la guitarra.
Características de la música del romanticismo.
Durante el romanticismo, podemos aludir a ciertas características que lo hacen sobresalir y oponerse al periodo clásico anterior.
- La música pasa a ocupar el lugar del arte más sublime y elevado, en contraposición con otras artes como pintura y arquitectura, que en cierta manera habían triunfado durante el clasicismo.
En particular fue la música instrumental la que resurgió y superó en manifestaciones a otros estilos musicales como el vocal, que había sido el rey durante el barroco y parte del clasicismo.
- Dentro de la música instrumental, es el piano el instrumento rey de la expresión romántica. No hubo compositor en este periodo que no escribiera para piano, y en ocasiones, como es el caso de Chopín, casi exclusivamente. De hecho las páginas orquestales de Chopín, son de muy baja calidad.
- En cuanto a las formas, hay una preferencia por la pequeña forma, de la cual ya había sentado las bases Schubert en sus “ Momentos Musicales ” e “ Impromtus ”. Las grandes formas clásicas decaen en beneficio de esta nueva forma tipo “ lied ”, del cual hablaremos en detalle más adelante, que sirve a los románticos como medio condensado de expresión, en ocasiones extrema o latente.
- Hay un cierto gusto por la creación de páginas programáticas y con alusiones bibliográficas y en ocasiones “ quasi místicas ”, que dan lugar a la creación de piezas con un marcado contenido literario. Podemos ver reflejado esto en los “ Momentos Musicales ” de Schubert o en las “ Romanzas sin Palabras ” de Mendelshoon.
- Hay una pérdida de importancia de la polifonía en beneficio de la armonía vertical, renace un cierto gusto por el contrapunto polifónico.
- Se crean páginas de extremado virtuosismo, llegando a explotar al máximo todos los recursos de potencia e instrumentación del piano.
- Se produce un absoluto relegamiento de la forma en beneficio de la expresión. El pensamiento generalizado del romanticismo era expresar sentimientos sin tener en cuenta la forma, por muy extravagante que ésta fuese. Es decir prima la idea sobre la forma.
- Otra característica del romanticismo, es que el piano se vuelve sinfónico, es decir, se trabaja el piano como si de una orquesta se tratase. Las composiciones de muchos de sus autores, bien podían ser reducciones de páginas orquestales, cosa que hizo fecundamente Liszt al reducir varias páginas orquestales. Al contrario que Beethoven, que concebía el piano como una orquesta, los románticos conciben la orquesta como un piano.
- Por último, se termina de explotar al máximo todos los recursos técnicos y tímbricos del piano, que servirán de germen para el pianismo del siglo XX y para el desarrollo constructivo del instrumento.
Principales Temas del romanticismo.
Egocentrismo: El alma del hombre es su enemigo interior, identificable con una obsesión incurable por lo imposible, que priva del goce de la vida al individuo y hace que ésta le sea adversa. El alma romántica no es dada desde fuera al individuo, sino que éste la crea cuando tiene conciencia de sus sentimientos. Convierte al individuo en singular y universal, de modo que el Universo sólo es posible concebirlo partiendo del conocimiento de sí mismo, pues el hombre es la imagen del Macrocosmos.
Este egocentrismo en gran parte remite a Fichte: el Yo es la única realidad existente, pues "no hay más objetos que aquellos de los cuales tienes conciencia. Tú mismo eres tu propio objeto". Por tanto sólo el Yo es real, es el Absoluto, y la poesía permite hacer sensible y comunicativa esta experiencia en tanto que es representación del alma y representación del mundo interior en su totalidad. El poeta es alma y Universo.
Este egocentrismo romántico tiene sus raíces en la filosofía kantiana y en el idealismo trascendental. Kant llevó el centro de gravedad de la filosofía hacia el interior del propio hombre y valoró el sentimiento para el acto del conocer. Y Schelling, con su filosofía de la Naturaleza dio salida a la circularidad destructora de Fichte, pues el mundo entero se le acababa convirtiendo en un espejo que eternamente le presentaba al yo su propia soledad.
La Libertad: El reino de la libertad absoluta es el ideal romántico, el principio de toda ética romántica: libertad formal en el arte, entendida como necesidad del individuo para explorarse y explorar el mundo exterior, y para lograr la comunicación del Uno con el Todo, en una marcha progresiva hacia la infinitud.
El romántico se concibe como un ser libre, el cual se manifiesta como un querer ser y un buscador de la verdad. No puede aceptar leyes ni sumisión a ninguna autoridad. Muchos románticos heredaron la crisis de la conciencia europea que la Ilustración provocó al cuestionar, en nombre de la razón, los dogmas religiosos.
La libertad, como el infinito, es más una aspiración que una realidad. A través de ella cree el romántico poder superar los límites del Yo y reconciliar sujeto con objeto.
El amor y la muerte : El romántico asocia amor y muerte, como ocurre en el Werther de Goethe. El amor atrae al romántico como vía de conocimiento, como sentimiento puro, fe en la vida y cima del arte y la belleza. Pero el amor acrecienta su sed de infinito. En el objeto del amor proyecta una dimensión más de esta fusión del Uno y el Todo, que es su principal objetivo. Pero no alcanzará la armonía en el amor.
Es durante el Romanticismo cuando la ópera alemana encuentra su camino independiente de la influencia italiana. Efectivamente, desde el nacimiento de esta forma musical, al comienzo del Barroco, la ópera alemana, como otras muchas, va a girar más o menos en torno al gusto italiano, en este sentido incluso la misma ópera de Mozart está determinada por influencias italianas.
Esta ópera nace con el Fidelio de Beethoven en los inicios de este periodo, pero va a ser un contemporáneo de él, Carl María von Weber (1786-1826) el que crea plenamente este género. Entre sus óperas destacan El Cazador Furtivo, Oberón y Euryanthe. En 1812 publicaba además un singspiel, Abu Hassan. Las tres óperas citadas presentan importantes elementos en común entre ellos: un uso de lo sobrenatural y maravilloso y todas incorporan grandes arias para los protagonistas con romances que contrastan con ellas para los personajes menores. Las oberturas con que comienzan son movimientos en forma de sonata. En cuanto a su orquesta el empleo de sonidos inarmónicos o malsonantes sobre tiempos fuertes, crea una atmósfera anhelante, que junto con esa búsqueda de lo maravilloso de que hemos hablado, crea una sensación típicamente romántica de misterio.
Después, la ópera alemana desemboca en la personalidad de Richard Wagner (1813-1883). Después de la muerte de Weber, la ópera había decaído por lo que Wagner, no sólo la va a recuperar, sino que crea un nuevo sistema de trascendencia enorme. Su ideal era hacer una ópera alemana que tuviera una altura artística semejante a la más grande música sinfónica.
Las características de su ópera son: Ø Basarse en la mitología alemana, lo que es muy importante, dado que es en esta época cuando comienza el sentimiento de nacionalidad alemana, que en tiempos de Wagner no existía como nación independiente. Él exalta estos sentimientos. Ø Conseguir una obra de arte total, un espectáculo gigantesco en el que se diese unión a la poesía, la música, decoración, acción, etc. Ø Exaltará la unidad de la lengua alemana cuando aún existían en ese país varias lenguas dispersas. Ø Le da a la orquesta la máxima importancia, enriqueciendo enormemente el lenguaje musical con nuevas armonías, cromatismos y nuevos timbres. Ø Crea un elemento orquestal, el leivmotiv, que es la idea unitaria de la Opera, un motivo musical que caracteriza a los principales personajes de las óperas, los anuncia y los describe. Es el elemento unificador de sus òperas.
En cuanto a su melodía raras veces es tal, está pensada más bien para sostener al texto y facilitar los diálogos rápidos de los cantantes.
Destacamos: El Buque Fantasma, Tanhäuser, Lohengrin, la tetralogía El anillo de los Nibelungos (El Oro del Rin, La Walkiria, Sigfrido y El Ocaso de los dioses),Tristán e Isolda, Los maestros cantores de Nuremberg y Parsifal.
La ópera francesa En esta época se crea en Francia un tipo de obra de tipo naturalista y entretenido. Surgen así las obras de Giacomo Meyerbeer (1791-1864), que crea un tipo de ópera en el que se mezclaban todos los alicientes musicales, canción, danza, etc., compuesta para seducir al público. Compone La Africana, Los Hugonotes. Otro de los cultivadores es Charles Gounod, con una música muy melódica en obras como Romeo y Julieta. Aparece un nuevo género: La Opereta. Esta es una obra escénica en la que se combinan pasajes hablados con otros cantados de tema frívolo y humorístico. La opereta tenía en Francia dos precedentes donde inspirarse que era la Opera Bufa y el Vodevil. Ahora este estilo nos da una imagen perfecta de la sociedad frívola y cínica del Segundo Imperio, pero curiosamente implicaba muchas veces una sátira social y ridículización del ambiente de este régimen político; pero esta crítica pasó desapercibida a sus contemporáneos que simplemente se reían y lo pasaban bien con los "galops" y
"cancans" que se danzaban en aquellas operetas. El maestro consumado de este estilo es Jacques Offenbach (1819-1880), que además de la conocida ópera Los Cuentos de Hoffmann, va a escribir una serie grande de operetas. Especial mención precisa la ópera Carmen de Georges Bizet (1838-1875), ópera de gran valía en la que el músico se opone a las teorías wagnerianas y es de ambiente español.
La ópera italiana En la historia de la música italiana hay un hecho importante que le distingue de otros países europeos y es la importancia que asume la ópera; el carácter italiano está especialmente dotado para el drama musical. Este estilo comienza en 1600 y surgen un gran número de genios. La ópera italiana se extiende por toda Europa, hasta que el drama wagneriano entra como gran competidor. El tránsito entre la ópera del siglo XVIII y la romántica lo constituirá el músico Gioacchino Rossini (1792-1868) que es la culminación de la ópera napolitana. Entre sus éxitos : El barbero de Sevilla y Guillermo Tell.
Después de Rossini, llegamos al gran genio de la ópera italiana Giuseppe Verdi (1813-1901). Su obra operística se divide en varios periodos: el primero, de menor valor, en el que la mayoría de sus obras son de carácter político, como Nabuco. Este periodo culmina con Rigoletto, El trovador y La Traviata. A este periodo sigue uno de menos actividad, pero con temas más rebuscados y para gente más entendida y más que nada buscan el espectáculo: La fuerza del destino y Don Carlo. Por fín, en el último periodo va a escribir Aida, Ottello, símbolo del género trágico, y Falstaff, del cómico. La obra de Verdi es realista, es un arte espontáneo, natural y simple. Concede más importancia a la voz que a la orquesta, pero su grandeza reside precisamente en subordinar todo a la representación de lo humano. Fuera de sus óperas merece cita especial la obra típicamente romántica el "Réquiem", que compone al final de su vida.
Después de Verdi, surge en Italia la corriente que llamamos "verismo" (realismo), pero tiene muy corta vida, influenciado por la literatura realista de Emilio Zola y otros escritores de esta escuela y en el que se pretende pintar las emociones primarias de los protagonistas. Tenemos así la obra "Caballería Rusticana" de Pietro Mascagni. Los veristas pretenden exponer la verdad de la realidad, pintar un trozo de vida.
El piano romántico
Como se ha mencionado con anterioridad, durante este período la inmensa mayoría de los compositores escribieron una gran parte de su obra para este instrumento, el piano,cuya técnica dominaban. Entre ellos destacaron Robert Schumann, Franz Liszt y Frédéric Chopin.
Prácticamente todos los músicos románticos escribieron para piano. Además de sonatas y variaciones, fueron muy utilizadas las formas libres, y de dimensiones reducidas que no se ajustan a esquemas típicos:
- Nocturnos: Piezas breves, lentas y soñadoras, compuestas habitualmente para piano, aunque uno de los más cálebres, “El sueño de una nche de verano”, de Mendelson, es orquestal.
- Estudios : Son composiciones breves, generalmente para un solo instrumento, que tienen problemas especiales de técnica o ejecución. Son célebres los de Chopin, sobre todo el op.10, núm.12, conocido como Estudio revolucionario, que el autor compuso al tener noticia de la entrada de los rusos en Varsovia.
- Polonesas: En su origen fueron sanzas tradicionales de Polonia, tornadas como fuente de inpiración por diversos autores. El más representativo de todos fue chopin, quien compus diecisiete.
