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TEMA 1: “LITERATURA: DEFINICIÓN Y
CONCEPTO”
Definición: es la facultad que utiliza la escritura como método de expresión e incluye los autores y sus obras artísticas que se transmiten a través de las palabras. Engloba también el arte de la gramática, la retórica y la poética.
La palabra literatura proviene del término literatura, tomado de las Institutiones oratoriae de Quintiliano. El término entraña una larga serie de acepciones que R. Escarpit ha sistematizado:
1. Arte de la palabra por oposición a las otras artes (música, pintura, etc.). Este concepto nación a
finales del s. XVIII y se consagra en la obra De la Littérature (1800).
2. Arte de la palabra por oposición a los usos funcionales del lenguaje. Corresponde al deslinde
entre los escritos de creación (poesía) y los otros escritos que reclaman un estatuto aparte con la irrupción de las ciencias positivas a finales del s. XVIII.
3. Arte de la expresión intelectual, se va fijando a lo largo del s. XVIII, pero pierde terreno para ser
sustituida por la anterior.
4. Arte de escribir obras de carácter duradero.
5. Composición artificial del discurso.
6. Cultura del hombre de letras o ciencia en genera a tenor de su significación etimológica. es la
dominante hasta el s. XVIII.
7. Conjunto de la producción de obras literarias.
8. Conjunto de la producción literaria de una época, un país, una región, etc.
9. Categoría propia de las obras que pertenecen a un género.
10. Bibliografía.
11. Conjunto de fenómenos literarios en cuanto a hecho histórico distinguible de los demás.
12. Historia de la producción literaria en el sentido de la acepción 8.
13. Por metonimia, manual de historia de la literatura.
14. Por metonimia, tratado sobre cuestiones literarias.
15. Asignatura de los planes de estudio que versa sobre las acepciones 1 y 2.
16. Institución social que comprende una carrera profesional, una titulación universitaria y una
industria establecida además de unos contenidos en relación con la acepción 15.
En el término confluyen sentidos de diversas procedencias. Etimológicamente, el carácter de algo escrito es el dominante. Podemos hablar de literatura oral , lo que nos pone ante la conexión de ésta con la poesía. Poesía y literatura fueron cuasi sinónimos durante muchísimos siglos hasta que fue cambiando el concepto con la aparición de los textos en prosa, entonces hacía falta un nuevo término distinto del de poesía, dando lugar a partir del s. XVIII este nuevo concepto.
La creación, el arte, remiten sobre todo al origen individual del artista creador cuyas producciones se presentan como intocables en cualquier parte, ya se trate de una sinfonía que se interpreta o una pintura que se expone. El arte hecho con palabras necesita ser traducido, “lo escrito” y de ahí que perdure la expresión literatura.
En el Neoclasicismo , el concepto de literatura ya abarca todo lo que escrito. Durante el Romanticismo se produce otro gran cambio en el concepto de literatura reduciéndolo a géneros artísticos como narrativa, teatro y poesía. Se vincula la literatura con el arte y con un nuevo concepto de belleza. El origen de los grandes conceptos de la cultura europea y occidental se encuentra en la cultura griega y clásica y de ahí pasa a la cultura románica. En los últimos treinta años surge un nuevo concepto de literatura , ya que la tecnología está afectando al concepto tradicional de literatura que se produce por su influencia en ésta.
La literatura es el arte de la palabra. Durante el Romanticismo , la oralidad está en peligro de extinción y reescribe los cuentos populares y obras, creen que a través de la escritura pueden “revivir”. Sin embargo, esta tradición oral pervive en África.
El ensayo es un género de pensamiento subjetivo que está considerado fuera del concepto de literatura. Solo mediante las traducciones podríamos hablar de literatura en su totalidad.
Las disciplinas que estudian la literatura son: Teoría de la literatura, la Crítica literaria y la Historia de la literatura.
Teoría de la literatura: estudio de los principios de la literatura, de sus categorías y sus criterios. Sus antecedentes inmediatos se encuentran en el s. XIX y nacen del Romanticismo.
Historia literaria: es la disciplina que se propone el conocimiento de los textos literarios del pasado, la biografía de sus autores, su relación con la tradición literaria, su agrupación en movimientos, escuelas o generaciones y las conexiones del fenómeno literario con otros fenómenos de la misma época y cultura.
Crítica literaria: es la disciplina de carácter analítico que se aplica a una obra en particular o a un conjunto de obras de un autor, una época o un género.
♦ Definición del concepto de literatura de Pedro Aullón:
Conjunto de productos textuales altamente elaborados cuyos límites se identifican por un lado con el lenguaje normal y por otro lado con el lenguaje científico. Es una definición que insiste en el lenguaje elaborado, diferencia entre lenguaje normal y científico.
La literatura está unida al tiempo y está más allá más allá del tiempo y rompe sus límites. Tiene función lúdica, entretener, favorecer el pensamiento, conocimiento, una función social, etc. Tiene una función estética, crear belleza comunicativa.
♦ ¿Para qué sirve la literatura?
Para transmitir, crear nuevos mundos, cosas inmateriales. Es un modo conocimiento sin una utilidad directa.
Hay quien defiende lo “útil”, es decir, la enseñanza del texto, como justificación del arte y hay quien proclama lo “dulce” como objetivo último de la literatura.
Se ha insistido en que la literatura es una forma de conocimiento. Junto a este concepto hay teorías que defienden que la literatura tiene carácter propagandístico.
Otras opiniones acerca de esta cuestión se inspiran en las afirmaciones de la catarsis aristotélica.
Hay que esperar al s. XIX y al Romanticismo para encontrar una apasionada defensa del “arte por el arte”: consigue la finalidad de la literatura como obra de creación quien provoca con su obra el goce estético.
♦ Relaciones de la literatura con las demás artes:
Es un arte temporal , no espacial. Está más relacionado con la música, en el sentido de que la música se basa en el ritmo. La literatura tiene también esa capacidad musical. También es imagen y puede representar el mundo, a través de la palabra se puede construir un espacio imaginario o real.
La poesía es la esencia del arte literario. Los grandes textos teatrales tienen una gran composición literaria. Se puede ver la literatura como arquitectura verbal. Es un sistema organizado.
Tiene carácter prescriptivo, ideológico y descriptivo.
Los mejores escritores han reflexionado sobre la literatura, debe influir en una reflexión del arte, la literatura no es ingenua. Se diferencia entre géneros mayores y menores.
a. Mayores: el tratado y el ensayo.
b. Menores: el manifiesto, el prólogo, el artículo y el fragmento.
♦ Análisis literario:
Se pueden clasificar las metodologías de análisis literario vigente en tres grandes grupos: inmanentes , pretenden extraer conclusiones del mismo texto o grupo de textos. Son métodos inmanentes: la Estilística, el Formalismo, el Estructuralismo, el Tematismo y el Análisis estadístico. Trascendentes son los métodos que analizan la obra en virtud una clave interpretativa que está más allá de la
configuración lingüística del texto. Son: Sociocrítica, Psicocrítica y Poética de la imaginación y la Hermenéutica. Los integradores abordan las claves analíticas en el proceso de enunciación, con lo que consiguen que los datos del enunciado se integren en un conjunto más amplio y que los datos del entorno sean tenidos en cuenta, no como algo externo sino en cuanto relevantes para el resultado de la significación. Son: Semiótica, Pragmática, Retórica, Lingüística del texto y Teorías sistemáticas de la literatura.
TEMA 2: PARADIGMAS DE LA TEORIA
LITERARIA.
La teoría literaria es la interpretación de la literatura y la crítica literaria.
Su historia comienza con la poética griega clásica y la retórica e incluye, desde finales del siglo XVIII. En el siglo XX, el término «teoría» llega a ser un término general que agrupa a una gran variedad de estudios teóricos, la mayoría de los cuales tienen origen claro en varias tendencias de la filosofía continental. Tiene como texto principal la Poética de Aristóteles , es el manual de la literatura hasta finales del s. XVIII que comienza una nueva etapa: el Romanticismo.
1. Paradigma clásico:
La teoría de la literatura aparece en el s. V a.C., se sistematiza a partir de Platón, quiere tener su propia visión de la literatura comentando las obras de Homero y el teatro griego.
En el paradigma clásico la literatura es la imitación (mímesis) de la naturaleza y de los seres humanos. Se desarrolla en Grecia y Roma.
Este paradigma tiene tres grandes textos como manuales de estudio de la literatura:
a. República, Libro III de Platón.
b. Poética de Aristóteles.
c. Pseudo-Longino De lo Sublime.
Influye en el s. XVI, trata sobre un nuevo concepto de belleza subjetiva adoptado más tarde durante el Romanticismo.
Según el concepto original de Longino, lo sublime, que se resume en la composición digna y elevada, se funda en cinco causas o fuentes, tanto innatas como de técnica perteneciente sobre todo a las figuras de dicción y metafóricas del lenguaje. Lo sublime es una elevación y excelencia en el lenguaje de que se sirvieron prosistas y poetas que han alcanzado la inmortalidad. Se trata de una "grandeza" de estilo cuya doctrina básica perviviría durante toda la Edad Media. En sentido técnico, "sublime" es una calificación
El mundo invisible contiene los modelos o ideas que representan la verdad esencial en la medida en que no están determinadas por la temporalidad, mientras el mundo visible solo contiene copias de estos modelos sujetos a la parición y a la desaparición continuo. El verdadero conocimiento solo se inicia cuando el alma recuerda (anamnesis). Tenemos pues dos grupos: el mundo visible-apariencias-cuerpo y el mundo invisible-ideas-alma. El mundo invisible de las ideas es el original y el visible es una mímesis del anterior.
Estas ideas influyen más adelante en Kant y en el Romanticismo.
♦ Definición de poesía:
La poesía es una imitación del mundo sensible , pero no de cualquier objeto, sino de acciones humanas. Por tanto, la poesía es una imitación de las acciones humanas del mundo sensible que se lleva a cabo mediante el lenguaje, la armonía y el ritmo.
Platón afirma que la poesía no guarda verdad alguna.
- Aristóteles: Poética y Retórica.
♦ Poética:
Aristóteles es el verdadero iniciador de los estudios literarios. Su obra principal es Poética y es el punto de partida de la historia de la teoría de la literatura. Es el primer tratado que estudia la literatura y sus modelos formales. Esta obra se compuso en el 334 a. C. aproximadamente y forma parte de sus apuntes, los cuales son los únicos escritos suyos que se conservan. Es un texto de carácter didáctico.
El texto que hoy conocemos se compone de veintiséis capítulos, en los seis primeros hace una introducción sobre los temas que va a tratar, en los centrales hace un estudio sobre la tragedia, sus formas, modos e incluso incluye algún consejo para los autores (hasta el ep. Veintidós) y un estudio de la epopeya y una comparación de ambos géneros (hasta el veintiséis).
Uno de los conceptos principales de esta obra es el de mímesis , es el criterio que establece la diferencia entre lo que consideramos arte y otro tipo de actividades artesanales de carácter no representacional.
♦ Verosimilitud:
La verosimilitud es lo probable, pero con un sentido diferente al de Platón. Lo probable es lo que podría haber sido de otra manera a como ha sido en realidad. Lo verosímil se relaciona con aquello respecto a lo que es verosímil como lo universal respecto a lo particular. Lo verosímil es universal mientras que la
realidad sensible es particular. Y esta es la fórmula en la que se encierra la clave para comprender el concepto de mímesis aristotélico.
Una cosa probable, y por ello verosímil, es una cosa que se ajusta a las leyes de la casualidad que gobiernan el funcionamiento de la realidad.
Por tanto, que una obra poética imite la realidad de acuerdo con la similitud significa que los hechos que narra se ajustan a estas leyes de la causalidad. Y por ello el espectador comprende y reconoce estos hechos que se narran. Lo que sucede a nuestro alrededor es algo particular, los acontecimientos narrados representan un universal.
♦ Definición de poesía:
Es una imitación (mímesis) por medio del lenguaje de hombres en acción, mejores o peores que el espectador u oyente, bien narrando dichas acciones o bien dramatizándolas. La poesía no imita el mundo sensible, sino sus leyes de funcionamiento. Lo verosímil es lo probable.
♦ Otros conceptos claves en la Poética de Aristóteles:
Fábula: estructuración de los hechos en la obra poética, de acuerdo con una lógica causal virtualmente autónoma. Aristóteles dice que la fábula es el componente más importante de la tragedia ya que está directamente vinculada a la mímesis, afirma que es la imitación de una acción y de una vida. Debe estar estructurada según el modelo Principio-Medio-Final y solo determinados acontecimientos podrán funcionar como principios, medios y finales.
Catarsis: es la liberación de los sentimientos de temor y compasión , términos negativos para los griegos, producida como efecto de la contemplación de la tragedia.
Metáfora: es el cambio o traslación del significado habitual o propio de una palabra por otro no habitual o impropio.
“El símil es también una metáfora, pue se diferencia poco de ella. Pues cuando se dice “se lanzó como un león” es un símil, pero cuando se dice “se lanzó el león” es una metáfora. Como los dos son valerosos, transfiere el nombre del león de Aquiles. El símil es útil también en la prosa, pero usada con moderación, pues resulta poética”.
♦ La tragedia:
“La tragedia es la imitación de una acción de carácter elevado y completa, dotada de cierta extensión, en un lenguaje agradable, llena de sus diversas partes, imitación que ha sido hecha o lo es por personajes en acción y no por medio de una narración, la cual, moviendo a compasión y temor, obra en el espectador la purificación propia de estos estados emotivos”
Es un género dramático de cierta extensión ( género mayor ), es algo bello en todas sus partes. Narra acciones heroicas ( de carácter elevado ) o modélicas. Este género provoca la catarsis del espectador, le
a. Talento: don natural que hace que al artista le sobrevengan grandes pensamientos. Es
indispensable, pues sin él nada elevado sería posible.
b. Pasión vehemente y entusiasta: el artista necesita estar invadido por el éxtasis y el entusiasmo.
El escritor debe ennoblecer su espíritu.
Estas dos primeras son innatas y son el fundamento de la producción de lo sublime. Las tres siguientes dependen del método artístico:
c. Destreza en el empleo y formación de figuras de dicción y de pensamiento: son la base para
modelar el lenguaje según los impulsos pasionales del escritor.
d. Expresión noble: designa la habilidad para elegir bien las palabras y los giros que se emplearán,
así como la capacidad de saber dar uso a la dicción metafórica y figural.
e. Composición digna y elevada: capacidad técnica del escritor a la hora de ensamblar un todo
lingüístico parcial o total.
- Poética en Roma:
La primera característica de las preceptivas latinas es la casi total ausencia en ellas de una explícita preocupación metafísica o trascendental. Nada hay en ninguno de sus autores que recuerde los argumentos platónicos o aristotélicos en torno al valor ontológico de la poesía, al a significación de “mímesis” o al lugar que ocupa en la entidades de la realidad sensible.
Las teorías poéticas latinas incorporan, presuponen y dan por supuesto las propuestas filosóficas griegas.
La segunda característica de la teoría poética latina es una consecuencia de la “visión técnica de la poesía”. Se trata de que las preceptivas latinas manifiestan una clara preocupación por la dimensión formal de la obra poética y de su estilo.
♦ Horacio. Epístola a los pisones.
Horacio y su obra Epístola a los pisones representan un momento clave en la historia de la teoría literaria. El De Arte Poética no es un tratado teórico, sino una obra “estilo” que se enmarca en el género epistolar en verso , género muy utilizado por Horacio. El que se trate de una obra de estilo cercana a la poesía le otorga una gran libertad expresiva y un tono y un lenguaje que están llenos de humor y mordacidad.
Es un texto breve de 480 versos y que no parece obedecer a un plan y sistema bien delimitados. Los principales conceptos del De Arte Poética son:
a. Carácter relativo y dinámico de la obra poética: la obra está hecha de palabras y las palabras
en desuso se convierten en algo nuevo. El uso social de la lengua es determinante para la lengua
poética. La obra poética se adapta, y al mismo tiempo, transforma un material lingüístico que es también un material poético.
b. Necesidad de coherencia: Horacio recoge la herencia platónica y aristotélica que plantea que
las distintas partes de la obra poética tienen que estar organizadas de forma proporcional y constante, de manera que el resultado sea un todo equilibrado y funcional.
c. Prioridad del contenido sobre la forma: para designar el contenido semántico y lógico de una
palabra o expresión utilizamos el término Res , y para hacer referencia a la forma y materia de esta expresión se utiliza el término Verbum. La concepción mimética de la poesía, con toda la complejidad que acarrea, propicia el dominio de la res sobre el verbum****. Horacio sitúa la relación res-verbum en la perspectiva práctica de la creación y recepción poéticas. Afirma que el tema de una obra (su res ) es anterior a su forma ( verbum ) de modo, que si el poeta logra elegir un buen tema ya casi no tiene que preocuparse del aspecto formal de la expresión. El artista tiene que saber en primer lugar lo que tiene que decir y a ello le añadirá de forma lógica, cómo y en qué orden lo tiene que decir. Lo mismo debe aplicarse a las formas métricas, pues deben adecuarse a los temas y no al revés.
d. Los géneros: son moldes esenciales de agrupamiento de obras según sus características
formales. En De Arte Poética , Horacio propone una primera división general: géneros dramáticos y géneros no dramáticos y la diferencia entre ellos es que los primeros se representan en escena y el resto no. Géneros no dramáticos son: épica, elegía o la poesía lírica. A los géneros dramáticos les da mayor importancia y dedica mayor espacio en la epístola. Se caracterizan formalmente por la posibilidad de combinar más métricas de otros ámbitos. Se agrupan en tres géneros: tragedia (historia seria, infeliz, grave y sublime de dioses y héroes) , comedia (fábulas cotidianas y risibles que muestran personajes comunes) y drama satírico (forma intermedia de las anteriores, es un acercamiento a la mediocridad del espectador popular).
e. Mímesis: la significa imitar la vida, las costumbres y el lenguaje que utilizamos y es importante
porque es un mecanismo sin el que no sería posible captar al espectador.
f. Verosimilitud: en Horacio, significa que el poeta es un hábil compositor cuyas obras cuentan
acciones que son probables en relación con la opinión del espectador u oyente. De ahí la importancia de que la obra sea proporcionada y armoniosa, pues lo desproporcionado e irracional no es verdadero.
g. Decoro poético: es la capacidad del poeta para hacer que los personajes se comporte de forma
apropiada de acuerdo con su condición y situación, y la capacidad de reflejar lo más fielmente posible las características y los detalles del momento histórico en que se sitúa la acción dramática.
4. Memoria ( Memoria ): mecanismo que el orador debe emplear para memorizar y recordar lo que
se tiene que decir.
5. Pronunciación ( Pronuntiatio ): reglas de voz y gestos referidas al momento en que se ha de
decir.
♦ La retórica según Cicerón:
Cicerón es el gran orador romano, que representa la concepción “filosófica” de la retórica, a la que considera una ratio dicendi. En ningún caso entiende la retórica como la aplicación mecánica de la reglas de la elocuencia. En De Oratore mantiene, siguiendo la doctrina platónica, que sin un saber amplio, la retórica se convierte en un verbalismo vacuo y risible, pues no es sólo el arte de hablar, sino también el arte de pensar; no es una ciencia especial, sino un arte en general. Tanto Platón como Cicerón creen que la filosofía es la base de la formación del orador.
♦ Quintiliano, Institutio Oratoria.
Fue el más famoso orador de su tiempo, pero se han perdido sus discursos. Su obra Institutio Oratoria recoge sus experiencias docentes.
Quintiliano considera la retórica como el arte de escribir y hablar bien organizando los términos que expresan el pensamiento. Atiende preferentemente al discurso, en su forma y en su sentido y sigue unas actitudes que responden al gusto, al orden, a la moderación y a la disciplina. Cree que la filosofía y la oratoria deben ir unidas, pues la filosofía es el arte de la verdad, y la oratoria, el arte de la palabra.
Intitutio Oratoria está dividida en 12 libros que se ajustan en un esquema muy lógico: el primero y el último sirven de marco a la teoría retórica y tratan respectivamente de la educación y de las condiciones morales que se requieren en quien quiera seguir el oficio de orador. El libro aconseja para la educación del niño desde su nacimiento.
- Paradigma clasicista (s. XVI-XVIII):
2.1 Cuestiones de la poética clasicista:
♦ Función de la poesía:
Muchos autores en la línea de la tradición medieval y más adelante seguidores de la Contrarreforma o del Concilio de Trento, pondrán objeciones morales, políticas, sociales y religiosas al arte de la poesía. Frente a ello los tradistas italianos del Renacimiento aportan argumentos a favor de la poesía y en contra de las objeciones anteriores, la consideran parte o instrumento de la filosofía moral. Con tal cometido, el
doble fin de la poesía señalado anteriormente por Horacio, “docere” y “delectare” será citado una y otra vez con diferentes matices.
♦ Naturaleza de la poesía:
Siguen las tradiciones clásicas, en especial, la aristotélica, aceptan que la poesía es imitación. Se reflexionará en torno al problema de la “imagen” y la “representación”, la “realidad” y la “verdad”, la “similitud” y el “parecido”.
Respecto a la función de la poesía como a su naturaleza, el Renacimiento mantiene una concepción retórica de la obra poética: se habla de teoría de los estilos fijos , se defiende que cada género en particular debe estar escrito en uno de los estilos de acuerdo con el tema tratado y el grado de nobleza de los personajes representados. Se establece una clara distinción entre el res y el verbum. Se enfatizan en los aspectos figurativos del lenguaje; se comenta la obra en términos de “invención”, “disposición” y “elocución”, junto a la capacidad de enseñar y deleitar se reconoce la capacidad que tiene la poesía de “mover y persuadir”.
♦ Reglas de la poesía:
Las ideas de Horacio y Aristóteles quedaron reducidas durante el Renacimiento a reglas y preceptos que el poeta debe seguir para componer buenos poemas. Según va evolucionando el clasicismo acabará convirtiendo estas reglas en algo cada vez más inflexible.
Estas reglas pueden ser de dos tipos: aplicables a la poesía en su totalidad o aplicables a todos los poemas sin diferencia de género.
En el Renacimiento, el género es algo bien delimitado, con características propias que el poeta ha de respetar. El problema de los nuevos géneros surge con el aspecto de la teoría poética, pues funcionan muy bien en el caso de los géneros clásicos mayores, pero no tanto con los géneros recientes ( romanzo, el soneto, tragicomedia o novela ). Es producto del Renacimiento italiano la idea de las tres unidades dramáticas (de tiempo, lugar y acción), la de los cinco actos, la del número de interlocutores, etc.
♦ La fuente de la poesía:
Aunque el crítico clasicista cree en general que siguiendo un número determinado de reglas logrará componer un buen poema, es la inspiración divina la que contribuirá a una defensa de la poesía, pues quien escribe inspirado por Dios no puede obtener un poético moral, social o religiosamente censurable.
♦ Géneros: Lírica, épica y dramática:
La lectura clasicista de los principios aristotélicos sobre los géneros se caracterizó por atribuirle ideas que jamás había manifestado, o que eran muy esquemáticas.
verdad construyen ficciones y que son las propias de los géneros trágico y épico. También realiza una división en partes cuantitativas: prótasis, epítasis, catástasis y castástrofe. El Renacimiento dedujo que el drama debía tener tres unidades: acción, tiempo y lugar. Según Castelvetro el tiempo de la duración de la obra debe corresponderse con el tiempo que el público pueda estar sentado de pie o en el teatro. La representación más real es aquella cuya acción , tiempo y lugar coinciden todos lo posible con los del espectador.
2.2. Los tradistas italianos:
Los críticos italianos renacentistas más destacados fueron:
a. Francesco Robortello: con Comentario de la Poética de Aristóteles (1548)
se mostraba defensor de las teorías de Aristóteles, urgiendo por
ejemplo a la mujer a someterse al marido en virtud de su debilidad
moral.
La comedia se ha propuesto el mismo fin que el resto de los géneros de poemas: imitar las costumbres y las acciones de los hombres y como toda imitación poética se realiza mediante tres cosas, lenguaje, ritmo y armonía, acostumbraron a emplearlas en la comedia separadamente, como en la tragedia, según declara Aristóteles en la Poética. Difiere además la comedia de los otros géneros en la materia de las cosas que trata, pues imita las acciones de los hombres más humildes y viles. La tercera diferencia es que la comedia imita hombres que hacen y actúan, lo que también es propio de la tragedia.
b. Antonio Sebastiano Minturno: Antonio Minturno con Comentario y
traducción de la Poética de Aristóteles (1559) coincide con Aristóteles
en que la tragedia debe tener una lectura moral, ya que la considera
como una advertencia contra la soberbia, envidia, avaricia y otras
pasiones bajas.
c. Julio César Scaligero.
d. Ludovico Castelvetro.
2.3. Los tradistas españoles:
Destacaron 4:
3.a. Alonso López Pinciano: autor de Philosophia antigua poética (1596), una de las obras
más sistemáticas del clasicismo cuya deuda con los tratados italianos es muy clara. Se le considera el modelo de las ideas literarias de Cervantes.
3.b. Francisco Cascales: publica en 1617 Tablas poéticas y en 1637 un comentario sobre la
poética de Horacio.
3.c. Ignacio de Luzán: en 1737 publica Poética. Es muy influyente en la poética clasicista
española y está muy influido por Boileau.
3.d. Lope de Vega: publica en 1609 Arte nuevo de hacer comedias. En ella se mezclan
aspectos cómicos y trágicos en una creación. ( Tragicomedia : mezcla de tragedia y comedia). El gusto del público cambia, ahora se quiere ver obras que entretengan. En su
obra defiende su estilo y cambia la literatura. El autor realiza una confesión
de sus logros y fracasos con el objeto de realizar una defensa
de su teatro ante los académicos.
Lo trágico y lo cómico mezclado (…)
harán grave una parte, otra ridícula,
que aquesta variedad deleita mucho. (…)
Adviértase que solo este sujeto
tenga una acción, mirando que la fábula
de ninguna manera sea episódica, (…)
En 1626 se realiza la traducción de la Poética de Aristóteles al español.
2.4. (^) Tradistas franceses:
Se considera a Nicolás Boileau-Despréaux el representante de la estética clasicista en Francia gracias a su obra L’Art poétique (1672). Fue el traductor del tratado de Longino Sobre lo sublime. En L’art poétique trata de llevar a sus máximas consecuencias la voluntad y la rigidez perspectiva de los tratados poéticos iniciada en el s. XVI.
En primer lugar se debe distinguir entre poesía ingenua y poesía sentimental. Es la gran aportación de Schiller al debate entre los antiguos y los nuevos modernos que se venía produciendo desde el Renacimiento de Italia. Hay una poesía ingenua entendida como género o estilo espontáneo que imita la naturaleza y es objetiva; y hay una poesía sentimental y reflexiva que aspira a presentar lo ideal y es subjetiva.
La poesía ingenua habla de poesía antigua que representa la realidad de manera mimética. Los poetas antiguos vivían en armonía y unidad con la naturaleza y su poesía era, por tanto, es producida espontáneamente en ausencia de auto-conciencia poética, por tanto estaba escrita de forma plástica, realista, mimética.
La poesía sentimental habla de la nueva poesía moderna, representa la realidad a través del mundo de las ideas. Se llama sentimental porque este mundo de representación de las ideas hace referencia a las ideas sensibles de los poetas (dolor, alegría, pavor…). Los poetas modernos han vivido la separación del hombre y la naturaleza y por ello su poesía es reflexiva y tiene conciencia de lo que es.
♦ El genio para Schiller:
Cambia la imagen del poeta y surge la idea del poeta como sabio, con identidad sobre humana.
El poeta es un genio ingenuo, conserva su ingenuidad cual niño, es directo, espontáneo. La ingenuidad que le sirve para crear ese nuevo mundo lleva consigo una reflexión sistemática y metódica sobre la propia creación. “Es un niño genio que reflexiona sobre el arte y la literatura”.
Un verdadero genio tiene que ser ingenuo, tiene que comportarse conforme a su don natural, ignorando las reglas artísticas y guiándose solo por su inspiración.
“Todo verdadero genio, para serlo, debe ser ingenuo”
“El genio solo demuestra serlo triunfando, por la simplicidad, sobre el arte complicado. No procede según principios reconocidos, sino por ocurrencias y sentimientos.”
♦ Teoría de los géneros:
De las bases de la poesía sentimental se deriva un nuevo sistema de géneros literarios basados en los sentimientos de los poetas.
Los sentimentales que viven el desgarramiento entre razón y naturaleza pueden adoptar diferentes sentimientos respecto a él.
a. Género satírico: será una burla de la realidad. El poeta acentúa la distancia entre el ideal y la
realidad. Los poetas satíricos viven una época de degradación y se enfrentan un espectáculo horrible de corrupción moral.
b. Género elegíaco: lamenta la pérdida del estado ideal. Contraponen la realidad que les rodea a su
ideal, que marcan un contraste sobre todo en llamar la atención sobre el ideal a que aspiran. Dice
Schiller sobre la poesía elegíaca que está basada en el dolor que nace de la no consecución de un ideal. Este poeta sueña con ideal que no existe ni ha existido y esta es la causa de su sufrimiento.
c. Género idílico: puede imaginarse y vivir lo ideal como si fuera algo que aún existe o existirá.
- Formalismos del s. XX:
4.1 Formalismo ruso (1916-1930):
El formalismo es un fenómeno artístico universal, que adquirió especial relevancia en la cultura moderna a partir de la Crítica del juicio de Kant. Centra su atención en el estudio de las obras literarias a través de su lenguaje. Se desarrolló en San Petersburgo a comienzos del s. XX en la facultad de Filología, donde un grupo de jóvenes, llamados por sus críticos formalistas, aspiraban a una refundación de la Poética a través del estudio de la forma del lenguaje. Hasta entonces, las obras literarias se habían estudiado sobre todo en contenido o como historia, pero no como lenguaje, como obra en sí misma. Por lo que se desarrollan conceptos que se aplicaron al estudio de la poesía y de la literatura moderna rusa. De ahí fueron extendiendo su campo de estudio ya que tenían la idea de crear una ciencia de la literatura.
Fue más popular fuera de Rusia que en Rusia, ya que en 1917 triunfa la Revolución Rusa y lo que se pondrá de moda es la crítica literaria marxista, crítica ideológica o de contenido. A parte de las críticas, en 1928 son prohibidos. Se traslada a Praga y se crea el Círculo Lingüístico de Praga hasta 1938, tras la invasión de Praga por la Alemania nazi y este círculo se prohíbe. Por tanto se traslada a EE.UU. donde tras la IIGM aparece el New Criticism, corriente formalista de gran influencia en las universidades. Hacia 1960 el formalismo ruso influyó notablemente en el estructuralismo francés y la “nouvelle critique” y en la Semiología.
Estas teorías evolucionan a la par que la evolución de la Lingüística y hacia el análisis del discurso y a la pragmática.
Se encuentra muy condicionado por los acontecimientos políticos y sociales derivados de la Revolución Rusa. Diferenciaban su ideología de la creación de un análisis científico del lenguaje literario. Este análisis era diferente del análisis del contenido e ideológico, pues estos eran de carácter social.
♦ Etapa inicial (1916-1921):
En esta primera etapa, encabezada por Sklovski, los formalistas esbozaron los principios teóricos que servirán de hipótesis de trabajo para el estudio de los hechos concretos.
La palabra poética es concebida como unidad de estudio del lenguaje poético y éste como forma por excelencia del arte. La noción de forma se libera de la correlación tradicional forma/fondo y era considerada como la diferencia específica de la construcción y de la percepción artística.
Sklovski se distancia de la estética simbolista distinguiendo entre imagen prosaica e imagen poética y desarrolla la noción del arte como un procedimiento y extrañamiento o desautomatización. Define la
