ARTE E ILLUSIONE
GOMBRICH
Il testo viene pubblicato nel 1960.
La questione fondamentale attorno alla quale ruotano le argomentazioni dell’autore è il così
detto “enigma dello stile”: perché epoche e popoli diversi hanno rappresentato il mondo
visibile in modi tanto differenti?
L’obiettivo polemico principale di Gombrich è la teoria mimetica della rappresentazione,
secondo cui le immagini assomigliano a ciò che rappresentano nel modo in cui ci appare
nella percezione visiva, e le sue implicazioni, come un certo storicismo applicato alla storia
dell’arte per cui la produzione pittorica segue un progresso di costante avvicinamento al vero
(o alla percezione pura).
Nell’introduzione viene tracciata una breve storia della questione dello stile, delle
interpretazioni e delle risposte che gli sono state date, per cui alla tradizione antica e
rinascimentale, che conferiva alle immagini raffigurative lo status di imitazione della realtà, si
sono andati mescolando, a partire dal settecento, argomenti attinenti alla psicologia della
percezione.
Berkeley sostenne l’inadeguatezza della visione come fonte di informazione sull’aspetto
spaziale del mondo e la necessità di ammettere l’influenza del tatto e della percezione del
movimento, quindi un processo di rielaborazione e sintesi dei dati percettivi.
Von Helmholtz definisce “inferenza inconscia” il processo in cui le sensazioni elementari
andando ad aggregarsi tra loro assumono significato ad un livello preconscio sulla base
della accumulata. La visione è il prodotto dell’informazione veicolata da un ampio settore
della sfera sensoriale e di un atto di rielaborazione delle percezioni tramite il confronto con le
esperienze passate. Da Von Helmholtz in poi i dati sensoriali puri vengono considerati come
inaccessibili direttamente, ciò comportò l’inizio dello sgretolamento dell’idea dell’arte come
imitazione della realtà (difesa dagli impressionisti e da Ruskin, il quale elaborò il concetto di
occhio innocente).
La teoria helmholtziana viene applicata alla storia dell’arte da Von Hildebrand e Riegl.
Von Hildebrand si concentrò sulla necessità di allargare l’ambito della valutazione estetica ai
valori tattili ritenuti indispensabili per la costruzione della tridimensionalità.
Riegl sostenne una dottrina sul cambiamento dello stile in base alle intenzioni, la storia dello
stile viene spiegata sulla base della distinzione di un polo dell’arte antica, maggiormente
connessa al tatto e volta alla resa dei singoli oggetti, da un polo dell’arte impressionista,
caratterizzato dal dominio della vista (interessato a riprodurre le sensazioni ottiche). Lo
spostamento dal primo al secondo polo è interpretato come uno spostamento dall’oggettivo
al soggettivo e motivato dall’esistenza di un kunstwollen, una volontà artistica umana, la
quale condizionerebbe le espressioni stilistiche proprio perché queste rispecchiano la forma
caratteristica del pensiero e del sentimento collettivo dell’epoca stessa: lo stile è
un’espressione dell’epoca in cui si manifesta (si tratta di una interpretazione storicista basata
sulla filosofia della storia hegeliana: in questo modo l’arte viene indagata con il metodo
proprio di una concezione olistica che ha il fine di mostrare l’operare di un principio unitario).
Loewy introduce in questo ambito l’evoluzionismo nella precisa linea di pensiero da cui
nacque il mito dell’affinità fra l’arte infantile e quella dei primitivi: il primitivo, come il bambino,
quando si accingeva a rappresentare qualcosa non partiva dall'osservazione della natura ma
dalle immagini presenti nella sua memoria (Gombrich sostiene che l’esistenza di queste
immagini mentali non è opportunamente provata).
