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10 MAGGIO Las formas que habían regido el teatro renacentista estaban marcadas por ciertos platonismos y recuperaban los dictámenes de Aristóteles, pero primero hay una idea y luego una encarnación material de la idea. En cambio, el teatro de Lope surge de forma opuesta: las reglas se generan a posteriori, de manera inductiva. Lope experimenta la forma teatral en el corral, con el público para ver como reaccionaba y recordémonos que era muy variado ese público. De otra forma, el teatro clásico pensaba el público como monolítico, estático, siempre igual. El teatro barroco se moldeó según las expectativas del público, para satisfacer las necesidades de los espectadores (funcionamiento propio de la cultura masiva). En buena medida, las comedias barrocas ponen en escena:
- por un lado, los deseos de buena parte de su público de transgredir las convenciones sociales; segun Arellano, cabe notar el utilizo de personajes que presentan un carácter antiheroico (por ejemplo, en un momento dado, Leonarda llega a ofrecer a Camilo dinero a cambio de compañía, en una insólita propuesta de prostitución masculina)
- pero, por otro lado, ponen también en escena los miedos y temores que en ese mismo público provoca la ausencia de una norma clara a la que acogerse. En ese sentido, la comedia barroca explora la doble mirada, fascinada y atemorizada, con la que su público enfrenta la nueva modernidad urbana y la evolución de las costumbres, códigos y usos sociales. Cuando Lope estaba en el fénix de su ingenio, es decir que tuvo un éxito nacional en España, lo invitaron a que compusiera El arte nuevo de hacer comedias (1609) = donde en versos pasa en reseña los aspectos que hay que tener en cuenta:
- encerrar los viejos postulados clásicos y preceptistas en un cajón
- satisfacer el gusto del público y lograr el aplauso de los hombres vulgares; el público vulgar constituye un nuevo y diferente mecenas (“porque, como las paga el vulgo, es justo / hablarle en necio para darle gusto”)
- pasar en reseña la artificialidad de las unidades de todas la mas importante es la unidad de acción que para Lope no significaba que hubiera una acción única sino que las acciones conformaran una unidad. Si hay acciones “secundarias”, todas contribuyen a la acción principal. Por lo que concierne la unidad de tiempo, el autor debe gestionar los tiempos escenicos para no aburrir los espectatores; si se coloca un interval temporal entre dos actos (pasan 20 anos por ejemplo) es importante que no se represente el paso del tiempo. En el teatro barroco con comedia entendemos lo que se deberia llamar tragi-comedia: ibridacion generica, segun Lope. Como la vida es una mezcla, es innatural que una obra separe tragico y comico, divertido e infausto. LA VIUDA VALENCIANA (1620) La obra se publica en 1620 pero se dice que Lope la compuso antes, entre 1595 y 1600. Era una obra juvenil. RESUMEN: La obra habla de una viuda que vive en Valencia. La obra empieza con esta mujer que está leyendo El libro de la oracion y meditacion de Fray Luis de Granada, uno de esos famosos libros que en 15/16 eran populares, destinados a las mujeres, con preceptos de cómo se debian comportar (otro ejemplo es La perfecta casada de Fray Luis de Leon = “es justo que se precien de
callar todas”). Esta preceptistica impone un comportamiento de la mujer que consiste en el silencio, la obligación con respeto a las reglas, obedecer al marido, permanecer solo en espacios internos y domésticos. Leonarda está leyendo este libro no para ser culta (bachillera) sino para entratenerse. La obra se abre con una conversacion entre la viuda Leonarda y su criada sobra la cuestión del porque su ama no se casa. La viuda no quiere y luego le pide a su criada (Julia) que le traiga una imagen, un cuadro de Santo y devoción (con los que las mujeres se confrontaban) y en cambio la criada le da un espejo, para que se mire. Sin duda, la replica de la criada es ironica y aquí hay la recurrencia de un tópico del carpe diem/collige virgo rosas (eres joven, que estas esperando a gozar). Lugo llega su tío, el cual representa la autoridad masculina, e insiste hasta que Leonarda se case en un discurso moral sobre la asì llamada “varonil mujer” = la mujer es perfecta cuando se parece al hombre y a sus caracteristas innadas. En esta conversación primero Leonarda (una mujer esquiva) dice que no quiere casarse porque quiere ser devota a su marido y después dice la verdad “¿casarme para qué?” = Leonarda tenía una renta (de 3000/4000 ducados), un capital suyo para vivir tranquilamente y entonces hace este pensamiento “pero para que me tengo que casar, para que venga otro en mi casa, decida por mí, me mande y me dé palizas?”. Entonces entendemos la primera motivación de Leonarda: con la viudez ha conseguido un estado de independencia y libertad que nunca había podido obtener en su vida y que era impensable para las mujeres, aunque manteniendo el decoro (no puede salir o tener una vida pública). Pero lamentablemente Leonarda es joven y tiene ciertos deseos (basta la mirada de un hombre a la iglesia para que todo esto se invierta, para que desborde la pasion de Leonarda, la cual ha sido como rio detenido); saliendo, conoce ese joven nombrado Camilo. A ella le gusta ese muchacho, pero no se quiere casar. La viuda tiene 3 cartas en las manos, es decir, 3 decisiones posibles: mantener su independencia, conservar la fama, y gozar del hombre que desea. Es el periodo de Carnaval, periodo del año de suspensión de las normas y las reglas sociales (el mundo al revés), donde hay una destabilizacion de las identidades. Se trata de un periodo opuesto al de las fiestas oficiales que servían para consolidar el orden social existente. Lope entonces sitúa todo lo que ocurre en la comedia en el periodo de carnaval, cuando la gente por la calle no se puede reconocer fácilmente porque encapuchada o mascarada. Por eso podemos decir que todo el enredo de la comedia se basa en la ocultacion de la identidad verdadera por una identidad ficticia. Aquí llegamos a uno de los aspectos esenciales de la comedia barroca: la mecánica del enredo, los engaños, la abundancia de identidades fingidas difícilmente discernibles de las verdaderas, todo el juego de máscaras, ocultamientos y mentiras no sólo constituye una técnica para generar comicidad y diversión, sino que además traduce y dramatiza las sensaciones de desorientación, equivocidad y ausencia de puntos fijos que caracteriza a la experiencia de la nueva población urbana. Como afirma Oleza , “ya no es solo el actor quien se finge personaje sino el personaje quien se reconvierte en actor. Apenas hay personajes que no hagan uso, en alguna ocasion, de una mascara. Es asì como naciò el travestismo. El travestismo es un mecanismo esencial en la comedia, que la asimila al universo del Carnaval.” El hecho de que en algunas reposiciones de la obra se
Lope como hemos visto no se inventa las cosas desde cero, había una tradición en la que se inserta que deriva de la edad media (novellieri italiani).]]] La unidad de acción principal es la de Leonarda y Camilo. Esta historia se ve contrapunteada por otras másLeonarda tiene 3 pretendenties (Oton, Valerio y Lisandro) que insisten en conquistarla. Las historias de esos 3 pretendientes podrían ser accesorias, podrían confundir (este seria en teoría una ruptura de acción), pero Lope hace que este elemento secundario se imbrique y se entrelace tan bien con el principal que la unidad de acción queda preservada. En un determinado momento, cuando los pretendentes ven que Leonarda sigue rechazándolos, no piensan que Leonarda no los quiere, sino que ella tiene una relación con su criado Urban, y empiezan acciones violentas para intentar matar al criado; pero Camilo sale a defenderlo y como estos pretendientes son cobardes se marchan. La flaqueza moral de estos pretendientes se ve cuando, sin conseguir a lo que quieren, intentan difamar a Leonarda. Entonces estas historias podrían quebrantar la unidad, pero a través del escamotaje del criado Urban y la presencia de Camilo, se vuelve a reconducir todo a la unidad principal (esta es toda la unidad de acción para Lope). La comedia es un espacio en que se abren de forma fantasmática todas las pulsiones, los deseos, fantasías de todos los seres que están viviendo en esa comedia, es un sistema muy coercitivo, riguroso que impide la movilidad social y erige la frustración general. El teatro pone en escena el mundo de fantasías y deseos, mujeres que engañan hombres y que gozan, mujeres que pueden trascender las barreras de las clases sociales. Pero al final todo tiene que ser ortodoxo en cuanto siempre sometido a la regla de la censura (estamos en plena contrarreforma con lo cual no hay comedia que no se cierre con una/s boda/s = solución que encierra todas esas pulsiones y deseos prohibidos dentro de las reglas). Ademas, en la escena final, se da matrimonio no solamente a la pareja protagonista de Leonarda y Camilo (nobles ambos), sino también a las parejas formadas por Urbán y Julia y Floro y Celia (criados todos ellos de sus nobles amos). [en España las mujeres podían participar a la escena mientras que en Inglaterra no. Esto porque era normal considerar la mujer como prostituta o lujuriosa y, aunque representara daño verla en la escena, era mucho peor ver un hombre vestido de mujerla Homofobia del catolicismo es clara. Se tenía mucho más miedo y temor al que un muchacho pudiera pervertir los hombres que no las mujeres, que ya se sabía que eran así. Cuestión del decoro: cada persona tendría que actuar y hablar según su estamentos y pertenencias a determinadas clases y segun la situación comunicativa = esto se lograba modulando el verso. Es importante preservar la atención del espectador hasta el final y que el desenlace llegue lo más tarde posible, que sea sorpresivo y por esto la gente no sepa como irá acabándose. PERSONAJES TIPIFICADOS: Lope habla de una serie de personajes necesarios por la comedia. En realidad, el repertorio de personajes para el teatro aurisecular es bastante tipificado. Estos personajes tienen determinadas características, actúan y hacen determinadas acciones = son muy predecibles.
- el galán y la dama (los que ponen en marcha a la acción).
- la criada (Julia) y el criado (Urban). Con respeto al criado, el teatro aurisecular inventa un personaje sobre el que se ha escrito muchísimo y sobre que los escritores se jugaban la fama: el gracioso , es decir el catalizador de las risas. ej.: escena cuando Camilo llega a esta casa encapuchado y lo recibe Leonarda, le ofrecen una colación. Julia y Urban asisten al primer encuentro de los señores desde un distanciamiento irónico. La comicidad del gracioso, figura del pueblo, consiste en ser franca, y basada en hacer chocar visiones del mundo, una establecida como normal y la otra que la ridiculiza. En concreto Urban hace reír porque todo lo que Camilo dice lo comenta y luego cierra su comentario tomandose una copa de vino (Camilo no bebe, no te preocupes bebe el criado Urban). Otro ejemplo, Camilo dije que es ciego de amor y Urban que es ciego de vino. El gracioso es igualmente fundamental (contrapunto cómico del galán).
- aparece la figura del hermano, padre, abuelo, tío (autoridad masculina). Paradójicamente en la comedia no hay madres (son absolutamente innecesarias y por eso mueren siempre). En este caso está el tío de Leonarda que representa la autoridad o la garantía de que las leyes de la sociedad se respeten. Luego hay tipos de obras de tema urbanos, mitológicos, de ambientación campesina y también comedias villanescas = el villano es lo que vive en una villa, un campesino. En muchos aspectos, los dramas de honra, los que tematizan el abuso de poder de los señores o aquellos en los que el monarca intercede a favor de un villano honesto, constituyen ejemplos perfectos de cómo un problema socio-político de primer orden (el del conflicto de poder entre los antiguos señores feudales y la monarquía, y el difícil lugar de los villanos ricos entre ellos) se traduce en argumentos que ofrecen un sentido definido, sencillo y claramente inteligible a ese problema. Cuando Lope en El arte nuevo de hacer comedias habla de los personajes y de los temas de la comedia, enumera una serie de temas y dice “los casos de la honra son mejores porque mueven con fuerza a toda gente…” = buena parte del teatro aurisecular se encentra en temas de amor, pero existe otro tema que lo sobrepasa: problema del honor y de la honra. La sociedad española tenía una verdadera obsesión sobre este tema. Era una sociedad sumamente conflictiva con el diverso. La cultura católica promovia un fuerte antisemitismo, más del odio hacia los moros = se trataba de una cuestion económica, política y cultural (los judíos detendrían un verdadero poder económico en la época, comunidades prosperas). Los cristianos eran o nobles (no hacían nada) o campesinos; esto lleva a la obsesión de la limpieza de sangre. Cuando ya todos se habían convertido esta obsesión continuó por un lado por las practicas judaizantes (muchos seguían practicando su culto) y por el otro por cuestiones sociales: para demostrar quien no tenía honor, los cristianos podían demostrar que eran cristianos viejos = habian sido cristianos toda la vida, o nuevos = los conversos. Esos villanos que Lope nos presenta en su comedia son cristianos viejos, en donde se nos da una idea de campesinado muy benevolente = eran personas que detenían virtudes, mantenían fidelidad hacia la corona. Lope nos los presenta como personas de gran espesor moral, fieles a los valores de la familia, del trabajo y de la monarquía. La cuestión del honor se fue interiorizando de una manera que llegó a constituir un código = para nosotros hoy en día significa portarnos siguiendo ciertos imperativos éticos morales, pero en el pasado no significaba esto. Para aquel tiempo el honor era una moneda de cambio, la gente lo puede tener pero tambien perder (delito de honor) = eso significaba que tu comportamiento no era suficiente para el honor. Los nobles tienen el honor porque son nobles, el campesino tiene el honor si era cristiano viejo. El echo de que los nobles tenían honor y honra dependía también de
El honor entra en esta comedia desde el paratexto de la obra. En el prólogo de La viuda valenciana tenemos la expresión “el arte de nadar y guardar la ropa” (metáfora). Con la expresión “nadar y guardar la ropa” Lope nos da este consejo que trastoca (sconvolge) la idea de la honra, o la mantiene por lo que pertenece a las apariencias = el arte de saber dar libre espacio a tus deseos (gozar) pero manteniendo siempre las apariencias. “Leonarda fue discreta ” = inteligente. En La viuda valenciana como en otras comedias barrocas, la mujer protagonista aparece como un sujeto de deseo capaz de movilizar y transformar la realidad para satisfacer sus deseos. Leonarda es el motor de la accion, mueve los hilos del enredo mientras que el otro personaje principal, Camilo, experimenta durante toda la trama una sensación de desorientación. Lope, en su dedicatoria, se dirige a la señora Marcia Leonarda = Marta de Nevares = la última amante de Lope, a la cual Lope atribuye el fracaso de sus pretenciones palaciegas: él ya había tomado las ordenes, se enamora de esta chica de 22 años, y esta la habían casado a 13 años con un hombre que la maltrataba y la hacia sufrir. Se conocen (a una fiesta literaria) con Lope y empieza un amor apasionado. La hija de Lope (clerigo) luego la reconociò el marido de Marta. Luego el marido de Marta muere y ella enviuda. Lope celebra gozoso, con palabras irreverentes, el fallecimiento del marido de Marta (cuyo padre es llamado “putativo y puto” = aquì hay un juego de palabras). El matrimonio es visto como encarcelamiento, mientras que la viudez es una liberacion. Ademas, en la dedicatoria, Lope establece una vaga conexion entre su comedia y una situacion real: el autor afirma “no fue todo mentira”. En el entorno de Lope los casos de amores secretos eran bastante frecuentes y él mismo portagonizò algunos bien conocidos (Marta de Nev, la actriz Elena Osorio). OLEZA, LA COMEDIA: EL JUEGO DE LA FICCION Y DEL AMOR Segun Oleza, lo que ocurre en La viuda valenciana es una pequeña fiesta en el gran festival del teatro barroco, donde triunfan los sentidos y tambien la imaginacion de los espectadores. En la obra el erotismo es mucho menos directo y verbalizado que en el teatro renacentista: aquì hay un erotismo oblicuo, no encontramos palabras sino que gestos; las escenas con Leo y Camilo deben ser breves y el dia siguiente ellos cuentan los hechos a otros interlocutores (asì que hay saltos analepticos). Adquiere especial relieve el sentido del tacto: en esta obra no se conoce solo con los ojos. En la comedia la única motivación realmente seria es el amor, un amor que se abre como fuerza pulsional capaz de transgredir todas las convenciones del orden social y que, de ese modo, abre la puerta al catálogo de subversiones, inmoralidades y transgresiones tipicas de la comedia barroca. Y un amor que, en el tramo final de la comedia, se transforma en voluntad de integración social y, por tanto, en deseo de matrimonio. Esto porque, como explicaba León Hebreo, el amor nace del deseo, y el deseo de la carencia, pues sólo se puede desear lo que no se tiene; pero una vez satisfecho, el deseo no puede perpetuarse y debe acabar en la institución social del matrimonio. Oleza, retomando Wardropper, habla de comedia pura, que tiene una mision esencialmente ludica (a traves de la imaginacion, de las insospechadas posibilidades del enredo, de las identidades ocultas = mascaras, travestismos, amores secretos); mientras que el drama está obligado a transmitir el dogma, la comedia se instala en la amigüedad/el amoralismo/la irriverencia. En la comedia la realidad es ignorada o sublimada, segun los generos; si el autor nos ofrece ciertos
aspectos de la realidad (momentos costumbristas y ambientes domesticos de capa y espada) es para mejor escamotearla. Teresa Ferrer retoma Oleza, afirmando que en realidad, en base a la selva taxonomica de la comedia, hay que considerar La viuda valenciana como comedia urbana/o de capa y espada = ambientacion urbana, no necesitaba de grande aparatos para la representacion (herramientas minimas) - (corrales, tramoya = estructura que permitia a los personajes o a las cosas moverse en el espacio de la verticalidad, bofeton = especie de estructura rotatoria a traves de la cual el personaje desaparecia, escotillon = apertura en el suelo de donde salian algunos personajes).
