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La tragedia Aristotele definiva la tragedia come opera imitativa di un’azione seria, completa, con una certa estensione, eseguita con un linguaggio adorno distintamente nelle sue parti per ciascuna delle forme che impiega, condotta da personaggi in azione e non esposta in maniera narrativa. Adatta a suscitare pietà e paura, producendo di tali sentimenti la purificazione che i patimenti rappresentati comportano. Le novità dell’invenzione tragica:
- Continuità: si colloca all’interno della tradizione poetica precedente, per metrica, stile e materiale (il mito).
- Novità: i personaggi si staccano dalla trama del racconto e non sono presentati da un narratore esterno ma compaiono davanti al pubblico come distinte individualità. L’epica è ἔπος, il teatro è δρᾶμα. È uno spettacolo: θέᾱτρον da θεάομαι. Il coro canta e danza, l’attore recita, il testo è accompagnato dalla musica, inoltre l’apparato scenico contribuisce a rendere il dramma un evento fastoso ed emozionante.
- La tragedia è obbligata a ritagliare un solo momento del mito e a collocarlo in un tempo e in uno spazio rappresentabili sulla scena (Poetica di Aristotele): differenza con la poesia precedente. L’azione drammatica consente però di scavare nei personaggi e nella loro psicologia. Il teatro riesce quindi a tradurre il mito in termini assai più vicini all’esperienza degli spettatori.
- Impatto emotivo sull’uditorio, esperienza teatrale psicodramma collettivo in cui è coinvolta tutta la città. Ha anche un aspetto rituale perché si svolge all’interno di una festa religiosa. Il teatro come fenomeno di massa: cassa di risonanza per le idee, i problemi e la vita culturale e civile di Atene. La materia della tragedia viene dal mito, ma questo è una metafora dell’universo cittadino di Atene, anche quando è ambientato altrove. Th. Nestle: la tragedia nasce quando si comincia a guardare il mito con gli occhi del cittadino. La tragedia si proietta al di là di un circoscritto momento storico: pone problemi che riguardano l’interpretazione complessiva del destino umano. Elementi costitutivi del dramma:
- dolore: la tragedia mette sulla scena il πάθος. Si è detto che solo il mondo greco poteva inventare la tragedia, essendo laico e proiettato verso la vita in tutte le sue manifestazioni. Th. Steiner: la cultura greca non conosce la redenzione e non proietta un sistema di premi e castighi oltre l’esistenza fisica; per le sofferenze non c’è una spiegazione, come una colpa dell’uomo o un piano provvidenziale della divinità esistono e basta, sono una parte inevitabile dell’esperienza umana.
Per questo la tragedia è estranea alla concezione ebraico-cristiana del mondo. La tragedia greca non mette mai in scena la lotta del bene contro il male e non proclama la necessità della vittoria del primo sul secondo.
- La scelta: l’eroe è posto davanti a due possibilità, entrambe dolorose. Non si abbandona al destino con fatalismo, ma agisce e affronta la sua sorte pur sapendo che lo aspettano la sciagura e l’infelicità; è incapace di compromessi.
- Il destino: i personaggi sono liberi di scegliere e agire autonomamente, ma si scontrano con: gli dei - i nemici umani - il caso - il fato - la comunità con le sue leggi e i suoi vincoli. Talvolta (soprattutto in Euripide) l’eroe è spinto alla rovina da forze oscure dentro di lui che sfuggono al suo controllo e lo portano all’autodistruzione. Il pubblico del dramma: la teoria aristotelica della catarsi: Aristotele ha elaborato i concetti di μίμησις e κάθαρσις. La poesia genera una realtà fantastica, modellata sulla realtà, ma diversa da essa. I poeti generano un’illusione capace di attirare a sé stessa lo spettatore, così da impedirgli di discernere la differenza fra mondo reale e quello da cui è assorbito. Gorgia sosteneva che lo spettatore più sapiente è colui che più si lascia ingannare. In questo modo si fa trascinare dalla profonda emozione generata dall’illusione e si identifica con i personaggi. Le fonti antiche parlano in effetti di forti manifestazioni di emotività collettiva, amplificate nel vasto uditorio teatrale. La κάθαρσις è descritta da Aristotele come δι' ἐλέου καὶ φόβου περαίνουσα τὴν τῶν τοιούτων παθημάτων κάθαρσιν (Poetica, 1449b). Il significato preciso di κάθαρσις non è chiaro, ma presuppone una forte empatia tra il pubblico e l’azione drammatica, per cui gli spettatori si identificano con le passioni rappresentate sulla scena. Si genera quindi un trasferimento psicologico che produce una liberazione da queste emozioni. Il fine della tragedia è quindi anche educativo: il pubblico esce dal teatro diverso da come vi era entrato. Ecco il testo aggiuntivo suddiviso in paragrafi: L’origine della tragedia secondo Th. Pierre Vidal-Naquet non vi è altra origine della tragedia che la tragedia stessa. Aristotele (Poetica 1449a) afferma che la tragedia nasce da origini improvvisate da coloro che intonano il ditirambo. Da brevi trame e da uno stile burlesco, la tragedia derivava da un elemento satiresco e presto assunse un carattere serio, mentre il metro da tetrametro trocaico divenne giambo, più adatto a una poesia di tipo serio e collegata con la danza.
la biacca e poi avesse introdotto la maschera. Frinico fu autore de La presa di Mileto (forse
- e le Fenicie (479). Pratina inventò il dramma satiresco che imita la struttura e l’argomento mitico della tragedia inserendo la presenza dei satiri guidati da Sileno. I satiri sono esseri deformi, in parte umani e in parte animali, voraci e codardi, tuttofare (rematori, peccatori, segugi) che accompagnano le azioni degli eroi; tutto si conclude con un lieto fine. Ci è pervenuto solo un dramma satiresco, il Ciclope di Euripide, oltre a scarni frammenti dei Segugi di Sofocle. Secondo th. Wilamovitz, il dramma satiresco è il progenitore della tragedia, ma di sicuro appare dipendente dalla tragedia: i poeti tragici, non i comici, le componevano; si può dire che fungeva da appendice semiseria alla trattazione drammatica del mito. L’organizzazione degli spettacoli teatrali era un evento importante nella vita culturale e sociale dell'antica Atene. Gli spettacoli si svolgevano durante le Grandi Dionisie nei giorni 9 - 13 del mese di Elafebolione, alla fine di marzo. Attorno al 440 a.C., furono istituite le Lenee nei giorni 12 - 14 del mese di Gamelione, alla fine di gennaio, principalmente con spettacoli comici. Le Grandi Dionisie erano organizzate dallo Stato e sotto la supervisione dell’arconte eponimo, che sceglieva tre cittadini a cui affidare la coregia. Gli attori e i poeti erano pagati dallo Stato. A volte il corego rifiutava l'incarico: in tal caso doveva indicare un cittadino più abbiente a cui affidare l’incarico, il quale, in caso di rifiuto, era obbligato all’ἀντίδοσις, valido per tutte le liturgie. Gli agoni prevedevano premi per il miglior coro, il miglior attore e il miglior poeta. Partecipavano tre poeti che presentavano una tetralogia (tre tragedie + un dramma satiresco), con ogni tetralogia recitata nello stesso giorno, quindi le rappresentazioni duravano 3 giorni; il quarto giorno venivano rappresentate tre commedie, ognuna da un poeta diverso. La scelta dei concorrenti era affidata all’arconte eponimo, forse sulla base di un copione provvisorio o di un soggetto che venivano completati in caso di accettazione della candidatura. Prima degli spettacoli si svolgeva il proagone, un'anteprima delle tragedie, dove poeti, coreghi, cori e attori sfilavano all’Odeon con i costumi di scena ma senza maschera. Lo spettacolo era aperto a tutti, e già nel V secolo probabilmente erano ammessi anche donne, bambini e schiavi; sicuramente questo accadeva in epoche successive. Durante le rappresentazioni, era prevista una giuria formata da 10 persone, una per tribù, estratte a sorte da una lista di cittadini. Ogni giurato poneva in un’urna una tavoletta con la sua classifica, e l’arconte estraeva cinque tavolette sulla base delle quali era indicato il
vincitore, che veniva incoronato con una ghirlanda d’edera e riceveva consistenti premi economici. Parti della tragedia:
- Il πρόλογος è un monologo o dialogo che in Eschilo e Sofocle è spesso dialogico e coincide con l’inizio dell’azione drammatica vera e propria. In Euripide, è caratteristico monologo con funzione extradrammaturgica, facendo ricapitolare l’antefatto da un personaggio, di solito una divinità che poi non gioca nessuna parte nella tragedia.
- La πάροδος è l'entrata in scena del coro attraverso corridoi laterali per disporsi al centro dell’orchestra, dove intonava all’unisono un canto accompagnato da movimenti di danza. La disposizione è in forma quadrangolare, mentre nei ditirambi è circolare. Nelle Supplici e nei Persiani di Eschilo, prologo e parodo coincidono, forse in una fase arcaica del dramma.
- Gli ἐπεισόδια sono tre o più (letteralmente "entrate") recitati dagli attori che entrano successivamente in scena, spesso accompagnati da comparse mute (κωφά πρόσωπα). In origine c'era un solo attore che dialogava con il coro, ma Eschilo introdusse il secondo, e Sofocle il terzo. Nel dialogo, interviene anche il coro, in genere con brevi battute affidate al corifeo. Forme tipiche della tragedia:
- La ῥῆσις è un lungo brano recitato da parte di un personaggio, come i messaggeri, e compare anche nelle parti dialogate quando due personaggi sostengono le proprie ragioni.
- La στῐχομῡθία è una battuta di un solo verso che si ha nei momenti più concitati, mentre l᾽ἀντιλαβή si verifica quando un verso è diviso tra due personaggi.
- La μονῳδία è un brano cantato da un attore nei momenti di maggior tensione patetica, mentre il κομμός è un duetto cantato tra il coro e l’attore, oppure è un canto amebeo tra due attori. Si può trattare di recitazione in trimetri giambici oppure di παρακαταλογή, accompagnato dal suono del flauto e segnalato dall’uso del tetrametro trocaico.
- Lo στάσιμον è una melodia corale alla fine di ogni episodio, che rappresenta un intermezzo ad azione sospesa in cui il coro commenta la situazione che si sta sviluppando. Può ampliarsi fino a dibattere questioni sociali o culturali. Verso la fine del V secolo, il coro fu sostituito da intermezzi corali intercambiabili che venivano cantati per intrattenere il pubblico tra un episodio e l’altro, chiamati ἐμβόλιμα.
L'iscrizione sulla tomba di Eschilo a Gela recita: "Questa tomba in Gela, ricca di messi, racchiude Eschilo, figlio di Euforione. Il suo nobile valore potrebbero narrarlo il bosco di Maratona e il Persiano dalle lunghe chiome che l'ha sperimentato." Eschilo vantava 13 vittorie durante la sua vita e altre 15 furono attribuite postume. Si crede che abbia scritto circa 90 drammi, come riportato dalla Suda, ma oggi sono noti solo i titoli di 79 opere. Di queste, solo 7 sono sopravvissute fino ai giorni nostri (Persiani, Sette contro Tebe, Supplici, Prometeo incatenato, Orestea, Tiratore di reti, Spettatori giochi Istmici) Eschilo è noto per le sue trilogie drammatiche che non si focalizzano su un singolo personaggio, come nel caso di Sofocle, ma piuttosto su storie collettive. Indipendentemente dal luogo in cui si svolge il dramma, Atene funge sempre da sfondo. Eschilo non era solo un drammaturgo, ma anche un regista, coreografo e attore. Ha introdotto il secondo attore, consentendo lo sviluppo di dialoghi più complessi tra i personaggi. I personaggi nelle tragedie di Eschilo sono inflessibili e affrontano il proprio destino fino alle estreme conseguenze. Sono monodimensionali, mostrando un solo lato della loro personalità, dominato da passioni assolute. Pur avendo una forte volontà di autoaffermazione, si scontrano con forze invisibili che limitano la loro autonomia, come il destino o gli dei. Sono spesso trascinati da forze oscure come l'ὕβρις (superbia) e l'ἄτη (colpa prodotta da un oscuramento del pensiero). Il messaggio fondamentale delle tragedie di Eschilo è che l'uomo deve riconoscere i limiti dell'umano e restare entro di essi. Infrangere questi limiti porta alla rovina. Eschilo affronta temi come la colpa tragica, la giustizia divina e l'equilibrio tra ordine e caos. Il teatro di Eschilo si sviluppa su tre piani sovrapposti: il cielo, la terra e il mondo sotterraneo, che fanno parte di un sistema religioso e morale comune. La Δίκη (giustizia) regola i rapporti tra gli uomini nella società secondo la legge degli dei. Eschilo rappresenta l'ultima espressione della cultura arcaica, con temi di vendetta e colpa che si estendono da una generazione all'altra. Il suo teatro è impregnato di elementi visionari e fantastici, con scene di forte emotività capaci di generare pietà e terrore grazie agli effetti speciali, come fantasmi, allucinazioni e demoni. Eschilo è considerato il vero fondatore del linguaggio tragico, caratterizzato da una distanza dalla quotidianità e da una forte tendenza all'invenzione verbale. Eschilo trovava la lingua della tradizione poetica insufficiente per esprimere appieno le sue visioni drammatiche, quindi ricorreva spesso a neologismi, metafore ardite ed epiteti composti, che talvolta accumulava in serie. Il suo stile linguistico si distingue per la sua audacia e originalità, attraverso la quale trasmetteva l'intensità emotiva e la complessità dei temi trattati nelle sue opere. Eschilo ha contribuito significativamente allo sviluppo della lingua poetica
tragica, creando un linguaggio ricco e evocativo che è diventato un marchio distintivo del genere. Il dramma "I Persiani" di Eschilo si svolge a Susa, capitale dell'impero persiano, dopo la disastrosa sconfitta subita dalla flotta persiana contro gli Ateniesi nello stretto di Salamina. Il coro, composto da anziani, lamenta la tragedia che ha colpito l'impero, dove la giovinezza è stata decimata dal re Serse, che ha condotto le truppe in Grecia. Atossa, madre di Serse e vedova del re Dario, evoca l'ombra del defunto marito per cercare conforto e comprendere la disastrosa sconfitta del loro figlio. Dario appare dal suo sepolcro e condanna la superbia di Serse, considerata la causa della rovina dell'impero. Successivamente, un messaggero racconta l'annientamento della flotta persiana ad opera degli Ateniesi a Salamina, descrivendo un mare coperto di cadaveri e relitti. Serse fa il suo ingresso sulla scena, umiliato e sconfitto, con le sue vesti stracciate. Il dramma si conclude con il lamento del coro di anziani, che piange la tragedia che ha colpito l'impero persiano. Rappresentati nel 472 come prima tragedia di una trilogia (non legata) che comprendeva Fineo, Glauco e il dramma satiresco Prometeo accenditore del fuoco. Questa rappresentazione costituì un'eccezione alle convenzioni del teatro, in cui solo il mito era soggetto di tragedia. L’esaltazione rappresentata in questa tragedia riflette la potenza di Atene e il sostegno alla politica di espansionismo verso Oriente, fondata sulla potenza della flotta ateniese. La vicenda è ambientata in terra persiana, offrendo quindi un punto di vista degli sconfitti che non vengono visti semplicemente come barbari da deridere o odiare. L'interpretazione delle guerre persiane evidenzia la contrapposizione fra la πόλις greca e la monarchia assoluta orientale. Serse è rappresentato come un modello mitico di uomo arrogante, condotto dalla sua smania di potere. I Persiani sono rappresentati come un popolo sofferente per la colpa di un capo di cui pagano le conseguenze, secondo il principio arcaico della responsabilità collettiva. L'invocazione dello spettro di Dario offre una prospettiva più ampia sugli eventi, oltre a una semplice glorificazione dei vincitori o una commiserazione per i vinti. Eschilo mostra una forte religiosità e fiducia nella giustizia divina, sottolineando che la vittoria dei Greci è stata frutto non solo del loro valore, ma anche del favore degli dei. Dario, evocato dall'ombra, critica l'atteggiamento di Serse, che ha osato sfidare la natura e gli dei con la sua arroganza. Questo contrasto tra padre e figlio, tra saggezza e arroganza, offre una chiave di lettura più ampia degli avvenimenti. La sconfitta di Serse e dei Persiani è vista come una punizione divina per la loro superbia e prepotenza. Le ultime parole di Dario esortano alla riflessione sulla fragilità umana e alla consapevolezza che il destino può mutare in un solo giorno. Il dramma "I Sette contro Tebe" narra della maledizione scagliata da Edipo sui figli Eteocle e Polinice, i quali si trovano in contesa per il potere. Eteocle ha scacciato Polinice, il quale
Successivamente uccide anche la madre, con l'aiuto di Pilade. Le Erinni vendicatrici costringono Oreste a fuggire in preda alla follia. SOFOCLE Sofocle nacque a Colono, un sobborgo di Atene, attorno al 496 da una famiglia molto agiata. Morì nel 406. Si ritiene che abbia condotto il coro di giovani che cantò il peana di ringraziamento per la vittoria di Salamina nel 480. Esordì come poeta tragico nel 468 e partecipò attivamente alla vita politica, ricoprendo cariche pubbliche, inclusa quella di stratego durante la repressione della ribellione di Samo nel 440. Sofocle contribuì alla diffusione del culto di Asclepio, il cui tempio sorgeva vicino al teatro di Dioniso. Dopo la sua morte, ricevette onori eroici. Le sue opere includono: - "Aiace" - "Antigone" "Trachinie" - "Edipo re"- "Elettra" - "Filottete" - "Edipo a Colono" - "Segugi" Sofocle era certamente molto religioso, ma nelle sue tragedie non emerge mai una visione provvidenziale della realtà. Mentre Eschilo dipinge gli dei come garanti della giustizia e sottolinea la punizione conseguente a ὕβρις e ἄτη, Sofocle lascia i suoi personaggi soffrire spesso senza una chiara ragione. Anche se Sofocle pensa che gli dei influiscano sul destino umano, lo fa in modo incomprensibile ai mortali. La volontà degli dei non si manifesta chiaramente, gli oracoli possono ingannare e il progetto divino rimane segreto. Come afferma George Steiner, "Chiedete giustizia o spiegazioni, e per tutta risposta vi giungerà il sordo muggito del silenzio". Sofocle rappresenta l'emblema dell'Atene periclea insieme a Fidia: nei suoi versi sono presenti i temi della cultura cittadina, le leggi, la politica e i rapporti fra la libertà individuale e l'autorità dello stato. Si può notare l'influenza della cultura sofistica nelle opere di Sofocle, con il ricorso all'agone, in cui due avversari si confrontano con tesi opposte sullo stesso argomento, evidenziando la complessità e l'ambiguità dei temi trattati. Sofocle, come drammaturgo, si concentra sulla centralità dell'eroe tragico. L'eroe in questione è spesso isolato, ma non necessariamente un ribelle; è piuttosto isolato contro la sua volontà, poiché una forza esterna lo pone di fronte al suo dolore in modo da separarlo dalla collettività. L'eroe domina la scena e l'autore lo circonda con interlocutori che non possono stargli alla pari. Le tragedie sono quindi costruite attorno a un protagonista e al suo destino, conferendo al personaggio sofocleo uno spessore psicologico che manca in Eschilo. Sofocle delinea il carattere e le motivazioni psicologiche dell'eroe tragico. Egli è in grado di cambiare atteggiamento, evolversi, ma è condizionato dalle proprie passioni. L'autore anonimo della Vita di Sofocle descrive: "Egli è maestro nel cogliere l'esatto ritmo dell'azione, tanto che persino da un mezzo verso o da una parola soltanto sa creare un carattere, e questa in poesia è la dote più grande: illuminare un carattere o una passione".
Sofocle non si limita a rivelare le sofferenze dell'eroe, ma mostra come poco a poco egli diventi consapevole delle sue sofferenze e maturi una nuova autocoscienza. Per Eschilo, la frase che riassume il destino di un eroe è "Che devo fare?" mentre per Sofocle è ἄρτι μανθάνω, "Ora capisco", una consapevolezza acquisita in un ultimo e doloroso istante. Tipica di Sofocle è la μεταβολή, il mutamento profondo che investe il protagonista quando riconosce il proprio destino e realizza di non potersi opporre ad esso. Mentre gli dei "non vengono toccati da morte e da vecchiaia" (Edipo a Colono, verso 607), l'uomo è sottoposto a sciagure, mutamenti, alternanze di sventura e fortuna. Il dolore e la consapevolezza giungono improvvisamente a rovesciare l'esistenza di una persona e a mostrare quanto siano fragili le basi su cui si fonda. La consapevolezza è un istante che matura a poco a poco ed è il prodotto di un destino che si prepara da lontano. Sofocle introdusse diverse innovazioni drammaturgiche nel teatro greco. Una di queste innovazioni fu l'ἀντιλαβή, che consisteva nella suddivisione di un verso tra due personaggi, creando un dialogo più dinamico e coinvolgente. Inoltre, Sofocle introdusse il terzo attore sul palcoscenico, consentendo una maggiore varietà di interazioni tra i personaggi. Un'altra innovazione fu l'aumento del numero dei coreuti da 12 a 15, ampliando così le possibilità coreografiche e rendendo le scene corali più imponenti e coinvolgenti per il pubblico. Sofocle contribuì anche al miglioramento delle macchine e degli impianti scenici, permettendo effetti speciali più sofisticati e spettacolari durante le rappresentazioni teatrali. Una delle innovazioni più significative di Sofocle fu l'abbandono della trilogia legata, in cui tre drammi erano collegati da un tema comune. Invece, ogni dramma di Sofocle era autonomo come testo e al centro era posto il personaggio nella sua individualità, consentendo una maggiore varietà di temi e trame drammatiche. Per quanto riguarda lo stile, Sofocle utilizzava un tono medio con una scrittura equilibrata. Evitava le parole del linguaggio quotidiano o le strutture sintattiche comuni, differenziandosi in questo modo da Euripide, che invece integrò spesso elementi colloquiali e linguistici più comuni nelle sue opere. Aiace è un eroe desideroso di vendicarsi del torto subito dai capi dell'esercito acheo, che hanno assegnato le armi di Achille a Odisseo invece che a lui. Egli si precipita di notte fuori dalla sua tenda per sterminarli, ma Atena ottenebra la sua mente e lo spinge a fare strage di buoi. Successivamente, racconta l'accaduto a Odisseo, che sta seguendo le tracce del massacro. Nel prologo, Aiace appare ancora esaltato e delirante, esibito come un fantoccio da Atena davanti agli occhi di Odisseo, destando "pietà e terrore" nel pubblico. Odisseo, passando dalla circospezione alla paura e poi alla solidarietà umana verso il rivale, comprende la sorte di Aiace. Quest'ultimo, rinsavito, si rende conto di essersi reso ridicolo e
Il conflitto si sviluppa anche attorno al concetto di φῐλία, inteso come il vincolo di lealtà che lega individui dello stesso gruppo. Mentre per Creonte questo legame è sociale, per Antigone è familiare. La ribellione di Antigone contro le leggi dello Stato e della famiglia può essere interpretata come un atto di ὕβρις, anche se si basa sulla pietà religiosa e il culto familiare. Inoltre, Antigone si contrappone ad altre donne tragiche come Clitemnestra e Medea perché agisce nella direzione della pietà religiosa e del culto familiare, considerati necessari per la sopravvivenza della città. La sua celebre dichiarazione "Io dovrò essere cara ai morti molto più tempo di quanto debba essere cara ai vivi" riflette il suo senso del dovere familiare e la sua fede nei confronti degli dei. Le Trachinie: Deianira attende ansiosamente il ritorno del marito Eracle, che è stato lontano per molto tempo. Viene portata una buona notizia: Eracle è vivo e ha compiuto una nuova impresa, conquistando la città di Ecalia ed è prossimo al ritorno. Tuttavia, Deianira scopre che Eracle ha conquistato Ecalia per amore di una delle prigioniere, la giovane e bella Iole. Pur abituata alle infedeltà del marito, Deianira si tormenta per la gelosia e si ricorda di un filtro d'amore donatole dal centauro Nesso, raccomandandole di usarlo quando avesse avuto bisogno di riconquistare il marito. Dopo aver cosparsa una tunica con il filtro, Deianira la invia in dono a Eracle. Tuttavia, quando Eracle indossa la tunica, viene colto da atroci spasmi e uccide l'araldo Lica, ignaro portatore del dono avvelenato. Deianira apprende ben presto l'effetto funesto del suo regalo e viene maledetta dal figlio Illo per il suo gesto; senza una parola, rientra nella reggia dove si ucciderà. Poco dopo, Eracle entra in scena su una lettiga, consumato dalla veste avvelenata, desideroso di vendicarsi della moglie. Tuttavia, quando Eracle viene a conoscenza del filtro di Nesso, comprende che per lui si è avverato un antico oracolo e che la fine è prossima. Chiede quindi al figlio di condurlo su una pira e di prendere in sposa Iole. Gli dei lo trasporteranno in cielo e gli doneranno l'immortalità. Le Trachinie sono ambientate a Trachis in Tessaglia e si concentrano sulle ansie e la gelosia di Deianira per il suo sposo Eracle, che è sempre stato impegnato nelle sue imprese eroiche. La tragedia ha un carattere più privato rispetto ad altre, poiché al centro della scena c'è la vicenda di una coppia. Edipo re: Su Tebe regna Edipo, che dopo aver risolto l'enigma della Sfinge ha ottenuto il trono e la regina Giocasta in moglie, senza sapere che lei è sua madre. Un'epidemia colpisce la città, e per porre fine alla pestilenza, si inviano messaggeri a Delfi. L'oracolo di Apollo rivela che il male cesserà quando sarà trovato l'assassino di Laio, il precedente sovrano. Edipo maledice il colpevole e lo condanna all'esilio. L'indovino Tiresia rivela che il responsabile è lo stesso Edipo.
Giocasta cerca di dissuadere Edipo dal credere agli oracoli e gli rivela la verità: Laio è stato ucciso lontano da casa e il figlio è stato esposto subito dopo la nascita. Edipo ricorda di aver ucciso un uomo a un trivio, anche se credeva di essere figlio di Polibo, re di Corinto. Un messaggero conferma la morte di Polibo e rivela che Edipo è solo il figlio adottivo. Giocasta capisce la verità e si uccide. Viene convocato un vecchio pastore, unico testimone dell'omicidio di Laio, che conferma di avere portato Edipo sul Citerone. Edipo, distrutto dalle rivelazioni, si acceca e Giocasta si impicca. Creonte diventa il nuovo reggente di Tebe e decide il destino di Edipo. La tragedia di Edipo è un esempio di caduta di un uomo dalla prosperità alla rovina a causa di un'ἁμαρτία involontaria. Sofocle non condanna Edipo ma mostra la sua ostinata volontà di portare alla luce il passato, rendendolo un φαρμακός che deve essere espulso per la contaminazione che ha causato. La grandezza tragica di Edipo risiede nella sua responsabilità oggettiva e nel suo desiderio di conoscenza. Elettra è il perno dell'azione nella tragedia omonima, a differenza delle opere di Eschilo dove Oreste è al centro. Covando un odio incoercibile verso gli assassini del padre, Elettra vive nella speranza del ritorno di suo fratello Oreste, che è stato salvato da lei molti anni prima e ora torna a Micene per vendicare l'uccisione di Agamennone. Maltrattata dagli assassini del padre e disprezzata dalla madre, Elettra non vuole rinunciare alla vendetta. Oreste organizza un intrigo per ottenere la vendetta: fingendo la propria morte, può vedere la reazione della madre e confermare l'affetto immutato di Elettra, desiderosa di attuare la vendetta anche da sola. Dopo aver rivelato la propria identità, Oreste organizza con Elettra il piano per uccidere la madre e successivamente Egisto, il suo amante e complice nell'assassinio di Agamennone. La tragedia culmina con la morte della madre invocante pietà e quella di Egisto, avvenuta nello stesso luogo dove Agamennone fu ucciso. Elettra è il simbolo della tragedia dell'odio femminile, consumato dal rancore, dal lutto e dall'attesa di una vendetta che è il compimento della giustizia. La sua forza è l'odio che la consuma, ma allo stesso tempo le permette di vivere. Filottete , nell'omonima tragedia, è un personaggio che vive da dieci anni sull'isola deserta di Lemno, abbandonato dai suoi compagni achei a causa della ferita infetta provocatagli da una vipera. Rimasto solo e disperato, Filottete vive una vita misera e solitaria, annientato non solo dalla sofferenza fisica, ma anche dall'isolamento e dalla perdita di fiducia negli uomini. Odisseo e Neottolemo si recano a Lemno per impadronirsi dell'arco di Eracle, essenziale per la conquista di Troia. Odisseo elabora un piano per ingannare Filottete, ma quando
