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INTRODUCCIÓN
El método iconográfico lo establece Panofsky, con la intención de acercar al pensador el significado de la obra, por lo cual se necesita una formación de ciencias auxiliares. Está dividido en tres niveles: -Pre-iconográfico: ser capaces de reconocer la obra en su sentido más elemental, sin necesitar de ninguna manera información. -Iconográfico: es el tema de la obra simplemente, tratando de descifrar los contenidos temáticos. Hay que recurrir a la tradición cultural, al dominio de las tipologías iconográficas y las fuentes literarias. Aquí hay que identificar también todo lo que vemos (personajes que aparecen, etc). -Iconológico: persigue descifrar el significado que hay tras las intenciones del creador, interpretando el contenido de una obra. Propone adentrarse en el campo de la investigación y el estudio. Estudiar la obra en el contexto histórico teniendo en cuenta quién lo encarga, por qué, cuál es su propósito y a qué está destinada. El descendimiento de Van der Weyden fue encargada por un gremio de ballesteros, los promotores de esta obra hecha para una capilla de estos, por eso aparecen ballestas en las esquinas de la obra. María de Hungría se queda absolutamente enamorada de esta obra cuando la ve, por lo que paga una cantidad muy elevada de esta obra para poder conseguirla y a su vez le da un órgano y cambia esta obra por otra. Lo coloca en la capilla del palacio que reformó María de Hungría. El empeño que tenía por comprar esta obra se debe a un movimiento religioso llamado “devotio moderna”, que consiste en propugnar un acercamiento más estrecho entre el fiel y la divinidad, por lo que estas obras tan realistas conmueven al espectador.
EL LENGUAJE DE LAS IMÁGENES
Las imágenes son fundamentales en el campo de la expresión, sometidas cada vez más a procesos que nos transmiten sentimientos y mensajes con tan solo verlas. El mensaje puede ser variado en las imágenes, pero cuando se trata de un mensaje es muy conciso, con una sola imagen podemos decir muchas cosas.Los artistas usan muchos tipos de mensajes (políticos, alegóricos, etc). En el románico la imagen no pesa tanto del punto de vista estético, sino de lo que quiere transmitir. En el renacimiento esto cambia y se acompleja muchísimo, dando gran importancia a la belleza. Pasa de hacer obras a un público extenso y con tema conciso a algo más complejo que se necesita más estudio y para un público mucho más reducido. A la hora de analizar el lenguaje de las imágenes, conviene distinguir como ocurre con el lenguaje escrito, tres aspectos sobre los que se articula el sistema de signos: el léxico (formas dibujadas y floreadas que se distribuyen de varias maneras para tener un significado), la gramática (el significado de una imagen va a depender mucho de una cultura o civilización donde se inserte) y el estilo (se compone de palabras con un significado completo). Nosotros valoramos la obra desde un punto de vista estético e histórico, y se irán añadiendo los sentimientos. En el lenguaje figurativo, la gramática (los signos) son las líneas y los colores que componen una imagen, que no aparecen de modo caótico, sino de una manera ordenada.
En el estilo, según las épocas existen distintas tradiciones artísticas, y dentro de cada época cada artista tiene una forma de trabajar diferente. El artista no suele inventar imágenes, sino que coge las culturas, religiones, etc para ir representándolas con cambios. Lo que vamos a hacer al estudiar las imágenes es que vamos a fijarnos en las formas, los motivos y los elementos figurativos. Cuando hablamos del tema, es el asunto en torno al cual se va a hacer una obra de arte, normalmente corresponde con el nombre de la obra. Sin embargo, el motivo es el subtema o asunto menor que nos podemos encontrar dentro de la obra que estamos viendo. El segundo de los apartados son los elementos figurativos que utiliza un artista para representar una idea. La figura es el principal elemento, componente esencial, entendiendo esto como a un ser humano, refiriéndonos a un conjunto como grupo, y si están desarrollando una acción tenemos que referirnos a una escena. La personificación es encarnar una idea abstracta o la naturaleza. El atributo es el objeto real que define o caracteriza la personalidad de una figura, de acuerdo con hechos de su biografía o con determinados significados convencionales. El símbolo es una representación de un icono, imagen o forma, de forma que acaba representándose como su imagen principal, algo que nos recuerde o lleve a ello. Ejemplo de forma sintética. La alegoría es la representación simbólica de ideas abstractas mediante figuras, grupos de estas o atributos. Un ejemplo puede ser la alegoría de la Fe, de Cesare Ripa. No será hasta el siglo XVI cuando se use en formas abstractas, como puede ser la alegoría a los cuatro elementos. MODOS DE EXPRESAR EL CONTENIDO Descriptiva: suelen estar caracterizadas por ser representaciones de un estado de la naturaleza, de un animal, el alma, etc. Están constituidas por elementos cuyo ensamblaje no tiene que ver con los elementos, por lo que es atemporal. Dentro de este hay tres tipos: -Descripción topográfica: representación gráfica de una superficie, ya que está describiendo un paisaje. -Descripción prosopografía: representación de un personaje por sus cualidades físicas y estéticas. -Descripción etopéyica: atiende a los rasgos morales de un personaje, como por ejemplo los cuadros de género holandeses, en concreto “El mundo al revés”. Según la estructura de la descripción, puede ser: directa (claramente más representada) o indirecta (más simbólica, como “The dinner party” que consiste en una mesa de 39 mujeres relevantes en la historia hasta ese momento). Según el modo empleado o la intención del artista: inductiva (da cuenta fácilmente de la realidad que describe) y eufórica (sentimientos). Narrativa: constituida por un conjunto de elementos relacionados entre sí, que representan un hecho y se refieren a una historia completa. Entonces, la imagen consiste en un hecho o historia que se desarrollará en un espacio y contexto temporal específico. Un ejemplo es el “Auto de Fe presidido por Santo Domingo de Guzmán” (1491).
Sofonisba Anguissola es una artista que nació entre 1532-35 en el seno de una familia de la baja nobleza, siendo la mayor de 5 hermanas y 1 hermano. Todos ellos van a recibir disciplinas en letras, música e incluso pintura, ya que querían que las hijas tuvieran una buena educación para conseguir la dote. Van a destacar ella y su hermana en pintura, las cuales se irán a una casa y taller de un pintor llamado Bernardino Campi en 1546. Aquí van a continuar con otro Bernardino trabajando hasta 1551, tiempo en el que su adiestramiento pictórico concluye y se coloca como el artista más autorretratado desde Durero hasta Rembrandt. El espejo era una alegoría muy habitual. El primer autorretrato independiente con la figura del oficio es de Anguissola. Tiziano hará un autorretrato en el que predomina la mancha de color, no la línea como en el de Durero. En este autorretrato lleva una cadena de oro que le regaló Carlos V para acreditarle como caballero de la escuela de oro Uno de los ejemplos más conocidos e importantes es Las Meninas.
BLOQUE 1: EL MÉTODO ICONOGRÁFICO. DEL FORMALISMO AL
CONTEXTO CULTURAL EN EL ESTUDIO DE LA OBRA DE ARTE
La disciplina de la historia del arte estaba dominada por una preocupación de las formas (aspectos formales de la obra como luz, color, etc). Cuando Panofsky empieza a escribir, había una preocupación por esto mismo. Esto aislaba o renunciaba el contexto cultural al que pertenece la obra De hecho, toda la información externa a la obra (datos biográficos, históricos), quedaba relegada a un segundo plano. Se trataba siguiendo el método de Wolfflin, de una historia de la pura visibilidad, en la que el tema de la obra era un pretexto que el artista utilizaba para construir una forma visual más o menos sugerente, es decir, el tema no importa. El formalismo no entendía que el tema de la obra fuese un objeto de interés en sí mismo, y tampoco entendía que la obra estuviera condicionada por el contexto cultural en el que se produce, para que el espectador pudiera apreciar las formas y la obra. Para aceptar esta actitud hacia las obras, hay que comprender que estaba pasando en el s.XIX. En esta época, el desarrollo del arte estuvo muy condicionado por los museos, cuya necesidad era identificar las obras y clasificarlas por periodos y por autores, es decir, nos encontramos en un contexto en el que los grandes museos europeos se van a crear y consolidar. A principios del s.XX en los museos se ordenaban por los nombres y las fechas, pero había infinidad de obras que estaban sin atribuir y a la vez un gran desconocimiento de cómo ordenar estos espacios de los museos. Moreli creó un método llamado método morelliano, el cual consistía en clasificar y ordenar las obras por estilos y talleres. No solamente tenemos que ordenar las obras, sino que distinguir entre reales y copias, por lo que según Moreli había que fijarse en los detalles menos trascendentes e influidos por las características de las escuelas pictóricas a la que cada uno pertenecía, como por ejemplos los lóbulos de las orejas, las formas de las manos, las uñas, etc. Este método le permitió atribuir nuevas obras. Moreli le da un gran valor a lo inconsciente, detalles aparentemente intrascendentes. En cualquier caso,el análisis de la forma o estética eran las principales preocupaciones de los que estudiaban la historia del arte. Realmente para ellos, la iconografía era una ciencia auxiliar, secundaria, hasta el punto en el
que el interés de las obras y estudiar su contenido, es algo que nunca estuvo presente en el estudio de los críticos o historiadores del arte. Será precisamente Panofsky el que inaugure una escuela historiográfica con un enfoque que intenta recuperar la unidad a la obra de arte, que estudie y que valore en un conjunto la obra de arte. Nos va a decir que un buen estudio de un contenido de la obra no solo es importante para comprender la dimensión de la obra, sino que también va a ser muy importante para enriquecer o clarificar los aspectos formales y estéticos. Lo cierto es que Panofsky sea la figura principal de un punto de inflexión que valore y busque el sentido de la obra de arte Hegel, Burckhardt y Dilthey abrirán camino a todo esto antes comentado. Hegel en su obra de introducción a la estética, nos habla del arte como parte de la cultura. Para él, cada civilización tiene lo que él denomina “zeitgeist”, un espíritu de la época, que se define por dos coordenadas fundamentales: el tiempo y el lugar. Un artista que trabaje en un determinado momento y un determinado lugar, estará determinado por este contexto. Las obras producidas por lo tanto para Hegel, representan a las poblaciones y civilizaciones, por lo que la historia del arte nos presenta los distintos escenarios de la historia. El impacto que tiene su pensamiento dejó huella en próximos historiadores, como puede ser en Panofsky, que hace que derive en estudiar el contexto y que concibiera la obra de arte como un ente orgánico que forma la unidad. Para poder entender a Panofsky, es fruto de un contexto y pensamientos artísticos que defiende más la forma y el contenido. Burckhardt estaba fascinado por el arte de la cultura italiana. Su obra fundamental es “La cultura del Renacimiento” donde vamos a ver claramente la influencia de Hegel en Burckhardt. Estudia distintos aspectos que tienen que ver con el renacimiento (poesía, historia, etc) con el de que existe una limitación o unidad temporal y espacial claramente definida. Además, le concede una gran importancia a la aportación individual, a lo que aporta cada artista y a la manera en el que un hecho pueda expresarse en un contexto o en otro contexto. Piensa que el contexto es muy importante, y por otra parte en la importancia de delimitar una serie de principios básicos que van a revelar la actitud de una nación, que van a delimitar un periodo, una clase social, una creencia religiosa, un movimiento filosófico, que de manera inconsciente va a ser asumido por el individuo y que inevitablemente se va a ver condensado en la obra de arte. Para Burckhardt, las creencias o los ideales más íntimos o peculiares de cada nación, solo se pueden transmitir a través del arte. Para él, es la transmisión más fiable, ya que nos está transmitiendo un concepto de forma inevitable sin haberlo pensado, algo que no puedes evitar. Ese transmitir algo, fruto del contexto en el que la obra se produce, nos está anunciando ya de una manera muy clara lo que va a proponer Panofsky de la importancia del tercer nivel, del nivel iconológico que atribuye la importancia al arte. Para Burckhardt las obras de arte eran concebidas como un eslabón en la historia de la cultura, afirmando que existe una conexión íntima o influencia mutua entre el arte y la cultura. Dentro de esa cultura que envuelve el contexto y que de alguna manera influye, para él hay tres factores que son fundamentales: el estado (política), la religión (devoción) y el hecho propiamente cultural (cultura). Entre estos se establecen toda una serie de relaciones que sin duda afectan y condicionan a la producción y concepción del hecho artístico. Al mismo tiempo nos dice que el arte como tal, va a contaminar a la concepción del estado y también al sentimiento religioso. El arte se convierte en testimonio de la historia ya que
era explicar el cambio o evolución que había entre los diferentes estilos. Su objetivo fundamental fue la configuración de un estilo a través de una historia sin nombre, y lo que va a intentar es interpretar la evolución de las formas artísticas, siguiendo una serie de principios de validez universal. Estos conceptos son cinco: lo lineal frente a lo pictórico, lo superficial frente a lo profundo, la forma cerrada frente a la forma abierta, la unidad frente a la pluralidad, y la claridad absoluta frente a la claridad relativa. Él nos va a decir que para entender el concepto de estilo, hay una serie de componentes que condicionan el estilo: por un lado, el componente individual que es el estilo del artista; en segundo lugar, un componente nacional, que es la manera en la que tradicionalmente un lugar representa un tema en un lugar determinado; y en tercer lugar el componente de época, que es la manera en el que en una época se representa un tema. Estos factores van a influir a la hora de crear o componer un estilo, y van a condicionar la configuración artística, el modo de representación, la forma. Para Riegl, la historia del arte no podía estudiarse como si estuviera fraccionada en estilos, y más bien considera que cada fenómeno artístico debe ser entendido como el resultado de una evolución del fenómeno artístico. Este proceso evolutivo es a lo que él llama el concepto “kunstwollen”. Establece este término para nombrar una especie de fuerza superior al propio artista que es la que configura o crea los periodos artísticos que suceden en la historia del arte. Se expresa en el modo en la que el hombre en cada periodo va conformando o creando los objetos, de manera que el estilo es la consecuencia de ese “kunstwollen” o voluntad artística. BLOQUE II: ICONOGRAFÍA E ICONOLOGÍA TEMA 1: DE RIPA Y LA ARQUEOLOGÍA DEL S.XIX A LOS ESTUDIOS ICONOGRÁFICOS FRANCESES DE MÂLE Y GRABAR En el s.XVI, Cesare Ripa había popularizado un significado distinto del término iconología, con el que dio título a una obra en la que él recopila una serie de símbolos, alegorías y personificaciones que pudieran servir a la hora de crear una obra. La iconología de Cesare Ripa es lo que con los años se ha denominado teoría o ciencia de las imágenes. Esta teoría de las imágenes, es o constituye una fuente literaria de carácter fundamental para todos los que estudiamos el arte moderno, especialmente importante desde la época del barroco hasta el mundo del arte contemporáneo. Es importante porque aquí van a encontrar su fuente de inspiración muchos artistas. Ripa crea el primer discurso sistematizado de texto e imagen, y lo hace centrándose en alegorías, emblemas, atributos, que van a personificar las pasiones, los vicios, las alegrías, podríamos decir los diferentes estados de la vida humana. En lo referente al análisis de los personajes, en el s.XIX se creó mucho espacio para describir los temas del arte cristiano, y esto tuvo como consecuencia que aparecieran importantes repertorios iconográficos donde volvían a unirse texto e imagen, pero lo hacían para identificar iconografías del arte cristiano. Una de las figuras más importantes en este contexto fue Émile Male, señalando que la tarea del iconógrafo consistía en la búsqueda de textos literarios y de sus paralelos figurativos, de mantra que se pudiera identificar los temas representados en una obra de arte. Para él, la iconografía no solamente era una descripción de las formas, sino que para él esas formas artísticas tenían una estrecha relación con el espacio y el tiempo. Comienza estudiando el arte de la edad media, y continúa hasta llegar al arte de
la contrarreforma, con una intención que consiste en analizar el pensamiento de la iglesia a través del arte. Otra de las figuras va a ser André Grabar, centrándose sobre todo en la antigüedad y en la edad media, y lo hace en estos periodos porque desde su punto de vista fueron las épocas más representativas para poder analizar el fenómeno de la expresión artística a través de la imagen de los temas inspirados por la religión cristiana. Nos dice que nuestro objetivo es definir los términos iconográficos equivalentes a las palabras y frases de un lugar.
TEMA 2:WARBURG Y SAXL Y LOS ORÍGENES DE LA
ICONOGRAFÍA
Warburg creó un instituto dedicado, sino que también porque algunos de los más importantes iconólogos se reconocen todos ellos como discípulos suyos, aunque cada uno de ellos tengan sus peculiaridades y manifiesten diferentes ideas entre sí. Siguiendo la estela de Burckhardt, Warburg va a proponer como objeto fundamental de su investigación un método que tendrá, como premisa fundamental, la supresión de las barreras entre las disciplinas académicas. Esa propuesta de inmersión interdisciplinaria, se va a relacionar, y va a ser la clave de su propuesta, que de una manera sintética se puede resumir como interpretar la obra de arte por su contexto socio-cultural. En una conferencia que dio en el año 1912, Warburg se propuso desvelar un complicado programa iconográfico para llegar al significado último, utilizando por primera vez la expresión de análisis iconológico, para proponer una aproximación interdisciplinar a la historia del arte, cuyo objetivo crítico sería la interpretación de las obras en su contexto social y cultural. Esta va a ser de su pensamiento que va a defender y caracterizar todas sus obras y su vida, por eso, es necesario acudir a Warburg para referirnos a los inicios de la iconografía. Nació en el año 1866 en el seno de una familia de banqueros, que a lo largo de toda su vida le van a prestar apoyo económico para todos sus proyectos. Sus primeros años de formación recibieron una fuerte influencia de Karl Lamprecht, considerando este al arte como un indicador del talante psicológico de la época, proporcionando una clave para entender los rasgos esenciales de una época (sistemas de gobierno, métodos de producción, su poética, etc) cuestiones fundamentales que subyacen de alguna manera bajo la producción artística. Había formado sus teorías bajo Burckhardt y Hegel, y como ellos, consideraba el arte como expresión de una época, y para hacerlo lo que había que llevar a cabo era elegir ejemplos que, en lugar de estar vinculados en grandes artistas, se fijaba en obras más marginales y en artistas menos considerados, ya que desde su punto de vista podían expresar igual o incluso mejor que los grandes. Otro pensador importante que influyó a Warburg fue August Schmarsow, elaborando un estudio del talante psicológico acerca de la percepción del espacio y de las tendencias hacia la empatía en la apreciación artística, así como los aspectos relativos a la expresión y al gesto. Lo que le interesa es la relación o vínculo que se produce entre la obra de arte y el espectador, interesado también en lo vinculado a la expresión, al gesto, al movimiento. De hecho, su influencia fue decisiva a la hora de delimitar la base de los pensamientos de Warburg.
mucho los contenidos que podríamos denominar oscuros, no filtrados por la cultura, y lo que le interesaba era el reverso, los detalles anecdóticos que perviven desde su punto de vista de una manera soterrada, independientemente de las formas, de los estilos… En el “Atlas Mnemosyne”, es donde concentró todas sus energías y dedicó toda su vida, quedando inconcluso por su muerte, y ha sido imposible de completar por posteriores historiadores del arte. Consiste en una pizarra gigante con una serie de fotografías de obras de arte, de fragmentos de la prensa, de fotografías, de documentos… que él reunía en virtud de sus analogías y similitudes eternas. Intenta reunir todos estos elementos que tuvieran los mismos criterios y un nexo común. Cada conjunto estaba encabezado por un epígrafe que ayudaba a interpretar estas imágenes junto con una palabra clave. Todo el que se ha dirigido allí para concluir este proyecto, no ha sido capaz. Pretendía hacer una cartografía de la historia de la vida en directo. Estas imágenes son una muestra muy evidente de su pensamiento y del orden de su mente. El proyecto tiene 60 tablas en las que se recopilan más de 2000 imágenes, en las que se propone toda una red de relaciones que no son definitivas, que están abiertas. En este caso no hay un criterio previo, solo tenemos una guía, un orden, que es el texto que encabeza las imágenes. Warburg muere en 1929, y es cuando se para el proyecto. Sus dos grandes objetivos eran la representación del pathos en el arte y en la realización del arte medieval, y las vicisitudes de los dioses olímpicos en la tradición astrológica. Sus teorías le llevaron a criticar dos ideas: una es el espíritu de la época, y la otra es la cosmovisión o visión del mundo. Las critica porque para él, en cada época, hay más de una tendencia, no hay un espíritu de la época ni una cosmovisión, y además muchas veces los artistas se oponen al espíritu de su época. Para organizar los libros, ideó un sistema de ordenación que él mismo definió como la ley de la buena vecindad. Este sistema consiste en ordenar los libros de manera que cada uno de ellos tuviera información suficiente como para comprender el significado del libro que estuviera a su lado. Ordenar los libros de esta forma, fue una tarea que le ocupó toda su vida, ya que lo que hace es ordenarlos en función de su contenido. Nos interesa la biblioteca porque en torno a ella se crea un instituto de investigación en el que se reunieron las figuras más importantes y representativas del pensamiento iconológico, entre ellos el propio Warburg o personas como Saxl, Wind,. Saxl fue uno de sus colaboradores y discípulos más fieles, el cual desarrolló la teoría que explica cómo la biblioteca se convirtió en un instituto de investigación. Esta biblioteca respondía al concepto de interdisciplinariedad. Nos cuenta Saxl que cuando en el año 1911 conoció por primera vez la biblioteca, ya contaba con 15000 volúmenes, principalmente obras publicadas en alemania y en italia. Las colecciones estaban muy relacionadas, reagrupadas respecto a las investigaciones que hacía Warburg. Poco antes de la primera guerra mundial, se plantea ya la posibilidad de convertir la biblioteca en un instituto centro de investigación. Warburg había permitido siempre un acceso público a la biblioteca, pero el ayuntamiento descartó la idea de crear una universidad respecto a la biblioteca. Después de que acabara la guerra, el ayuntamiento cambia su opinión y decide crear la universidad, pero una grave enfermedad mental hace que este proyecto no se lleve a cabo. Finalmente se retoma la idea pero sin su presencia, y lo hacen con un grupo inicial de investigadores que van a sostener el instituto, que son: Ernest Cassirer (filosofía), Erwin Panofsky (historia del arte), Reinhardt (estudios clásicos), Salomon (historia bizantina) y Ritter (lenguas orientales).
Las investigaciones que se hacían anualmente, se publicaban en una edición conjunta. En el año 1924, Warburg se recupera y vuelve a hacerse cargo de la institución, pasando la biblioteca de 15000 volúmenes a 120000. Este número de volúmenes tan elevado, necesitó un nuevo espacio, por lo que se edifica un espacio contiguo al anterior. Es importante señalar que no solo los investigadores podían acceder a la biblioteca, sino que también se hacían congresos, conferencias, etc. En el año 1931 surge un nuevo proyecto ambicioso, siendo una recopilación bibliográfica de la pervivencia de la antigüedad clásica. Pero también es cierto que de manera paralela, el ambiente político de Alemania comienza a complicarse, y comienza a plantearse la posibilidad de trasladar el instituto a otro país. En el año 1933, Wind inicia unos trámites para llevar desde Alemania a Londres el instituto, y lo consiguió gracias a Lord Leo of Fareham, ya que este hombre donó el espacio, una gran casa, y la familia Warburg prometió seguir financiando fondos para el funcionamiento del instinto. En 1944, el instituto se incorpora a la Universidad de Londres, y es cuando el instituto empieza a contar con grandes directores. Su legado no terminó con su muerte, pervivió gracias a su círculo de intelectuales que le habían conocido, siendo el más importante Fritz Saxl, quien de alguna manera difundió y promovió ese acercamiento a la cultura y al arte del pasado, y a su vez la tradición clásica y cultura oriental. Saxl fue muy importante por la aportación que hace a la biblioteca, siendo el máximo responsable de que este centro se convirtiera en un verdadero instituto o centro de estudio de investigación. Pasó su juventud en Alemania, estudiando Historia del Arte, pero se vio obligado a exiliarse a Inglaterra debido al ascenso del nazismo. Además, fue una figura esencial para trasladar el instituto a Londres, aunque quiso primero llevarlo a Holanda. Actualmente es uno de los centros de estudio del arte más importantes del mundo. Sus investigaciones se centraron sobre todo en la astrología y las imágenes del Renacimiento. La principal aportación teórica de Saxl la hace junto a Panofsky y Kiblansky, llamándola “Saturno y la melancolía”, centrándose en la figura de Alberto Durero. Es importante señalar que, además, fue el autor de un volumen muy importante titulado “La historia de las imágenes”, y de una obra que se publica cuando ya ha fallecido donde se aglutina una serie de estudios teóricos sobre la historia del arte y la religión. Otro de los personajes cercanos al círculo de Warburg es Jan Bialostocki, que estudió Filosofía y Estudios Franceses a parte de Historia del Arte, que nos interesa sobre todo por la aportación que él hace a la pervivencia de las formas iconográficas a lo largo del tiempo. En su tesis nos dice que los artistas se ven impulsados a utilizar determinadas fórmulas o estudios iconográficos que ya existen para representar nuevos temas. Esto es a lo que él llama una cierta fuerza de la inercia de los tipos iconográficos. Otro de los seguidores del círculo es Rudolf Wittkower, historiador del arte, especializado en arquitectura. Fue profesor en el instituto Warburg más de veinte años, pero se mudó a Estados Unidos, donde fue profesor en Columbia. Publicó una obra, “La arquitectura en la edad del humanismo”, donde relaciona la arquitectura veneciana de Palladio con la música del siglo XVI. Otro personaje de este círculo es Meyer Schapiro, publicando la obra “Estilo”. Fue un gran intelectual que estaba convencido de que el arte debía ser apreciado independientemente del
ICONOGRAFÍA CRISTIANA
LOS EVANGELISTAS
A los evangelistas se les representa mediante cuatro símbolos: San Mateo (ángel), San Marcos (el león), San Lucas (buey o toro) y San Juan (el águila). Estas cuatro figuras simbólicas constituyen el tetramorfos: Mateo se simboliza con un ángel porque es el único que habla de la genealogía de Cristo, y además representa el amor divino. San Marcos se simboliza con un león porque su evangelio comienza con la predicación de san juan bautistas en el desierto, en el que hay animales salvajes, además de que su voz es como la del león, un animal fuerte y noble. San Lucas se representa mediante un buey o un toro ya que su evangelio comienza con la visión de Zacarias en el templo, donde se sacrificaban animales, además de que el toro es el símbolo del sacrificio, el deseo de una vida espiritual que permite al hombre triunfar por encima de las pasiones animales y obtener la paz. San Juan es representado por un águila porque se considera un animal sabio, clarividente, y que cuando vuela mira directamente al sol. -San Juan el evangelista es una de las figuras más importantes del cristianismo, porque además de evamngelista pertenecía al grupo de los apóstoles, además de que era el discípulo más amado. A él se le atribuye la redacción de cuatro evangelios, las epístolas y el apocalipsis. Sus atributos eran: el águila, las alas, caldero de aceite hirviendo, copa con serpiente, libro, palma y pluma. La leyenda cuenta que el emperador Domiciano condenó a San Juan ante la puerta latina de Roma a morir en una tinaja de aceite hirviendo, pero él salió de la tinaja como si nada. Sabemos que tuvo un papel muy importante en la redacción de los libros sagrados, y que el apocalipsis fue escrito mientras su destierro en la isla de Patmos, y que estas historias vinculadas a su vida son las que van a construir la iconografía de este santo, donde recibió una serie de visiones que va a narrar en el apocalipsis. -Los atributos de San Lucas son: las alas, el escritorio, el evangelio, la virgen maria y el toro. Es el responsable del tercer evangelio, siendo médico y pintor de profesión. Acompañó a Pablo en muchas de sus predicaciones, y fue una figura fundamental para el cristianismo. En sus viajes conoció directamente a la virgen y a muchos apóstoles, permitiendo así basarse en muchos testimonios de primera mano. A él se le asigna la figura del toro porque según San Jerónimo fue el que con mayor relevancia expuso o defendió el carácter sacerdotal de cristo. Muchas veces se le representa pintando, siendo el patrón de los pintores porque se le asigna el primer pintor que hizo el primer retrato de la virgen. -San Marcos no fue testigo directo de los hechos, fue san pedro el considerado como su padre espiritual, el que le transmite todas estas enseñanzas. Sus atributos son: las alas, el león y el libro. Se le atribuye la reivindicación de la dignidad de Jesús. -Los atributos de San Mateo son: alas, balanza para pesar el oro, bolsa de dinero por su trabajo de recaudador, espada, hombre alado, lanza y libro. San Mateo era un hebreo que trabajaba recaudando impuestos para los romanos, cuando recibió la llamada de Jesús, por eso dejó su trabajo y se convirtió en uno de los principales seguidores de Jesús y formando parte de los doce apóstoles. Es el autor del primer evangelio, escrito en arameo, donde se recogen las primeras palabras y enseñanzas de Jesús. Ocurre muchas veces que hay referencias vinculadas a los apóstoles que son un tanto legendarias, pero que también han tenido éxito en la iconografía. En el caso de San Mateo sabemos que estuvo predicando por
diferentes países, y que cuando muere hay diferentes teorías o posibilidades de cómo ocurrió, al igual que ocurre con su vida.
LOS DOCE APÓSTOLES
Normalmente los apóstoles aparecen vinculados a escenas que luego se identifican con sus martirios. Hablamos de relatos que nos acercan a su martirio por la fe, o en otras ocasiones nos acercan a relatos vinculados a situaciones milagrosas o pasajes de su vida míticos. San Andrés: cruz aspada, peces y la red de pescador. Andres y san pedro eran hermanos que se dedicaban a la pesca. Después de Pentecostés, ya convertido, San Andrés recibió el encargo de predicar por lo que ahora es Ucrania y Rusia, y más tarde por la zona de Grecia, donde convirtió a los ciudadanos al cristianismo. En la zona de Patras llegó a formar varias comunidades religiosas y evangelizó a mucha gente, e incluso llegó a evangelizar a la esposa del procónsul. Este, furioso, mandó a que lo castigaran y azotaran, y mandó a que lo crucificaran con cuerdas en vez de clavos para que su sufrimiento fuera mayor. Aún así, desde la cruz, el santo pedía a la gente que acudía que se convirtieran al cristianismo. Era tal el tumulto de gente, que hicieron que lo desataran, pero el propio santo fue el que se negó a que lo bajaran. Lo vemos representado en esa cruz en aspa, y en muchas ocasiones con peces. San Bartolomé: cuchillo grande, demonio encadenado, libro y restos de su piel en su mano. San Bartolomé fue presentado a Jesús por Felipe. Nos cuentan que un día Bartolomé le pidió a Jesús que le mostrara al demonio, por lo que la tierra se abrió y le mostró directamente al demonio. Jesus le pidió que pisara al demonio, y por eso vemos al demonio representado encadenado. Predicó en muchos sitios, y convirtió a muchos paganos al cristianismo. En este caso, uno de los paganos que se convirtió fue el hermano del rey Astiages. El rey, enfurecido, ordenó que adorara a sus ídolos, y él se negó, por lo que fue condenado y torturado a desollar vivo y crucificarlo boca abajo. Vemos escenas en la que estamos viendo que le están arrancando la piel a tiras. San Felipe: cesta con panes, cruz, dragón, piedras y serpiente. Sabemos poco de su vida, era pescador en el lago Tiberiades, por donde pasó Jesús y le conoció. Al día siguiente, Jesús se encontró con Felipe, diciéndole que le siguiera, y Felipe le siguió. La cesta con panes hace alusión al pasaje de la multiplicación de los panes. Felipe era judio, y sabemos por san juan que había un grupo de griegos que realizó una fiesta para adorar a un dios pagano, a los cuales Felipe convence y convierte al cristianismo. Después de Pentecostés le tocó predicar en lo que es ahora Turquía, y los lugareños de allí le obligaron a adorar al dios Marte, pero de repente debajo de la estatua, surgió un dragón que con su aliento mató al sacerdote y dos personas más que habían allí, por lo que Felipe mató al dragón y resucitó a estos muertos. En otra ocasión estaba predicando en un lugar que tenía un templo que adoraban a las víboras, y felipe recrimino esa idolatría, por lo que los allí presentes lo arrastraron por el suelo y lo azotaron, y el, enfurecido, hizo que se abriese una gran grieta en la tierra que se tragó a casi todos los habitantes y al templo. Siguió su labor evangelizadora hasta que fue crucificado boca abajo y lapidado. San Juan: águila, alas, caldero de aceite hirviendo, copa con una serpiente, libro, palma y pluma.
de su incredulidad por la muerte de la Virgen. En cualquier caso, los hechos de Tomás nos sitúan en una trayectoria con muchos aspectos legendarios. Cuando llega a la corte del rey Gondóforo se dedica a la caridad y predicar, e incluso logra convertir a la reina al cristianismo, por lo que el rey irritado, le castiga de varias formas, muriendo al final atravesado por una lanza. Por un milagro, sus restos se trasladaron a Occidente y la tumba en la India solo tiene polvo. San Mateo: balanza para pesar el oro, bolsa de dinero, espada, hombre alado, lanza y libro. Era recaudador de ingresos cuando fue llamado por Jesus. San Judas Iscariote: las 30 monedas de plata y el beso de Judas. Lo que lo ha definido iconográficamente es el momento de la traición.
ICONOGRAFÍA DEL ANTIGUO TESTAMENTO
Nos narran la historia del pueblo de Israel desde la creación del mundo, el hombre y el pecado original, hasta la llegada de Jesucristo, que es cuando empieza el Nuevo Testamento. Para los judios, el Antiguo Testamento conforma la revelación divina hecha a un pueblo que siente a Dios como presente en su historia. Para los cristianos, anuncia la llegada del mesías, porque con la llegada de cristo vendrá la salvación de la humanidad. Los principales ciclos iconográficos se agrupan en torno a distintas categorías: la creación del mundo, el pecado y los castigos, los patriarcas, el éxodo y los caudillos, los reyes y los profetas, y el destierro de Israel. La creación del mundo: consta de seis días, en el que en cada uno se encarga de una cosa diferente. El pecado original y los castigos: el pecado original y la expulsión del paraíso. Este tema del pecado como tal tiene distintas fases y representaciones iconográficas, como la descendencia de Adan y Eva. Nos van a narrar también las escenas en las que aparece Caín, como por ejemplo cuando Caín mata a Abel. Castigos: los principales temas asociados a los castigos bíblicos son el de la historia de Noé, la historia del Lot y la historia del Babel y la confusión de las lenguas. En cuanto a la historia de Noé, corresponde al pasaje del arca de Noé. En la historia de Lot se narra cómo sus hijas le engañan y emborrachan para poder tener descendencia. La torre de Babel cuenta la construcción de esta y la confusión de las lenguas, momento en el que en todo el mundo se hablaba el mismo idioma. El propósito de la construcción de la torre de Babel era que pudiera llegar al cielo. Los patriarcas (Abraham, Isaac, Jacob y Jose): Según el Antiguo Testamento, el patriarca Abraham y su mujer Sara acogieron a tres peregrinos que se habían acercado a su casa y los atendieron muy generosamente. Estos se descubrieron y resultaron ser tres ángeles enviados por Dios, quienes les anunciaron su nueva descendencia, quien sería Isaac. -El sacrificio de Isaac es una de las escenas más comunes de la historia del arte. Es el momento en el que Abraham levanta el cuchillo sobre su hijo, y es cuando aparece Dios y le para. -En el caso de Jacob y Esaú eran dos gemelos. Más allá de cuestiones terrenales, el primogénito sería el heredero del pacto entre Dios y Abraham. Un día, Esaú llegó a casa
después de trabajar todo el día en el campo, por lo que le pidió a su hermano que le diera algo de comer, pero este se negó hasta que no le entregara su progenitura. Esaú aceptó y le vendió el derecho de su progenitura, y Jacob le dio pan y guiso de lentejas. Tiempo después, cuando Isaac envejeció perdió prácticamente la vista, entonces llamó a Esaú que era el hijo mayor, y le dijo que quería darle la bendición antes de morir y que fuera a cazar un animal para que le preparara la comida. Esto lo escuchó Rebeca, madre de los hermanos, por lo que avisó a Jacob que hiciera todo esto antes que Esaú para poder recibir la bendición. Después de haber hecho la comida, le entrega a Jacob las mejores ropas de Esaú y le cubre el cuello y los brazos con el pelaje de los cabritos, para que así su padre creyera que era su hijo Esaú. -La túnica de José: José fue hijo de Jacob y Raquel. -Moisés: las tribus de Israel van a emigrar desde Egipto junto a Moisés, pasan el Mar Rojo, y después de haber estado errantes durante cuarenta años a través de los desiertos del Sinaí, van a llegar a la tierra prometida. Josué va a acabar la obra de Moisés atravesando el río Jordán instalando a los israelitas en Palestina. Su nacimiento tuvo lugar cuando un faraón egipcio ordenó que se asesinaran todos los niños hebreos que habían nacido, y la madre para impedir esto colocó al niño en una cesta con barro en el interior y lo llevó al río Nilo. La cesta en la que su madre lo había colocado fue encontrada por una princesa egipcia, y le dio el niño a una hebrea para que lo amamantara. Cuando pasaron unos años, fue devuelto a la princesa egipcia y fue criado como un hijo más del faraón, aunque no era el sucesor. La vida de Moisés fue muy tranquila, hasta que un día vio el trabajo que estaban realizando los hebreos como esclavos, y para intentar cambiar esto mató a uno de los capataces. Después de esto, huyó de Egipto durante unos años. En ese exilio, Moisés protege a un grupo de pastoras, y el padre de este le acoge, siendo así durante un tiempo el responsable de supervisar estas zonas. Se casó con una de las pastoras y tuvo un hijo, y es cuando por primera vez se encuentra con Dios. Se encuentra con una zarza en llamas que no se consume,y dios se le rpesneta a traves de la zarza como medio para comunicarse con el, dandole una mision: liberar al pueblo hebreo de la esclavitud. Moisés regresa a Egipto, y gracias a unas proezas el pueblo comienza a confiar en él. Para poder convencer al faraón de liberar a los esclavos, mandó diez plagas. Cuando ya habían huido con el permiso del faraón, este cambia de opinión y parte con un ejército enorme para recuperar a esos esclavos. Ese ejército alcanza a los esclavos cerca del Mar Rojo, pero Moisés gracias a la ayuda de Dios, consigue separar las aguas en dos, pudiendo pasar fácilmente entre ellas, mientras que cuando los guerreros intentan pasar son aplastados y engullidos por las aguas del río. Tras tres meses de travesía por el desierto, Moisés sube al monte Sinaí, lugar en el que recibe las tablas donde se encontraban los diez mandamientos. Moises estuvo en el monte donde recibe estos mandamientos durante cuarenta días, y cuando bajó para darle las escrituras a su pueblo, descubre que habían construido un ídolo y lo estaban venerando. Es entonces cuando Moisés entra en cólera, y lo que hace es destruir la estatua con las tablas de la ley. -Josué: el arca de la alianza se describe en la biblia como un cofre de madera chapado en oro, en el cual se guardaban las tablas de la ley. Los israelitas llevaron las tablas de la ley durante distintos viajes e incluso batallas. Cuando estaban pasando por el cauce del río, las aguas se separan y consiguen pasar.
horno y les pide a todos que salgan. Después de esto, manda a castigar a quien blasfeme ante la palabra de Dios. El festín del rey Baltasar nos cuenta la historia de que mientras el rey babilónico Baltasar celebraba un banquete, en uno de los muros aparecen una serie de palabras pintadas. Entonces, Baltasar manda a Daniel que interprete las palabras que habían aparecido. Susana y los viejos se suele usar como excusa para representar un densudo femenino. En Babilonia había un hombre llamado Joaquín, casado con Susana, y como era un miembro muy respetado hacía muchas veces fiestas en su casa. Dentro de los invitados habían dos viejos jueces, y la historia que nos narra es que Susana, acompañada de su damas, va a darse un baño, y cuando va a darse el baño, estos dos viejos jueces se acercan para espiarla. En el momento en el que las sirvientas salen, los viejos se acercan y le dicen que si no les hacía caso iban a decir que ella le había sido infiel a su marido con un joven chico. Sin embargo, Susana no cedió y los viejos la llevaron a juicio. Los jueces la sentenciaron a la lapidación, y mientras iba de camino a ese castigo, Susana le pide ayuda a Dios. Daniel sale en ese momento diciendo que ella era inocente, y entonces pararon todo para preguntarle por qué. Lo que hacen es preguntarles debajo de qué árbol estaba Susana mientras se daba el baño, por lo que cada uno de los jueces dice una especie de árbol diferente, siendo así pillados. -Jonás: Se embarca en una nave con destino a Tarsis. Dios provoca una grandísima tormenta en el mar, haciendo que los marineros, absolutamente espantados intentando parar la tempestad, tiran a Jonás al mar. Al hacerlo, la tormenta cesa y es engullido durante tres días por una ballena. Arrepentido, invoca a Dios y este le ayuda a llevarlo a la costa. Jonás, después de esto, predica la palabra de Dios y le ayuda.Los ciudadanos de Nínive profetizan lo que va a ocurrir, así que no reciben su castigo. Jonás vuelve a darle la espalda a Dios, y esta vez sí que recibe el castigo.
SANTOS
Los santos son mediadores de la divinidad y el creyente. Siempre se representan con un atributo identificativo que hace alusión a algún momento de sus vidas o un elemento de su martirio. Para que en el arte sean representados, existen unos textos que sientan las bases de la iconografía, llamadas hagiografía. El primer indicio que nos puede dar una imagen es su vestuario, como por ejemplo en los hombres, sabemos gracias a su vestimenta si es Papa, obispo, etc. Los santos los reconocemos por su orden religiosa. La palma es un indicativo de que sufrieron un martirio, especialmente cuando son martirizados por negarse a renunciar a sus creencias. Santa Águeda: antorcha, cuernos de unicornio, senos cortados y tenazas. Rechazó a un cónsul romano en tiempos del emperador Decio, que como venganza este emperador decide mandarla a un prostíbulo, pero esta se salva y consigue preservar su virginidad, Esto enfada al cónsul, por lo que la castigan con cortar sus pechos. Durante su martirio además, se le aparece San Pedro y le cura sus heridas. Santa Casilda: rosas en la falda, ropas lujosas y en su falda esconde panes y rosas.Se ddedicaba a ayudar compasivamnete a los cristianos cautivos, y en uno de esos momentos la sorprende su padre, y milagrosamente los panes que llevaba debajo de su falda para llevarlos a los cristianos, se convierten en panes. No fue una santa mártir, sino que enferma
gravemente y se salva gracias a unas aguas de poder curativo, momento en el que ella decide bautizarse y vivir ermitaña. Santa Catalina de Alejandría: anillo de desposada con Cristo, corona real, espada, libro, palma y rueda rota con cuchillos. Según la leyenda dorada, era una princesa llena de sabiduría y virtud. Rechaza el matrimonio con el emperador maximino, y por ello encontró un largo martirio. Cuando la rueda entra en contacto con la propia Santa Catalina, se rompe, por lo que no sufre el castigo de la rueda con cuchillos. Se le representa con una espada ya que fue decapitada más tarde. Santa Catalina de Siena: corazón, corona de espinas, crucifijo, estigmas, hábito dominico y lirios. Tomó los votos a los 18 años, y por eso la reconocemos por su hábito dominico. Tuvo varios encuentros místicos con Jesús, y en uno de ellos recibe los estigmas de la pasión de Cristo. Aparecen también lirios que simbolizan la virginidad o pureza. También vemos en ocasiones el corazón en llamas que alude al corazón de Jesús. Santa Cecilia: arpa, laúd, órgano, rosas y violín. Fue casada en contra de su voluntad, pero fue capaz de convencer a su marido para que se bautizara y se convirtiera al cristianismo. Fue en un principio castigada a ser arrojada a las llamas, pero finalmente fue degollada. Santa Clara de Asís: báculo, custodia y lirio. Fundó la orden de las Clarisas. Fue la primera y única mujer en escribir una regla religiosa para las mujeres, por eso se le representa con el báculo de abadesa o fundadora. Más tarde, Santa Clara es representada con una custodia o con un copón, que simboliza a que se cuenta que cuando ya había fundado su convento, los sarracenos invadieron la zona y Santa Clara salió donde los invasores, sale con la custodia y los frena con esa presencia de Cristo. Santa Elena: clavos, maqueta de una iglesia y Vera Cruz. Era emperatriz, por eso se le reconoce por su indumentaria. Fue la madre del emperador Constantino. Además, dado que realizó un peregrinaje a Tierra Santa para buscar la Vera Cruz, se le representa con ella. Fue quien busco y trajo los restos de los reyes magos. Manda a construir un templo en el lugar donde encontró la cruz de cristo, por eso se le representa en ocasiones con una maqueta. Santa Inés: espada, palma de martirio y cordero. Fue martirizada por las persecuciones que se llevaron a cabo contra los cristianos. Llega a rechazar a varios pretendientes, declarándose seguidora de Cristo. Fue castigada a ser llevada a un prostíbulo, pero conserva su virginidad, por lo que es mandada a ser degollada al final. El cordero es un símbolo de pureza, y que además es como una representación de su propio nombre en latín. Santa Justa y Rufina: piezas de cerámica, espada, giralda, ídolos rotos a sus pies, león, evangelios y puente de triana. Es de una familia modesta de cristianos clandestinos dedicados a la alfarería. En una ocasión, cuando las hermanas llegan a su casa después de no querer contribuir a la limosna de una fiesta en honor a la diosa Venus y de Adonis, destruyen incluso la imagen de la diosa Venus entre las dos. Son castigadas a martirio del potro, pero salen ilesas milagrosamente, por lo que son encarceladas hasta su muerte. Justa fue la primera en morir, pero Rufina fue castigada a ser matada por un león, pero este último solo se acerca a ella tranquilamente, por lo que más tarde le cortan los pechos. Se les representa con la giralda ya que se dice que cuando hubo un terremoto, se aparecieron y fueron las encargadas de sujetar la giralda y evitar que cayera. Santa Lucía: cirios encendidos, corona, corona de cirios, españa o puñal, lámpara, sagradas escrituras, llamas a sus pies, ojos en una bandeja y palma de martirio. Consagra su vida a dios
