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VELÁZQUEZ
Introducción: En el domicilio de Juan Rodriguez de Silva y de su esposa Jerónimo Velazquez en la calle de Gorgoja, en Sevilla, nació un niño que fue bautizado el 6 de junio de 1599, en la parroquia de San Pedro, con el nombre de Diego. Velazquez es un artista del cual sabemos mucho y a la vez poco. La mayoría de sus obras están en el Museo del Prado. Los cuadros están muy bien documentados. De la persona de Velazquez sabemos poco. Tampoco tenemos claro el rostro de Velazquez hasta tiempo mas tarde.
- Retrato de 1621^ (joven). Cuando se plantea venir a Madrid. Se crea una imagen de Velazquez que no sabemos como se crea.
- Retrato mas mayor. Etapa posterior. Velazquez en Italia es un personaje famoso, pero no sabemos de donde sale esta imagen.
- Retrato de la Galeria Nacional de Roma. Se creía que fue el primer de Roma (1629-30). Recientemente ha aparecido en el Metropolitan de NY un retrato de Velazquez que se ha puesto en relación con el cuadro de la Lanzas donde aparece detrás del caballo.
- Primer autorretrato que es un cuadro de Velazque z 1640. Está en la colección de la Academia de Bellas Artes de Valencia. VISIÓN CRONOLÓGICA Sevilla 1599-1623—> Academia de Pacheco Primera etapa madrileña 1623-1629—> Introducción en la corte de Felipe IV. Etapa de realismo, donde culminaría con Los Borrachos. Primer viaje a Roma 1629-30—> Corta pero importante. Estudia la pintura italiana moderna. Este viaje lo hace inducido por Rubens. Aquí realiza José y sus hermanos y La fragua de Vulcano. Segundo etapa madrileña 1630-1649—> Cuando mas pinta para el Buen Retiro o Torre de la Parada Segundo viaje a Roma 1649-50—> Compra obras para el rey Madrid etapa final 1650-59—> Casi no tiene tiempo para pintar: Meninas y las Hilanderas Nace a finales del 1599 y se educa en la Academia de Pacheco
Aparición de la pintura de Velazquez en el museo del prado en 1819. La escuela española de pintura empieza a ser vista públicamente. Los primeros visitantes del museo del prado, era un publico preferente como artistas, con la finalidad de que aprendan de los artistas del pasado. Por eso estos visitantes son sobre todo del mundo del arte mas moderno del momento, el impresionismo y realismo francés. Manet hace una visita a Madrid para conocer a Velazquez, tuvo una gran repercusión sobre él. Los que interpretan a Velazquez son estos impresionistas franceses, Velazquez como un pintor impresionista y realista. Pero realmente no es un pintor de ninguno de esos dos géneros. Esta interpretación tuvo mucha importancia porque desbancó del podio a Rafael, porque desde 1520 este artista era el principal pintor. Se creó una idea que la pintura española, era muy autóctona, muy propia de España, sur de Italia, muy mediterráneo. El arte español es un arte castizo. De aquí viene otra interpretación de Velazquez como pintor aislado, que viene de Sevilla a Madrid. Es un personaje sabio, culto, que realiza piezas maravillosas. Otra de las cosas que hay que destacar es que Velazquez no es un pájaro solitario, sino que adopta técnicas de otros artistas y de diferentes países. El primero autor que se dio cuanta que no era un pájaro solitario fue Carl Justi, con su libro Velazquez y su siglo. Explica la vida del artista y sus orígenes con Pacheco y su academia, habla de los pintores que había en Sevilla y los cuadros que se exportaban en ese momento. Habla de las colecciones de la corte, de Felipe IV, colocándole en su contexto. Desde esta obra debemos entender a Velazquez en su siglo con sus diferentes etapas. Este libro hace una interpretación de Velazquez muy realista de Edad de Oro. A finales del siglo XIX cuando Velazquez ha conseguido esa glorificación en el museo del prado, sale el segundo libro sobre él, que es el libro de Aureliano de Beruete. Escrito en francés y se tradujo al español a finales del siglo XX. Beruete es un pintor que descubre un ambiente muy importante para la historia del arte que es la sierra de Guadarrama. Este paisaje lo vemos a través de las pinturas de Velázquez. Beruete era una persona de una sensibilidad visual muy acusada, es decir, no era un erudito, sino, que veía la pintura a través de los ojos con gran sensibilidad, de esta manera va desechando los cuadros que no era de Velazquez por cuestiones estilísticas y no documentales. Por esto, en su libro depura el enorme catalogo de las pinturas de Velázquez. Se produce en el museo del prado el triunfo de Velázquez, de manera que la sala central se va depurando con obras importantes de él. Y en el lugar central de la sala se encuentra Las Lanzas. Aquí se ve un cambio de gusto en la pintura de Velazquez. Otro momento importante del museo del prado es que la mayoría de los cuadros salen del museo para ser protegidos, ya que hay una guerra civil. Los primeros que salen es el de Carlos V a caballo y las Meninas. A partir de 1960 se hizo una
EL NACIMIENTO DE VELAZQUEZ, LAS PRIMERAS OBRAS.
Velazquez nació en el año 1599, fue bautizado en la catedral de san Pedro de Sevilla. La primera etapa que se desarrolla bajo la tutela de Pacheco, ha dado lugar desde el comienzo de los estudios de Velázquez, nos ha dado hipótesis variadas acerca de cual es el catalogo primitivo de Velázquez en estos momentos.
- San José, Santa Ana y la virgen.^ Apareció en los almacenes de la universidad de Yale. Ha sido atribuido a Velázquez y pasaría a ser la primera del catalogo de él. Vemos el estado de la obra antes de la restauración (comparar imágenes). El modelo de la pintura seria de la educación de la virgen, ya que es un cuadro parecido. Esta pintura causó revuelo, discusiones porque podría ser una obra de otro pintor como pacheco, pero esta en la onda del realismo. Es un buen ejemplo de como el catalogo de Velazquez puede convertirse en un cajón desastre para introducir nombres prestigiosos en pinturas.
- Músicos en torno a una mesa “ Los Tres músicos”.^ Es una pintura discutida si es de Velázquez. Poderos pensar que es la primera obra conservada de Velázquez hacia el 1616-17, época en la cual el joven Velázquez entra en el taller de pacheco, como aprendiz de pintura. Vemos aquí un cuadro bastante típico, no solo de la primera producción de este artista, que son los bodegones, cocinas, mesas, sino que esa producción es bastante frecuente que no tanto en la España y Sevilla de comienzos del siglo XVII. Esto plantea los orígenes de Velázquez en Italia, se inspira en modelos anteriores. También esta la tradición de la pintura sevillana del siglo XVI que tenia una fuerte impronta de la pintura flamenca, pero realmente no hay que mirar la pintura sevillana del XVI, como lo que se estaba importando en Sevilla en el siglo XVI-XVII. Pinturas italianas como cocinas y bodegones, copias de Caravaggio. El tema musical es muy de pintura costumbrista del norte de Italia, vemos que aquí hay un interés por dos músicos que tocan y uno que cante y un niño que nos esta mirando. Alrededor de estos tres personajes aparece ese bodegón con el pan, copas… son elementos que Velázquez esta utilizando como demostración de habilidad en la perspectiva y la
presentación de las calidades pictóricos de los objetos y la materia. El cuadro esta bien compuesto. Velazquez va a hacer una exploración personal del espacio, de elementos tridimensionales de los objetos que se disponen en la pintura. Plantea otras concepciones de espacios desde el primer viaje a Italia, por ejemplo de como colocar las paredes. También el interés por los niños porque tenia un niño que le servia de modelo.
- “ El almuerzo”. Personas en torno a una mesa. Todo en perspectiva y nos coloca los objetos con calidad. En comparación tenemos el Comedor de habichuelas de Carracci. PRIMERAS PASIONES VELAZQUEÑAS, POR EL OBJETO Y POR EL ESPACIO. Velazquez nos plantea las cosas que le obsesionan ya desde joven.
- Dos versiones del cuadro de “La cena de Emaus” La Mulata, que es uno de los primeros cuadros de gran composición de Velazquez. La primera con mas color, nos presenta el estudio de los objetos y del espacio. Es obvio que los objetos es lo que mas le interesa, pero lo importante es que esta colocado en diferentes posturas y perspectivas y objetos de diferentes calidades, por lo que el estudio de la luz que se refleja en ellos va a ser diferente. Junto con el estudio de los objetos, esta el estudio del espacio. A través de un hueco que no sabemos si es una ventana u otro espacio, aparece una escena normalmente plenamente reconocible como es la cena de Emaus del NT(esquina superior izq). Por lo que la pintura esta calificada como historia del Renacimiento. No le interesaba contar historias religiosas sino que juega con lo que menos importa.
- San Pablo, San Andrés y San Pedro. Son los únicos cuadros que han quedado de esta serie. Aquí estamos viendo ese interés por el rostro, por la expresividad de una manera mas intensa y directa, en comparación con los cuadros de mesas y cocinas. La expresividad del rostro que es una búsqueda de la volumétrica, tridimensionalidad de una manera muy intensa. Tienen un claroscuro con una influencia caravaggiesca. Esto quiere decir que también hay una preocupación por la tridemensionalidad de los objetos y del cuerpo. Juega con lo monumental y lo expresivo que es lo que aprende del taller de Pacheco. LA LLEGADA A MADRID Y LOS RETRATOS EN LA CORTE ¿Por que Velázquez viene a Madrid? Llega aquí en el 1623 y con varias casas compradas en la ciudad. Tiene una clientela mas interesante, gente acomodada. Velázquez se encarga de hacer obras para conventos, iglesias y monasterios. También quería venir a la corte de Madrid porque quería la nobleza, subir en la escala social. Esto no es algo que se le ocurriera de mayor, sino que es algo que había dejado algo claro en cuanto llega a Madrid. En 1627 se le concede el cargo de Alcalde de —. Felipe IV sube al trono en 1624 y Velázquez al año siguiente vuelve a Madrid con el apoyo de todo el circulo de intelectuales que rodea al conde duque de olivares y tiene la oportunidad de retratar al rey. Cambiar su carrera por pintor de la corte tendría una consecuencia u obligación. En Sevilla pinta numerosas obras de tradición religiosa sobre todo lo que había pintado es un nuevo genero que son las de bodegón, habían tenido mucho éxito.
- Retrato de La madre Jerónimo de la Fuente,^ 1620. Parece una escultura de bulto redondo pero pintada. Enorme sensación de realismo. Había nacido en Toledo y era una franciscana del convento de las Franciscanas de Toledo. Pasó por Sevilla camino de Manila (donde murió) fundió el convento de franciscanas-clarisas en filipinas, que pertenecía a la corona de Castilla. La pintó para el convento de Toledo al que pertenecía. Es un retrato de cuerpo entero que es inusual en el retrato de monjas. Esto nos indica la personalidad e importancia que había que darle a este personaje. Retrata sin idealizarlo, jugando con la calidad del color del rostro. Se llega a retratar hasta tres veces.
Velazquez sabe como aprovechar la intensidad religiosa del rostro de la monja, porque busca la expresividad incluso en el hábito.
- Retrato de hombre.^ Primer retrato madrileño, que es el que le abre la puerta al rey.
- Retrato de Felipe IV^ 1623. Cambia por completo la carrera de Velázquez, a través de su experimentación y realismo. Cuanta Pacheco que el conde duque le prometió que solo tenia que retratar al rey. Había la necesidad de controlar el decoro por dos razones, una por el decoro y otra por la imagen. Los retratos de Felipe IV mucho de sus cuadros son destruidos para que no se sigan comercializando. Hay dos retratos que son de busto y sabemos quienes son, Pacheco y Gongora pero se puede ver la diferencia entre ellos.
- Retrato de don Pedro de Barberana. Velázquez perfila la personalidad de Felipe IV. Se muestra la arrogancia extrema, la firmeza del rey que esta en la cumbre de su poder. Lo que se pretendía era el contraste de los retratos de la corta anterior. Como los vestidos que es el único elemento de lujo o los collares. Lo que intenta representar no es a Felipe Iv en un acto ceremonial, sino cumpliendo con su trabajo de Rey. Toison de oro BUSCAR. Después los reyes van a vestir de negro, ejemplo de ello es Herman cortes, que ya era el prototipo.
- Retrato de 1626. En el que se quiere representar la imagen del rey tal y como es. El conjunto de cuadros entre los mas interesantes de este primer momento de velazquez son las de la Inmaculada concepción y San Juan evangelista, fue pintado en 1618 para dos altares de la iglesia del convento del Carmen de Sevilla. Pone en contacto ese mundo de la contrarreforma en el que vive Velazquez. Estos dos cuadros son muy significativos, por un lado:
- Inmaculada Concepcion:^ es una discusión inmaculista para proclamar la fe, es un tema muy representado en este momento y que luego hará Murillo y Zurbaran. Es una versión muy cercana iconograficamente a la de pacheco pero distinta en la calidad.
- San^ Juan^ en^ Patmos.^ Es^ un^ cuadro^ totalmente^ caravaggesco. Aparece^ san^ Juan^ sentado contrastado con el fondo, jugando con el claroscuro. Es interesante ver como la visión de la inmaculada es redactada por San Juan.
Dentro de estas pinturas para los altares para las iglesias de Sevilla, se encuentra otro cuadro de la etapa Sevilla en 1619 para los Jesuitas de Sevilla. Representa la A doración de los Reyes , que se ha interpretado como un cuadro familiar, es probable que la virgen sea Juana Pacheco, el niño, la hija de Velazquez, el rey joven que sea un autorretrato del pintor etc. En realidad este cuadro hay que analizarlo como los anteriores donde introduce los temas religiosos dentro del realismo. Sin embargo, como la figura del rey mas joven aparece muy bien realizada desde el punto de vista de la luz y el volumen es perfecta, pero el resto de las figuras no son iguales, por lo que Velázquez todavía tiene problemas para controlar el espacio.
- San Juanito. Que ha puesto en duda su autora, es un cuadro de mucha calidad, se le puede atribuir al final de este periodo. Dentro del circulo de personajes que velzaquez va a retratar en sevilla, aparece este retrato en muy mal estado que representa a don Cristobal Suarez de Rivera. Era un personaje muy cercano a Pacheco y fue ademas el padrino de Juana Pacheco. Esta figura era también devoto de San Ermenegildo, que es un santo de la antigüedad que fue muy culto en el mundo del barroco español. Este retrató estaba en la capilla de san Ermenegildo, cuyo en altar mayor encontramos la figura del santo de Montañés. Hay una comunicación entre la pintura y la escultura, mediante las miradas. Es un cuadro muy perdido por problemas de conservación. Se ve que no teme pintar superficies muy oscuras y que no queden muy bien matizadas. Lo que en mejor estado esta es el rostro y las manos por lo que se ve esa manera realista.
En Sevilla se encuentra el cuadro de la Imposición de la Casulla de san Ildefonso. Es una pintura un tanto extraño de 1621, nos encontramos en el momento previo de la escapada de Velázquez a la corte. El culto a san Ildefonso era muy importante en la España de la contrarreforma y sobre todo en Toledo. El milagro de este santo es cuando esta en oración, bajó la virgen y le impuso la casulla. Hay que compararla con el otro cuadro de Saraceni. tiene una impronta realista de la virgen, sobre todo en las sombras y el realismo del rostro de san Ildefonso, la casulla no esta bien resuelta.
El cuadro representa a tres personajes de tres distintas edades. El que tiene mas edad se encuentra en el centro y se enfrenta a un niño, mientras que detrás en la penumbra se encuentra un personaje bebiendo de una edad mediana. En la interpretación pensamos a que es una alusión a las tres edades del hombre, que es un tema que esta dentro de la moda del momento y efectivamente Velázquez esta claramente contrastando sobre todo a las figuras principales, a un niño y un señor mayor. Lo que hay es una representación de la realidad, las posibilidades que tiene la pintura de representar la realidad, y es lo que busca Velázquez a lo largo de su vida. Lo que es claro es que es una pintura para crear esa ficción, engaño a través de la pintura, por lo que pinta cosas difíciles como el brillo, el agua, el trueno. Aquí por ejemplo son las gotas que resbalan por la tinaja que lleva el señor. La pintura tiene seis electos: tres imagines y los tres recipientes. TEXTO DE PALOMINO. Recoge textos y noticias sobre todo de Pacheco, la educación sevillana de Velazquez y la idea de pintor estudioso. Hay un interés de la vida de Velázquez, presentarle como el principal pintor de España. Los pintores en estos momentos tienen una lucha que comienza en Italia, por conseguir que su actividad tenga el status de una actividad libertad, considerado como un artista. Quieren mostrar que la pintura es un arte liberal, pero lo importante es el intelecto. Esto tendría unas consecuencias económicas importantes. El artista tiene acceso a la nobleza y al rey, por eso Velázquez tenia tanto interés por estar cerca de la monarquía, por eso también le interesaba tener el taller en el Alcazar de Madrid. El argumento fundamental de los últimos cuadros de Velázquez es demostrar a través de la pintura, demuestra esa actividad liberal que realiza. La pintura de Velazquez va a desprenderse del dibujo por optar por el color. Aunque lo lógico lo primero que hay que hacer es pensar y luego dibujar, pero Velázquez va mas allá y se salta este paso. Velazquez utilizaba como modelo expresiones del rostro como la risa y el lloro. De ahí su interés por la realidad aunque la manipula a través de un modelo que lo coloca de otra manera, buscando la expresión. Menciona la palabra Capricho , que es que el pintor pinta lo que quiere. Nos da la temática de las primeras obras pero nos muestra como lo hace a través de la libertad, de su pensamiento. Se utiliza la palabra “lejos” y “países”, dice que en estos bellos países hay libertad y cantidad de elementos. Era una pretensión del artista es la idea de originalidad La pintura de Velázquez va a a causar dos polémicas, que es pintar con poca belleza temas de seriedad y luego el tema del retrato porque solo sabia pintar cabezas. Velázquez tenia claro que iba apoyar por una pintura de acercamiento a la realidad, y no a la del renacimiento como hacia Rafael.
En el siglo XXI pintar bodegones esta bien visto porque a principios del siglo XX hay una critica a la pintura clásica, por lo que pintar temas bajos como unas botas, pipas y flores.. pues eran manifestaciones de que cualquier cosa es digna de ser pintada. 1º ETAPA EN MADRID (1623-1629) En 1623 viene a Madrid definitivamente. Es muy importante la figura del Conde de Olivares, que es la figura capitular de la primera mitad del reinado de Felipe IV. La figura del conde duque ha sido denostada desde la primera década hasta la última del siglo XX. Se ha visto la dejadez de Felipe IV por gobernar y el inicio de la decadencia española. La causante de esta situación ha sido denostada. En los años 80 y 70 del siglo XX ha sido mostrada en la biografía de John Eliott. Este vio la figura del conde Duque no desde un punto de vista moral, sino histórico y cultural, y se representaba una manera del gobierno de la monarquía, muy distinta a la que se hacía en el momento, empleando otros términos de la monarquía en los distintos virreinatos. Este afán de acaparar el poder por parte de la corte, produjo la irritación del virreinato de Cataluña y la revuelta de 1540 y la separación definitiva de castilla del reino de Portugal. El conde duque presentaba una nueva manera de presidir, mas centralista que trataba de unir fuerza políticas, mediante la unión de armas. El punto débil de la monarquía era Flandes. El conde duque viene a representar un poder absolutista que no era el del rey de España, no era una monarquía absolutista en la que el rey está por encima de la ley. El que trato de representar esa idea falta retratista fue el conde duque de Olivares. En este momento en la llegada de Velázquez a Madrid tendrá importancia la figura del conde de Olivares. Conde duque de olivares. Aparece de frente con cadena de oro y las llaves y espada como símbolo de su poder. Es una imagen de el, de la manera de presentarse orgulloso de su poder. Otros retrato de conde-duque de olivares. Trata de imitar un poco la postura del rey, pero con la bara en la mano y la espada en vez de otros elementos de poder del monarca. Esta vestido a la manera de la corte, como el rey. Hay un tercer retrato del conde duque que es muy parecido a este, y que no se sabe si es de Velázquez o no. Aparece el método prepotente del conde duque de Olivares. Olivares era un personaje muy culto, que se interesaba por la pintura. Vemos una especie de retrato alegórico que hace Rubens, para Olivares y también hará otros para el rey. A Olivares lo que más le interesa de la cultura son los libros, aparece mucho en bibliotecas y tuvo una propia. Protegió a un poeta del momento: Rioja, que vino a Madrid protegido por el rey al igual que Velázquez. La llegada de Olivares a la corte produce un cambio en ella enfocado ya al barroco.
tuvo encargos del rey y demás y defendía la pintura tradicional e idealista. Pacheco en cambio tiraba más hacia el realismo y había visto los cuadros ya de su yerno Velázquez. Uno de los pintores más importantes en la corte de era Maíno , y pinto para la iglesia de san pedro mártir en Toledo. Trae unas figuras inspiradas en la pintura clásica y trae el clasicismo barroco a la corte. El paisaje es un género menor, pero gustará también en la corte, y Velázquez lo conocerá de primera mano en Roma. Carducho pinta un cuadro para el altar mayor del convento de la encarnación , que muestra el tipo de pintura tardomanierista, idealista etc. la muerte del retratista provoca la llegada definitiva de Velázquez a la corte. Carducho hace una serie de 50 cuadros, para el monasterio del paular, donde representa escenas de San Bruno. Es una pintura de calidad correcta, pero no es una pintura genial, lo que define el reinado de Felipe III. Lo de más calidad en ese momento, serían las esculturas de Gregorio Fernández, es el pintor castellano más importante, que muere en 1630 y fue conocido por Felipe III y su mujer cuando la corte estuvo 5 años en Valladolid y después el monarca le encargó numerosas obras, como el cristo yacente etc. LA EXPULSIÓN DE LOS MORISOCOS Y LA PINTURA DE HISTORIA. Es un ambiente dominado por Carducho, y el favor que el monarca Felipe IV, empieza a tener por Velázquez encargándole obras más importantes y prefiriendo que le retrate antes que él, empieza a molestar a Carducho y suelta rumores de que Velázquez solo es bueno para pintar cabezas, osea solo como retratista. Un pintor donde va a mostrar su dominio es en la pintura de Historia, porque tiene que usar la perspectiva, la composición etc. Para zanjar el asunto, se recurrió a un concurso en el Alcázar de Madrid , donde se tenía que representar la expulsión de los moriscos, y Maíno era el juez del concurso. De este concurso no se conserva nada más que un dibujo que está en el prado, y de los demás dibujos de Carducho y de Velázquez nunca más se supo, es posible que se quemara en el alcázar pero no aparecen en los inventarios posteriores a la realización del concurso y anteriores al incendio. Vemos un cuadro del rey Felipe III , con una perspectiva de arriba abajo y que se cree que es lo único que quedo de la EXPULSIÓN DE LOS MORISCOS , y que entonces se recortó del resto del cuadro, clasificándolo como aún personaje español, el coleccionista que lo tenia se dio cuenta de que era Felipe III y lo acabó donando. Estará a caballo por ello se ve desde abajo. Es un cuadro histórico, porque Velázquez no es muy sensible a las alegorías. Lo que sí está claro es que existiera o no el concurso, lo que se indica claramente es que la llegada de Velázquez a Madrid, el éxito como pintor del rey y la fama de sus bodegones (realistas) provocó una conmoción. Esto lo consolida con el cuadro del TRIUNFO DE BACO. O la coronación del poeta, es conocido como los borrachos sobre todo por la aparición de los títulos en el museo del
prado en el momento. Es una interpretación realista. Todas las figuras de la parte derecha se interpretan como una escena realista, y se quedó con los borrachos. Baco está coronando a otro personaje, y hay otro personaje con la corona de laurel, lo que identifica a Baco con el laurel siendo una de sus plantas. La borrachera es una de las condiciones poéticas y épicas del mundo clásico, hay una creación de la belleza irracional a través de ella. Está coronando a un poeta, porque solo a ellos se les coronaba con laureles y es el tema principal del cuadro. Lo interesante es que Velázquez corona al poeta haciendo un cuadro mitológico y que todos los personajes que le acompañan no dejan de ser personajes tabernarios del mundo cotidiano. Vemos diferentes planos, la importancia del joven acompañante que tiene la copa a la altura del rostro de Baco. Si comparamos el Baco de Velázquez con el de Caravaggio tampoco es tan distinto. Sí que es muy distinto al triunfo de Baco que pinta a finales del XVI Annibal Caracci en el palacio Farnesio de Roma. Caracci es el representante a la hora de criticar la pintura de caravaggio, la pintura realista. Lo pinta con una composición muy cuidada con relieves clásico y romanos, y Velázquez también ordena su cuadro como un friso. Esa ordenación de la composición frontalmente, también la tiene Velázquez en los borrachos. Lo que hace Velázquez es que muchos elementos del aguador o de la vieja friendo huevos, los incluye aquí de nuevo como el juego de los reflejos (lenguaje realista de nuevo). Quien haya inspirado a Velázquez para hacer una pintura mitológica ya es una novedad en él, estamos en un género distintos, y no solo mitológico sino historia de la mitología. Este cuadro tuvo un éxito enorme y lo colocó en la Galería del cierzo en el Alcázar de Madrid, junto a otras grandes pinturas, un lugar donde no desentonaría nada para la mentalidad de la época, que veía en el la adaptación de Velázquez a la pintura del barroco, en una pintura histórica mitológica. Este es el último cuadro seguramente que pinta Velázquez antes de ir a Italia por consejo de Rubens el viaje.
- Los borrachos.^ No aparece resuelto con claridad las posturas, parece un friso de cabezas realistas pero no sabemos si están sentados, de rodillas, de pie… El cuadro está en la polémica del realismo caravaggesca Hay otro electo previo al viaje de Velázquez a Italia, que es la aparición de Corte de Madrid de Pedro Pablo Rubens. Al cabo de 20 años Rubens volvió por una misión diplomática. En este momento Rubens se encuentra un panorama que a los demás pintores no les interesaba.
- Adoración de los Reyes Magos.^ Retrato de Rubens en el momento que viaja a Madrid. Este cuadro fue pintado por él a finales del siglo XVI para los estados de Flandes y allí fue adquirido Don Rodrigo Calderón que era el segundo del Duque de Lerma. Es un cuadro mucho mas
Velazquez hace una serie de cuadros en Roma, hace exactamente cinco. Uno de ellos es la Flagelación de Cristo, La Fragua de Vulcano, La Túnica de José y las dos vistas pequeñas de la Villa Medici.
- La flagelación de Cristo. No sabemos para quien fue pintado, quien lo encargó. Es un cuadro interesante porque nos esta mostrando una iconografía habitual en el mundo cristiano. Lo importante es como representa el cuerpo de Cristo de una forma bella, expresión sufriente pero el cuerpo no es sufriente. Se inspiró en cuerpos-escultura clásicos. No es un cuerpo de devoción, sino que es de experimento a la manera de tratar un cuerpo de forma helenística. Es interesante también por la iconografía, porque es la iconografía de Cristo y el alma cristiana. El niño que aparece aquí es una representación del alma cristiana y el ángel le enseña al niño los sufrimientos de Cristo. El espacio lo hace a través de luces y sombras, dotando al cuadro de una consistencia y verosimilitud al cuadro. Crea unas líneas de perspectiva que nos ayuda a colocar en primer plano la figura de Cristo. El gran avance de este cuadro es esa referencia al mundo clásico y al espacio-composición. Hay espacio entre una figura y otra, no están apelotonados.
A Velázquez lo que le interesa es a través de Bernini que es el artista de moda en Roma, protegido de Urbano VIII. Es el momento en el cual Bernini está realizando sus obras maestras, en las cuales la mayoría está en la Galería Borghese de Roma. Pero antes realiza dos obras que se encuentran en la embajada española de Roma. Son obras discutidas porque en cualquier libro que veamos se las estudia como el alma salvada y el alma condenada. Son dos bustos de mármol. Hoy en día con mucho mas tino se piensa que no es tanto esa manera de representar el alma sino que son simples representaciones de las expresiones y es algo que a Velazquez le va a impactar. Una de sus obras mas extraordinarias es Apolo y Dafne y el David. Aquí se esta representando el movimiento, la manera en que la luz se refleja en las calidades del mármol. Y sobre todo en el David es un paso mas de lo que había hecho Miguel Angel, pero esa expresión del momento de tirar la piedra se refleja en el rostro y en el cuerpo. Por eso les impactó a los artistas de Roma porque es lo que se estaba buscando. También en esta visita necesariamente tuvo que ver la escultura de Ares Ludovisi. Fue restaurado en el taller de Bernini y es la fuente directa de el Ares de Velazquez para el Pardo. Y las Hilanderas está inspirado en una de las figuras de la Capilla Sixtina. Un cuadro posterior de Velázquez puede ser el retrato de una mujer, quizás de Juana Pacheco que esta inspirado a la manera realista, es un recuerdo de Velazquez enfrentándose a las figuras gigantes de Miguel ángel. La fragua de Vulcano y la túnica de Jose. Estos dos cuadros fueron pintados por Velazquez en Italia, es una propia iniciativa de Velázquez de pintar estos dos cuadros de gran formato, con numerosas figuras. Los pinta en Roma, con el fin de regalárselos al rey, Felipe IV como prueba del aprendizaje que había hecho en Italia. En un primer momento estos cuadros aparecen en las colecciones reales en el Buen Retiro. Cuando Velázquez se dedique en los años 50 a la remodelación de la colección real y del monasterio del Escorial, el cuadro de la túnica de Jose pasará al Escorial. La túnica de José es de igual calidad que la fragua, pero es menos conocido porque se ha dado mas proyección externa la colección del prado que la del escorial. Este cuadro tuvo un amplísimo comentario el Padre de los Santos. ¿estos dos cuadro forman pareja? En la mente de Velazquez si lo formaban porque era un experimentos en torno a la composición, belleza, anatomía y como narrar una historia.
- La fragua de vulcano^ se trata de una pintura de historia, que es el genero mas importante para un artista. Hay un cierto estudio lumínico y nos da una visión de la historia de la fragua de vulcano, que sin abandonar los preceptos clásicos de la misma altura, se colocan de una manera, clara, y elegante. Hay también un estudio anatómico perfecto que ha aprendido Velazquez de la pintura clasicista y la escultura. Vemos la anatomía perfecta tanto de frente, de espaldas, de lado,
