¡Descarga Barroco Español 2018 y más Ejercicios en PDF de Historia del Arte solo en Docsity!
BARROCO ESPAÑOL
Fernando Checa Cremades MARCO HISTÓRICO Y CULTURAL DEL ARTE BARROCO EN ESPAÑA: MONARQUÍA. IGLESIA. CIUDAD. SIGLOS XVII Y XVIII. Además de una cultura cortesana y monárquica , el Barroco católico es una cultura eclesiástica. Se vive en estos momentos el periodo de enfrentamiento al mundo protestante surgido el siglo anterior, con una apuesta muy clara por la representación de la imagen religiosa. Por ello el siglo XVII es uno de los periodos de la pintura religiosa europea con Rubens, Caravaggio, y en España con Zurbarán y Murillo, y que definen lo que es la imagen religiosa de este siglo y los grandes aspectos del arte en general. En arquitectura es el periodo en que más iglesias se construyen o se remodelan en España, incluso más que en la Edad Media, la religión se vive con gran intensidad, marcando de manera decisiva el arte del siglo XVII. La ciudad : El Barroco es una cultura urbana, hay un barroco rural en Europa, y en centro-Europa, en Austria y Alemania del sur, y sobre todo en la ciudad capital, Madrid y los emporios comerciales como Sevilla y Valencia. El aspecto cronológico: Arte del siglo XVII = Barroco pleno, pero también podemos considerar como arte Barroco los treinta o cuarenta primeros años del siglo XVIII. Culmina la arquitectura, sobre todo la que trae consigo la monarquía borbónica, capital y gran cambio en la historia del gusto y del arte español. CUESTIONES
- ¿Cuáles fueron las instancias culturales en el desarrollo del arte barroco español?
- ¿Qué papel jugaron los antecedentes renacentistas del s. XVI?
- ¿Diferencias entre Austrias y Borbones?
- ¿Importancia del arte europeo en el desarrollo del arte español del siglo XVII?
- ¿Qué sentido tuvo para el arte el carácter urbano de la cultura barroca?
- ¿Cuáles fueron las características de la religión barroca que más influyeron en el arte? No se puede entender el arte español sin mirar el arte italiano (Caravaggio, Bernini) y flamenco (como Rubens). ANTECEDENTES. EL SIGLO XVI. Los Austrias mayores. Carlos V (1500-1558) y Felipe II (1527-1598). Felipe II, retratado por una pintora italiana: Sofonisba Anguissola. Definiría el gusto de la corte por lo italiano como vemos en el retrato, y lo flamenco. Este tipo de retrato vestido de negro, con el toisón de oro y un rosario, como luego veremos que Velázquez pinta a Felipe IV al final de su vida, vestido de negro, es una clara consecuencia de este retrato y de muchos más del siglo XVI. En muchos aspectos, la pintura de los grandes maestros, como Velázquez o Claudio Coello, no se entiende sin la continuidad con los pintores y los intereses artísticos del siglo XVI. CENTRO DE DESARROLLO DEL ARTE DE LA CORTE Madrid: Sede de la corte desde 1561 y aquí todo está definido políticamente, cultural y artísticamente por lo que sucede en el palacio del rey. Se va remodelando el Alcázar arquitectónicamente en el siglo XVII. Gómez de Mora , en el siglo XVII, es el encargado de la remodelación del Alcázar, lugar de experimentación arquitectónica. Mismo lugar donde hoy encontramos el Palacio Real, momento clave, tras el incendio de 1734, que se destruye y se crea el nuevo palacio. Después, el Monasterio del Escorial: No existía, es una obra sin precedentes medievales. Los Austrias del siglo XVII lo encuentran prácticamente terminado, aunque hay algunas partes, como el Panteón de Reyes, que no estaba terminado, y ese panteón se va a terminar en tiempos de Felipe IV con una obra importantísima, porque es la obra en la cual se introduce en España la arquitectura barroca a la italiana.
LA MONARQUIA HISPANICA EN EL SIGLO XVII. LOS AUSTRIAS
MENORES: Felipe III (1578-1621); Felipe IV (1602-1665) y Carlos II (1661-1700). Felipe III y Margarita de Austria, su mujer. El segundo de Pantoja de la Cruz está siguiendo los modelos y la manera de hacer de los retratistas que habíamos visto en el siglo XVI, no hay un cambio enorme con respecto a lo que se había planteado. Es obvio que las modas del barroco, la manera de presentar al poderoso se convierte en más dinámica, sobre todo en el retrato ecuestre. A la izquierda, fundamental en el barroco el retrato ecuestre, el duque de Lerma por Rubens. Pintura en la cual, el caballo, como el dinamismo, la introducción del caballo saliendo, prepotencia, importancia del duque, valido de Felipe III. Felipe IV de príncipe con el enano Soplillo , obra de Rodrigo de Villandrando anterior a Velázquez, pero la idea del retrato sigue siendo la de Pantoja, la de Coello, la de los pintores del siglo XVI. Velázquez: Tipología de cuadro, exactamente igual. Velázquez no va a innovar tanto en el tipo de retrato, como en la técnica o penetración psicológica, hay una continuidad, relación de la pintura española con la pintura del exterior: Cuando hablamos del régimen político de los reinos españoles, hasta 1640, consideramos a Portugal, Castilla y León. Desde Madrid se gestionaban los reinos que no estaban en la Península ibérica, al igual que europeos como el sur de Italia o Flandes. A la izquierda Cardenal Infante por Van Dyck mandado a su hermano, Felipe IV es la fuente de inspiración de Velázquez. COLECCIÓN REAL DE PINTURAS: Se empezó a formar en tiempo de Carlos V y Felipe II, y continuado y ampliado por su nieto Felipe VI, lo que le interesaba en la vida eran dos cosas: las mujeres y la pintura. No se entienden las obras sin entender su origen. Felipe IV por Velázquez, sin la tradición de cuerpo entero. La colección real es la única que muestra los interiores del Alcázar de Madrid, como los retratos de Carlos II, muestra como era el mobiliario de la época, como cambió los cuadros, pero no tenemos imágenes. Estos cuadros son la única manera de comprender este interior tan importante para el arte español del barroco. Carlos II como maestre de la orden del toisón de oro. Condecoración más importante de la monarquía española y más prestigiosa, con una clara simbología. EL CAMBIO DE GUSTO. 1700: LOS INICIOS DE LA CASA DE BORBÓN EN ESPAÑA: Felipe V (1683- 1743 ) y su mujer Isabel de Farnesio. El lugar donde sucede todo el cambio es el Alcázar de Madrid, cuando se incendia, los borbones de Francia de tradición arquitectónica distinta optan por destruirlo del todo y crear el Palacio Real de Madrid. Retratos que traen de Francia: Luis XVI, de Rigaud, por el cual, tras una serie de razones de herencias, se pasa de los Austrias a los borbones. Cambio de gusto absoluto, transición entre la casa de
Zurbarán: Entender el arte de la iglesia, es entender el arte que puede ser promocionado por los cabildos y catedrales, y la nobleza que funda un altar en iglesias, y catedrales; además de las órdenes religiosas. Estas órdenes tienen un papel reforzado, como el que habían jugado a lo largo de la edad media, surgiendo nuevas a raíz de las necesidades de la sociedad. La orden jerónima era la más próxima a la corte, más poderosa y con más capacidad cultural y artística, no solo religiosa. También hay que ver la importancia de los cabildos (órgano de gobierno de la catedral), se hacen capillas nuevas, se hacen retablos nuevos. Hay un proceso de barroquización de elementos y espacios arquitectónicos, muy típico del barroco español, pero no solo de este, dándole a un elemento gótico una renovación. Igualmente, en una capilla gótica, se puede modificar con la colocación de un altar barroco. Murillo: Justino de Neve , cabildo de Sevilla, rico culto, amigo de Murillo, le encarga cuadros como la Inmaculada Concepción de los venerables del Museo del Prado, promociono la imagen de esta virgen. El patrocinio de los miembros cultos y ricos de los cabildos es realmente importante para entender las obras de arte de tipo religioso. Barroco aspecto teatral: Cultura del teatro "un urbanismo de teatro". Va a llevar el aspecto teatral a toda la realidad visual, implica muchas cosas: por un lado, una presentación de la imagen, una escena profana/religiosa/retrato, por eso el tema del gesto o expresión es tomada del teatro, por eso la literatura era descriptiva; por otro lado, la ciudad, que se va a convertir en un escenario: que una calle tenga una perspectiva donde al final haya una fuente u obelisco, la plaza como lugar de reconocimiento urbano de celebración profana y religiosa. Auto de fe en la Plaza Mayor de Madrid, 1670, de Francisco Ricci. Tablado, se elevó el suelo, graderíos, ventanas de la casa de la villa, presidido por Carlos II y María Luisa de Orleans, y su madre Mariana de Austria. La nobleza y el propio rey, se representa a sí mismo en el marco urbano, en la Plaza Mayor como lugar de reconocimiento de la sociedad, normalmente a través de la ceremonia. Proclamaciones reales: cuadros de finales del siglo XVIII conservados en Sevilla, vemos una mascarada, disfrazados de orientales, etc. La catedral actúa como escenario, los edificios decorados con colgaduras y tapices, al igual que en la giralda de Sevilla. El Barroco toma la ciudad visualmente y la convierte en un escenario del acontecer diario. ARTE Y RELIGION EN LA PRIMERA CORTE. MADRID Y SEVILLA. Es en la corte de Felipe III, 1598, a la muerte de Felipe II, donde se producen manifestaciones que ya podemos considerar barrocas. Hay dos ciudades pioneras: Madrid, con el apéndice de Valladolid porque la corte se traslada allí durante algunos años por iniciativa del Duque de Lerma; y Sevilla, con la aparición de la academia de Pacheco y el joven Velázquez. Cuestiones: ¿Qué caracteriza el arte de los veinte primeros años del barroco en la corte de Madrid? ¿Cuál fue el papel del catolicismo contra reformista en las artes? Momento más duro de la contrarreforma, la religión y el aspecto católico de esa religión se manifiesta de una manera más potente con grandes consecuencias en el campo de las artes. Se crea una iconografía religiosa, y se consolida, muy dura, patética, fuertemente realista, representante con la obra de Gregorio Fernández. ¿Que caracteriza a la iconografía religiosa de la contrarreforma? ¿Qué importancia tiene el arte europeo en el origen del naturalismo español?
Dos manifestaciones significativas de lo que es el arte y el Madrid de Felipe III. Felipe III, obra de Juan de Bolonia, florentino, en un principio en los jardines de la Casa de Campo, debajo del Alcázar y al otro lado del río Manzanares, lugar de esparcimiento de la corte, y que afortunadamente se ha conservado como espacio verde. Aficionado a lagos y fuentes, rememorando Países Bajos. Juan de Bolonia uno de los mejores escultores del siglo XVI y XVII en Florencia, y a él se deben varias esculturas ecuestres de grandes duques de la Toscanas hoy día expuestas. Había una relación muy fuerte en la época de Felipe III con lugares de Europa y fundamentalmente con Florencia, ¿Por qué? Los florentinos y los Medici eran protegidos de la corona española, títeres de la casa de Austria Felipe III y Margarita de Austria (Pedro Antonio Vidal Y Juan Pantoja de la Cruz) Pintor menor, famoso por este retrato. Es significativo porque el retrato de la reina es un paradigma de lo que son los retratos de la corte. Lo que se había creado en España con las aportaciones Tiziano y Moro en época de Carlos V. Estos dos grandes maestros provocan la aparición en tiempos de Felipe II de una retratística de corte hecha ya con autores ibéricos: fundamentalmente Sánchez Coello, portugués en la corte de Felipe II. Define el tipo de retrato a la española cortesano. A este pintor le sucederá como pintor de corte Pantoja de la Cruz, a finales de reinado de Felipe II y el príncipe Felipe III. Enfatiza el aspecto escueto, como geométrico, en la cual para representar la imagen del poder no se trata tanto de movimiento y gesto, sino como abstracto, o figura geométrica. En el retrato de ella: máscara, falta de expresividad, Majestad de la reina por encima de todos, fuera de todos, como en las ceremonias, no hablaba. Reina que se presenta así, con tanto joyas y gorgueras prohibidas a partir de 1621 como método de austeridad. El retrato del rey puede ser de corte, vestido de corte, pero frecuente vestido de armadura, porque por ejemplo Carlos V, y Felipe II combatió una vez, pero Felipe III y IV no. La retórica de la presentación del rey, como imagen militar, a través del retrato ecuestre. Son convenciones del retrato, pero de los grandes momentos de convencionalidad de retrato es el reinado de Felipe III. En la arquitectura del reinado de Felipe III, se vive de lo que había sido la gran obra, el Escorial, durante el reinado de Felipe II y terminado por Juan de Herrera, pero en este reinado ya como arquitecto real continuo Francisco de Mora es el arquitecto que define el reinado de Felipe III desde el punto de vista arquitectónico, logra captar lo esencial de la arquitectura de Juan de Herrera, austeramente geométrica y muy intelectual, de figuras muy simples, y algunos edificios alrededor del Monasterio del Escorial se deben a Francisco de Mora, funcionales, y con la cualidad de lo esencial e ir al grano. Diseñó La Casa de los hielos, donde en su interior había un gran pozo, y hasta los años 50 del siglo XX, se conservaba a través del frio, en los neveros. Construyó varios neveros en la montaña, donde se metía el hielo de la nieve y se conservaba más tiempo helado que si se dejaba al exterior. Francisco de Mora, clave políticamente en el reinado de Felipe III, al igual que Don Bernardo de Sandoval y Rojas, Duque de Lerma. El sistema de aristocracia, con este proceso mayor de urbanización, deja de ser poderoso ante sus tierras rurales para trasladarse a la capital, surge el fenómeno como de primer ministro o valido, Palacio del Duque de Lerma, gran parte de las posesiones de esta familia se centraron en Burgos, y en Lerma. Un día, la ciudad de Lerma se establece como ciudad local, hay una colegiata, en un urbanismo con arcos y pasadizos, encima de un monte, y va cayendo hacia el rio Arlanza, había un jardín lleno de ermitas donde el duque se retiraba, que imitara Felipe IV en el Retiro 20 años después.
La colección de pintura y arte decorativa de Lerma es muy importante como el Apostolado de Lerma realizado por Rubens no por su taller, son 12 obras realizadas para el duque de Lerma que se encuentra en el Prado, es así como introduce la figura de Rubens en España, otros grandes importadores de las obras de Flandes es Felipe IV e Isabel Clara Eugenia y Alberto. Rodrigo Calderón , era la mano derecha de Lerma y secretario del rey, igual de corrupto que Lerma murió ahorcado en la plaza mayor de Madrid; gran coleccionista de pintores flamencos, de su colección más importante es la Adoración de los Reyes de Rubens en el Prado de 1608 - 1628 , este cuadro es encargado por la gobernación de los países bajos de Flandes, gobernado por los duques Isabel clara Eugenia y Alberto, se creó una dinastía títere gobernada desde Madrid, la idea es que su hijo siguiera gobernando así el imperio español desde la sombra. Isabel clara Eugenia y Alberto gobernaron increíblemente bien y aun son bien considerados. Gobernaron a través de los estados Generales, mandaron a realizar este cuadro para su capilla, se ha interpretado como alegoría de la monarquía española, Calderón decomiso este cuadro y lo trae a Madrid, a su vez cuando cae en desgracia es confiscado por Felipe III y pasa a la colección real y de ahí al Prado. Cuando Rubens viene por 2 vez en el 1629 lo amplia por los laterales y parte superior, Rubens se retrata en la parte derecha de color burdeos inspirado en Tiziano. La fundación más importante de Felipe III en Madrid es el Monasterio de la Encarnación , no se sabe con seguridad quien lo realizo, aunque se cree que intervino Francisco de Mora. Su fachada está repitiendo y simplificando el modelo de clasicismo austero del Escorial, se caracteriza por la práctica ausencia de decoración, Iglesia carmelitana que se presenta por triple pórtico. El relieve sobre el pórtico superior del Misterio de la Encarnación junto con los escudos de Felipe y Margarita, se cree que fueron realizados por Pompeo Leoni.
La donante fue Margarita de Austria murió en 161 1 y no pudo verlo finalizado en 1615. Sor Mariana de San Jose , fue discípula de Santa Teresa de Jesús lo que la llevo a buscar fundaciones carmelitanas por el norte de España, en Valladolid hace el monasterio del Carmelo conoce allí a la reina la que le encarga la fundación del monasterio, retoma los principios de Santa Teresa en el libro de las Fundaciones donde habla de austeridad clásica inspirada en Vitrubio, donde una de las características más importantes es la firmeza, austeridad y practicidad. El convento de la Encarnación está unido al Palacio Real (Antes era el Alcázar) por el Pasadizo de la Encarnación todo esto corresponde a lo que es hoy la plaza de Oriente. La decoración de la Encarnación: los artistas más importantes como el arquitecto Francisco de Mora , pintores como Vicente Carducho con el cuadro de la Anunciación en el altar, en los laterales están San Felipe y Santa Margarita haciendo referencia a los donantes. Gregorio Fernández da la pauta para la escultura española religiosa, realiza las esculturas en madera policromada y que va a tener gran calidad durante el XVII y el XVIII en la zona de castilla con Gregorio Fernández y en Sevilla con Martínez Montañez. Lo que se buscaba con la escultura de la época era la representación del cuerpo y del dolor, lo que hoy dia atrae a los mejores museos del mundo que buscan comprar este tipo de obras. Felipe III encargo a Gregorio Fernández el Cristo de la Columna 1619 para la Iglesia penitencial de la Vera Cruz de Valladolid, inspirado por Santa Teresa de Jesús, buscó representar la mirada (mira al fiel) y el sufrimiento de Cristo. La expresividad del contraposto junto con los paños y las heridas es algo que hace sentir al espectador haciendo posible observarlo desde distintos puntos de vista. El Artista Cristiano es una tipología española del barroco a mediados del XVII, que en realidad cree y vive su obra a partir de la religión, busca estar en comunión con Dios para que su obra fuera una obra inspirada por y para dios. El Yacente de la Encarnación , es uno de los tantos que realiza, Felipe III le encarga esté que se encontraba en la sala capitular que desapareció con la Amortización, se encontraba junto con otras obras como las esculturas de San Agustín y Santa Monica (ahora en la iglesia). Es muy elegante y a la vez muy morbosa por la sangre, heridas y el dolor que buscaba reflejar la realidad del sufrimiento. Busca la idea del realismo por medio del truco retorico realista y no por medio de imágenes idealizadas. La firmitas, se ve también en el convento de San Jose en Ávila , fundación también de sor Mariana. Se diferencia porque parece sobresalir de la fachada la imagen de san Jose.
El Greco realiza 1600- 1601 para el Colegio de la Encarnación en Madrid de Maria de Aragón (desamortizado en el XIX) un retablo, ahora vemos en el Prado algunas de las tablas con el tema de La coronación de la Virgen y el Pentecostés , llamó la atención por ser tan característica por su tamaño y por ser la etapa más expresionista del Greco, llamado expresionismo extremo. Esto hay que compararlo con el Retablo de las Cuatro Pascuas de Mayno. El Primer Realismo Barroco, El Arte Del Bodegón Juan Sánchez Cotán 1560 - 1627 El bodegón era apenas conocido, en España inicia con una escena sencilla con una flor o una fruta, pero el renacimiento había consagrado una jerarquía de géneros (no es lo mismo hacer una pintura de historia que hacer la pintura de un bodegón) un pintor se consagra cuando pinta una gran historia ya sea religiosa, militar… pero con acción, debajo está el género del retrato, luego los paisajes, y el menos importante es el bodegón. El género de pintar objetos, flores o frutas sin personas no es muy valorado, la excepción es en el XVI con las pinturas Ridículas , donde se pueden ver cocinas, mesas, o barras de comer con comidas o escenas de comida típicas empiezan a tener relevancia en Flandes y en el norte de Italia donde siempre ha habido gusto por el realismo. Hasta mediados del XVI empieza en España a ser apreciada incluso por las clases altas y cortesanas. [en el XIX los artistas modernos como Picasso quieren reivindicar la idea de pintar escenas sin tema]. JUAN SÁNCHEZ COTÁN era un monje cartujo que pintó obras religiosas, pero además realizó bodegones donde juega con la geometría con aparente sencillez, pero es una reflexión sobre el espacio en la pintura, metáfora = la pintura es como una ventana; juega con la perspectiva, sombras y profundidad. La reflexión sobre la realidad es habitual lo que permite que aparezcan este tipo de obras. Plinio y su historia griega de la pintura (cuenta en realidad la vida de los pintores entre ellos el mejor pintor del mundo Apeles, Parracio, cuenta que realizaban obras tan realistas que engañaban a otros pintores como la cortina pintada o el cesto de uvas que engañaban a los pájaros) es uno de los libros leídos en la época dando la idea de que la pintura era un engaño y debía ser imitación, ficción y simulacro de la realidad. Esto da 3 de los grandes problemas del XVII, Alberti menciono en sus escritos el primero, la pintura como la ventana para ver la realidad en la obra, otro asunto es que la pintura es un engaño, el último asunto es la pintura como espejo de la realidad.
Estas obras serán fruto de Caravaggio en el norte de Italia, como su Cesto De Frutas o el Joven con cesto de Frutas para el Cardenal Borromeo, en España aparece en el XVII escenas de taberna, tiendas, cocinas que empiezan a fascinar a los pintores españoles influenciados por el norte. Se juega con la calidad de la obra, la perspectiva como en Velázquez o la Carnicería de Aníbal Carracci porque hay fascinación por el realismo. La piedad de la contrarreforma - GREGORIO FERNÁNDEZ y BARTOLOME CARDUCHO A comienzos del XVII se produce critica profunda al renacimiento y manierismo porque hay cansancio de la pintura idealizada, además de que se había recomendado desde el mundo religioso y místico del XVI la aproximación a la realidad para atraer al fiel para convencerle de las verdades de la religión a través de la realidad. San Ignacio de Loyola y Santa Teresa de Jesús son los principales escritores y personajes del XVI que influyen en este pensamiento, que tomaran auge en el XVII, porque en su época no fueron muy famosos, pero se retoman y serán la base la concepción artística barroca. A través de la contemplación exterior o interior se debe hacer el ejercicio de oración. Se puede decir que muy cerca del hiperrealismo se encuentra el conjunto de la Pasión de Cristo junto con los dos ladrones de Gregorio Fernández. El Cristo yacente, la Flagelación de Cristo del museo de Valladolid también de G. Fernández. Santa teresa de Jesús fue muy famosa por sus fundaciones, sus escritos y porque se movía muy bien entre los monarcas, porque necesitaba su apoyo económico y apoyo político por sus creencias que le causaron problemas con la inquisición, fue representada en la Transverberación de Santa Teresa por Bernini en Roma, Bernini era uno de esos artistas devotos que aspiraban a ser un artista cristiano. La Santa Teresa escribiendo para el Convento de las carmelitas de Valladolid realizada por G. Fernández es otra novedad, porque no es muy habitual que una mujer sea intelectual, ya que es una de las literatas más importantes de la lengua española esto le valió en título de doctora de la Iglesia, algo que revela la importancia Santa Teresa. La mano alzada con la pluma (antes de escribir) y el libro junto con la mirada iluminada da la imagen retorica del intacto, lo que dice es que la actividad manual de escribir lo está pensando en el intelecto que además es iluminado por dios. Incluso los artistas intelectuales se retratarán con el mismo gesto de la mano en alto con el pincel indicando que el acto de pintar es intelectual. El escultor Montañez también es retratado en la actitud de pensar su obra
Esto de la galeria de hombres ilustres estaba muy de moda en el XVI, el libro de Pacheco puede que estuviera relacionado o encargado por el Duque de Alcalá. Esto quiere decir que Pacheco se movía en un ambiente culto, aristocrático, y este es el mundo culto en el que se está educando Diego Velázquez. Puede que así mismo adquiriera su habilidad para realizar retratos Velázquez. El mundo de la pintura de Pacheco es de poca calidad en realidad, su pintura estaría olvidada sino fuera por Velázquez. En su obra se puede observar un primer realismo algo duro. Pacheco está dentro de la tendencia de pintores que trabaja para órdenes religiosas como El Convento de la Merced De Sevilla , en esta obra muestra a San Pedro Nolasco embarca a redimir a los cautivos que muestra la actividad de los mercedarios. Dentro de estos tópicos está el tema de la Inmaculada Concepción de Pacheco de la catedral de Sevilla, como la de la iconografía de la Virgen sobre la media luna que genera la discusión de la proclamación de La Inmaculada Concepción de la Virgen Maria como dogma de fe o no, hasta el final del XIX no se proclama el dogma. Otro tema que genera preocupación en el XVII era la representación de cristo en 3 o 4 clavos, vivo o muerto, con dolor o sin dolor, el Cristo de Pacheco de 1614 es el más claro precedente del Cristo de Velázquez de 1632, entre estos dos hay mucha diferencia entre la calidad artística, pero cercanos a la concepción: de 4 clavos en reposo, que parece no sufrir, sobre un fondo oscuro y parece tener un acercamiento a la escultura. En el Palacio de Pilatos que era la residencia sevillana de la Duquesa de Medinaceli , Pacheco va a realizar en la sala del Camarín Grande , las personas que los comisionaron - el poeta Arguijo, un joven Duque de Alcalá con su consejero Francisco de Medina, y el Cardenal Fernando Niño de Guevara - eran conocidos y pertenecían al mismo círculo humanista en Sevilla. La Apoteosis de Hércules de 1604 es una de sus obras de mayor envergadura y excepcional en cuanto al tema, no hay que olvidar que estamos en plena contrarreforma, pero que a la vez Sevilla tiene un ambiente culto y cercano a las ruinas de Itálica que ya empiezan a ser admiradas, por eso pinta modelos florentinos cercanos al palacio Medici o al palacio Vecchio de Florencia. Pinta los escudos del Duque de Alcalá y motivos mitológicos.
La pintura Herrera el Viejo 1590 – 1656 y Juan de Roelas 1570 - 1625 A través de la pintura de los dos artistas Velázquez tiene influencia, pues pasa una pequeña temporada en el taller de Herrera. Herrera el Viejo estudió la pintura del XVI en Italia, tiene pinturas muy rotundas y cierto realismo de carácter religioso, Juan de Roelas es un pintor más colorista y de influencia en Tintoretto en la Crucifixión con la obra suya del Martirio de San Andrés.
EL JOVEN VELÁZQUEZ EN EL TALLER DE PACHECO (1617-1622)
Es en este ambiente donde aparecen las obras de Velázquez , es fácil estructurar porque tiene una biografía clara con 3 ambientes: Sevilla, la corte en Madrid y un par de viajes a Italia. Sus primeras obras en Sevilla son escenas de mesas, comidas y tipos populares que no son ajenas al entorno aristocrático y culto de Sevilla, pues esto era lo que estaba de moda en la época. No se sabe muy bien quien es la clientela de la obra, pero si se sabe que es del mundo culto, se sabe que todas las pinturas de Velázquez de tipo profano están fuera de España, se entiende que fueron compradas por Los tres músicos en el museo de Berlín C.a 1617 discutida su autoría, es posible que fuera su primer cuadro, hay 3 personajes con instrumentos musicales (moda del norte de Italia por muchos artistas como Caravaggio) tañendo o cantando parece representar la alegoría de la belleza y armonía con la realidad, pues la interpretación no es idealizada sino realista y naturalista, no es un cuadro tenebrista, pero si hay un contraste entre en fondo y los personajes es decir contraste fuerte entre luces y sombras, hay interés por el bodegón (realismo) definido por el centro de la mesa, este interés busca demostrar la habilidad por representar real al objeto con calidades de transparencias y brillos. El espacio de fondo con dos paredes en perspectiva es interesante y sobria. El mono detrás del niño también demuestra habilidad en pintar la realidad, que a su vez es una alegoría de la imitación, es una disputa de si la pintura debería ser una imitación de la realidad o una idealización de la naturaleza. El Almuerzo se representa una mujer sirviendo vino a dos hombres en una mesa. Nuevamente habilidad por pintar líquido y transparencia, el bodegón del centro muestra gran variedad de objetos con luces y sombras, con respecto a esto los rostros tienen claro oscuro.
Retrato de Pacheco antes de 1623, se sabe la fecha por el cuello del personaje. Aquí ya demuestra habilidad en el retrato, Velázquez puede capturar la vida de un rostro, la vitalidad interior, aún tiene algo de dibujístico del taller de Pacheco, pero ya demuestra habilidad. 13 - 02 - 2018 La primera obra maestra es el Aguador de Sevilla , cuadro que pinta a medio camino entre Sevilla y Madrid. El joven Felipe IV se rodea de una camarilla de Sevilla junto con el duque de Olivares estableció una camarilla o parentela, para su enriquecimiento cultural. El aguador de Sevilla representa 3 figuras, dos en primer plano y una tercera en penumbra, puede que el aguador fuera el Corso de Sevilla, juega con la idea de personajes sacados de la realidad, pero en vez de hacer una obra con convención más real, articula los personajes en una especie de pirámide por edades, con giros de ¾ que las luces destacan por edades. Este cuadro se ha interpretado como una alegoría de las tres edades del hombre, tema de moda en el XVII. Se ha interpretado como la representación del filósofo pobre Diógenes, pero se tiende más a la idea de la representación de la realidad del paso del tiempo a través de tres rostros y la idea de engañar a la vista o la realidad como ficción y engaño por el gusto que tiene Velázquez en esto como la tinaja que tiene casi una representación 3D, se pueden apreciar las calidades del barro, las gotas que caen, lo mismo se puede observar la copa que centra la composición, el joven ofrece la copa y el viejo recibe es un contraste de manos, miradas, edades, colores, dentro de la copa hay un higo costumbre de la época para aromatizar el agua. El tercer de los elementos es la jarra vidriada, estos tres elementos son un contrapunto de las calidades primero el más brillante y de calidad = la copa, luego uno de mediana calidad, pero también brillante = la jarra vidriada y el tercero de menor calidad y poco brillo = la tinaja. Este cuadro se podría decir que es pleno barroco por la calidad de los objetos que engañan la vista. A la vez que Velázquez está haciendo esto, en Sevilla se está produciendo una evolución de la escultura realista y policromada muy interesante que es muy importante Juan de Fonseca retrato, es quien introduce a Velázquez en la corte y era un sumiller que escribió un tratado de pintura hoy día perdido. Es en los inicios del reinado de Felipe IV en 1620 con el duque de Olivares es el circulo al que llega Velázquez. Su primera etapa en la corte de Madrid inicia con el Aguador de Sevilla que consolida su especialidad de pintor a la moda y culmina en 1628 con los Borrachos. Palomino ya le dedica varias páginas de su tratado para exaltar su talento.
JUAN MARTÍNEZ MONTAÑEZ 1568 - 1649, JUAN DE MESA 1583 - 1627 Y LA ESCULTURA DE LA
CONTRARREFORMA EN SEVILLA
Juan Martínez Montañez 1568- 1649 El Cristo de la Misericordia o de la Clemencia de la catedral de Sevilla de Juan Martínez Montañés encargado por Juan Martínez de Leca, en el contrato se especifica que el Cristo debe estar mirando hacia abajo al penitente, esto introduce el elemento de relación entre imagen y fiel de teatralidad, esto es la idea del barroco como arte dramático y teatral, que considera que se puede dar un dialogo real entre la imagen y el fiel. La imagen tiene 4 clavos, tiene una extraordinaria talla y magnifica policromía realizada por Pacheco La escultura de San Francisco de Borja tenía en la mano izquierda una calavera (asociado con su conversión al cuerpo en descompuesto de la emperatriz Isabel – asociación a la corrupción de la carne, muerte), esto es una idea barroca del desengaño y las bellezas que perecen. La escultura San Ignacio de Loyola santo fundador de la Compañía de Jesús XVI (brazo armado de la iglesia católica para defenderse de los protestantes) imagen de gran calidad hiperrealista el rostro con la policromía de Pacheco. Santo Domingo de Guzmán de 1607 de Martínez Montañez en el Museo de Bellas artes de Sevilla, la idea del santo penitente arrodillado, semidesnudo, en contemplación intensa de la cruz es una idea que aparece en el XVI, pero que se intensifica en el barroco, estas imágenes explican la idea de la piedad de la época. Creador de la iconografía de San Bruno fundador de la orden de los cartujos, habito blanco, el personaje y la orden busca la exaltación a la santidad, la piedad, la ceremonia, con gran hiperrealismo.
UN PINTOR ESPAÑOL EN EL VIRREINATO DE NÁPOLES: JOSE RIBERA, EL SPAGNOLETTO 1591- 1652
Ribera comparte periodo con Velázquez, fue el pintor español más conocido en Europa, nace en Játiva, pero se va a trabajar a Roma y luego a Nápoles (esencial para la monarquía española) donde se empapa de Caravaggio. El virreinato de Nápoles tiene poderes sobre la gobernación con beneficios económicos y políticos. Buena parte de los virreyes españoles eran coleccionistas de pintura por moda influenciada de la corte de Felipe IV, estos serán los protectores de los pintores locales estas obras iban a los palacios españoles, esto explica que haya tanta pintura del XVII en la colección real. Antes no se hablaba de la pintura española, solo se hablaba de la escuela francesa, flamenca - holandesa o las escuelas italianas; la Escuela Española de pintura se adjudicaba a un capítulo de la escuela Napolitana por Jose De Ribera que fue absolutamente influenciado por Caravaggio. Ribera no vuelve a España, pinta a la manera italiana (caravaggesca), asociación con el Greco (nace en Greta estudia en Italia, pero hace toda su obra en España), pero siempre firma como Ribera el espagnoleto, pinta para los italianos, pero también para los virreyes. ¿Es o no un pintor español?, Rubens es súbdito español, se debe nacer en España o solo pintar temas españoles lo hace español. Esto del tema de la nacionalidad de la pintura se planteó con Ribera y el Greco. 19 - 02 - 2018 Ribera reivindica que nació en España, pero a la vez dice que España es una mala madre para él y muchos otros, es el pintor más caravaggista después del mismo Caravaggio. JOSE DE RIBERA estuvo en Roma de 1606-1616 donde obtuvo el conocimiento del caravaggismo. Una de las tendencias historiográficas más relevantes es lo que se llama Tendencia Geográfica Artística esta mentalidad surge en el XIX cuando las divisiones de occidente y oriente, de Europa y Estados Unidos son más acusadas y los territorios están en proceso de consolidarse como naciones. Tras las guerras napoleónicas que son las que suscitan el ímpetu nacionalista en Europa se busca una identidad histórica y cultural de estas naciones. Pero existe un mapa identitario diferente, donde el auge de las naciones se interrelaciona con el auge de la historia del arte, donde el arte de las naciones y el concepto de escuela nacional surge para reivindicar esta identidad. Comienza entonces a hablarse de la escuela española, italiana, francesa… estas escuelas quieren tener grandes nombres para avalarse a sí mismas, buscan engrosar la lista con nombres importantes. Entre los primeros grandes nombres está en el de Jose Ribera porque nació en España, aunque trabajara siempre en Italia y hubiese sido un caravaggista, otros nombres son el de Murillo (más apreciado que Velázquez en el XVIII), Velázquez, el Greco (formado en Italia y su estilo es italiano), el último de los grandes nombres es Zurbarán (hasta los años 20 del XX). Javier Portús La Creación de la Escuela Española , libro recomendado. El elemento básico a finales del XVI y fundamental en el XVII, es ver cuál es la realidad política de “España”, la Monarquía Hispánica o Monarquía Católica. Desde Felipe II la corte reside en Madrid, pero este gobierno se ejerce de distinta forma en los reinos de Castilla, Aragón, Nápoles, los Países Bajos, el Virreinato del Perú … pero el rey es el rey. La monarquía hay que entenderla en esa complejidad de reinos y virreinatos, lo que quiere decir que se podía ser tan español en Nápoles como en Madrid. La historiografía se divide de manera arbitraria por la división política del XIX, XX y XXI, pero esto no se puede aplicar a la monarquía hispánica por la variedad de territorios que tenía y que perdió, su última posesión perdida fue en 1898 Cuba, y todo esto tiene consecuencias sociales, la respuesta a esta guerra fue la celebración de Velázquez como gran artista español reivindicando su importancia en el Prado. De Ribera se sabe que aparece en 1606 en Roma y está allí por 10 años, esto significa que tiene una gran influencia de lo que está de moda: Clasicismo de Carracci y el Realismo de Caravaggio que acaba con la pintura
del Renacimiento, los más tradicionales se referían a él como el anticristo, destructor de la pintura, entre otros apelativos. Cada vez se sabe más de Ribera, se sabe que pintó una o dos series de Apostolados y con la Serie de los 5 Sentidos , de moda desde el XVI como las edades del hombre, o la pintura que tiende a alegorizar las ideas, pero a la vez tiende a representar estas alegorías de forma realista, Personajes representados de medio cuerpo sobre un fondo neutro y portando cada uno su símbolo o característica particular que lo identifica. Así, por ejemplo, San Pedro sujeta unas llaves o Santiago Mayor luce una concha. En la serie se mezclan cuadros de variada calidad. Algunos con una clara y amplia intervención del taller y otros, en cambio, elaborados sobre la base de un amplio estudio de retratística. En todos, no obstante, resalta un exquisito naturalismo Caravaggismo y en los personajes, de rostros cansados endurecidos por la vida, son fácilmente reconocibles personas cotidianas que cualquiera podría encontrarse en los callejones de la Europa del siglo XVII Serie de los 5 Sentidos 1632 El sentido del olfato – Viejo con una cebolla o ajo. No idealiza el olfato con imágenes como en el clasicismo con jóvenes y flores, además representa realista las figuras que componen bodegones frontales, lo más relevante es la iluminación claro-oscura. El sentido de la vista – hombre con telescopio ¸ análisis profundo de la imagen del hombre realista con representación de los objetos que lo acompañan relacionando tanto la nariz del hombre como los objetos con el Águilas y las aves como animales que tienen la mejor vista. Esto además se relaciona con una ciencia que está de moda en la época, la Fisionomía, que intenta hacer un estudio de los rostros humanos y relacionarlo con las propiedades u habilidades de los animales a los que se puede asociar ese rostro. El hombre pájaro. Este análisis demuestra que es un arte intelectual. No es un arte banal. El tema del espejo apasiona a los pintores desde siempre, pero en el barroco se convertirá en una obsesión, el espejo como ventana, perspectiva o espejo a la vez.
