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Nacimiento del arte actual
El gran cambio de paradigma del arte es lo que significa la obra de Magritte, Esto no es una pipa, porque es una imagen, una representación. Estamos tomando la imagen por la realidad, la representación por la realidad. Muchas veces esta imagen está manipulada, y solemos confundir imagen con realidad. Aunque Magritte avisa, esto está a la orden del día. Los medios de comunicación construyen la realidad. Muchísimas prácticas artísticas de la actualidad se dedican a poner esto en evidencia (Banksy). Muchas veces, estas prácticas que nos asombran como herirse, tienen que ver con eso: necesidad de despertarnos. El artista está rompiendo las fronteras diciendo “vivimos en un simulacro”, nosotros somos imágenes. Todo el arte hasta bien entrado el XIX, lo que hace es imitar la realidad (“ventana abierta al mundo”, Alberti), incluso el romanticismo. La vanguardia lo que hace es romper esto.
Las señoritas de Avignon, es una pintura, no es la realidad. Es cuando se da el salto real. A partir de aquí, todo vale, en el s XX el arte se define por la libertad creativa. Todo depende de la mirada, todo es subjetivo de ser arte. Se han inventado nuevas maneras de crear.
Abstracción. Composición A,Mondrian. Cuesta mucho de entender, no hay anclajes. Es un acto de liberación de la obra profundo. No hay tema, no hay nada. Esto lleva en realidad a un callejón sin salida: al grado 0 de escritura. Blanco sobre blanco, Malevich. También puede ser un punto de salida, aquí se llega a través de buscar la esencia de la pintura, quitarle la hojarasca (la belleza, el tema, la línea, el punto), que se llega a través de la reflexión. Hoy en día esto se sigue haciendo.
Surrealismo. Es otra frontera, que separa el arte de la realidad. Todo esto nace de lo que está sucediendo en el arte en el mundo. Ha aparecido la física cuántica, obliga a reformular nuestros conocimientos, Einstein… todas esas certezas científicas a principios del XX se cambian por otros. La realidad es el sueño, aquello que nos domina, que hay más real que eso? El surrealismo llega para quedarse, y gran parte del arte actual es surrealista. Eso no es un movimiento, es traer al mundo del arte otra realidad. (El Bosco, Goya…)
Dadá. No se entiende nuestro siglo sin el dadá y Duchamp. El recurrir al absurdo, la ironía, el gesto infantil... Pretende liberarnos de la razón y vayamos al estadio previo. Mona Lisa, Fontana, inventa el ready-made, cogiendo un objeto de uso cotidiano y entra en un museo. Desde el momento en el que esto entra en un museo, cualquier cosa puede hacerlo. Acto totalmente revolucionario y lógico en el momento en el que se produce. Idea de progreso. El mundo cambia y nosotros aportamos. En el arte actual, esta idea se quiebra. Muchas prácticas políticas hoy en día viven de eso, la provocación, poner en evidencia los valores que sustentan la sociedad.
Guernica. Todo lo que empieza en las vanguardias acaba en canon, se convertirá en el arte dominante, dentro del mundo del arte, no de la sociedad. El Guernica es un icono total, hay una cierta academizarían de la propia vanguardia. Los más lúcidos acaban
ARTE ACTUAL
renegando de la propia vanguardia por haberse convertido en institución. Gran parte de mitad del siglo XX estará en eso, rechazando (caca de artista).
Movimiento moderno. Arquitectura que pretende ser útil, menos es más, funcionalidad, bello pero simple, elementos mínimos, que sea replicable… ideal social que luego se pervierte totalmente, pero nace de la utopía, la necesidad de un mundo mejor.
Pollock. Tras las IIGM, que se caracteriza por un bando el genocidio (matanza sistematica de millones de persones, la ciencia al servicio del mal), y por el otro lado la bomba atómica. ¿Cómo hacer poesía después de Auschwitz? La reacción es el caos. Hay una especie de planteamiento según la pintura del gesto, el artista lanzando pintura, especie de representación con emociones muy mezcladas, arte sin forma (informalismo) y expresión de dolor, angustia… me expreso pero no tengo nada que expresar más que angustia.
Giacometti. Tres hombres que caminan, 3 hombres frágiles, sin rostro, arrugados… expresión de cómo se siente la gente tras la destrucción máxima. Desde la figuración aquí, otra respuesta, el cuerpo se desmaterializa, será una constante en el arte.
Informalismo. Dubuffet, Madre con su hijo, formas muy sencillas pero siniestra. Expresa los temores, las dudas… si la razón nos ha llevado a esto, de que nos sirve la razón? Regresión a formas infantiles, aunque el tema sea desagradable. Negar todo lo que nos ha llevado a esto. Bacon. El que mejor representa esa angustia del sujeto contemporáneo, pérdida de identidad, con retratos con expresión de horror. El sujeto se desvanece, no hay identidad, hay medio rostro, tinieblas…
Pop art. El arte actual se podría entender como continuación del pop. Sociedad de consumo, de masas, los 60 son años de recuperación económica, bienestar para el primer mundo… la publicidad será el gran tema del arte. Esto ya son ejercicios de reapropiación, Warhol ya juega a ser banal voluntariamente: en el futuro todo el mundo tendrá sus 15 minutos de fama. Lichtenstein. Equipo Crónica, apropiacionismo para hacer un mensaje crítico.
Arte conceptual. Una y tres sillas, obra inaugural, plantea que el lenguaje construye la realidad, cual es la silla? La silla es una convención. Habla de esto no es una pipa.
Todo vale. Se rompen fronteras. Piero Manzoni y la mierda de artista, o el huevo con impresión. La filosofía del Manzoni tiene sentido en ese momento, si arte es lo que hace un artista, todo lo que hace un artista es arte? Esto juega con la institución arte y la cultura, es un discurso muy cínico. Por un lado es arte y por otro está denunciando eso mismo. Fuera del sistema no sabemos si existe. La última frontera es el cuerpo:
El happening. Yves Klein, Antropometrias, la obra es todo. Laperformance con una orquesta que solo toca una nota, el artista como maestro de ceremonias, las mujeres, y el resultado. Parte efímera y parte que permanece. Por tanto hasta la definición de obra se ha perdido. La obra no perdura. Y la provocación a través de esto.
✓ Renuncia a las utopías, a la idea de poder crear un mundo mejor.
✓ Supone el final de las grandes narrativas, por ejemplo la Ilustración o el Marxismo. De hecho se habla en estos años del final de la historia.
✓ No hay certeza. Se instaura un relativismo cultural, donde cualquier punto de vista vale.
✓ Fin de las ideologías fuertes. Un periodo de cierta frivolidad.
✓ Importancia del proceso de globalización, donde se acelera a partir del siglo XX. La idea de que mis actos pueden tener efectos globales. Nuestra percepción del mundo es mayor.
✓ El lenguaje construye la realidad, sin el lenguaje no podríamos tener una visión del mundo.
✓ La verdad es cuestión de perspectiva o contexto, no hay una verdad absoluta pues cada uno vive el mundo de maneras diferentes. No hay certezas, sino puntos de vista.
✓ El medio es el mensaje. El mensaje no es tanto lo que digo sino cómo lo digo, o dónde lo digo.
✓ Globalización, libre mercado, capitalismo, consumo. Todo es un objeto de consumo, incluido el arte. Responde al hecho de que estamos en un mundo capitalista, aceptación del capitalismo como algo inevitable.
✓ Muerte del sujeto: mass media. Cultura del simulacro.
✓ Desmaterialización de la realidad. Realidad virtual gracias a las máquinas.
✓ Pensamiento débil, pensamiento que no crea discurso ni transformación.
✓ Predominio de lo individual sobre lo universal, de lo psicológico sobre lo ideológico, de la comunicación sobre la politización, de la diversidad sobre la homogeneidad, de lo permisivo sobre lo coercitivo.
✓ Fin de las jerarquías culturales: consumo de masas. No hay distinción entre “alta y baja” cultura.
✓ Somos conscientes de que pertenecemos a un sistema que no funciona. Es cómplice y crítico a la vez
✓ Las diferencias locales y regionales cobran importancia. También lo marginal. Compromiso ideológico con las minorías políticas, sexuales, lingüísticas, etc.
Características de las obras
- (^) Fragmentación y deconstrucción
- Pastiche, kitsch, parodia, intertextualidad (obras que remiten a otras obras)
- Hibridación, mezcla, descentralización de la autoridad intelectual, ironía
- Subjetividad, narcisismo y hedonismo (la cultura del placer, de vivir al día). Neoindividualismo o hiperindividualismo
- Inmediatez
- Desencanto, desilusión, cinismo. Nihilismo y escepticismo (la falta de creencia)
- (^) Barroco/ Neobarroco
- Reapropiación, remake
POSMODERNIDAD
Es un concepto con varias acepciones, en función de si se utiliza para las ciencias sociales, el cine, el arte… si hablamos de las cs sociales es modernidad/posmodernidad. Si es arte, modernismo/posmodernismo que son movimientos artísticos. Para explicar la posmodernidad, aclarar modernidad: canónicamente, se supone que empieza con los cambios del AR, el proceso de industrialización, sociedad burguesa, a lo largo del XIX pero de manera muy diversa, en cada país funciona de una manera. Básicamente una característica sería la sociedad que surge de las grandes revoluciones con el ideal de progreso, la sociedad progresa porque está fundada sobre la razón, la ciencia y una serie de valores que son los que dan razón de ser a la sociedad. Ese proyecto moderno que se va creando en el 19 muy distinto según el país, pero en el xx se habla de modernidad. Baudelaire hablaba del pintor moderno. Una forma de sociedad distinta, se han transformado las relaciones sociales, del trabajo, uno trabaja por un salario. También se podría remontar al renacimiento, pero de forma convencional seria el XIX-XX, a partir sobretodo de la Ilustración. La modernidad acaba, pero no de manera tajante, no hay hitos. Es toda esa construcción del mundo moderno. Y se rompe generalmente después de la IIGM, cuando se rompe el proyecto de moderno. Aplicación de la ciencia al mal, Alemania nazi, bombas atómicas, todo ese mundo violento pero sobretodo el hecho central es que es una violencia engendrada por una sociedad progresista, científica, moderna y racional. Se da como resultado de un proyecto de modernidad. Ahí se rompe, y para algunos comienza en la posmodernidad. La idea de progreso, de razón, sigue existiendo, pero se va disolviendo. Para otros en los 60.
implica que todo es objeto de consumo. En el pop art, años 60, empieza a creerse que todo es objeto de consumo.
Todo esto lleva a la muerte del sujeto, que estaba entendido como concepto teórico, controla la naturaleza, la ciencia, la realidad. La ciencia se basa en esta idea, vamos a controlar el mundo. Siglo XIX y la fuera por catalogarlo todo, taxonomías. Creencia absoluta por controlar el mundo, y al final de la modernidad se deshace esa idea: no controlamos nada. Todo ese discurso positivista que construye el discurso positivista, desaparece. Antropología es una ciencia burguesa que nace para controlar los tipos humanos. La posmodernidad dice: no puedes catalogar.
Cultura del simulacro, no de la realidad, rodeados de imágenes.
Uno de los conceptos centrales el de pensamiento débil. Idea de pensamos, pero flojito. No crea discurso ni transformación. El de los grandes relatos que la posmodernidad no cree, se ha acuñado para todo lo demás, fascismo light, comunismo light…
•predominio de lo individual sobre lo universal, de lo psicológico sobre lo ideológico (lo que siento antes que lo que creo, discurso publicitario, apela a la emoción), de la comunicación sobre la politización (importa comunicar más que estar politizado, mientras el mensaje cale no importa), de la diversidad sobre la homogeneidad, de lo permisivo sobre lo coercitivo (tiene una parte que se fundaría en “vive y deja vivir”, lo que conlleva a la permisividad en todos los campos tanto diversidad sexual, étnica lo cual es positivo para las minorías).
•fin de las jerarquías culturales: consumo de masas. No hay distinción entre alta y baja cultura y todo vale. Lo que hay es una idea de falta de jerarquía. Ej Almodovar, en la que convive la telenovela y la opera. Lo veíamos en equipo crónica, la convivencia de la alta y baja cultura. Puedes elegir entre millones de imágenes. Desacraliza gran parte de la cultura, pero complejiza mucho. ` [Artículo de Kevin Power]
•somos conscientes de que pertenecemos a un sistema que no funciona. Es complica y critico a la vez. Esa conciencia es la que nos permite crear cosas, ser anti todo, criticarlo… idea muy importante para entender como es el arte. Soy cómplice y reconozco mi impotencia, pero soy capaz de criticarlo. Ej Marina abramovich, han hecho una ópera, se ha convertido en objeto de consumo.
•las diferencias locales y regionales cobran importancia. También lo marginal. Compromiso ideológico con las minorías políticas, sexuales, lingüísticas… yo como individuo puedo tener muchas identidades. Defensa de la diversidad, nace de aquí (aunque haya habido movimientos sociales anteriores).
Posmodernidad, concepto difuso por la época y por el pdv teórico. El artista es libre de utilizar todos los referentes como quiera.
Piazza d’Italia, Charles Moore. Apropiación en arquitectura. La influencia del cine está clara, el concepto de simulacro o decorado, lo cual influye en la arquitectura de estos años. Deliberadamente parecen falsos.
Las Vegas. El lugar de la posmodernidad, falta de jerarquía, todo mezclado en una ciudad que es pura imagen.
Blade Runner. El cine de los 80 es de mezcla de géneros, ciencia ficción + cine negro. Toda la mezcla de géneros es lo propio de la posmodernidad. Presencia de la publicidad, imágenes dentro de imágenes.
Sangre fácil. Terror, wetern, parodia… ironía constante, otra característica posmoderna.
L.A.Confidential. Como si se hiciera una copia de cine negro de los 50, pero rodada hoy. Ejercicio de apropiación.
Almodóvar, Mujeres al borde de un ataque de nervios. Consigue hacer obra de total personalidad, hecho con retazos de otros mundos. Otra de las cara, todo es simulacro, imagen, falso… se supone que es el ático donde sucede la acción. Es muy evidente deliberadamente que es falso. Estas muy evidentemente delante de una construcción.
Tarantino. En p ficción, la historia esta desordenada cronológicamente, hay citas de todo tipo. Cita a Godard, que es cine intelectual al que el admira, eso está mezclado con cine de acción, de artes marciales, serie B, manga… la propia idea de p fiction nace de esto, relatos que leía todo el mundo pero que no tenían prestigio cultural.
Moulin Rouge. Toulouse Lautrec, es un tipo de películas para las que no tenemos categoría. La crítica se enfrenta a un problema frente a estas obras.
Cyberpunk. Movimiento nihilista que plantea el no future y el hazlo tú mismo. Nace esta idea a partir de un escritor fundamental para nuestra cultura que es William Giboson con obras como Neuromante. La presencia de lo digital, es de los 80 y los ordenadores están empezando. Idea central del cyborg. Un ejemplo es Jonny Mnemonic, dirigida por artista plástico protagonizada por Keanu Reeves (comercial), mezcla. Esto ha dado lugar a obras de creación como Black Mirror.
Jeff Koons. Inclasificable, es posmodernidad pura, frivolidad, todo muy banal, muchos colores… frivolidad absoluta. Su arte está muy discutido justamente por eso, no decir nada cuando probablemente es lo que él expresa. Ha sido denunciado muchas veces por utilizar las imágenes de otros. Su obra es muy kitsch. Eleva objetos a la categoría de arte.
Claes Oldenburg. Obra desprejuiciad, irónica, divertida… falta de categoría cultural. A esta época se le llama un poco manierista, asumir la impotencia. Una parte de reírnos y utilizar las imágenes de otros que consideramos más grandes y por otra que no vamos
utilizan como se quiere. Uno de los ejemplos cinematográficos es la obra de Joseph Cornell, que es coger una película y remontarla, llamada Rose Hobart, haciendo una película totalmente distinta.
Otro ejemplo magnifico es el Retrato de Inocencio X de Francis Bacon , aquí sí aparece el sentido de reinterpretación. Esa reapropiación que se hacía en otra época era para reconocer la excelencia de la obra, no había ironía ni reinterpretación. En ese caso hay una enorme diferencia.
Andy Warhol. Coge otra imagen de la soc de consumo. Robert Rauschenberg. No está clara la función. Ensamblaje con las imágenes porque todas son iguales y no acaba de ser inocente.
O la obra de Asger Jorn que coge obras más bien mediocres y les añade otras figuras como El patito inquieto de 1959. Coge cuadros de género, bucólicos, y los convierte en algo siniestro. Estilo típico del expresionismo abstracto el que el utilizara. La otra, a su vez reinterpretando la obra con bigote como la Gioconda.
Otros artistas hacen la reapropiación su forma de expresión, una artista muy polémica es Sherrie Levine, que lo que hace es refotografiar las fotografías, hasta el punto que no se distingue, (ejemplo, After Walker Evans , de 1981), su planteamiento teórico se basa desde el punto de vista de que esta obra forma parte de nosotros, que nuestra identidad cultural es común a los demás y lo que pretende también es poner en evidencia el sistema del arte (toda la idea de la autoría y demás).. Que es lo que vale? La firma, la técnica? La firma. Ponen en evidencia que el sistema del arte es un sistema artificial que tiene que ver con otros valores que todos tienen que ver con el dinero.
También realiza la de Van Gogh y Duchamp. Le quita la característica central a van Gogh que es quitarle el color y hacerlo en bn. Por otra parte, esta es la manera en la que todos estudiaban en bn antes. También es un modo de hablar del modo de la circulación de las imágenes. Nos obliga a plantearnos el porqué, que nos está diciendo.
Otra técnica es reduciendo a pixeles obras famosas, los pixeles básicos y los colores. Deconstrucción de imágenes y categorías culturales. Esto se está haciendo con las películas. Ahí está escondida o reducida a su esencia la obra.
Otra artista, Barbara Kruger , que recuerda al arte de la cartelería soviética, lo que hace es inspirarse en esto, copiando imágenes de revistas y les añade un texto que le da un sentido irónico a la imagen o recontextualizarla. Reinterpretando todo lo que se ve en medios de comunicación de masas. Utiliza el rojo, helvética bold, siempre la misma tipo, colores y esquema. Una de sus ideas es poner en evidencia los roles de género. Mensajes irónicos muy potentes. También lo hace a modo de instalación. Mensajes con los que consigue llamar nuestra atención con las imágenes y con el texto. Cuando ves otras imágenes del estilo inmediatamente el sentido se moviliza, por tanto son obras de largo alcance.
La obra de Louise Lawler , es más autorreferencial, hace una serie de fotos de casas de coleccionista, y coge esa idea de imágenes dentro de imágenes, como Living Room Corner, composición del Sr. y la Sra. Burton Tremaine , dándoles a las obras una nueva mirada. Ve el arte de otro modo, hacer fotos donde no te esperas. Te hace plantearte el valor de las obras. La mayoría de sus fotos son salas de museos, casa de colecc, y son fotos que no te esperas. En Freuds Shirt , lo que vemos atrás es la obra, en la mesa se refleja la mesa. Habla del arte de manera crítica, nos hace reflexionar. Para qué sirve el arte contemporáneo? Para ver la tele con la obra detrás? Otra obra, Rabbit de jeff koons , para que sirve hoy en día una obra de arte? Nos muestra el otro pdv. La de life after son obras amontonadas que entre ellas tienen otro sentido. Al seleccionar el encuadre, le da otro valor, ahí está el valor de la fotografía. De pronto es todo un discurso. Ejercicio de decontextualizacion sin alterar la realidad, solo le da otro marco.
Braco Dimitrejevic, hace algo similar pero más trabajado, hace trípticos con obras reales, resituando, desconfigurándo y resignificando, Triptychos Post Historicus de
- Y fuera un poco del sentido de la reapropiación es la idea de colgar fotos gigantes en edificios significativos ( The casual passer by I met at…) reconvirtiéndolos en arte.
Uno de los artistas más importantes es Richard Prince, coge anuncios y les quita la publicidad, son imágenes reapropiadas, Serie Cowboy and Girlfriends de 1989. Otras series como tres mujeres mirando en la misma dirección son fotos que va encontrando. Serie Prince/ Picasso (2012).
Mike Bidlo, reproduce exactamente igual la obra de otro, Not Picasso, Not Yves Klein de 1986.
Daniela Ortiz recoge una serie de fotografías de las redes sociales de familias adineradas de Perú (su país de origen), viendo más allá de los integrantes de la familia sonriente y crea esta serie llamada 97 empleadas domésticas en 2010. La empleada doméstica es el denominador común de las fotos, que suele aparecer en el fondo atareada en sus quehaceres. Podemos decir que es un ejercicio de reapropiación, ya que las fotografías no están realizadas por ella, sin embargo ella realiza la recopilación, les da un título concreto y nos obliga a mirar esas imágenes de otra manera, atendiendo a otros detalles y así muestra una realidad social concreta a modo de protesta política. Normalmente llevan uniforme, ya que son internas, son indígenas… una serie de rasgos en común que motiva la selección. Fue un trabajo polémico ya que utilizó unas fotos que “no eran suyas” para criticar las diferencias de raza, las diferencias sociales y económicas.
Nancy Burson se basa en experimentos fotográficos realizados en el siglo XIX de control social, reduciendo lo humano a tipologías y creando “tipos”, como hacía Arthur Batut. Más de 100 años después esta artista creará obras como Big Brother, mezclando los grandes dictadores que controlan la sociedad: Stalin, Hitler, Mussolini, Mao, Jomeini. Otra obra es la raza humana (oriental, caucásica y negra evaluada según las estadísticas de población actuales).
-Reacción al arte conceptual y al arte póvera, superando las ideas de la abstracción y a idea de la innovación/invención como progreso.
-Sino que reivindican la pintura como pintura, el placer de hacer pintura y piden a los espectadores el placer de ver pintura.
-Vuelven al pasado para interpretarlo sesgada y oblicuamente.
-Esta actitud nómada tanto plástica como vital, se suele visitar tanto África como Oriente en general, mezclando distintas ideas.
SANDRO CHIA , Coctail, 1981-2 , nos hace una vuelta al pasado clásico de forma reinterpretada, le quita toda la solemnidad que las esculturas clásicas tenían, con técnicas que recuerdan a los fauvistas como Matisse, Cezanne…
Otras de Sandro Chia son Génova (1980) que se inspira en Picasso y Marc Chagall y La ociosidad de Sísifo (1981), Leda y el cisne (2000), Solos en casa (2006), Juegos de manos (1991).
ENZO CUCCHI hace pintura muy matérica, recuperando su prestigio, además de hacer referencias mitológicas como en Calvario mediterráneo (1981- 1982) , un tema clásico pero con tratamiento fauvista.
El mayor representante y más conocido es la obra de Francesco Clemente, que hace una obra más diferente, trabaja mucho el autorretrato, con tratamientos totalmente distintos, es un artista totalmente ecléctico (una de las características de la posmodernidad) con referentes muy distintos. Viaja a la India, teniendo temas un poco distintos, más provocadores. Su pintura a cambiando, modificándose, recuperando ideas de otras culturas…
El otro pintor importante de la transvanguardia es Mimmo Paladino, que si se refiere continuamente a otras obras como en Ronda Nocturna (1982) y El sueño (1982). Otras que hacen referencia a las meninas como Visitante de la noche (1985). También es escultor, como Los testigos (2016) que sí hay una especie de vuelta a las formas escultóricas más convencionales.
Nino Longobardi, que pertenece también al grupo es bastante distinto de los anteriores. Su obra recuerda más al dadaísmo, a la idea del ready made. Su obra está en otro lugar porque no hace referencia a obras clásicas.
En el caso de Nicola de María tiene que como referente la abstracción, recuerda a un Paul Klee, Kandinsky… es una minoría en la posmodernidad. Algunas de sus instalaciones como Instalación (2001) son de gran tamaño, con las paredes de color y el juego e maleta que crean espacios muy singulares. U otros como Instalación (Centro per l’arte contemporánea Luigi Pecci, Prato, 2012).
Neoexpresionismo alemán o neofauvismo
Alemania tiene en estos momentos unas características distintas a otros países, como es el genocidio nazi y la posterior división del país en dos, algo que se nota mucho en el ámbito artístico.
Algunos ejemplos importantes es el caso de Georg Baselitz, con el ejemplo de El hombre en la luna (1965), jugando con la pintura e inspirado en la Madona del Cuello Largo de Parmigianino. Comiendo naranjas (1991), La señora Lenin y el Ruiseñor (2008) retoma una obra de Otto Dix, y realiza una serie de 16 figuras de Lenin y de Stalin haciendo un retrato irónico y dándole la vuelta.
La otra obra de uno de los artistas más importantes de las últimas décadas es La jerarquía de los ángeles (2000) de Anselm Kiefer, con la idea de ruina y destrucción, espacios difíciles de habitar. Fusiona pintura, escultura y fotografía. Su obra se refiere a la cultura Alemana pero también Mesopotamia y Egipto. El pintor desconocido (1982) u Sulamith (1983).
La obra de Markus Lüpertz también nos habla de reinterpretaciones.
A.R. Penck, una obra diferente que nos recuerda al mundo de comic, un mundo más desenfadado o el de Jorg Immendorf que hace referencia a temas conocidos y hace una reflexión del mundo alemán Café Deuthland.
Figuración libre (Francia)
Remy Blanchard
Robert Combas
Posmodernidad en España
En la obra de MIQUEL BARCELÓ tiene una parte muy ecléctica aunque la basa de su forma de expresión es un tipo de pintura muy matérica, muy vinculada a la naturaleza, muy orgánica (trozo de pared, polvo) con temas centrales como el bosque o el mar y que darán como resultado estas obras como Macho cabrío y hembra (1992) y El diluvio (1990). Algunas de sus obras más conocidas y provocadoras son la Catedral de Mallorca (2007), muy llamativa y donde hace referencia de nuevo a motivos vegetales. La decoración del Palacio de los Papas de Avignon y la otra gran pieza problemática fue la Cúpula de la sala de los DDHH del palacio de las naciones unidas de Génova (2007). Obras primerizas como Almuerzo sobre la hierba II (1988) o El taller de esculturas (1993).
sensación de estar ante algo orgánico, un planteamiento que nos sirve para otros artistas que ya hemos visto.
Otros ejemplos de platos rotos es “Retrato de una muchacha (1980)” , “Desnudo azul con espalda “1979” , “San Francisco en éxtasis (1980)”, un tema religioso que le interesa por recurrir al mito, a algo que forma parte de la cultura seas religioso o no lo seas, o “El mar (1981)” con obras mucho más figurativas.
La influencia española, a donde viajó cuando era joven es apreciable en la obra “La voz de Antonio Molina (1992)”, que compone toda una serie, con elementos abstractos mezclando muchas cosas como arenas o colorantes, pretende expresar a través de la pintura el sonido, la voz.
Algunas otras son “Las monjas al ajillo (1993)” o “Las monjas de calle con buen ojo (1993)” , donde aparecen rótulos con referencias a Lorca, a eslóganes publicitarios, a pensamientos… usa también los dedos como herramienta. Incluso cuando no utiliza elementos de la pintura como arena, lo hace de manera muy compleja como en “Olmo #5 ” donde utiliza óleo y barniz sobre papel con grabado montado sobre lienzo.
Hace algunos autorretratos como “David y Goliat” del 2011.
En oras usa otros elementos como fotografías, imágenes religiosas o de tradición hindú como en “Edie Stern (Shiva),” 2007.
Otro de los grandes nombres de la pintura americana es DAVID SALLE, se mueve
más en un mundo del pop art, trabajando con imágenes de revistas, de comic, de
publicidad, no se ve tanto el gesto del pintor, sino que ensambla estas imágenes
haciendo collages más ordenadas. Mezclando imágenes de cultura popular con
imágenes más elitistas, algo muy típico del pop art, además introduce objetos reales. Un
ejemplo es “King Kong”, 1983.
Otras son “Pay only 39,95”, 2014- 2015 o “Silver 1”, 2014.
Imágenes que a su vez contienen otras imágenes, completamente saturadas sin haber blancos. Utiliza también la forma de díptico y tríptico.
La obra de ERIC FISCHL es un poco distinta; “ Sonámbulo”, 1979 , “El perro del anciano y el bote del anciano” 1982, con pintura más figurativa, pintando muchos desnudos con una carga más erótica. O “Bad boy, 1981” , que recuerda mucho a la pintura de Edward Hopper, y la obra de Lucian Freud.
También hace la reutilización de obras previas como la obra de “Beata Ludovica” 1996 o “Mary” 1988 con gran carga de erotismo, y perturbación como “Simon and Anh”, 2003
JEAN –MICHEL BASQUIAT, que forma parte del grupo de Andy Warhol, uno de los artistas que más destaca. Con un personalidad muy acusada, brillando incluso al lado de Warhol. “Bautismo”, 1982 o “Boxer” aparece de forma deliberada una influencia africana mezclado con la técnica del graffiti.
Ejemplo de revista digital valenciana para ver criticas de arte: MAKMA, asociación AVCA.
Fue un artista negro, importante porque él hace una reivindicación de sus raíces mediante su obra. Muere a los 28 pero a pesar de ello su obra es una de las más cotizadas. Se convirtió en una figura mediática, prototipo de artista maldito.
Películas como la Schnabel, o un documental que muestra muy bien el mundo de Basquiat.
Sus influencias son todas contemporáneas (ver en el power point), empieza pintando en el metro, y mantiene esta idea del grafiti como un modo de expresión sobre todo en las tribus urbanas especialmente de latinos o afroamericanos en Nueva York, es un acto subversivo y de provocación pues forma parte dentro de la ilegalidad. Traslada esa forma de expresarse a través del grafiti en lienzo de gran tamaño, teniendo como principales referentes como Pollock.
Referentes de su trabajo:
- Trazos gestuales de Kline.
- Primeros trabajos
Otros que hacen grafiti y se dedican a la decoración de tiendas, de pintadas en metro… como LEE QUINONES, con obras como Ice Cream Truck o Levi Mural de
Simulación y posapropiacionismo en Europa y EEUU. 1985-
1990.
Cosas que recuerdan a todo a la vez, es aquí cuando se complica todavía más.
Parte de la filosofía estructuralista de Roland Barthes.
- el capitalismo ha sustituido a la realidad por sus símbolos y apariencias (todo es objeto de consumo)
- El objeto ya no es valorado por su significado o su uso, sino por su apariencia, por su imagen
La imagen ha sustituido a la realidad, es el mantra de la posmodernidad en general. La pujanza económica ayuda a esta porque convierte al arte en mercancía. Los simulacionistas se valen de un medio de distanciamiento filosófico del viejo estilo en el arte a través del mundo de los productos de consumo y del comercio del arte. No solo simulan, sino que intentan reproducir el poder de seducción que el objeto de consumo ejerce sobre el público: frontera entre arte y comercio.
Hay dos tendencias principales:
- Artistas neo-objetuales. Se basan en la producción de objetos tridimensionales. Principalmente copias de objetos de consumo populares, y los trasladan a las salas de arte o a los espacios públicos como invención.
- Artistas neo-abstractos o neo-geo. Basan su producción en pintura de temas geométricos, cercanos a la abstracción.
Jeff Koons El mejor representante del simulacionismo. Perritos de globos de tamaño monstruoso y mucho brillo. Es una frivolidad deliberada. Eleva lo kitsch a la categoría del arte, añadiéndole ironía. El gran tamaño ayuda a descontextualiza las figuras, lo que produce que de pronto los objetos adquieren otro valor de crítica a lo estúpido que se ha vuelto el mundo. Denuncia el sistema desde dentro del sistema, ya que hace estos objetos ridículos y luego los vende a precios desorbitados. Sus exposiciones son divertidas, pero irónicas y críticas. Nos coloca ante nuestra problemática relación con los objetos, en nuestra naturaleza de consumista.
Habla de su concepto de belleza identificándola con la aceptación. Es un movimiento rápido, pop, pero a la vez bebe de las obras de arte de la antigüedad. Los griegos trabajaban con vivos colores y efectos ópticos, tal y como lo hace Koons. Balloon Venus o Metallic Venus son buenos ejemplos de esculturas clásicas hechas con nuevos materiales y acabados.
De repente las connotaciones de ese Michael Jackson tan absurdo nos recuerdan al arte egipcio. El rey del pop como una figura espiritual que recuerda a Tutankamon. La composición de la escultura recuerda a las 3 pirámides de Giza, el maquillaje de los ojos, marcado al igual que en las máscaras egipcias de faraones.
Koons dice en una entrevista que se inspira en la vida cotidiana, en el mundo real y su entorno. Se centra en sus intereses y energías, que él dice que es lo único que podemos hacer en la vida y todo se vuelve metafísico. Eres capaz de encontrar sentidos especiales que otras personas no ven. El trabajo de los arquetipos.
Convierte su vida privada y la intimidad de su matrimonio como un producto artístico a la venta en la serie en la que retrata a su esposa Ilosa Staller (ex-actriz porno y luego diputada en Italia) y a él mismo en la cama, como en Made in Heaven.
El proceso de creación de su obra, descrito por él mismo. Él se apoya en un taller de trabajadores. Sus obras cuestan mucho tiempo de hacerse. En su estudio hay un sentido de comunidad, ya que él siempre ha sido autosuficiente y le gusta proveer. El reconoce repeticiones en las metáforas de las personas que convierte en objetos, como ideas que se mantienen a lo largo de los años en su obra. Compone las imágenes en el ordenador y su taller reproduce el dibujo a gran escala a través de mapas, buscando con pintura el color exacto de la imagen del ordenador. Dentro del taller los trabajadores se especializan en determinadas cosas, como la pintura de hinchables. Generalmente hay siempre 3 personas pintando a la vez. Koons sólo trabaja en el ordenador, componiendo la imagen, y supervisando el trabajo del taller.
Hay dos tendencias dentro del simulacionismo, una más figurativa y otra neobjetual, aquí encontramos la obra de HAIM STEIMBACH, con la idea de coger un objeto de uso cotidiano descontextualizándolo. Ejemplo es Oxygen o Rodchenko 1A. Vincula objetos que adornan con otros que no, estamos ante esta idea de que suponen los objetos para nosotros, planteando la vinculación que tenemos con los objetos.
