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TEMA 2.LA INVENCIÓN DEL ARTE. INSTITUCIONALIZACIÓN
1.EL CONCEPTO DE ARTE
3/MARZO/
Actualmente nadie plantea objeciones ante la posibilidad de considerar casi cualquier cosa “arte”. Una de las razones que explica el auge de esta calificación es que el propio mundo del arte se ha impuesto cumplir con la vieja aspiración de que “arte” y vida se reconcilien.
En este sentido se han dado toda clase de gestos, que van de lo inocente a lo disparatado, desde llevar colchas a los museos de bellas artes a “ pulp-fiction ”, a los cursos de literatura, hasta reproducir ruidos de la calle en las salas de conciertos o someterse a cirugía plástica vía satélite.
2.LARRY SHINNER: LA INVENCIÓN DEL ARTE. INTRODUCCIÓN
“El arte visual tiene fronteras difusas, ¿debería entrar el diseño gráfico, en el arte visual?”
La aparición de tantos artefactos excéntricos, esculturas, ruidos y performances en las bellas artes inspiran el discurso que, como una letanía, habla de la muerte del arte, la literatura y la música clásica y mientras tanto, no faltan quienes, envueltos en la bandera del posmodernismo, admiten que el moderno sistema de las bellas artes está muerto, pero nos invitan a bailar junto a su tumba como sí se tratase de celebrar de nuevo una liberación.
El moderno sistema del arte no es una esencia o un destino sino algo que nosotros mismos hemos hecho. El arte, entendido de manera general, es una invención europea que apenas tiene 200 años de edad.
Anteriormente teníamos un sistema de arte más utilitario, que duró unos 2000 años y, cuando esta invención desaparezca, con toda seguridad le seguirá un tercer sistema de las artes.
“Esto último es una especie de expresión del deseo esto se acaba la idea de 200 años de arte, para el ese sistema se ha terminado”
“¿Si el arte ha sustituido a lo sagrado, puede sobrevivir algo?” Eso es lo que nos plantea LANY SHINNER.
Es muy probable que lo que algunos críticos temen o aplauden como muerte del arte, de la literatura o de la música seria no sea sino el final de una determinada institución social.
“…en el siglo XVIII se estableció una distinción decisiva en el concepto traiciona de arte ”
A)LA GRAN DIVISIÓN
- Durante 2000 años el arte se refería a toda actividad humana realizada con habilidad y gracia.
- El concepto se descompuso en la nueva categoría de las bellas artes (poesía, pintura, arquitectura y música) en oposición a la artesanía y las artes populares (fabricas, bordados…)
ANTIGÜEDAD
OPOSICION: ARTE/ NATURALEZA
A partir del s. VXIII.
OPOSICION: ARTE/ ARTESANIA
La noción del arte deriva del latín “ ars ” y del griego “ techne ”, términos que se refieren a cualquier habilidad humana, ya sea montar a caballo.
EJEMPLOS:
- Las obras de Shakespeare no fueron escritas como textos definitivos, ni para ser leídos como obras maestras de la literatura sino que eran guiones que podían ser modificados durante su interpretación en un escenario popular.
- Las pinturas del renacimiento fueron concebidas originalmente para un propósito y un lugar específico, por ejemplo como parte de un altar, o de una acción, o como elemento decorativo en las paredes de un dormitorio o el cielorraso de un salón.
DE MODO QUE:
- Se tiende a pensar que en el pasado se compartía nuestra concepción del arte como un ámbito compuesto por obras autónomas dedicadas a la contemplación estética.
A partir de esta época comenzó a hablar de “bellas artes” materia de inspiración y de genio y por ello mismo, objeto de un disfrute específico mediado por un placer refinado, mientras que la artesanía y las artes populares pasaron a ser practicas que muestran las habilidades del artificio en las aplicaciones de ciertas reglas y sus obras, además, son concebidas meramente para ser usadas o para entretener al público.
“Vamos a ir viendo como muchas cosas de lo sagrado van siendo incorporadas a las bellas artes “
B)RALPH WALDO EMERSON (1803-1882)
Americano, hijo de un pastor unitarista (corriente religiosa dentro del cristianismo, que rechaza la santísima Trinidad). Su padre murió pronto, pero consiguió estudiar, se intereso por lo que ocurría en la Europa del S. XIX.
Amamanto del racionalismo (S. De las luces) y a la vez del romanticismo alemán, a partir de ese magma, elabora una propuesta con un valor más estético que religioso en el transcendentalismo (Entre la razón y la fe).
Emerson decide que no es posible justificar los dogmas de la fe a través del racionalismo, considera al individuo, en contacto con la naturaleza y al margen de las instituciones y de la iglesia. Propone una espiritualidad basada en la visión mística entre la naturaleza y la institución.
Emerson piensa que en el individuo hay una capacidad innata para esa fusión místico- religioso y por ello las instituciones no deben enturbiar esa espiritualidad.
C)JONH RUSKIN, (1819-1900)
Acerada critica contra algo inevitable, que era la revolución industrial.
El piensa que no ha habido nada tan elevado en la estética como el gótico de la Edad Media.
En el S. XIX aparecen movimientos que quieren poner freno a la Revolución Industrial.
Quiere regresar a planteamientos medievales en lo que a estética se refiere, por ello defiendo la supremacía del gótico. No plantea sólo la superioridad estética y moral del gótico sino a los gremios artesanales que son los que en realidad crearon el gótico.
Influencia en el diseño industrial de la BAUHAUS.
D)WILLIAMS MORRIS (1834-1896)
Asume los postulados de Ruskin, fue polifacético (imprenta, poeta, escritor e incluso activista político del socialismo).
Pertenecía a una familia acomodada escribió teología, arte…
Conoció a Ruskin y al “primer grupo vanguardista”: la hermandad prerrafaelista, que plantean un regreso a ciertas formas estéticas, al primer renacimiento con planteamientos más puros. Son de ideología de tendencias izquierdistas.
Monta una empresa para hacer diseños artesanales, a la que solo puede acceder la alta burguesía, lo que es una hipocresía, una contradicción (diseño mueble, libros exquisitos, papel pintado).
Defendía la conservación de los oficios medievales y se oponía a la producción en masa.
Origen intelectual de la BAUHAUS.
DURANTE EL SIGLO XX
Una cantidad de artistas, desde los dadaístas y Duchamp hasta las principales figuras del arte pop y del arte conceptual, también han ridiculizado, puesto en duda o ironizado tales principios. Pese a esta larga tradición de resistencia, las obras de la mayor parte de los resistentes y apóstatas del arte bello han sido rápidamente absorbidas por la Iglesia del Arte y están actualmente incorporados a los cánones artísticos y literarios que pretenderán desacreditar.
Sin embargo, aunque el mundo de las bellas artes, se apropiaba de los actos de resistencia, también expandía sus propios límites, en primer lugar asimilando nuevos tipos de arte, como la fotografía, el cine o el jazz.
Después apropiándose de las obras de arte “primitivo” y folclore; y finalmente, a través de lo que parece ser la completa disolución de sus propias fronteras abrazándose todo, desde la automutilación hasta los ruidos John Cage.
El arte no es solamente un conjunto de conceptos e instituciones sino también algo en lo que las personas creen, una fuente de satisfacción, un objeto afectivo. Aquellas que aman el arte les parecerá que la idea de que el arte bello es una construcción reciente, sectorial, marcada por intereses de clase y de género, forma parte de una conspiración hostil que apunta a desacreditar uno de nuestros valores más elevados.
Contra la creencia ampliamente entendida de que el renacimiento establece los modernos ideales del arte, el artista y lo estético, muestro que, a pesar de que se dieron importantes pasos en esta dirección, el viejo sistema que unificaba el arte y la artesanía, el artesano y el artista seguía siendo la raíz tanto en la Italia de Miguel Ángel como en la Inglaterra de Shakespeare.
