¡Descarga Barroco selectividad y más Exámenes selectividad en PDF de Historia del Arte solo en Docsity!
BARROCO ARQUITECTURA.
Características:
Es la principal manifestación artística del periodo Barroco. Reúne al resto de las artes en torno a ella para dar una visión de conjunto que impacte al espectador. La arquitectura barroca es una evolución de la arquitectura manierista, y supone una ruptura del orden y equilibrio clásicos. El arte, especialmente la arquitectura, tiene un marcado carácter escenográfico y teatral. Busca emocionar mediante una “realidad virtual”. Las plantas son diversas y muy dinámicas. Destaca la novedad de las plantas elípticas o las plantas con entrantes y salientes. Los muros y fachadas también tienen más movimiento , repitiendo el movimiento de las plantas con curvas y contracurvas, entrantes y salientes. Los arquitectos juegan con la luz, creando contrastes entre zonas muy iluminadas y zonas en penumbra. Es un arte ostentoso, lujoso , en el que la decoración es abundante. Los edificios barrocos tienden a potenciar ejes verticales centrales. Para ello se ayudan de elementos decorativos, linternas y torres Aparecen dos soportes genuinamente barrocos: el estípite y la columna salomónica.**
URBANISMO BARROCO:
El urbanismo barroco es consecuencia de la necesidad de ordenar el desarrollo de las ciudades y de expresar, a través de la arquitectura monumental (edificios, plazas, fuentes, jardines, etc.), el poder del Estado o de la Iglesia. Uniformidad : todo se hace a la vez. Trazado ortogonal. Ostentación : la ciudad es un reflejo del poder del Rey Perspectiva: los arquitectos barrocos dominan la perspectiva, focalizan la visión hacia los edificios creando ejes representativos.
OBRAS:
1. Carlo Maderno: Fachada de San Pedro del Vaticano
Tras el Concilio de Trento , la Iglesia fomentó las muestras públicas de devoción, como por ejemplo las procesiones. Estas se iniciaban en los templos, y aquellos que tenían un plan central resultaban adecuadas prácticos para esas nuevas prácticas. Carlo Maderno será el encargado de añadir tres tramos más al proyecto de Miguel Ángel La ampliación conllevaba una nueva fachada. Maderno construirá una fachada palaciega, distinta a las sobrias fachadas religiosas, y para la cual tomará como modelo los Palacios
Capitolinos de Miguel Ángel, y siguiendo los deseos del Papa y de la Contrarreforma la convierte en basilical: con una nave central amplia y alta con bóvedas de medio cañón y dos laterales comunicadas con la principal mediante arcos de medio punto con lo que el eje se convierte en longitudinal hacia el altar , y una fachada monumental a modo de telón que tapa los brazos de la planta. Con esta modificación se pierde la visión de monumentalidad de la cúpula desde la plaza , que se observa mejor desde lejos o desde la cabecera. En el proyecto de Maderno la fachada tenía dos torres que finalmente no se construyeron. La fachada tiene una tendencia a la horizontalidad. Se estructura de la siguiente forma: Basícamente se divide en dos niveles : el inferior y el ático.
- Un nivel inferior con un cuerpo central con columnas de orden gigante corintias que enmarcan dos plantas. -En el ATICO entre las pilastras se observan vanos cuadrangulares y dos rectangulare. Remata este nivel unas esculturas como elemento decorativo.
2. Bernini: Columnata de la Plaza de San Pedro Vaticano
La basílica necesitaba un espacio previo suficientemente digno para recibir a miles de peregrinos y fieles Bernini combinó una plaza trapezoidal inspirada en la Plaza del Capitolio (Miguel Ángel) cuya perspectiva dirigía la atención hacia la fachada de Maderno, con una plaza elíptica, forma barroca por excelencia. Las dos plazas enlazan con la vía de acceso, creando un eje representativo sin igual. La columnata, de orden toscano, tiene tres naves, y un entablamento jónico corrido y muy dinámico. Se remata con estatuas de santos
3. Borromini: San Carlos de las Cuatro Fuentes
Borromini recibió el encargo de hacer un monasterio para la orden de los Trinitarios en un espacio reducidísimo La planta de la iglesia se basa en el triángulo (símbolo de la Trinidad) achaflanado, formando una especie de octógono estirado. El muro de la iglesia destaca por su fluida curvatura. La cúpula ovalada parece un elemento casi orgánico. Bernini jugó con la perspectiva forzada para que pareciese más profunda. A parte del interior de la iglesia, el otro elemento destacado del conjunto es su fachada. Está formada por dos cuerpos horizontales ritmados por columnas de orden gigante. Borromini hace que la fachada tenga movimiento como si fuese un elemento vivo o moldeable. El friso hace un movimiento de curva y contra curva Borromini introduce elementos escultóricos como si fuesen arquitectónicos. En el segundo cuerpo, Borromini rompe el friso con un escudo de la orden trinitaria
Segunda mitad del siglo XVII:
A partir de los años centrales del siglo la arquitectura algunas regiones del país van a competir con las obras de la Corona. La arquitectura va perdiendo su severidad anterior y el recuerdo de lo herreriano es superado por una tendencia más decorativa y movida.
- Retablo de San Esteban de Salamanca (José Benito de Churriguera) El barroco es la época de apogeo de los retablos. Esta es una tipología a medio camino entre la escultura y la arquitectura, con presencia también de la pintura. Por ello, el carácter teatral y de conjunto del arte barroco se ajustará perfectamente a las posibilidades que ofrecían los retablos. Todas las características barrocas confluyen en los retablos: -Movimiento -Claroscuro -Espectacularidad -Ilusión -Suntuosidad -Propaganda... Su diseño, normalmente se encargaba a arquitectos (como es el caso). Para el montaje de éstos, una auténtica labor de carpintería, se recurría a los ensambladores. Finalmente intervenían los doradores que doraban las maderas: dinteles, entablamentos, estípites, las columnas salomónicas decoradas con racimos de uvas. En definitiva, los retablos servían de marco donde se desarrollaba un programa iconográfico normalmente pictórico, o combinado con lo escultórico. El uso de columnas salomónicas nos recuerda al Baldaquino de San Pedro Vaticano, obra de Bernini, y que sin duda Churriguera conocía.
Arquitectura barroca del siglo XVIII:
La tendencia decorativa de la etapa anterior culminó con el barroco del XVIII, es el barroco típico, recargado y aparatoso.Los arquitectos más importantes de este periodo en España fueron los hermanos Churriguera (José Benito y Alberto), cuyo estilo recargado (churrigueresco*) creará escuela y marcará el paso hacia el Rococó.
- Fachada del Hospicio de San Fernando en Madrid (Pedro de Ribera) La fachada presenta un juego de contrastes: Por un lado las líneas claras y sobrias del muro. Frente a esto, la portada con una decoración abigarrada y exuberante, que parece desintegrar o desdibujar las líneas de la arquitectura. - Fachada del Obradoiro de la Catedral de Santiago de Compostela (Fernando Casas y Novoa) Casas y Novoa hizo frente a un proyecto ambicioso y complicado: debía cubrir y proteger el Pórtico de la Gloria, y a la vez ser lo más transparente posible para no ocultarlo.Proyectó una fachada de tres calles, la central más ancha, flanqueada por dos torres, a la que se accede por una escalera monumental.En el muro de la fachada abrió inmensas ventanas. Es una fachada tremendamente decorada, realizada en granito, cuyos perfiles se desdibujan.
- Palacio Real de Madrid (Filippo Juvarra y Giovani Baptista Sacchetti) La agitación por la Guerra de Sucesión Española (1700-13) propició que Felipe V no se preocupase hasta 1720 de desarrollar construcciones representativas de la nueva dinastía. En 1720, su primer encargo fue la construcción del Palacio de La Granja, inicialmente bajo influencia herreriana, en 1730 se amplió con un estilo barroco más cercano a formas italianas y francesas, acabándose definitivamente en 1736 con una fachada diseñada por Juvarra y finalizada por Saccheti. Tras el incendio del Alcázar Real de Madrid, en 1734, Felipe V encargó a Filippo Juvarra la construcción de un nuevo palacio. Juvarra proyectó un palacio gigantesco, más grande que el Palacio de Versalles, con una fachada de más de 470m y 23 patios. La negativa de Felipe V a trasladar el palacio y la muerte de Juvarra, harán que el proyecto no se lleve a cabo. Su sucesor, Sacchetti, modificará los planos de Juvarra y erigirá el palacio actual, con una tercera parte de la extensión prevista por Juvarra. Sacchetti se mantendrá más fiel a la tradición española del alcázar. Planta cuadrada, con un gran patio central y esquinas en saliente que recuerdan a las antiguas torres. En su construcción se emplearon materiales nobles y duraderos. En sus paredes se utilizan, alternándose, la caliza (en dos tonos) y el granito. -Influencia francesa: La fachada se asemeja a Versalles: sobre un zócalo macizo con ventanas eleva dos pisos con balcones y ventanas. Utiliza columnas adosadas y pilastras de orden gigante. Algunas partes están resaltadas hacia fuera, entrantes y salientes que crean efectos de claroscuro y rompen la monotonía -Influencia italiana: Balaustrada que corona edificio, con estatuas de reyes y jarrones que marcan pequeños ejes verticales que contrarrestan la horizontalidad del edificio. Una diferencia con Versalles, es el lugar que ocupa la capilla. Esto, que puede parecer anecdótico, revela sin embargo la diferente relación entre religión y política existente entre ambos países.
BARROCO ESCULTURA.
CARACTERÍSTICAS:
-El ansia de movimiento está presente en la escultura de una manera obsesiva. Esto se consigue a través de composiciones libres con líneas que se dejan abiertas (composicion en aspa) -Como la mayoría de esculturas formaban parte de un conjunto arquitectónico, solían tener un punto de vista ideal. Aunque algunas esculturas exentas estaban pensadas con múltiples puntos de vista. -Los temas religiosos serán predominantes en consonancia con la Contrarreforma.
La obra de Miguel Ángel poco tiene que ver con la escultura de Bernini. Bernini realiza una composición abierta y dinámica siguiendo los parámetros barrocos mientras Miguel Ángel elige una composición y postura más sosegada de corte clasicista. El héroe renacentista es un hombre tranquilo y confiado en su rostro se aprecia la victoria, sin embargo en esta obra barroca David es un hombre concentrado, sabe que puede fallar y pone todo su empeño para no hacerlo. 3 EL ÉXTASIS DE SANTA TERESA. BERNINI. Realizada entre 1645 y 1652. La escena representa el momento en el que Santa Teresa alcanza el éxtasis gracias a una perfecta comunicación con Dios. Se ve a la santa en un espacio irreal, sobre una nube, y allí arrodillada se le acerca un ángel que le lanza una flecha lo que simboliza el amor divino y la unión mística con la santa. Ese momento es el clímax de la santa y la presencia divina se materializa en los rayos dorados que la iluminan. Se trata de una composición muy barroca y muy teatral, lo cual es muy común en el arte barroco.Pero no solo utiliza técnicas teatrales para la composición, sino que en esta escultura también se emplean los efectos pictóricos. 4 CÁTEDRA DE SAN PEDRO. BERNINI La Cátedra de San Pedro está situada en el ábside de la Basílica de San Pedro del Vaticano y consiste en un trono de madera que la cristiandad identifica como la cátedra del primer obispo de Roma. Fue ejecutada por Bernini entre 1657 y 1666, al tiempo que ejecutaba en las obras de urbanización de la Plaza de San Pedro. Lo que caracteriza a esta obra de Bernini es su carácter escenográfico mezclando distintos elementos y materiales en busca de un mayor dinamismo, suntuosidad y expresividad. La estructura está cargada de simbolismo. Cuatro esculturas que representan a los cuatro padres de la iglesia sostienen la silla de San Pedro, que se sitúa de esta manera por encima del mundo material. En el centro se encuentra el trono de bronce dorado. Realizado principalmente en bronce dorado, tambien añade otros materiales como madera y cristal. Por encima del trono colocó un sol de alabastro decorado con estuco dorado rodeado de ángeles enmarcando una vidriera. La “cátedra” de San Pedro es la que guía a toda la comunidad cristiana, de ahí la importancia del programa iconográfico y el simbolismo con la que la concibió Bernini.
IMAGINERIA BARROCA ESPAÑOLA. CARCTERÍSTICAS: -La temática es exclusivamente religiosa. Su finalidad es conmover al creyente y que identifique las figuras con su vida cotidiana. -La estética religiosa está configurada por un realismo y un expresionismo exagerado: se fijará en los detalles efectistas (lágrimas, miradas, sangre, etc). A veces este realismo se exalta al colocar postizos (pelo, ojos de cristal, uñas, etc). -El material empleado será la madera policromada que favorecerá el uso de colores que acentuarán aún más la fuerza expresiva. -La necesidad de exteriorizar la religiosidad hace que en España surja la costumbre de sacar pasos procesionales. -Dentro de las imágenes exentas cabe destacar las imágenes de vestir (bastidores que solo estan tallados en las partes no cubiertas por la ropa).
FOCO CASTELLANO
El establecimiento de la Corte en Valladolid entre 1601 y 1606 atrajo a personajes ilustres y artistas importantes, lo que propició el desarrollo del arte en Castilla. Gregorio Fernández fue el gran escultor del foco castellano. Concede importancia a la anatomía de las figuras, la cual trata de captar de manera realista. Sus anatomías realistas contrastan con las telas de sus ropajes con pliegues alatonados, anchos y angulosos, lo cual crea un gran claroscuro. La obra de Gregorio Fernández acentúa el patetismo y el dolor.
OBRAS
1. La Piedad. Gregorio Fernandez. Data de 1616 y fue encargada por la cofradía religiosa de las Angustias de Valladolid. La pieza estaba realizada en madera policromada y el conjunto se completaba con otras cuatro figuras más: los dos ladrones que fueron crucificados junto a Jesús, San Juan y María Magdalena. La Virgen María recibe en sus brazos el cuerpo inerte de su hijo; ésta adquiere una actitud desconsolada y busca la compasión del espectador. La figura de Cristo se resbala de los brazos de su Madre en una potente diagonal. El conjunto presenta una disposición triangular siguiendo el esquema tradicional heredado de Miguel Ángel, pero mientras que en la piedad del Vaticano la figura de Jesús potencia la horizontalidad del conjunto, en la de Gregorio Fernández rompe una diagonal que desestabiliza el centro de la pirámide. Los ampulosos pliegues que realizan los ropajes de los protagonistas son pliegues duros y de gran tamaño que parecen acoger a madre e hijo y otorgan a la escultura un contraste de luces y sombras.
La obra destaca por su sencillez. Los colores utilizados son de gama ocre sin gran estridencia, muy acorde con la temática y el espíritu que pretende trasmitir la obra. La unidad con la que el granadino nos presenta la composición evita los juegos de luces y sombras. La imagenería del XVIII: Foco murciano, Salzillo. Francisco Salzillo (1707-83) es el último imaginero español, y el más representativo del siglo XVIII español. Tras él, la escultura neoclásica sustituyó a la barroca. La influencia italiana se aprecia en su obra. En los rostros de sus figuras encontramos unas expresiones serenas y otras teatrales. Compone de forma hábil pasos procesionales de Semana Santa: el La Última Cena (en la imagen), el Prendimiento, la Oración en el Huerto… El material escultórico continúa siendo la madera policromada. Sus composiciones recuperan cierta unidad y equilibrio. La Oración en el Huerto de Salzillo: En el año 1752 Salzillo realizó La Oración del Huerto. Es el paso más famoso de Salzillo. Realizada en madera policromada el grupo escultórico se compone de cinco esculturas organizadas en dos grupos más una palmera y una rama de olivo que completan la escena. El primer grupo lo compone la imagen de un ángel de aspecto joven que con las alas desplegadas como si acabara de llegar del cielo, sostiene la cabeza de Cristo con la mano derecha mientras con la izquierda señala el cáliz que aparece sobre la palmera y que simboliza el sacrificio al que ha de entregarse Jesús. El torso va desnudo mientras que de cintura hacia abajo se cubre con una túnica tallada en la madera y policromada en tonos azules y estofado dorado. La imagen de Cristo aparece de rodillas, dejando caer el peso sobre las mismas. El rostro amarillento de cristo transmite la infinita angustia que siente mientras es reconfortado por el ángel. Delante de ellos tres apóstoles, San Pedro, San Juan y Santiago duermen plácidamente ajenos a la emoción del momento y a la angustia vivida por el "maestro". Sin duda, las tres esculturas, más allá de representar a los apóstoles deben de ser una alegoría de las tres edades de la vida siendo San Pedro la ancianidad que duerme en un sueño de permamente alerta, mientras que Santiago, la edad madura, muestra un sueño reparador y San Juan el sueño despreocupado de la juventud. Esta obra, realizada para salir en procesión la mañana del Viernes Santo, cumple a la perfección las directrices marcadas por el Concilio de Trento según la cual las obras religiosas debían de servir para enseñar las verdades de la fe y la Pasión de Cristo. Para ello Salzillo elige un lenguaje que mezcla la realidad, visible en los rostros de los apóstoles , con la idealización en los rostros del ángel y Cristo.
LA PINTURA.
Al igual que ocurrió con la escultura, la pintura se vio afectada por los conflictos religiosos dentro de la Europa cristiana. Esto hará que la pintura barroca sea diversa desde su inicio, dependiendo de si se está en un país católico o protestante, si la obra es política, religiosa o civil… En primer lugar debemos contar con todas las características ya aplicadas a la arquitectura y a la escultura, tales como: movimiento, desequilibrio, claroscuro, arte al servicio de la religión, sensualidad frente a racionalidad, composiciones complicadas… Una característica fundamental es el naturalismo, la idea de representar las cosas como son, bonitas o feas, agradables o desagradables… La luz será la principal protagonista y lo que defina a la pintura barroca. En el Barroco la luz moldeará la forma, y creará los ambientes en los que se desarrollen las escenas. El contraste entre luces y sombras (claroscuro) está presente desde el principio tenebrismo). En cuanto a las composiciones, hay que destacar la asimetría. La simetría era una ley básica en el Renacimiento, esto se pierde. En la misma línea de composición que busca la inestabilidad, están las composiciones diagonales o en aspa(cruce de dos diagonales). Otra idea muy utilizada es hacer composiciones que juegan con el espectador y le confunden: los trampantojos. En ellos las figuras pueden salirse del marco, fingir arquitecturas, aparecer figuras cortadas. Predominio del color sobre el dibujo. El color es muy variado, y es el que limita las formas y volúmenes frente al Renacimiento donde casi por regla general predomina el dibujo. La grandiosidad de la obra de arte, con formatos enormes. Pintan gigantescos frescos, y monumentales cuadros al óleo, algunos de más de tres metros de anchura. En cuanto a los géneros estos son muy variados. Desde los paisajes, en la representación de la naturaleza no tienen porqué aparecer hombres, hasta los bodegones o naturalezas muertas, donde se pintan las calidades de las cosas. El retrato, también tendrá un papel importante en el Barroco, pero acorde con el naturalismo se convierte en un retrato físico y psicológico. PINTURA BARROCA ITALIANA: En Italia la pintura barroca discurrirá por dos caminos diversos y paralelos: el clasicismo de los Caraci, y el claroscuro que desembocará en el tenebrismo, de Caravaggio. Los Carracci fueron una dinastía de pintores boloñeses que desarrollaron un arte noble, grandilocuente, academicista, clasicista. Se trata de un arte más oficial, destinado a cubrir los bóvedas y muros al fresco de iglesias y palacios. Su academia era una escuela ecléctica, es decir, reúne lo bueno y más representativo de cada maestro del Renacimiento. Destacó sobre todo Anibale Carracci. Se fingieron arquitecturas utilizó en la decoración de las bóvedas la quadratura* (invención de Miguel Ángel en la Sixtina: los personajes se apoyan o enmarcan en arquitecturas que aspiran a prolongar la arquitectura real del edificio). La obra de los Carracci y su academia tendrá numerosos seguidores por toda Europa, difundiendo así los ideales del clasicismo y llegando a calar en pintores tardíos, del XVIII. La TENEBRISTA: surge en los inicios de la pintura barroca y consiste en un violento contraste entre luces y sombras. Aunque los precedentes de esta técnica los encontramos en Leonardo, será Caravaggio ,su verdadero descubridor. Caravaggio tuvo una vida
a Mateo que se pregunta si es él. Es una composición estática, horizontal. con pocos personajes y con CLAROOSCURO. La luz define la composición. La escena está iluminada por dos focos : una entra en diagonal y otra parece proceder de lo alto, de modo que aparecen iluminadas algunas partes y el resto queda en penumbra. Se establecen pues agudos contrastes entre luces y sombras. El papel de la luz es doble : consigue que resalten algunas figuras y ayuda a crear una situación de dramatismo o misterio. En el cuadro destaca así mismo la expresión y la teatralidad. Cristo señala y Mateo se pregunta si es él el elegido, gesto de sorpresa del joven con sombrero de plumas junto a Mateo, avaricia del que recoge las monedas y más si cabe del que le mira con gafas como receloso de que le engañen.
Triunfo de Baco y Ariadna de Annibale Carracci.
Nos encontramos ante un fresco situado en la cubierta de la Galería del Palacio Farnese en Roma y que fue realizada entre los años 1595 y 1605. El soporte de esta obra es el muro, puesto que está pintada al fresco. El autor empleó la " quadratura ", técnica que hace que la obra parezca un cuadro con marcos de estuco y que, usando técnicas ilusionistas, hacía que las obras quedaran aparentemente ampliadas. La obra a comentar representa los amores entre el dios Baco y Ariadna , la hija del rey Minos de Creta Adoración del nombre de Jesús, bóveda de Il Gesù en Roma, de Gaulli (Il Baciccia). En el centro aparece el nombre de Jesús, y desde ese centro luminoso parte un viento que llega a las figuras, un elevado número de ellas representando santos, los Reyes Magos… ). Aunque también se ven las alegorías de los vicios y los pecados, que son expulsados de ese momento, cayendo hacia abajo. El programa iconográfico continúa convirtiéndose en escultura con diferentes figuras como las alegorías de los continentes donde los jesuitas actúan como misioneros, lugares donde ya se puede adorar el nombre de Jesús. El tema reflejado es una alegoría de la obra de los jesuitas, en la que resalta la abreviatura iluminada del nombre de Jesús en griego (IHS). La Iglesia occidental la convirtió en sigla de Jesús Salvador de los Hombres. Los jesuitas tomaron esa sigla con su propio emblema de su orden cuyo significado es: a Jesús Tenemos por Compañero, más correctamente, Tenemos a Jesús por Compañero. Pero el tema fundamental es La Iglesia, representada en un papel preponderante, para proclamar la doctrina de su Fe, gracias a la que caen vencidos los Pecados Capitales, con alegorías de la Ira, la Lujuria, la Avaricia... Todo el conjunto pictórico tiene un alto sentido decorativo y cierra toda la nave. Y para ese valor ornamental de la pintura utiliza todas las fórmulas vigentes e implantadas por el arte barroco. Por ejemplo, en ocasiones la pintura se superpone a los marcos. También usa arriesgadas perspectivas. Y por supuesto, fusiona las artes de la pintura, la escultura, la arquitectura o los estucos. Gaulli utiliza la técnica ilusionista del trampantojo que se aplica a los rompimientos de gloria. El tratamiento de esta pintura es clasicista con una composición muy dinámica. El pintor usa una perspectiva de abajo hacia arriba (di sotto in su) como observamos.
Adoración de los Magos. Rubens
El marco en el que sitúa Adoración no es ni la cueva , ni el pobre pesebre que tenemos en nuestra imaginación. Es pórtico clásico abierto mientras anochece apareciendo dos ángeles en el cielo. La composición final está dominada por una diagonal de vértice a vértice : desde el niño hasta los camellos y caballo del lado derecho. Uno de los elementos fundamentales del cuadro es la luz .Este espacio está iluminado fundamentalmente por el foco procedente del niño, otros secundarios son antorchas y una luz cenital en la derecha sobre uno de los sirvientes. Esa luz crea clarooscuro en la composición que contribuye al dinamismo visual. Tratamiento de las figuras: Todas las figuras están dotadas de volumen o sentido de la corporeidad a lo que contribuyen los efectos de luces y sombreado, los personajes del misterio más de herencia veneciana están más perfilados y los de la derecha más abocetados. Así mismo es observable la influencia de Miguel Ángel en el tratamiento rotundo de las anatomías de los sirvientes y en los escorzos. Objeto de atención es: la elegancia con la que visten casi todos los personajes y en especial los Reyes Magos con ricas vestiduras bordadas de ricos colores y adornadas de piedras preciosas , como se observa en Baltasar; el tratamiento de los animales: tanto de camellos, como caballos; y los detalles como los pies sucios de algunos de los criados. El ritmo viene marcada de derecha a izquierda. Casi todas las miradas , incluso corceles y camellos se dirigen hacia el Niño. El efecto visual de profundidad viene establecido por la colocación de los personajes en diferentes planos y actitudes que no agobian el espacio y mediante los colores grisáceos y algunas anaranjados del anochecer. A pesar de la impresión de grupo y masa cada uno de los personajes están perfectamente individualizados tanto en su fisonomía, vestiduras y posición. Circunstancia que llena el cuadro de vida.
Las tres Gracias. Rubens.
Las tres gracias forman un círculo. Se enmarca la escena a nuestra izquierda por la diagonal que forma el tronco del árbol en la que hay una gasa blanca que contrasta con el color del tronco; a nuestra derecha formando un esquema vertical un cupido con una cornucopia dorada que derrama agua y en la parte superior también en diagonal una guirnalda de flores cuya variedad de colores contrasta con las carnaciones de las Tres Gracias. El cuadro presenta un dibujo que queda encubierto mediante diferente tipos de pinceladas
- largas y ligeras en las piernas
- largas y empastadas para las telas
- pequeñas para perfilar los detalles de los rostros, de la vegetación
Composición. Aparece una organización piramidal con el vértice en la cabeza más alta y una profunda diagonal desde el libro hasta el personaje que aparece al fondo. LA LUZ es dorada y artificiosa y procede de arriba de lo alto contribuyendo a realzar rostros, pero el foco principal cae sobre el cadáver , las pinzas y los tendones rojos , de este modo existe un contraste entre la frialdad. EXISTE una atmósfera dominada por el CLAROOSCURO que proporciona volumen a los personajes que los rodea o envuelve. La disección y lección se realiza en un espacio cuyo fondo arquitectónico aparece sombreado, sombras doradas , y con un cartel con el nombre y fecha del artista. Este espacio sombrío contribuye a concentrar la atención en las expresiones de los asistentes. EXPRESIONES. A pesar de que es una lección, nadie parece mirar al cadáver , algunos miran al libro, con rostros concentrados y serios.
La ronda nocturna, de Rembrandt.
La composición es aparentemente desordenada pues la presenta como si fuera una instantánea que ha captado a los protagonistas en diferentes actitudes, todos están haciendo algo. El centro de la composición lo forman el capitán y el teniente , ambos personajes parecen caminar hacia nosotros, prolongando el espacio, indicando así el ritmo de avance. Los personajes están colocados en cuatro planos de profundidad , en los que gracias a la luz y a las actitudes, unos son muy visibles, otros casi desaparecen en la penumbra y solo se ven su cabeza incluso algunos son tapados. En los esquemas compositivos se distinguen lineas verticales como el capitán y su lugarteniente y otros personajes del fondo pero sobre todo diagonales y líneas en zig-zag que contribuyen al efecto de ritmo, de movimiento. Pero los grandes protagonistas de la composición son la luz y el color. En el cuadro existen diferentes focos de luz , alternando luz y penumbra y con ello se crea espacio. Predomina el color sobre el dibujo. No olvida Rembrandt la tradición por los detalles como el traje del teniente.y la lanza en escorzo. Movimiento o ritmo de avance , de marcha.
PINTURA BARROCA EN ESPAÑA
CARACTERÍSTICAS
La temática es también, al igual que en la escultura, eminentemente religiosa. Si exceptuamos a la Corte, la Iglesia fue la principal demandante de obras de arte. Incluso muchas de las obras que encargaba la nobleza eran religiosas, bien para su disfrute personal o como donación para algún templo o capilla.
La pintura mitológica se verá sólo en selectos círculos cortesanos. El retrato también se reservará para lanobleza y los miembros de la corte. La pintura de paisaje tendrá un desarrollo escaso en nuestro país. El bodegón, en cambio, tendrá bastante éxito pero, a diferencia de los bodegones flamencos, los españoles serán mucho más simples y humildes. Casi todos los pintores estarán influidos por el tenebrismode Caravaggio, sobre todo durante la primera mitad del siglo XVII, aunque algunos durante toda su vida y otros abandonarán esta tendencia enseguida (Velázquez). Será una pintura totalmente naturalista, reflejan la sociedad como es, abandonando la tendencia a la teatralidad y la sensualidad propia de Italia o de la pintura de Rubens. LAS MENINAS. VELÁZQUEZ. Nos encontramos ante un retrato grupal en el interior de una estancia decorada con cuadros en las paredes que identificamos como el estudio del pintor en el alcázar real de Madrid. Aparecen diez figuras situándose casi en su totalidad en la mitad inferior del cuadro creando un gran campo visual correspondiente a la estancia, campo que se amplia mediante el recurso de una puerta que se abre al fondo. El centro de la obra lo ocupa la figura de una niña rubia de unos cinco años de edad que identificamos como la infanta Margarita. A sus lados aparecen dos damas de honor, conocidas por el nombre portugués de meninas que da nombre a la obra en su conjunto. La menina de la izquierda, Agustina Sarmiento, se inclina hacia la infanta para ofrecerle en una bandeja de plata una pequeña jarra con agua. A la derecha se sitúa una segunda menina, Isabel de Velasco. Delante de ellas, en el ángulo inferior derecho aparecen dos personajes que por sus rasgos identificamos como bufones, personajes comunes en las cortes reales y la comitivas de príncipes y reyes. Justo detrás de Isabel de Sarmiento encontramos al pintor, Diego Velázquez, quien lleva los elementos propios de su oficio, pinceles y paleta, pues se encuentra realizando su trabajo delante de un enorme lienzo del que sólo vemos su parte trasera. En un plano posterior, entre penumbras distinguimos dos personajes adultos que parecen dialogar. Al final de la estancia descendiendo unas escaleras y enmarcado por la puerta aperece un personaje. En la pared del fondo un espejo nos ofrece el reflejo de dos personajes que identificamos como los reyes. Respecto al tratamiento de la luz en la obra, la estancia aparece en semipenumbra iluminada por dos focos de luz. Por otro lado, respecto a la perspectiva, el pintor domina la perspectiva lineal de manera que la habitación forma un espacio cúico cuyas líneas convergen en un punto de fuga mientras que también el pintor demuestra ser un maestro en el dominio de la perspectiva aérea al captar la atmósfera existente entre los personajes que difumina los contornos de las figuras. Los colores usados son oscuros. Respecto a la técnica, Velázquez utiliza pinceladas largas y fluidas junto a otras más cortas y precisas que crean toda una serie de efectos táctiles como el pelaje del perro mastín, las maderas o las telas de los vestidos.
