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Durero, renacimiento, Apuntes de Historia del Arte

Asignatura: Arte del Renacimiento, Profesor: Jose Manuel Cruz Valdovinos, Carrera: Historia del Arte, Universidad: UCM

Tipo: Apuntes

2013/2014

Subido el 14/05/2014

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El Renacimiento:
se desarrolla en Europa occidental y abarca cerca de dos siglos, del
siglo XV al XVI.
Alude al deseo de renovar el arte, la literatura y toda la sociedad, a
través de la recuperación del espíritu, de los autores, de los artistas que
protagonizaron la historia antigua de Grecia y de Roma: los llamados
clásicos
Cuando aludimos al Renacimiento como movimiento artístico, la franja
cronológica va desde las primeras décadas del quattrocento (s. XV)
hasta la segunda mitad del s. XVI
Italia es quien arranca en el camino del Renacimiento, cuando en el siglo
XIV se produce, por parte de occidente, el redescubrimiento de los
textos clásicos (durante siglos, Grecia había permanecido aislada de
Europa occidental, por estar dominada por el Islam, con el que los
cristianos no quieren relación):
Fue sobre todo el poeta Petrarca (s. XIV) uno de los primeros en
dar importancia a los autores clásicos y su difusión.
Posteriormente, Erasmo de Rotterdam (vive a caballo entre los
siglos XIV y XV) contribuye también enormemente a su
popularización, traduciendo muchos de esos textos.
El movimiento artístico del Renacimiento nace pues en Italia,
concretamente en Florencia, con artistas como el arquitecto
Brunelleschi, el escultor Donatello, el pintor Masaccio…
Si la Toscana se convierte en la cuna del nuevo lenguaje, el
Renacimiento pronto se difunde por toda la península, destacando Roma
(Miguel Ángel, Rafael…) y Venecia (Tiziano, Tintoretto, el Veronés…)
Al mismo tiempo, su difusión se produce igualmente por el resto de
Europa, destacando el foco que se desarrolla en el norte de Europa (Van
Eyck, Durero…).
Son los propios protagonistas del Renacimiento los que entendían que
se estaba produciendo un renacimiento del arte, porque se consideran
ellos mismos herederos directos del arte clásico:
Consideraban que había sido en tiempos de la Grecia y de la
Roma antiguas cuando el hombre había desarrollado su arte más
importante
Rechazan de lleno el arte medieval: tras unos siglos de
“oscuridad” en la Edad Media, entendían que el arte estaba
viviendo un segundo nacimiento
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El Renacimiento:

  • se desarrolla en Europa occidental y abarca cerca de dos siglos, del siglo XV al XVI.
  • Alude al deseo de renovar el arte, la literatura y toda la sociedad, a través de la recuperación del espíritu, de los autores, de los artistas que protagonizaron la historia antigua de Grecia y de Roma: los llamados clásicos
  • Cuando aludimos al Renacimiento como movimiento artístico, la franja cronológica va desde las primeras décadas del quattrocento (s. XV) hasta la segunda mitad del s. XVI
  • Italia es quien arranca en el camino del Renacimiento, cuando en el siglo XIV se produce, por parte de occidente, el redescubrimiento de los textos clásicos (durante siglos, Grecia había permanecido aislada de Europa occidental, por estar dominada por el Islam, con el que los cristianos no quieren relación): - Fue sobre todo el poeta Petrarca (s. XIV) uno de los primeros en dar importancia a los autores clásicos y su difusión. - Posteriormente, Erasmo de Rotterdam (vive a caballo entre los siglos XIV y XV) contribuye también enormemente a su popularización, traduciendo muchos de esos textos.
  • El movimiento artístico del Renacimiento nace pues en Italia, concretamente en Florencia, con artistas como el arquitecto Brunelleschi, el escultor Donatello, el pintor Masaccio…
  • Si la Toscana se convierte en la cuna del nuevo lenguaje, el Renacimiento pronto se difunde por toda la península, destacando Roma (Miguel Ángel, Rafael…) y Venecia (Tiziano, Tintoretto, el Veronés…)
  • Al mismo tiempo, su difusión se produce igualmente por el resto de Europa, destacando el foco que se desarrolla en el norte de Europa (Van Eyck, Durero…).
  • Son los propios protagonistas del Renacimiento los que entendían que se estaba produciendo un re nacimiento del arte, porque se consideran ellos mismos herederos directos del arte clásico:
  • Consideraban que había sido en tiempos de la Grecia y de la Roma antiguas cuando el hombre había desarrollado su arte más importante
  • Rechazan de lleno el arte medieval: tras unos siglos de “oscuridad” en la Edad Media, entendían que el arte estaba viviendo un segundo nacimiento
  • Y ello gracias al hecho de que el arte renacentista había optado por la recuperación de los valores filosóficos y plásticos de la Antigüedad
  • Esa vuelta a la Antigüedad convierte al hombre en el centro de todas las cosas, en el centro del universo (en tanto que en la época anterior, en la Edad Media, todo giraba en torno a dios y a la religión). La cultura renacentista está empapada de interés por el hombre y por la naturaleza.
  • De ahí que esa “vuelta a la Antigüedad” provoque, en el arte, un interés por el naturalismo, por pintar desde la verdad, por conseguir plasmar las cosas en la obra de arte con la mayor fidelidad posible. La pintura renacentista se caracteriza por la búsqueda del realismo. Nos alejamos pues del todo de esas visiones del Románico o del Gótico, en las que se busca única y exclusivamente un arte ESPIRITUAL, que acerque a lo divino. Ahora, se trata de un arte que pretende ser REAL, mimetizar la realidad tal como es.
  • El Renacimiento supuso con ello una revolución artística total cuyos efectos se extienden –con variaciones- hasta las puertas de la era contemporánea.
  • Es una etapa compleja y variada, con distintos focos y artistas que se expresan desde formas originales y características de cada uno de ellos. Sin embargo, el Renacimiento se fundamenta al mismo tiempo en principios comunes, dos de los cuales son especialmente destacados:
  • La reutilización de las formas características del arte clásico griego y romano (después de un intervalo de mil años): la regularidad, el orden, la proporción y el ritmo marcarán las formas artísticas, que tienen como objeto fundamental la BELLEZA. Tanto en arquitectura (reaparecen los órdenes clásicos –dórico, jónico, corintio o compuesto- con sus columnas, capiteles, entablamentos, frontones…), como en artes plásticas (pintura y escultura), en las que la figura humana busca recuperar la perfección que muestran las esculturas que se recuperan de la Antigüedad
  • (^) La aplicación de un nuevo hallazgo técnico como es el de la perspectiva matemática: se desarrollan una serie de reglas científicas que permiten reproducir la realidad, sobre una superficie bidimensional, con sensación de tridimensionalidad
  • Esa recuperación del naturalismo, este afán de que la pintura (y la escultura) sean tan fieles como posible a la realidad, tendrá fundamentalmente dos vías o focos:
  • La italiana, que se inspira sobre todo en su pasado romano construyendo edificios que retoman las formas de los de época romana y copiando las obras de arte romanas que van

paisaje, construidos “matemáticamente”, con el realismo que procura la aplicación de la perspectiva científica.

  • En esos fondos, es muy frecuente la presencia de arquitecturas clásicas o de elementos que hacen referencia a ella
  • el protagonismo de la figura humana en la obra de arte, consecuencia directa del ANTROPOCENTRISMO (el hombre como centro de todas las cosas) que caracteriza al Renacimiento: el estudio de la anatomía (los artistas diseccionaban cadáveres para estudiar los músculos, los tendones…), la monumentalidad de las figuras, la idealización del cuerpo humano, la sensación de relieve o de tridimensionalidad… son una búsqueda infatigable de estos artistas, que reproducen además a sus figuras en actitudes serenas, majestuosas, de escaso movimiento
  • es también la importancia que alcanza el ser humano lo que da nueva fuerza, en el Renacimiento, al género del retrato. Si en el retrato del medievo sólo interesaba la condición social del personaje (importaba el cargo, lo que simbolizaba el retratado), ahora lo fundamental es la individualidad humana. El Renacimiento hace del hombre -del individuo, con nombre y apellido- el motor de la historia, de la cultura y del progreso. De ahí que las gentes de la época busquen ser retratadas, y además con el mayor parecido físico posible. Y así se hace. Rostros que reproducen los rasgos específicos del modelo, sean o no estos agradables; no se esconden los defectos físicos.

■ Los primeros retratos muestran al modelo de riguroso perfil (siguiendo a las monedas de la Antigüedad), con acusada rigidez

■ Pero pronto se recurrirá a poses más naturales, de tres cuartos (medio perfil). Ello no sólo procura mayor sensación de realismo, porque es menor la artificialidad y porque a través de la modulación de la luz (del tránsito entre luces y sombras) se consigue potenciar la sensación de profundidad, de tridimensionalidad (lo que nuevamente redunda potencia el realismo)

  • el revolucionario descubrimiento de la pintura al óleo. Fue un hallazgo de los artistas de los Países Bajos (los hermanos Van Eyck son de los primeros en usarlo). Su uso simplifica la aplicación de la pintura, y además permite la realización de las veladuras, lo que da lugar a una pintura mucho más eficaz en ese afán de crear la ilusión de realismo.
  • el uso del lienzo, como soporte de las pinturas, en sustitución de la rígida tabla de madera. Permitió, entre otras cosas, el fácil traslado de las obras de arte, que ahora podían enrollarse, de manera que se ocupaban poco espacio, además de ser mucho

más ligeras: con las obras trasladadas de un lado para otro, las influencias fluían también con mucha mayor facilidad de un país a otro. El soporte de tela garantizaba además una mayor durabilidad de la pintura.

  • La proliferación de tratados teóricos, escritos por los propios artistas, y en los que se describe las reglas del nuevo lenguaje renacentista.
  • el protagonismo y la nueva consideración social que van adquiriendo los artistas. Si antes eran menos artesanos (unos empleadillos), a partir del Renacimiento su prestigio va in crescendo , gracias a su capacidad creativa, hasta alcanzar la consideración de genios superiores que en la edad contemporánea se les otorga
  • Es específicamente característico del Renacimiento del norte de Europa:
  • la “humanización” de las figuras religiosas: no se tiende tan acentuadamente como en Italia a la idealización, sino que son figuras más próximas, más reales, tanto por sus rasgos (muchas veces modelos de clases populares, con sus manos callosas, sus pies descalzos ennegrecidos, arrugas…) como por los escenarios en los que se les representa (por ejemplo, es habitual que la Virgen aparezca en casas modestas, propias de la época, con su mobiliario, sus vestimentas, etc. No se tiende a la grandiosidad italiana,
  • la proliferación de detalles de la vida cotidiana, que confieren a la escena sensación de realidad: libros, jarrones, zapatos, tipos de ventanas, pomos de puertas, joyas, muebles, comidas… que son los que realmente había en las casas de la época. Eso convierte a esos cuadros en verdaderas fuentes de la historia: a través de ellos, podemos observar de primera mano cómo se vivía en esa época. Esos detalles, además, tienen por lo general una fuerte carga simbólica: cada uno de ellos está presente en la obra con un sentido preciso y profundo.
  • el esmerado cuidado en la ejecución de las texturas y de cada detalle: el descubrimiento de la pintura al óleo es lo que permitió a los artistas ser tan escrupulosos y delicados en los detalles, porque el óleo ofrece muchas más posibilidades para matizar la luz y los colores, a través de las veladuras

DURERO (Nüremberg, 1471-1528)

  • fue también un hombre de profunda inquietud moral, que estudió a Erasmo (1466-1536) y a Lutero (1486-1546)
  • Muy apreciado por los mejores de entre sus contemporáneos, que le llamaron "nuevo Apeles", llegó a ser pintor de cámara del emperador Maximiliano y, después, del emperador Carlos I de España y V de Alemania
  • Su vinculación a Carlos V será una de las vías por las que su influencia llegue España, a través de sus estampas y de su tratado de proporciones
  • Ha sido un artista de extraordinaria influencia, no sólo en su época, sino a lo largo de los siglos posteriores y muy destacadamente en el arte contemporáneo:
  • Fascinó a los románticos (como el alemán Caspar David Friedrich)
  • Fue inspiración de los expresionistas

Su pintura :

  • su técnica depuradísima, excepcional, muy basada en el dibujo, como es propio de los alemanes (frente a artistas de otras regiones, como los venecianos, que se basan en el color), da lugar a obras impecables desde el punto de vista formal
  • pero más allá de lo formal, las imágenes de Durero impresionan por:
    • (^) su espíritu renovador: son composiciones en la época totalmente novedosas
    • por la gravedad moral: es un artista de profundo calado moral, muy marcado por Erasmo de Rotterdam y por Lutero
    • por el talento dramático: la originalidad en el modo de tratar los temas sacros y profanos, el cuidado en los detalles, cuidadosamente escogidos y representados con maestría, el exquisito manejo de la luz, los encuadres impecables, el dominio técnico…, convierten a cada una de sus imágenes en una apasionante historia.
  • obsesión por el estudio científico de la naturaleza y de las proporciones ideales del cuerpo humano
  • A través de cualquier detalle se nos revela:
  • la curiosidad insaciable de Durero
  • su empeño en comprender, en descifrar la trama ordenada de las cosas
  • su clarividente penetración del misterio
  • su altísima exigencia científica y moral.

Y es que en Durero el detalle siempre va más allá de la anécdota. Cada detalle que reproduce con precisión tiene una razón de ser en el cuadro, una significación, un contenido simbólico

  • esa mirada precisa y analítica la traslada a su pintura, de manera que Durero convierte en un acontecimiento único la representación de cualquier cosa, incluida un cabello, una brizna de hierba, una arruga en la piel, las plumas del ala de un ave…: - cada detalle está reproducido con precisión minuciosa - (^) eso da a su obra la sensación de pálpito vital. Su pintura es la existencia misma
  • Durero es por lo tanto DETALLADO (cuida excepcionalmente la ejecución de cada detalle), pero NO ES PROLIJO: sus obras no son abigarradas, no agobian por la proliferación de elementos, porque el artista tiene una asombrosa capacidad sintética (sabe seleccionar, escoger con precisión cada uno de los elementos necesarios para que su imagen represente aquello que él persigeu en cada momento)
  • Es exquisito también en el manejo de la luz. Ya sea colocando a sus figuras de frente, o ya sea de medio perfil, hace que la luz penetre en la imagen desde un lado, y va modelándola suavemente, de manera que el paso de las luces a las sobras potencia la sensación de tridimensionalidad en el cuadro.
  • (^) Sus figuras destacan siempre por:
    • la inquietud que muestra Durero en la belleza del cuerpo humano
    • (^) el interés que tiene también en el estudio de las proporciones del cuerpo humano
    • un aura especial: son figuras llenas de misterio, con miradas intensas, con sensación siempre de introspección, de estar volcadas hacia su interior, de recogimiento
    • su grandeza monumental: las trae muy al primer plano, haciéndolas más impactantes al ojo del espectador