Cómo Contar y Presentar una Historia Audiovisual: Elementos Clave - Prof. 1656, Apuntes de Publicidad y Promoción

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Cómo contar y presentar una historia de forma audiovisual

Introducción

La narrativa audiovisual crea historias de manera única donde se complementa con sonidos, efectos, imagenes, entre otros, asumiendo importancia dentro de la historia tratando de entender la cronología que tiene la narrativa audiovisual desde la creación del cine mudo y poco a poco la incorporación de sonido y texto. Esta puede abarcar la narrativa de cualquiera de sus medios: radio, cine, televisión, entre otros, teniendo la capacidad de construir relatos de acuerdo a sus propias condiciones. También se entiende la narrativa como todo el conjunto de la obra narrada por un autor, un periódico, etc. También está referida a la forma de la expresión, como el género, tecnica o estilo para contar la historia (Garcia J. Jesùs. Narrativa Audiovisual. Ediciones Càtedra Madrid 1993, pág. 13-14)

A través del tiempo el nacimiento del guión es una principal herramienta en esta ¨puesta en escena¨. El origen del guión tuvo su aparición en el año de 1912 cuando Thomas Harper Ince (Estados Unidos) quien fue el primer productor de cine comenzó a imponer que el guión tenga dos partes literario y el cinematográfico siendo de perfección y una elaboración excelente. La parte literaria del guión expresa toda la historia en términos visuales, que habia, en donde como, porque, que personajes, edades, entre otros, mientras que el cinematógrafo era más planos y secuencias. Hay que reconocer que varios cineastas como Charles Chaplin, Griffith no utilizaban la misma tecnica de guion es mas tenian una diferente invención de guion que era mas no verbal, de cuerpo y menos hablada.

La narrativa audiovisual es la creación de la ficción que puede ser en cierta parte mas complejo, hay una forma de ética en los relatos que alude a la fortaleza expresiva del que nos podemos imaginar este también es más amplio y duradero y

argumento es lo que ve el espectador creando una historia en su mente a partir de lo presentado por el narrador con hechos explícitos. Las acotaciones que pasaran a lo largo de la historia servirán como cadenas que transcurren en el tiempo, en un principio podemos encontrar dos tipos de narración: ¨Limitada - efecto suspense¨ donde el espectador sabe igual que el personaje principal, ¨ilimitada - efecto sorpresa¨ donde el espectador sabe más que los personajes, denominada narración omnisciente cada una con su diferencia notoria siendo extremos continuums. Dentro de una película puede que estén las dos narraciones para que el espectador siga entretenido con la presentación audiovisual, tomamos como ejemplo la serie americana ¨Lost¨ (2005) donde se limita el conocimiento de ciertos personajes ya que ninguno sabe lo que pasa, un ejemplo de ilimitada es la serie española ¨El Barco¨ (2011) en donde nos presentan como primera escena unos científicos que comentan que pasará ¨algo¨ en el barco de lo cual las personas que se encuentran en èl no saben de esto pero el espectador si. Dentro de una película el sonido es la fuente principal para dar vida al contenido, entra lo que es el sonido llamado tambien Diegetico, no diegetico y extradiegetico sonido in sonido off voice off voice in:

Diegético: el sonido proviene de un personaje o un objeto que pertenece al espacio de la historia de la película, instrumentos musicales que aparecen en las escenas, Puede ser en pantalla o en off, dependiendo de si la fuente está dentro o fuera de campo. El sonido en off puede controlar nuestras expectativas sobre el espacio en campo. También puede funcionar para hacer la narración de la película menos limitada. No diegético: el sonido procede de una fuente externa al espacio de la historia narrador omnisciente, banda sonora… Crean comicidad al realizar una especie de juego audiovisual. Se puede utilizar para confundir o sorprender al público, para crear comicidad o ambigüedad o para conseguir otros fines. Externos: los espectadores consideramos una fuente física de la escena. SONIDO Sonido in diegético y en campo. Sonido off diegético y fuera de campo. Sonido over no diegético o diegético interno. Una característica del sonido diegético es la posibilidad de sugerir la perspectiva sonora. La perspectiva sonora se puede sugerir

mediante el volumen: un sonido fuerte cercano, un sonido suave distante. La perspectiva sonora también se puede crear mediante el timbre, estos efectos de timbre los más perceptibles en los ecos, pistas estereofónicas y surround insinuar distancia y localización del sonido. especificando la dirección de un sonido en movimiento. Se crea un entorno tridimensional y no tiene por qué utilizarse con fines realistas La música de una película es una convención y no proviene del espacio de la historia. (no diegético) El espectador (nosotros) convierte el argumento en historia¨ ¨El guionista (escrito audiovisual) convierte la historia en argumento.

El argumento y la Historia son herramientas importantes para la realización de cualquier trabajo audiovisual y el narrador puede ser un personaje de la historia es aquí donde aparecen los agentes, un término utilizado por diferentes personas para definir los tipos de rasgos y a los personajes. Los personajes desempeñan un papel dentro del sistema formal de una película (Seres inventados), sus características son: cuerpo, Rasgos de carácter ( personalidad), en los seres creados se habla de personajes complejos o desarrollados: varios o diversos rasgos, hay también personaje Menor: uno o dos rasgos o personaje memorable: conjunto de rasgos (Hábitos/Naturalidad Básica). En los rasgos se asume un papel causal en la narración o sea una función como por ejemplo: rasgos de carácter: actitudes, habilidades, preferencias… En la causalidad tenemos tipos de Causa como: Supranaturales: obras de teatro griego que hacían alusión a “Dioses”, Naturales: catástrofes (maremoto, animales salvajes un ejemplo: “Tiburón” (Steven Spielberg, 1975), personifica la causa natural con rasgos humanos), situación: toma parte en la acción los deseos y objetivos humanos para desarrollar la narración. En cada historia se tiene que tener momentos impactantes para que no sea lineal es por ello que el espectador conecta con los hechos o sea la causa y efecto donde los personajes crean hechos y reaccionan ante él, todos los papeles de los personajes están concebidos para que tenga una conexión de hechos y datos y que sea casual.

lo que ve el personaje¨ En la película ¨El Cisne Negro ¨ (Darren Aronofsky, 2010), Nina practicar sus piruetas en donde se observa el momento en que estamos dentro de sus ojos y vemos la cara del instructor decepcionado eso es un plano subjetivo: vemos lo que ella ve. El uso de las dos formas son indispensables ya que si se utiliza la objetividad es una línea básica desde que podamos partir en busca de la profundidad subjetiva a la que volvemos. El juego que se tiene con la subjetividad en lo audiovisual es muy interesante y lo podemos poner en los momentos más tensos o no de la historia, haciendo que se crea el famoso Flashbacks donde tiene el poder de totalizar la narración objetiva, su motivación para esto es la subjetividad mental ya que se desencadena el recuerdo del pasado, sin embargo al presentarse el flashback se lo hace totalmente objetivo. Asi que la narración audiovisual es el proceso mediante el cual el argumento presenta la información de la historia al espectador teniendo una cadena de acontecimientos, enlaces, orden cronológico o no,omisiones de efectos, también se puede mover entre esferas limitadas o ilimitadas de mayor conocimiento y mayores y menores grados de subjetividad. Retomo el ejemplo de la pelicula ¨El cisne negro¨ del cual en el relato se observa a Nina en un proceso de delirio, pero también se le ¨permite¨ estar fuera de ese estado, luego la subjetividad juega un papel importante ya que NIna no se da cuenta de que todo lo que está pasando es su imaginación ( descubre la narración subjetiva) luego, el espectador descubre la narración subjetiva.

Diseño clàsico, minimalista y antiestructura

Cada película tiene sus extremos de creatividad todo esto naciendo dentro del Guión donde podemos encontrar varios elementos tales como: el diseño Clàsico o arquitrama, Minimalismo o MInitrama y el Antiestructura o antitrama, conocido también como el Triángulo Narrativo , estos elementos nos sirven para el desarrollo de nuestra historia y como queremos que sea si sea de casualidad, con final abierto o cerrado los protagonistas activos que entran en conflicto directo que persiguen su sueño, los protagonistas pasivos son aquellos que persiguen un deseo interior

puede ser este emocional y entran en conflicto con otro aspecto de su naturaleza que sea coherente o no, conflicto internos, etc. El diseño clásico o arquitrama es la base de la mayoria de peliculas que han encontrado un público muy amplio, es atemporal, fácil de entender, en la arquitrama encontramos siempre un final cerrado el conflicto siempre será externo, con coherencia, el protagonista será activo. HIstoria construida alrededor de un protagonista activo que lucha contra fuerzas externas antagonistas. Un ejemplo de diseño clásico es la película ¨El ciudadano Kane¨ de 1941. El minimalismo o minitrama es donde el escritor utiliza los elementos del diseño clásico pero los reduce. El minimalismo es mas simple y economico pero de igual forma mantiene aspectos clásicos, aquí el final es abierto, el conflicto es interno (subjetivo) hay varios protagonistas y son pasivos. Un ejemplo de minitrama es ¨El cisne negro¨ del año 2010. La Antiestructura o antitrama no reduce el diseño clásico si no que le da la vuelta ¨ridiculizando¨ la idea de los principios formales, trata de ser revolucionario pero a la vez sutil, tiene casualidad, tiempos no lineales y realidades incoherentes. La antiestructura también incluye la mezcla entre documental y obras. Un ejemplo de ello es la película ¨Un perro Andaluz¨ del año 1928 en Francia donde cada uno crea su propia historia, final abierto, preeminencia del diseño clasico, tambien otro ejemplo es la película ¨Los CLowns¨ del año 1970 en Italia donde se reivindica el desprestigiado arte de los payasos, con entrevistas entre otros. En el triángulo narrativo encontramos diferencias, las más significativas es el final que le damos a la historia. En la Arquitrama responde a un final cerrado, todas las intrigas son reveladas y queda todo aclarado. La minitrama deja un final abierto del cual una o dos preguntas dejan sin responder por ejemplo en el ¨El cisne negro¨ no se sabe si la protagonista vive o muere, la mayor parte de las emociones quedan satisfechas. Cada historia siempre tendrá sus momentos de tensión donde le dara mas fuerza y vida a la historia que se está contando consiguiendo un objetivo, para ello todos los diseños anteriormente tienen el clímax. Todos los elementos de la narrativa audiovisual tienen una estructura que será la guía de la realización y el origen de la historia que se presentará. El relato narrado de forma clásica habitualmente coloca a un único protagonista en el núcleo de la narración. Hay una

protagonista y ya nada vuelve a ser como antes, mostrando una toma de decisión haciendo que se eleve el riesgo. Aparece un nuevo escenario, es aquí donde entra e l SEGUNDO PUNTO DE GIRO: se sitúa al principio del ACTO III. hay un nuevo ¨estímulo¨, sentido de emergencia. y apareciendo nuevos retos desembocando así el tercer acto, para terminar esta el “GRAN FINAL” El clímax suele presentarse en las últimas cinco páginas del guión, con una acotación de una breve resolución que ata todos los cabos sueltos. El clímax es el final de la historia: es el gran final. Es el momento en que se resuelve el problema, se contesta a la cuestión central, se acaba la tensión y se arregla todo. El clímax es el suceso más importante de la trama: la acción se resuelve en el momento de mayor intensidad emocional del guión, el momento culminante de la historia viene precedido por un ascenso en el interés y en el conflicto. En la estructura narrativa es como lo cuento. A continuación explicaremos el Planteamiento: su propósito del planteamiento es proporcionar la información básica que necesitamos para que la historia comience. Se construye para darnos una pista acerca de la columna vertebral o dirección de la historia. En la mayoría de las buenas películas, el planteamiento comienza con una imagen, las que empiezan con diálogo resultan más difíciles de seguir. Después de la imagen inicial necesitamos que nos presenten a todos los personajes importantes que van a formar parte de la trama, también necesitamos información acerca de la situación, y algún suceso que dé comienzo al relato. Este particular suceso se llama detonante, con el cual arranca la acción de la historia. Es el momento preciso en que la acción se inicia y ocurre no más allá de la mitad del acto primero. Algo pasa, o alguien toma una decisión, el personaje principal se pone en movimiento. Hay distintos tipos de detonantes: los más fuertes son las acciones específicas que comienzan la historia, algunas veces el detonante se expresa a través del diálogo, otras veces el detonante es de situación, una serie de incidentes o sucesos. Aunque la imagen inicial nos haya orientado y el detonante haya comenzado la historia, falta suscitar una cuestión en el planteamiento que será contestada en el clímax. La mayor parte de las veces la cuestión central se contesta afirmativamente al final de la historia.

Raras veces están claros los tres actos en el primer borrador. Al revisar la estructura del guión, hay que hacerse las siguientes preguntas: ¿He comenzado con una imagen? ¿Da la imagen cierto sentido del estilo y atmósfera de la historia? ¿Tengo un detonante claro que dé comienzo a la historia? ¿Tiene suficiente fuerza y dramatismo? ¿Está expresado preferentemente a través de una acción?. Un ejemplo claro es la película estadounidense ¨Buscando a Nemo¨ (Andrew Stanton, Lee Unkrich, 2003) donde nos presentan como detonando la muerte de su madre y de sus hermanos quedando únicamente el padre y un hijo, en el Primer punto de giro Nemo es capturado por unos buzos, en el s egundo punto de Giro : Marlín ve a su hijo ¨muerto¨ y en el Clímax : Marlín encuentra a Nemo en una situación de peligro, pero se salvan.

Dentro de la narrativa el conflicto abarca toda la estructura del guión, los conflictos no surgen de modo espontáneo se hallan en los proceso creativos del guión, dentro de los conflictos podemos encontrar el conflicto de relación que es entre personajes afectando al protagonista, el conflicto básico abarca la estructura de todo el guión es el objeto externo, Los conflictos internos y de relación responden al porqué. Dan lugar a los arcos de transformación de los personajes, operan e interactúan dentro de la historias interiores. Subtramas que son y tramas ( la trama es una forma de far sucesos a la historia) no son conflictos en si mismos, son estructuras dramáticas resultantes de los distintos tipos de conflicto. Sepamos que en el conflicto existe el carácter driver donde entra el conflicto de relación que viene a ser una subtrama y el conflicto interno que son los arcos de transformación. Dependerá exclusivamente del ámbito de los personajes, de sus relaciones y de sus vivencias interiores y el spot driven que tiene los anteriores pero incluye en conflicto trama de acción y toda la acción del relato dependerá y surgirá del problema ocasionado por la búsqueda de un objeto.

En la película Billy Elliot el conflicto de relación trata de los personajes y afecta al protagonista, como es el caso de la tensión existente en la relación entre el padre de Billy y el chico. El conflicto básico abarca la estructura pero no es la tensión principal de la película, aquí engloba la decisión de querer bailar en vez de

ejecución y montaje, guión literario: supone la herramienta de trabajo última, que ha de tener todo el personal que trabaja en la obra, desde el productor al auxiliar de peluquería.

El tiempo y el espacio

En la estructura narrativa el orden y la frecuencia es uno de los elementos que hace que la historia sorprenda al espectador, en el orden dentro de la historia puede ser lineal: un inicio desarrollo y un fin, el tiempo circular es donde el punto de llegada sabe ser idéntico al punto de origen y el tiempo cíclico donde el punto de origen suele ser análogo o no idéntico, incluye o no flashbacks, el público pueda seguir el hilo de la historia, solo en el diseño clásico que es lineal. Tambien tenemos e l no linea l o no cronológico donde el público no se entera de lo que está ocurriendo y el contratiempo del cual son las consecuencias finales de nuestra vida quedaran por la naturaleza única de nuestro personaje desconectando a los personajes del mundo que los rodea. La duración o la extensión temporal de la representación no coincide con su duración real, es así que contamos con recursos que nos sirven para poder manejar el tiempo como nosotros ¨queramos¨ esta el recurso de contracción: que se utiliza para acelerar o hacer elipsis (supresión de un tiempo o de algún acontecimiento dentro del relato o la historia) y el recurso de extención tenemos a la dilatación que sirve para que se vuelva más lento o se desarrolle con menor rapidez y la pausa que para la acción de los personajes, existe también la duración real: extensión efectiva del tiempo en minutos, la duración aparente: la percepción que se tiene del tiempo transcurrido. Un encuadre parecerá tanto más largo cuanto más restringido sea el cuadro y uniforme y estático el contenido, y tanto más breve cuanto más dinámico el contenido

Ahora la frecuencia nos servirá para la repetición de un proceso o secuencia donde encontramos la repetitiva que lo hace varias veces pero solo ocurre en esa

narración, la simple y múltiple y la iterativa o frecuentativa que se usa para recrear la costumbre que una persona tiene por un cierto tiempo pero se la hace en una sola escena. Si bien nos falta el montaje, la duración y el encuadre, estos componentes nos serán de ayuda para captar por completo a nuestra audiencia con respecto a la duración es una extensión sensible del tiempo representado, aquí es donde entra el juego de los encuadres haciéndolos ver largos o muy breves por eso existen dos diferentes tipos de duración: plano secuencial que es continuo sin cortes y la escena que son el conjunto de encuadres que tienen como fin obtener una artificiosa relación entre el tiempo y la representación. En el encuadre crea crea un determinado punto de vista podemos utilizarlo tanto dentro o fuera del campo, tomando el control de la distancia cuan cerca o lejos uno desee grabar y teniendo movimiento depende de la puesta en escena. El espacio en campo y el espacio fuera de campo el cuadro selecciona una porción de la realidad para mostrarla, asi que los personajes entran en la imagen desde un lugar hacia otro ( espacio fuera de campo). DISCONTINUIDAD ESPACIAL Y TEMPORAL Las películas no narrativas evitan el estilo continuo, ya que se éste se basa en la presentación lógica de una historia. Pero ¿cómo se puede contar una historia sin utilizar las reglas de la continuidad? Gracias a diferentes estilos de montaje mediante el uso de discontinuidades espaciales y temporales. Una opción es utilizar la continuidad espacial de forma ambigua. Más drásticamente un cineasta podría violar o ignorar la regla de los 180º: se basan en lo que podríamos llamar espacio de 360º, en lugar de un eje de acción que dicte que la cámara se debe emplazar dentro de un semicírculo imaginario, estos cineastas trabajan como si la acción no fuera una línea sino un punto en el centro de un círculo, y como si la cámara se pudiera colocar en cualquier punto de la circunferencia, los planos representan múltiples perspectivas espaciales de un único hecho. Este montaje tan discontinuo espacialmente crea también curiosas percepciones en la experiencia del espectador.

El montaje es la coordinación de un plano con el siguiente. En el guion que se realizará a continuación el montaje nos presenta tres tipos: el alterado ( espacios simultáneos - cross cutting), el paralelo (Establecen lazos y relaciones entre diferentes líneas de acción), y el convergente (Grupos de imágenes procedentes de partes diversas van sucediendo a un ritmo exactamente igual). un ejemplo de los tipos de montaje esta el spot de la pizza ¨Castarradellas¨ que es convergente. El espectador debe conservar siempre la orientación básica de la escena pese a la fragmentación de la misma en diferentes planos. El montaje continuo se utilizó para asegurar la continuidad narrativa, La finalidad básica del sistema continuo es hacer que la transición de un plano a otro sea suave (o que el montaje “desaparezca” o no se aprecie). En primer lugar, las figuras están equilibradas y simétricamente colocadas en el cuadro; la tonalidad de la iluminación se mantiene constante; la acción ocupa la zona central del fotograma. Segundo, el ritmo del montaje se establece normalmente dependiendo de la distancia de la cámara del plano; los planos generales se mantienen en pantalla más tiempo que los planos medios, y los planos medios más que los primeros planos. Adoptó un sistema concreto para montar los planos en una película cinematográfica, la finalidad de este sistema era contar una historia. Así, el montaje, apoyado por estrategias específicas de la fotografía y la puesta en escena, Se supone que el espectador necesita más tiempo para abarcar los planos que contienen más detalles. En las acciones de acción física, como el incendio de Los pájaros los planos más cortos todavía tenderían a ser más breves. El cine manipula las imágenes para presentarlas a los espectadores por eso existe el “Efecto Kulechov”: planos que, en ausencia de un plano de situación lleve al espectador a deducir un todo espacial a partir de la visión de solamente proporciones de ese espacio. El montaje hace que el espectador deduzca un único lugar. El montaje también puede poner de relieve que la acción tiene lugar en sitios diferentes; el montaje paralelo es una forma común de construir una variedad de espacios en las películas. Más radicalmente, el montaje puede hacer que las relaciones espaciales resulten ambiguas y dudosas. El 180 grados: El espacio de una escena se construye de acuerdo con lo que se denomina eje de acción, línea central o línea de 180º, tiene lugar a lo largo de

una línea discernible y predecible: el eje de acción determina un semicírculo, o un área de 180º. ¿Qué permite el 180º? –Asegura un espacio común de un plano a otro (orientarnos en el espacio representado) y asegura una dirección constante en la pantalla (las posiciones fijas y los ejes de miradas de los personajes determinan la dirección en la pantalla; de izquierda a derecha) Los saltos en la continuidad pueden confundir porque esta desorientación apartaría al espectador del centro de atención: la cadena de causas y efectos de la narración. A partir del principio de los 180º, se ha desarrollado el sistema continuo como una forma de construir un espacio que fluya suavemente y que se mantenga subordinada a la acción de la narración ejemplo: el comienzo de la película ¨ El halcón maltés¨ (John Huston, 1941) Puede captar todo movimiento sea este de cuerpo entero, solo caras, el espacio en el que se encuentran entre otros. Para no perder la continuidad es necesario que se de un cambio de eje de la cámara. Los personajes entran en la imagen desde algún lugar y se marchan a otra zona, el espacio fuera de campo Spot publicitario (prohibido comparar productor) Pero puedes comparar con marcas blancas y jugar con los encuadres. Noel Burch: ha señalado seis zonas de espacio fuera de campo: el espacio que está más allá de cada uno de los cuatro bordes del encuadre, el espacio de detrás del decorado y el espacio de detrás de la cámara. - Se podrían citar prácticamente todas las películas como ejemplos de todas estas posibilidades El uso de la quinta zona del espacio fuera de campo, el de detrás del decorado, es el más común. Algo más raro es el uso de la sexta zona, el espacio fuera de campo detrás y cerca de la cámara. La película ¨Forest Gump¨ ( Robert Zemeckis, 1994) a través del montaje, nos presenta al personaje con planos y ritmo lentos, cuando empieza a desarrollarse la acción la relación temporal no es cronológica existe una alteración de secuencias y hay un conflicto gráfico (en función de lo que hace) Color – Imagen Primer plano –

Cuando tengamos ya la pelicula esta puede estar en diferentes formatos, Los cineastas registran la imagen en formato académico para que las copias, emisiones televisivas y videocasete se puedan extraer de una imagen cuadrada. Aqui algunos formatos: Formato hard matte: Simula la imagen mayor mostrada en el cine. Formato buzón: varían considerablemente los resultados, la mayoría de las

Para poder ordenar nuestra trama necesitamos la estructura de 3 actos, realizamos un esbozo de nuestra historia ubicando como va a ir cada escena escribiendo de forma literaria, nada estructural, en esta parte ya realizamos la ubicacion de como iria cada escena.

Que pasa, ubicamos nuestra historia en los 3 actos correspondientes ubicando el final (epílogo) de la película como inicio siendo esta un tiempo circular, la estructura de los 3 actos serán diferentes como lo he dicho anteriormente empezaremos por el epilogo, a continuación sera el punto de giro, luego viene los dos detonantes ( se puede crear uno o dos, esta al gusto de los escritores), pasamos por el set up. Porqué hacemos esto: para que nuestra historia no sea lineal y que nuestro espectador se enganche con la pelicula, basicamente en el primer y segundo punto de giro es donde existe la mayor parte de la narración donde ubicamos la unión entre el primer punto de giro y el segundo punto de giro. a continuación el antagónico es Kim pero del otro planeta tierra donde las dos luchan por ser las únicas en el planeta tierra.Después de la realización de nuestra estructura narrativa literaria pasamos a realizar el diálogo, el diálogo tiene su propia estructura, no es similar a la estructura narrativa literaria aquí ya se incorpora las acciones, si es de día de noche adentro o afuera de las escenas ubicando lo que dicen cada uno y lo que piensan. En el guión que se va a crear ubicamos la escena uno donde se ve a nuestro personaje caminando por un cementerio, continuamos con nuestros primeros puntos de giro ( escenas 2, 3 , 4, 5). En nuestro guion hemos incorporado dos tipos de detonante en el primer detonante (escena 6) donde a Kim le atacan por la espalda poniendo una bolsa en su cara obstruyendo el aire, alguien ha entrado a última hora al laboratorio en el que Kim trabaja e intenta acabar con ella por la espalda. La persona encapuchada huye tras escuchar pasos acercarse a la habitación. Desvanecida en el suelo observa como huye el atacante. Fin de escena, en nuestro detonante b (escena 7) en este caso ocurre todo en el hospital mientras le hacen pruebas toma la decisión de encontrar a la persona que ha intentado matarla. Tratando de que la película tenga credibilidad en la vida de nuestros personajes lo que dicen, hablan y sienten incorporamos la subjetividad.

Sumergiéndonos en la mente de nuestro personaje (Kim) donde su problema básico es la mala diferenciación entre la realidad y la ficción, se tiene que enfrentar con su interior para saber lo que realmente está pasando. En las escenas nueve, diez y once son entre el punto de diro uno y el punto de giro dos. Donde se revela tanto el personaje como el público. La idea de utilizar la mayoría de los elementos es darnos el poder de poder crear de forma diferente un guión. Es así: lo tomamos como una montaña rusa donde en un principio todo este normal y cuando lleguemos a la punta sintamos una caída súper intensa pero volvamos a retomar el aire con más emoción con miedo e intriga de saber que pasará después,: qué Kim se salvará, el porqué alucinaba Kim con su mejor amigo llegando al punto de enamorarse de él y darse cuenta que él nunca estuvo con ella. Si su padre le oculto lo que ocurría en ese momento o si en verdad se estaba volviendo loca. Para nosotros como futuros publicistas y relacionistas públicos la forma de llegar a nuestro público objetivo es primero saber que les vamos a decir y cómo les vamos a decir como queremos que el mensaje y la campaña se exponga, ahora con esta información y los ejemplos que se ha expuesto tenemos ya una base consolidada para innovar, es por ello que la necesidad de utilizar distintos elementos y jugar con ellos nos ayudaran en el diario vivir. la narrativa audiovisual te permite ser más creativo y con ello influenciar a nuestros nuevos clientes y potenciales.

Bibliografía

o Tema 1: BORDWELL, D.; THOMPSON, K. (1995): El arte cinematográfico. Barcelona: Paidós Comunicación, pp 64-70; 75-80, 307- o Tema 2: McKEE, R. (2003): El guión. Barcelona: Alba Editorial, pp: 67- o Tema 3: SEGUER. L. (2004): Cómo convertir un buen guion en un guion excelente. Madrid: Rialp, pp. 29-57 y texto 4: SÁNCHEZ – ESCALONILLA, A. (2006): ¨Conflicto y guión cinematográfico¨ en Universidad de Salamanca, pp. 17-25. o Tema 4: texto 5: CASTELLI, F.; DI CHIO, F. (1996): Cómo analizar un film. Barcelona: Paidós, pp. 151-153.