¡Descarga evolucion de la moda y más Resúmenes en PDF de Fundamentos de Moda solo en Docsity!
Tema 1. Entrando en el siglo XX: la Belle Époque. Contexto y modos de vestir. El ejemplo de España. El período comprendido entre finales del siglo XIX y el comienzo de la Primera Guerra Mundial se conoce como Belle Époque. Comenzó en el siglo XIX (1871) y duró hasta el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914. El optimismo fue prominente durante estas décadas cuando la gente depositó grandes esperanzas en el nuevo siglo que se avecinaba. Los primeros años del siglo XX fueron una época de ciertas contradicciones, porque por un lado asistíamos a un brillante desarrollo técnico y, por otro, a la brillante vida de las clases del espectáculo. Vestirse y desvestirse tampoco era fácil por lo que necesitaban la ayuda de otras personas para ponerse todos los componentes del conjunto: camisas, ropa interior, corsés, ligas, medias, enaguas y finalmente un vestido. En esta época, el explorador inglés de París, Charles Frederick Worth (1826-1895), simplificó los vestidos de tallas grandes utilizando una enagua de crinolina (un dispositivo compuesto por seis presillas de acero para aumentar el volumen del vestido), colapsando el vestido en la parte trasera, creando así una silueta elaborada, en la que la espalda está excesivamente levantada y la parte delantera recta. Worth fue el fundador de la alta costura, sentando sus bases tal y como se le conoce hoy, creando colecciones para cada temporada y presentándolas en desfiles con modelos reales. También fue el primero en firmar sus obras colocándole un sello, es decir, una etiqueta con su nombre bordado. Colores pálidos, en su mayoría pasteles, tejidos lujosos, llenos de encajes, brocados, bordados, lazos, volantes y flores al estilo Art Nouveau. Se seguían usando mangas abullonadas en los hombros y cuellos altos, aunque por la noche se volvían bajos, cuadrados o redondeados, permitiendo el uso de joyas. Los vestidos de día cubren todo el cuerpo con escotes altos y mangas hasta las muñecas, mientras que los vestidos de noche tienen escotes amplios.
Para las mujeres de la clase alta, los accesorios eran importantes, especialmente los sombreros de copa baja, mediana o grande, decorados con grandes plumas, flores e incluso pájaros disecados; Canotier también es muy utilizado por mujeres y hombres para aportar frescura al verano. Los paraguas también estaban ricamente decorados. Era importante mantener la piel blanca para distinguirla de la clase trabajadora, porque por primera vez se mezclaban la aristocracia y la alta burguesía. El peinado se recoge en un moño alto en la parte delantera, en estilo copete. La llamada figura ideal del período Eduardiano, es decir, la completa exageración de la figura femenina, estrechándose la cintura al límite y sobresaliendo los senos, obligaba a las mujeres a utilizar corsés muy ajustados y rellenos que acentuaban los glúteos, imitando así una figura de curvas. Aparece a principios del siglo XX, Gibson Girls, quien encarnaba la belleza femenina ideal de esa época. Aparece el Traje hecho a la medida, incluyendo chaqueta y falda, normalmente del mismo material. Estas prendas aparecieron en la prensa de moda alrededor de 1885 y recibió su nombre debido al método especial de producción. Ideada por mujeres, pero elaborada por sastres especialistas en la producción de ropa masculina, se hizo famosa en una época en el que la norma era diferenciar la ropa masculina de la femenina mediante el uso de técnicas, formas, tejidos, colores y estampados muy específicos, extendiéndose por casi toda Europa y Estados Unidos. Durante la Primera Guerra Mundial se introdujo ropa más cómoda e incluso masculina, incluyendo una personalidad bastante andrógina. Las mujeres se incorporaron a la fuerza laboral porque la mayoría de la población masculina fue reclutada por el ejército. La demanda industrial debido al conflicto armado los atrae a trabajar. La Primera Guerra creó nuevos roles para las mujeres, asumiendo trabajos y responsabilidades de los que antes habían sido excluidas. Por ejemplo, trabajan en la banca, conducían camiones, entre otras tareas. Paul Poiret es el rey de la moda, tanto de la moda como del arte. Fue alumno de Duget y Worth. Sus influencias son orientales, árabes y clásicas. Sus diseños fueron resistente y drapeado. Inspirado en el Art Déco
Tema 2. La década de los 10 y su nueva silueta. A principios de la década de 1910, la moda estaba fuertemente influenciada por el ballet ruso y la estética oriental. Los colores pastel fueron sustituidos por colores atrevidos. Apareció una silueta con tendencia a la verticalidad, se pusieron de moda los corsés rectos y largos, así como los vestidos y sobrefaldas ligeramente abiertos. El traje trotter, que constaba de falda y chaqueta, dejó al descubierto los tobillos de las mujeres por primera vez y se hizo muy popular entre las mujeres cuando los diseñadores comenzaron a crear ropa adaptada a las necesidades de las mujeres. Tan pronto como las mujeres se quitaron los corsés, el corte Imperio se puso de moda. En 1913, Chanel presentó su primera colección, defendiendo la libertad de la mujer. Vionne también cobró gran fuerza durante esta época, argumentando que el vestido debe quedarle a la mujer y no al revés. En 1914 estalló la Primera Guerra Mundial que duró hasta 1918. Esta realidad significó que los hombres se vieron obligados a luchar en guerras y las mujeres asumieron sus puestos de trabajo, obligándolas a reinventarse. Para trabajar más cómodamente, las mujeres empezaron a cortarse el pelo y a usar faldas más cortas, lo que les permitía moverse libremente. El traje típico de la época era un abrigo hasta los tobillos. Debido a la falta de comida, la belleza se convirtió en una mujer bastante delgada y la moda cambio a una ropa que se volvió mucho más cómoda, las formas ahora tenian contornos naturales y no necesitaban corsés. Esto surgió de la necesidad de que las mujeres trabajen debido a la falta de mano de obra en puestos ocupados por hombres. Con el tiempo, las faldas continuaron acortándose hasta la mitad de la pantorrilla. Artistas como Jacques Doucet crearon diseños mucho más simples en algodón debido a su rareza y necesidad en tiempos de guerra. Las mujeres comenzaron a usar uniformes, incluidos monos y pantalones, cuando trabajaban en fábricas de municiones militares.
En 1916, Worth introdujo la moda de noche, demostrando que la moda no había sido completamente olvidada. Después de la guerra, el diseño siguió siendo simple y apareció la forma de "barril". La mujer se calmó, empezó a salir de noche y a vivir una vida más social. Frecuentaban clubes y bares de jazz, donde realizaban actividades antes reservadas a los hombres, como beber y fumar. Las tallas cambiaron y los vestidos de noche comenzaron a usarse con corte a nivel de las caderas, dejando al descubierto los hombros, acortados en longitud y decorados con abalorios, lentejuelas y borlas. Durante la segunda mitad de la década, los zapatos adquirieron cada vez más importancia. Se pusieron de moda los cómodos zapatos de baile de tacón bajo y con tira en el tobillo. El escenario se puso de moda, provocando un cambio radical en el maquillaje de las mujeres: rostros pálidos cubiertos de polvos transparentes, delineador de ojos con lápiz negro y labios oscuros. Las cejas muy finas y semicirculares. Aparecieron marcas de cosméticos como Max Factor y Helena Rubinstein. Con la llegada del cine, la imagen de una adolescente, una chica que sale a bailar por las noches con sus mejores galas, bebe, fuma y conduce coches, adquirió gran importancia. Después de que el tocador desapareciera en 1889, se introdujo en París y luego en todo el mundo, una nueva forma femenina acorde con la forma moderna de pensar sobre la mujer y los principios estéticos del modernismo o Art Nouveau. El cuerpo femenino se consideraba como un juego de curvas y las contracurvas tienden a acentuar las curvas naturales de la mujer. De esta manera, se enfatizan los senos (también conocidos como "pechos de paloma"), creando una curva grande y continua desde la clavícula hasta el abdomen, la cintura se estrecha y estiliza y las caderas se enfatizan, dando a la mujer una apariencia más esbelta, parecida a un
Los primeros modelos de la nueva silueta, creados por el diseñador francés Paul Poiret, parecen haber sido diseñados específicamente para usarse sin corsé. El diseñador consideraba ridículas las mujeres que torturan sus cuerpos para lograr senos con curvas y glúteos prominentes; Para Poiret es importante una buena figura, esbelta y con estilo, por supuesto gracias a la dieta y al ejercicio, no llevando un buen corsé. Sin embargo, el abandono del corsé fue algo demasiado innovador y novedoso para ser simplemente aceptado por la sociedad de la época. Los corsés habian aparecido en la ropa de las mujeres (e incluso de los hombres) desde hacía décadas, y aunque la medicina y la higiene hayan demostrado los efectos desastrosos que tienen en la fisiología, surgió una opinión, a veces apoyada por médicos y científicos, que cree que, en el lado positivo, los corsés permiten mantener una postura correcta y erguida, lo que ayuda a mantener la columna y los músculos de la espalda siempre en buena forma. Sin embargo, fueron cuestiones estéticas más que médicas las que impidieron a las mujeres deshacerse de los corsés, porque este componente de su ropa les ayudaba a ocultar el exceso de peso y la flacidez de la edad. Por ello, para adaptarse a la nueva forma, se empezaron a desarrollar nuevas prendas, mucho más cercanas a las fajas que se usan actualmente que los antiguos corsés, que ayudaban a cubrir el abdomen y el ancho de las caderas sin comprimir ni torcer las caderas ni el resto del cuerpo. Los nuevos corsés comenzaban en el busto, a veces llegaban hasta la mitad del muslo y estaban diseñados sin aros. Algunos incluso comenzaron debajo del busto, lo que llevó al desarrollo de sujetadores modernos que sostienen los senos desde los hombros en lugar de levantarlos desde abajo como un corsé. De todos modos, habría que esperar hasta finales de los años 20 para que este tipo de prendas se hicieran habituales en el armario femenino. El segundo gran cambio es el cambio en el concepto de elaboración de trajes. Gracias al nuevo diseño de Poiret, el vestido de una pieza fue adoptado en Europa. Un traje (antiguamente conocido como "vestido de princesa") que, si bien existió
durante todo el siglo XIX, siempre estuvo reservado a un conjunto compuesto por body y falda, coordinados pero confeccionados de forma independiente. Este cambio no es en absoluto inofensivo y está profundamente relacionado con la paulatina atrofia del corsé. Un vestido tubo te permite levantar la cintura, acercándola al busto y alejándola de las caderas; Gracias a este procedimiento se podría disimular el exceso de peso o una figura flácida. Este truco se ha utilizado muchas veces en la historia de la moda: por ejemplo, en la antigua Roma, era posible atar el sostén de una mujer debajo del pecho para este propósito, ya que no había otras prendas en el armario. La camisa romana podía funcionar como un corsé o cinturón; Esta idea tuvo continuidad en los trajes que se pusieron de moda durante la Revolución Francesa, el Directorio y el Imperio napoleónico, imitando fielmente la estola romana y eliminando la cotilla, una prenda funcional similar en función a los corsés, utilizada durante todo el siglo XVIII. Al crear sus diseños, Poiret se inspiró en la moda imperio y volvió a la idea de elevar la cintura, entre otras cosas para hacer sus diseños accesibles a una amplia gama de mujeres. Otro punto culminante de la moda de la década de 1910 fue la importancia del color. El amarillo brillante que contrasta con el negro de este modelo es una clara prueba de ello. Desde mediados del siglo XIX, el mundo de la moda del color ha experimentado una transformación sin precedentes en la historia, con la introducción de los primeros tintes artificiales. Fue en 1856 cuando el inglés William Henry Perkin, tratando de encontrar una manera de producir artificialmente quinina (un medicamento contra la malaria), descubrió accidentalmente un tinte que daba un color púrpura intenso, se aclara rápidamente y se aclara al mismo tiempo. Así comenzó una carrera entre diferentes laboratorios químicos de Europa para patentar nuevos tintes sintéticos de forma sencilla y económica. El público acepta sin dudar colores nuevos y brillantes. Toda la moda de la segunda mitad del siglo XIX se caracterizó por estos colores brillantes y vivos. Sin embargo, a finales de siglo, la moda cambió de rumbo y prevalecieron los colores ahumados y delicados: azul cielo, marfil, blanco crema, rosa pálido. Los colores vivos casi desaparecieron de la moda moderna. Sin
formas naturales (hojas, flores, frutos) en estampados y aplicaciones, que eran algo abstractas y simplificadas para combinar con los patrones decorativos de telas o vestidos, ahora poco a poco irán apareciendo más motivos geométricos, a veces como referencia, con el mundo natural, y a veces completamente abstracto. Si el modernismo impone como base decorativa una línea curva, que es la forma básica de la naturaleza, entonces comienza una línea recta, forma completamente artificial y por tanto humana y también completamente ligada al mundo clásico para dominar el mundo de la decoración textil y el pavimento en un camino hacia el mundo del Art Déco, que se convirtió en el estilo dominante en la década de 1920. Al abandonar la noción tradicional de la moda europea de que la ropa debe amoldarse a la forma del cuerpo y crear un nuevo sistema decorativo basado en líneas rectas, se abriría una nueva fase en la historia de la moda. El estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 y las enormes consecuencias económicas y sociales que trajo no harían más que acelerar este proceso y cambiar radicalmente el mundo de la moda, y aunque a Poiret no le hubiera gustado responder a las nuevas circunstancias y morir en quiebra en 1944, el concepto de El Cuerpo y la Ropa formaron la base de gran parte de la moda de la primera mitad del siglo XX.
Tema 3. Modistos destacados: Mariano Fortuny /Henriette Negrin y el Delphos. Mariano Fortuny expresó a la perfección el concepto wagneriano de obra de arte total, doctrina que enfatizaba que todos sus inventos eran combinaciones únicas de estilos e influencias culturales de lugares antiguos y remotos, creados utilizando las tecnologías más avanzadas. Aunque era conocido principalmente por su ropa y textiles de moda, también fue pintor, grabador, fotógrafo, escenógrafo, creador de lámparas y muebles eléctricos. Al mismo tiempo, creó una revolución en la iluminación escénica. Entre 1901 y 1934, presentó más de 20 patentes en París, entre ellas un diseño de vestido de Delphos que atribuyó a su esposa y musa Henriette Negren, a quien conoció en la capital francesa en 1902, y un nuevo método de estampación sobre tela que inventó. Después de varios años de viajar por el mundo, entre estudios e inspiración, Fortuny y Madrazo se instaló con 17 años en su residencia familiar en Venecia (Palacio Martinego). Allí, mientras deambulaba por las estancias de este histórico recinto, encontró una serie de textiles antiguos que su familia había conservado durante generaciones. Satén, algodón, sarga, seda y encaje que llevaban décadas esperando en varios baúles han inspirado ahora a un joven creador que ha descubierto un mundo nuevo. Un mundo donde los tejidos se han convertido en materias primas de lujo y su uso en obras de arte. Esta pasión por los textiles se intensificó cuando pasó una temporada en París a principios del siglo XX y conoció a la mujer que se convirtió en su esposa, compañera de viajes y negocios: Belfontaine Henrietta Negren. También le apasionaban los textiles y la creatividad, pero tenía una visión pragmática, por lo que
por el mundo clásico y la transformación de los textiles, crearon un tejido drapeado con un mínimo de costuras, capaz de acentuar la figura sin ejercer presión sobre ella. Es interesante hablar de la Delphosa como una moda o un “nuevo” producto de principios del siglo XX, cuando era una reinterpretación directa y abierta de la túnica romana clásica: las llamadas eran stand. Así lo explicó el propio Fortuny y Madrazo, que quiso revivir este conjunto 2.000 años después de su apogeo. El viaje del creador a Grecia en 1906 fue el primer paso hacia la apuesta por la ropa vintage y la obsesión por copiarla y mejorarla. Utilizando pliegues de la tela, encontró la mejor manera de imitar este tipo de prendas, que cubrían a las mujeres desde el hombro hasta el tobillo, utilizando únicamente la caída de la tela (y las costuras en la punta del brazo). Gracias a esto logró no solo la comodidad de este outfit sino también su corte, transformándolo de una túnica holgada a un traje ceñido y favorecedor al cuerpo. Gracias a ello, el diseño es igual para cada persona (excepto que las mangas pueden ser cortas o largas) pero luce "diferente" para cada persona, adaptándose al cuerpo. Incluso se conocen los métodos, procesos y equipos que utilizaba Mariano (él mismo explicó el proceso de producción, patentándolo en 1909: "Estrujar y retorcer con las manos las tiras de tela mojadas da hasta poder arrugarlas verticalmente, luego realizar movimientos ondulantes horizontales"), la verdad es que el asunto Delphos siempre ha sido una conspiración menor que permaneció sin resolver durante más de cien años. Se sabe cómo se crean los pliegues, pero no se sabe por qué, con los materiales y los avances de los tiempos, la forma de la tela no cambia, sino que permanece igual después de muchas veces de usar la ropa. El vestido Delphos fue creado en 1909, cuando se registró su patente en la Oficina Nacional de Propiedad Industrial de París. La presente invención se refiere a una prenda derivada de la bata clásica, pero diseñada con una forma y un mecanismo que garantizan facilidad de uso y un ajuste
cómodo. La prenda consta de un manto, abierto en la parte superior como en un hastial, la parte inferior, que puede ser ancha o larga, se ensancha o se estrecha de arriba a abajo o en diferentes lugares, dependiendo del aspecto general que quieran darle al vestido. La tela puede ser lisa o plisada; Esta parte es una invención independiente. En cuanto a la máquina, el diseñador menciono que el tablero de la mesa se coloca precisamente de manera que ambos bordes queden parejos, luego se unen a los puntos 2 puntos según sea necesario; el agujero en el medio forma el escote, los dos agujeros laterales son para los brazos, en el medio hay dos agujeros, los bordes se entrelazan. Entre los puntos laterales se cruzan los hilos para ajustar y cambiar la distancia x que define la parte inferior de la manga según la talla y altura de la persona que porta el vestido. Estos hilos están en el interior del vestido por lo que no se ven. La producción de vestidos Delphos se detuvo tras la muerte de Mariano Fortuna en
Paul Poiret y la Casa de Alta Costura moderna. Las ideas de Poiret eran juveniles, quizás inspiradas en la esbelta figura de su esposa y eterna musa Denise Boulet. Sus creaciones contrastaban con los estilos de corsé más tradicionales de la época, por lo que el diseñador se propuso declarar que él sería el responsable de liberar a las mujeres del corsé. Aunque no fue Poiret a quien "se le ocurrió" la idea de abandonar el corsé, se le pueden atribuir muchas contribuciones a la modernización de la moda, especialmente su enfoque innovador en el proceso de diseño y promoción. El diseñador reformuló estilos históricos y exóticos (de la India, Oriente Medio y Europa del Este), combinándolos con la estética del arte contemporáneo y del teatro parisino de su época.
Segunda Guerra Mundial, un período en el que tomó el control un realismo más conservador, liderado por Coco Chanel, prácticamente enterrando la idea romántica, difícil de manejar y poco práctica que representa Poiret. En 1944, el diseñador murió en la pobreza porque no podía mantenerse al día. Tema 4. La Primera Guerra Mundial y su influencia en el vestir. La Primera Guerra Mundial acabó con la forma de vestir. Las mujeres europeas asumieron responsabilidades profesionales y abandonaron la arquitectura artificial típica de la moda del siglo XIX en favor de trajes prácticos y hechos a medida. Durante el período de entreguerras nacieron movimientos artísticos de vanguardia que tuvieron una influencia decisiva en la indumentaria, como el orfismo, el cubismo y el surrealismo. En la década de 1920 se pusieron de moda los vestidos estilo garçonne de líneas rectas que no dejaban al descubierto la cintura. El colapso económico de América del Norte en 1929 sumió a Europa en una profunda crisis económica, iniciando un nuevo ciclo en el que Europa volvió a modas más conservadoras para redefinir su apariencia corporal femenina. Las mujeres dominaron la escena del diseño por primera vez, en particular con nombres como Madeleine Vionnet, Gabrielle Chanel, Jeanne Lanvin, Alix Grès y Elsa Schiaparelli. La industria de la moda se consolidó como un sector importante de la economía nacional y a pesar de las limitaciones en el uso de materias primas, los diseños creados durante los años 1914-1919 fueron modernos e importantes.
Además de vestidos y faldas más cortos, se optó por un outfit informal más deportivo o se introdujeron los bolsos como elemento popular. Continuó la idea de espacio y comodidad, iniciada por la modernidad y alimentada por la necesidad de que más mujeres trabajaran para reemplazar a los hombres en el combate. La ropa debía permitir una mayor libertad de movimiento y el diseño práctico debe aportar sofisticación. Durante esos años, la aún desconocida Coco Chanel marcó su estilo. La nueva longitud de falda también es adecuada para prendas entalladas y sin adornos, lo que naturalmente amplía la oferta a adultos más sensibles que las muñecas de salón. Sin saberlo, Paul Poiret proporcionó a las mujeres el vestuario de una mujer liberada: ropa deportiva monocromática para cualquier momento del día. Esta tendencia también representa una cierta ideología democrática. A primera vista, resulta difícil distinguir entre una mujer elegante que gasta mucho dinero en su traje a medida, una trabajadora que lo copia a las celebridades de la moda, o una burguesía que lo compra en unos grandes almacenes. La guerra también propició la aparición de un gran número de jerseys hechos a mano. Las revistas femeninas publicaron patrones de tejido para soldados, las mujeres abandonaron el bordado en favor de tejer y coser chándales, calcetines, boinas y el chaleco que se abrocha por delante. Poco a poco empezaron a utilizarlos, gracias a su fácil cuidado y preparación. El género de punto, que supuso una revolución en la indumentaria infantil, también entró en el mundo de la moda, principalmente gracias a las creaciones de Gabrielle Chanel, que en aquella época abría una casa de moda de alta gama en París. Una mujer que ganaba dinero en esa época, con su nuevo trabajo, pensaba que era mejor gastarlo en su apariencia, porque la competencia para encontrar novio era enorme. Pero la imagen que presentaba es andrógina. Los senos, las nalgas y los abdominales prominentes estaban completamente pasados de moda. El ajetreado estilo de vida que llevaban, tanto en el trabajo como en su tiempo libre, fue la mejor manera de perder peso. Y para las mujeres cuya figura esbelta no significaba que no tuvieran curvas, había nuevos tirantes elásticos que realzaban
La tela continuó la evolución que comenzó el siglo pasado hacia la ligereza. En la década de 1920, las prendas de punto se hicieron populares como ropa deportiva, incluidos los trajes de baño, y las crepes adornadas con perlas y lentejuelas se hicieron populares para el uso diario y de noche. El tejido de tafetán desaparece casi en su totalidad. Pero aparece el rayón, un estilo artificial de seda, cuya producción aumentó rápidamente. Además, con los avances en el curtido y teñido del cuero, se empezaron a confeccionar telas, especialmente para prendas de abrigo. Como los vestidos eran ligeros y transparentes, sin bolsillos, un bolso de mano era imprescindible. Es una malla decorada con perlas y abalorios, montada sobre un marco con una hebilla de metal y colgada de una cadena. Su éxito continuó hasta
- Atrás quedaron los viejos peinados complicados y los sombreros gigantes que eran difíciles de mantener sobre una cabeza casi inmóvil. Ahora, con el dinamismo de la vida, el trabajo, la moda del baile, el Charleston, se impone el pelo corto con un peinado que no requiere cuidados especiales y un sombrero que se convierte en un gorro grueso que cubre el pelo y se pega fácilmente a la cabeza. El uso de estas prendas se hace necesario. Los zapatos no dejan ver mucho porque se pueden perder al bailar, por lo que también se atan con una correa alrededor del tobillo. Sonia Delaunay: el arte de vanguardia que sale del lienzo. Sonia Delaunay-Terk, fue junto con su marido Robert Delaunay una de las principales responsables del orfismo, este colorido cubismo. Pero Sonya abandonó las bellas artes y aplicó esta dirección a otras industrias como el diseño de moda, libros, textiles. “Cuando el arte está inmerso en ti, puede estar en todas partes”, afirmó esta artista cuando le preguntaron por sus proyectos, obras creadas muy alejadas de la moda y en las que el color tiene un poder especial. Los propietarios de los grandes almacenes de lujo Metz & Co hicieron de Delaunay el referente del diseño de vanguardia en Francia. Exploró varios accesorios y técnicas y descubrió una nueva forma de expresión de la moda con la sencilla manta de bebé que hizo para su hijo Charles en 1910. La manta estaba hecha de piezas, con patrones que se parecen mucho a las colchas
de retazos moderna y gracias a ello quiso continuar las tradiciones de las madres ucranianas. A partir de ese momento, Sonia empezó a expresar su arte en todos los soportes, y su obra, inicialmente figurativa y muy cercana al fauvismo, dio un giro hacia la abstracción estatuaria. De 1910 a 1912, Robert y Sonia Delaunay comenzaron a experimentar con dibujos, líneas y combinaciones de colores en su trabajo, que los llevará a la abstracción. Esta nueva forma de color constructivo y dinámico, este color en constante movimiento, algunos artistas lo describirían como simultaneismo, y Sonya lo llevaría más allá de los límites de la pintura, hacia nuevos medios, nuevos espacios y técnicas que estarán directamente relacionados con los nuevos problemas de la sociedad de esa época; con la moda, el diseño de automóviles, la publicidad, pero también la poesía, el teatro y otras formas de expresión artística, tanto artística como visual. Asimismo, introducirían el término "Orfismo" en la historia del arte con el fin de explicar y delimitar claramente lo que estaban haciendo. con colores en comparación con el experimento de rayos ruso. Olga Sakharova también llegó a España tras el inicio de la primera gran guerra. Sus textiles que representan animales y ambientes paradisiacos tuvieron una influencia decisiva en la obra de Delaunay, en su teoría del color y en la armonía cromática de los tejidos y patrones textiles. La inspiración de Sonia Delaunay se centrará en la fórmula: "El progreso son coches y moda". Desde el conocimiento de la pintura abstracta, desde el uso del color como principal elemento creativo, por ellos pasan formas y movimientos y luz; desde el principio que no puede haber ni horizontal ni vertical, porque la luz lo destruye todo y la luz y el color por un lado deben aparecer, y las formas, es decir, las imágenes, por el otro, deben crearse. Durante los años 1913-1914, este artista creó ropa y otros objetos a partir de telas coloridas y trajes hechos de diversos materiales, cosidos según las tradiciones eslavas, en total conformidad con el contexto de oposición a la pintura abstracta al
