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MOVIMIENTOS ARTISTICOS CONTEMPORANEOS

(UCM)

ALGUNA OBRAS PARA EXÁMEN

IZQUIERDO, VIOLETA 16-

“IMPRESIÓN, SOL NACIENTE” – MONET (1872)

En esta obra, el dibujo no está definido, sus contornos son imprecisos. Realiza pequeñas pinceladas consecutivas. En la parte superior trazos en oblicuo y horizontal. Contraste, da la sensación de espontaneidad, destreza, rapidez. No son cuadros laboriosos. La espontaneidad es decisiva. Insinúa los objetos, sombras de figuras humanas, reflejo de la barca sobre el agua con pequeñas manchas. Expresa mucho con pocos medios. La luz de la luna se refleja sobre el agua. Hace que podamos ver dos campos, el cielo y el agua gracias a un objeto colocado en la parte superior. “EL BAR DE FOLIES BERGÈRE” – MANET (1881-1882)

obra emblemática del arte contemporáneo. En esta obra va a llevar su máxima expresión de reflejar la vida moderna. Por un lado lo que está en el espejo, que es el suceso efímero, y por otra la figura que tenemos en frente nos muestra lo eterno que se esconde tras las apariencias cambiantes. El espejo podría ser el reflejo mismo de nuestro mundo.

“CAMINO, SOL DE INVIERNO Y NIEVE” – PISARRO (1870)

sombras azuladas que no rompen con el negro de la sombra tradicional. Se puede percibir la vibración de la luz y del propio color. Este cuadro es uno de los 22 que pintó en Louveciennes , donde buscaba estudiar los efectos de la luz, las diferentes épocas del año y el movimiento de la carretera en Versalles.

“LA ESTRELLA” – DEGAS (1876-1877)

interesante por el punto de vista y la singularidad. Individualidad de una bailarina que ocupa todo el cuadro, y donde las demás bailarinas se difuminan en el escenario. Técnicas algodonosas para transmitir el encaje, la tela del vestuario del artista.

“PASTORA DESNUDA” – BERTHE

MORISOT (1891)

muy conocida. Alegoría de la técnica impresionista. El fondo es un alarde de dominio técnico con todas las técnicas impresionistas posibles (pinceladas oblicuas, semicirculares, pequeñas, horizontales, en forma de pluma, etc). La figura desnuda pierde su papel de pastora para convertirse en una especie de ninfa.

“LA PEQUEÑA BAILARINA DE 14 AÑOS” – DEGAS (1881)

obra cumbre de la escultura contemporánea. Captación del movimiento, del gesto, del instante que resume una actuación. Degas atavió con gran autenticidad a la figura de cera policromada con un tutú de gasa verdosa que da sensación de metal, una cinta de pelo de seda amarillo claro y unas zapatillas de satén. Se llegó a decir de esta escultura que bajo la aparente inocencia del rostro de una niña de 14 años se encontraba el germen del vicio, semilla del mal, un vicio que iba a desarrollar con su madurez. Aparte, el rostro de la niña es simiesco.

“LAS GRANDES BAÑISTAS” – PAUL

CÉZANNE (1906)

Ces un tema recurrente en la Historia del Arte. Estas mujeres tienen un tratamiento sensual pero no erótico. Se trata de fusionar y crear sensualidad con respecto a ellas mezclado con la naturaleza y directa con el entorno. Cuerpos semiblanquecinos sin acabar. La luminosidad es mucho más resplandeciente y los tonos más claros, con un efecto de luz de mediodía, debido seguramente a la imprimación blanca del lienzo que no recubrió Cézanne de modo regular con los colores. Por ello, transmite una sensación de mayor frescura, como en “plein air”. “RETRATO DE UN CAMPESINO” – PAUL CEZANNE (1901)

es un personaje estereotipo. Investiga los aspectos de la descomposición del cuadro. Fusión con el entorno. El campesino se mimetización el fondo.

Cézanne no concebía ya el retrato de manera tradicional y esta serie de personajes anónimos con vestimenta azul propia de los campesinos de la región plasma, más que individualidades, imágenes de un hombre totalmente absorbido por su entorno y en paz con él.

“MATAMUA” – GAUGUIN (1892)

es una síntesis de todo lo que él nos quiere mostrar de este nuevo paraíso en el que se encuentra. Nos muestra una composición bastante marcada en la que el árbol es el elemento centro de ella. Gaunguin va a Tahiti buscando ese primitivismo social, pero al llegar ve que la colonización francesa ha causado factura y que la religión y símbolos locales se han ido perdiendo. El mediante la lectura el aprendizaje de la cultura local, trata de expresar en su pintura ese Thaiti primitivo.

“EL CRISTO AMARILLO” – GAUGUIN (1889)

lo muestra como un símbolo de la religiosidad del ambiente donde se encuentra ubicado. Es muy conocido ya que lo que hace es representar estos hitos culturales religiosos que están por Bretaña, pero él los transforma de color. Hace bretonas debajo que podían ser María Magdalena, la Virgen, pero no tienen rostro porque nos intenta transmitir su religiosidad.

“EN RAT MORT” – TOULOUSE LAUTREC (1900 )

en primer plano, al lado de un caballero muy someramente expuesto, cuyo perfil está cortado por los bordes, está sentada en un elegante local una dama toda acicalada a una mesa puesta detrás de una naturaleza con frutas. La apariencia de muñeca de la mujer parecía parte integrante de este adorno frutal, así como el amarillo de su cara es del mismo color que el de la pera del frutero.

“DANZA EN EL MOULIN ROUGE, ENSAYO DE VALENTIN CON LAS NUEVAS” –

TOULOUSE LAUTREC (1889-1890)

[NO VEO INFO]

“EN EL MOULIN ROUGE” – TOULOUSE LAUTREC (1892-1895)

[NO INFO]

“MI CUARTO EN ARLÉS” – VAN GOGH (1888)

intenta reflejar su tranquilidad, pero aun así no lo consigue del todo, ya que la perspectiva de la habitación tiene unas paredes oblicuas con una sensación de movimiento que transmite inestabilidad. Los cuadros colgados son de él mismo. Uso intenso de los colores primarios. Es una obra que tiene tres reproducciones distintas, con pequeñas variaciones sobre el decorado y el tamaño de los cuadros. Busca equilibrar cada color con su complementario, las tintas cálidas con las frías, para sugerir reposo o sueño, para descansar la cabeza o más bien la imaginación. Aunque transmite más bien la ansiedad del pintor.

“LA NOCHE ESTRELLADA” – VAN GOGH

Es de destacar el tratamiento de la luz de las estrellas como puntas de luz envueltas en un halo luminoso a su alrededor, obtenido con una de las pinceladas más personales de la historia de la pintura: un trazo a base de espirales que dominan el cielo y los cipreses de primer plano, tomando como inspiración a Seurat y la estampa japonesa. Al fondo se aprecia la silueta de un pueblo con la larga aguja de la torre de la iglesia presidiendo el conjunto. Las líneas del contorno de los edificios están marcadas con gruesos trazos de tonos oscuros, igual que las montañas que recuerdan la técnica del cloisonismo empleada por Gauguin y Bernard. Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista, aunque da la impresión de predecir la grave recaída que tendrá Vincent en el mes de julio. Quiere conseguir una fusión del hombre con el cosmos, acercarse a lo sobrenatural. Los astros consiguen transmitir esa sensación de luz intensa que provoca una sensación de emocionalidad en el espectador. “TERRAZA DEL CAFÉ DE LA PLACE DU FORUM ARLÉS POR LA NOCHE” – VAN GOGH (1888)

el bar y los locales nocturnos eran uno de los temas tópicos de la pintura impresionista y puntillista como lugar de encuentro y de la “vida moderna”. El pintor se interesa por mostrar con detalle la terraza empleando una pincelada suelta, sin dar minuciosidad, pero sin saltarse los detalles. La zona de los adoquines está pintada empleando pequeños toques de pincel en forma de oruga, que caracterizarán buena parte de su obra. Las sombras de la luz de gas son moradas, recordando al impresionismo en sus conceptos lumínicos. Su obsesión por representar la oscuridad de la noche al natural sin utilizar el negro encuentra expresión en unas las luminosas estrellas que en el cielo

Estas piezas de mobiliario urbano comparten muchas similitudes con la arquitectura del Art Nouveau, como lo es la utilización del hierro y el vidrio conjuntamente, además de las formas orgánicas que hacen referencia a elementos vegetales o incluso animales. Guimard incluye el hierro, las líneas y una decoración distinta para cada estación. En una incorpora tallos nervados y motivos florales; en otra, mástiles o un faro disimulado.

“LA SAGRADA FAMILIA” – ANTONIO GAUDÍ (1882)

se trata de un espacio continuo, como el propio cuerpo místico de la Iglesia. Los planos de la fachada se transforman en volúmenes y espacios arquitectónicos válidos en sí mismos. Son espacios posibles gracias a una estructura autoportante que contrarresta la falta de soportes laterales y contrafuertes, formado por columnas inclinadas en función del peso que gravita sobre ellas. Está dividida en 3 fachadas: la del nacimiento, la de la pasión y la de la gloria. A su vez la fachada del nacimiento está dividida en 3 pórticos: el de la caridad, el de la esperanza y el de la fe. La segunda fachada comenzó a construirse en 1952 con los planos que había dejado Gaudí.

“LA CASA DE LAS MAYÓLICAS” – OTTO WAGNER (1894)

fue revestida por completo de azulejos de cerámica coloreados y con una ornamentación floral-vegetal; una contundente prueba de que era posible unir el ornamento y la arquitectura. La decoración es excesiva, ya que la fachada está completamente decorada con flores rosas.

Le encargan la decoración artística de toda la ciudad, puentes, acueductos, entradas de metro. La estética va a ser la utilización del vidrio combinado con el hierro verde.

“EDIFICIO DE LA SEZESSION” –

JOSEPH MARIA OLBRICH (1898)

icono dentro del movimiento, edificio que comprende las residencias de los artistas, y a la vez sirve como sala de exposiciones. Hecho a base de formas volumétricas, dos cuadrados, que a su vez tienen una forma cúbica que se remata con una esfera, cuya superficie es blanca. La cúpula de flores, está colocada en la superficie superior, hecha con formas vegetales. La fachada principal presenta a los lados de la escalinata central, dos volúmenes macizos en los que apoyan dos de los cuatro pilares que recogen la cúpula que cubre el atrio de la entrada. Esta, realizada con una estructura de hierro, lleva en su superficie exterior un revestimiento formado por un abundante follaje dorado. “EL ÁRBOL DE LA VIDA” – GUSTAV KLIMT (1909)

Interpretado también como el Árbol de la ciencia. En la parte superior se aprecia un rectángulo blanco, con un rectángulo negro de manera transversal y una doble lista vertical que podría ser interpretada como un rostro humano. El resto de los elementos decorativos que conforman la figura formarían el traje, mostrando así un cuerpo vestido, absolutamente geométrido. Alrededor nos encontramos con una serie de motivos circulares y rectangulares que también aparecen en El beso, siendo interpretados por algunos estudiosos como símbolos femeninos y masculinos, respectivamente, por lo que podríamos encontrarnos ante una nueva representación de carácter sexual. Es una alegoría a la sabiduría de la naturaleza, un símbolo que recoge el morir de la vegetación y el nacer de las estaciones del año. La muerte también esta presenta en forma de un pájaro negro, según el ciclo de la vida que tanto le gusta transmitir a Klimt. A un lado del árbol, baila una muchacha, que es La expectación, con un peinado y estilo muy oriental. A otro lado, una pareja se abraza, La satisfacción, pacifico símbolo de la felicidad y alegría por vivir. “EL BESO” – GUSTAV KLIMT (1907-1908)

en esta obra podemos presencia la experiencia amorosa idealizada. La mujer es la

protagonista en este cuadro, del hombre apneas podemos ver nada, salvo el rostro. El fondo es neutro, en el que destaca la peana floral. Usa formas diferentes para cada sexo, a la mujer le corresponden los círculos y las formas curvas, mientras que al hombre lo ortogonal. Las figuras de los amantes están representadas ante un fondo dorado que enlaza con los iconos bizantinos y rusos. La pareja se abraza ante un reducido prado repleto de flores, siendo difícil de interpretar si están de rodillas o de pie. Ese prado finaliza de forma brusca, como si el pinto quisiera situar a los amantes al borde del precipicio. La pareja se enmarca también con una aureola dorada, vistiendo ambas figuras de ese color. El ceñido vestido nos presenta claramente las formas femeninas, dejando ver piernas, hombros y brazos, sujetándose la joven con los dedos de los pies para evitar el precipicio. Su cabeza presenta una escorzada postura, inclinada hacia atrás y vuelta de lado, mirando hacia la perspectiva del espectador. El hombre también presenta una escorzada postura, sujetando con sus manos la cabeza de la amada dejando ver solo la cabeza coronada de flores. “DANAE” – GUSTAVE KLIMT (1907-1908)

es una interpretación del mito de Dánae siendo fecundada por Zeus en forma de lluvia dorada, de donde nacerá Perseo. Esta obra tiene una carga sexual muy explícita. Se presenta a una mujer en pose fetal y con una expresión de alcanzar el orgasmo.

“JUDITH” – GUSTAV KLIMT (1901)

es un ejemplo del arquetipo de mujer fatal de Klimt, la expresión de éxtasis de Judith, con la cabeza de su enemigo en la mano, al que ha seducido para decapitarlo. Refleja la ambigüedad de la mujer, fuerte, liberadora, sensual y al mismo tiempo, amenaza, mujer fatal y misteriosa.

“PARQUE GÜELL” – ANTONI GAUDÍ (1900-1914)

residencia dedicada a artistas. El acceso al parque presenta una estructura alegórica de gran simbolismo donde, dentro de los parámetros conceptuales que compartían Gaudí y el conde Güell, centrados en el catalanismo político y en la religión católica, se presenta la urbanización como una alegoría que representa lo más elevado del mundo terrenal y espiritual, con referencias tanto al avance de la industria y el desarrollo de la burguesía como a la cultura de tradición clásica grecorromana y, especialmente y por encima de todo, la presencia de la religión. El punto central del parque lo constituye una inmensa plaza de forma oval. Su borde sirve de banco y ondula como una serpiente. Está recubierto de pequeñas piezas de cerámica y cristal, obra de Josep Maria Jujol, con una de las técnicas preferidas del arquitecto, el trencadís. En su parte exterior contiene un friso cubierto de gárgolas para desaguar la lluvia, así como pequeñas figuras en forma de gota de agua. El trencadís se construyó con materiales de desecho, baldosas, botellas y trozos de vajilla. Predominan los colores azul, verde y amarillo, que para Gaudí simbolizaban la Fe, la Esperanza y la Caridad.

“EL BESO” – AUGUSTE RODIN (1886)

es una escultura en mármol, deriva de la Puerta del Infierno, y está inspirada en los amores de Paolo y Francesca. Esta obra permite apreciar dos características que distinguen las composiciones de Rodin. Rechaza el punto de vista único, en esta obra hay una multiplicidad de puntos de vistas que se ve facilitada por sus numerosas investigaciones respecto al potencial expresivo del cuerpo humano. Es una escultura de bulto redondo por lo que hay que ver la obra desde todas sus perspectivas posibles. Rodin concibe la escultura como materia, como masa plástica que recibe la

tendidos de la joven suplicante, en la segunda versión. Los drapeados atormentados, las sombras violentas aproximan esta segunda versión de la estética del "Art nouveau". “LA OLA” O “LAS BAÑISTAS” – CAMILLE CLAUDEL (1897-1903)

Fue realizada en gran parte por la mano de Camille Claudel. Las tres pequeñas mujeres en bronce, idénticas, se arrodillan antes de ver cómo se aplastaba encima de ellas la enorme ola de mármol-ónice que les domina. Podemos ver en ella una imagen del destino, como en otras obras del artista, de dicha época.

“EL VALS” – CAMILLE CLAUDEL (1895-1905)

Los personajes de Claudel no miran ni al espectador ni a su compañero. No se miran con deseo, bailan con los ojos cerrados al amor. En esta obra se aprecia la gran calidad técnica que tiene con el mármol.

“ADÁN Y EVA” – CONSTANTIN BRANCUSI (1912)

Es su mejor pieza en madera en donde se acusan las tensiones entre sus dos maneras.

Se trata de una obra compleja, realizada en varios tiempos y por separado. Adán se encuentra en la parte inferior de una nueva pieza sobre la que recaerá el peso de la pareja, estableciendo así un contacto simbólico con la tierra. Sus angulaciones, simplificación y formas dentadas son de ascendencia africana, pero su interpretación no es para nada literal y más sutil que la de los cubistas y expresionistas. Mientras en la base inferior es de piedra, entre ambas figuras se interpone un bloque rectangular de madera sobre el que se apoya Eva, que la coloca en el contexto inédito de la pareja en el paraíso. De ascendencia igualmente africana ahora es transfigurada a través de un elevado grado de abstracción. “EL BESO” – CONSTANTIN BRANCUSI (1908)

Brancusi logra la síntesis de los cuerpos y el bloque en el que están esculpidos. Son dos figuras abrazadas, que se besan. La unión entre ambas es completa. En la cara destacan los ojos, casi simétricos y la boca que es la misma para los dos. El pelo es un movimiento de las líneas paralelas onduladas, los brazos están pegados a las figuras y el cuerpo solamente es insinuado por la línea que los divide y los une, la misma para ambas. La textura es tosca, evita el pulido para evidenciar la talla directa y los instrumentos empleados. Tiene una fuerte influencia del primitivismo en el modo de representar los ojos, la incisión del cuerpo, el cabello ondulado, los brazos. En esta obra no hay elementos anecdóticos o narrativos, ni tampoco hay sentimiento. Brancusi no intenta mostrar el aspecto sentimental de ese beso, ni la dulzura amorosa, ni la pasión de los amantes. No percibimos ni la fisionomía de los amantes, ni su sexualidad, ni la tensión de sus cuerpos. Se fundamenta en componentes escultóricos, en aspectos que pertenecen a la propia naturaleza de la escultura como son el volumen, la masa, la textura y la sencillez compositiva. En el beso se aprecia la búsqueda de la esencia y la simplificación de la forma.

“MAIASTRA” – CONSTANTIN BRANCUSI (1910-1912)

Es una pieza sencilla que consta de tres partes. Un soporte con figuras a modo de cariátides, un bloque geométrico y una figura de pájaro. Juega con el contraste de las figuras inferiores que son toscas y primitivas, con respecto al pájaro superior que es compacto, pulido y dinámico. Maiastra irá estabilizando hasta convertirse en el pájaro, investigando la esencia del vuelo.

“LA CATEDRAL” – AUGUSTE RODIN (1908)

Un par de manos se alzan algo separadas hasta encontrarse por medio de los dedos, ligeramente curvados, como influencia de Miguel Ángel. El instrumento de su poder creador fueron las manos, y, más en concreto, los dedos. Sus audaces, intuitivos y libres dedos, llenos de poderosa energía y vitalidad.

Las manos en tanto que fragmento escultórico válido en sí mismo, veía un instrumento de poder creativo.

“AUTORRETRATO CON MASCARAS” – JAMES ENSOR (1899)

Se representa en el centro rodeado de masa. La necesidad de escapar a la existencia cotidiana, refugiándose en el juego, hizo que Ensor se volviera hacia las máscaras, empleándolas como uno de sus principales medios de expresión.

Cuando Ensor se autorretrató con sus maliciosos ojos que miran fríos y escrutadores al observador, no sólo se adorna con un sombrero de fantasía, sino que aparece rodeado e incluso asediado por toda una jauría de máscaras. Ensor había tomado el autorretrato de Rubens como modelo para representarse con un sombrero decorado de flores.

“ESQUELETOS DISPUTANDOSE EL CADAVER DE UN AHORCADO” – JAMES ENSOR (1891)

Representa a tres mujeres que habían pertenecido a la vida del personaje ahorcado. La figura de la izquierda está cubierta con una capa de ricos bordados, que cubre un largo vestido: es una dama. Su adversaria, con el sombrero de plumas, una chaqueta pseudo-militar y los botines de charol es una chica de vida alegre. La vencida, con la chaqueta de algodón y las faldas a rayas, es una empleada doméstica. Las tres figuras pueden ser la esposa, la amante y la criada del ajusticiado, unido por multitud de hilos a la barra que utiliza la esposa como vara: en vida, el muerto fue una marioneta de la mujer. El letrero CIVET (nombre de un guiso) hace referencia a que va a ser comido. Por los dos lados entran a la estancia máscaras ávidas, encarnación de groseras pasiones. Este cuadro es expresión de la misoginia de Ensor, su horror frente al matrimonio y su idea de que la humanidad es una horda de zafios individuos.

“LA ENTRADA DE CRISTO EN BRUSELAS” – JAMES ENSOR (1889)

Lo representa casi como una mofa carnavalesca. Vemos a Cristo en el centro, montado en un burro, y las personas están escondidas detrás de máscaras: es la humanidad que se esconde detrás de sus vicios. Eso contrasta con algunos aspectos de carácter social. Son un amasijo de figuras que se mezclan y crean una masa que se ríe de la llegada de Cristo. Bufones, beatas, putas, soldados, máscaras, esqueletos… pueblan este gran lienzo en un ambiente de excitación carnavalesca de feria y de barracón, que rodea a Cristo montado en el asno y en el que él mismo se funde como un personaje más. Pero lo que da al cuadro una crepitante energía satírica no es sólo ésta parada irreverente de la sociedad, sino, junto a esto y como

“EL TALISMAN” – PAUL SÉRUSIER (1888)

Esta obra es uno de los grandes cuadros precedentes del arte contemporáneo. Es la ribera del río a través de su conciencia. De impacto parece un conjunto de manchas sin más, pero si nos fijamos van apareciendo las figuras. Son grandes masas de color contrastadas con colores chillones a igual que el cloisionismo. Sigue siendo una pintura realista. Es el inicio para intentar cambiar la mimesis del arte. Cuando va a París sus amigos se quedan impactados con esta obra y empiezan a hacer cosas así. Es importante su llegada a Pont-Ave el verano de 1888. Allí frecuenta a Gauguin y sigue sus consejos.

“LA CORONA DE MARGARITAS” – MAURICE DENIS (1905)

Esta obra refleja el paso de la niñez a la mujer. Utiliza la técnica del puntillismo en el trabajo del vestido. La niña se inspira probablemente en su hija. La escena que protagoniza, espontánea y a la vez revestida con la solemnidad de una ceremonia simbólica, plasma perfectamente la concepción que Denis tenía del arte como santificación de la naturaleza. La corona de flores que da título al cuadro, es un motivo frecuente en la pintura de Denis, asociado siempre a las figuras de jóvenes doncellas.

“LA SIESTA” – PIERRE BONNARD (1900)

Bonnard pone el acento en la representación de un universo intimista con este desnudo de una mujer en el momento de la siesta. Recoge así un aspecto de la vida cotidiana, característico de su pintura, como la presencia del interior de una casa. Es llamativo el juego de luz y sombra que enfatiza en el cuerpo femenino, así como el uso de la línea que aporta ese aire despreocupado y natural en la posición que presenta la mujer, totalmente ajena al hecho de que sea retratada.

“MADAME MATISSE” O “LA RAYA VERDE” – HENRI MATISSE (1905)

Construcción pictórica. Construye la nariz a través de una raya verde. El rostro se compone a base de manchas de color. Se convierte en un hito de un cambio radical de la estética. lo más importante de la composición es el juego de líneas y de colores que definen el retrato, líneas que marcan el límite de las formas de la cara y el vestido, y colores poco mezclados, dibujados con aparente falta de orden, y con falta de sentido común en la aplicación. El rostro se configura en torno a una línea verde que sustituye la nariz de la retratada. La zona de la nariz y la boca roza lo monstruoso, la belleza se ha perdido. Esta obra va a ser un icono del mundo del arte por el rechazo que genera en su época. Sirve para abrir nuevos caminos al arte. “HABITACIÓN ROJA” – HENRI MATISSE (1905)

Su técnica simplifica y trata los colores de forma plana. Color saturado, utilización de la unificación del tono, todo está bañado de rojo. Las sillas y ventanas, están muy bien perfiladas y dibujadas, así como muchos objetos que componen la obra. Excesivo gusto por el recargamiento de la escena. Hay todo tipo de elementos, que incluso bañan las paredes. Utiliza la ventana que nos provoca sensación de profundidad y nos da una sucesión de planos. En el primer plano la mesa, tiene un mantel con flores y sobre la mesa se posan distintos elementos que forman una especie de bodegón. En un segundo plano, la figura femenina que se funde con el color del fondo, igual al mantel, continuidad del primer plano y segundo. “LA DANZA” – HENRI MATISSE (1910)

Es una obra emblemática que se utiliza como recurso para emitir el concepto de la danza. Pocos colores, pero con gran expresividad en los movimientos, consigue captar la alegoría de la danza. Las manos se unen en los distintos cuerpos, que estos nos remiten a la esencia del cuadro, la danza. Las bailarinas aparecen pintadas en colores

planos sobre un fondo también plano compuesto por una mezcla de azul y verde. Las bailarinas forman un motivo circular de rítmico movimiento que abarca todo el lienzo.

“LUJO, CALMA Y VOLUPTUOSIDAD” – HENRI MATISSE (1904)

Hace un homenaje a un poema de Bodelaire. Es un cuadro en el que sigue el neoimpresionismo, concretamente en el ejemplo de Signac, acercándose al divisionismo. La pincelada es de toque ancho y rectangular. Hay un uso intenso del color, mezcla de colores primarios y secundarios. Presenta una idea muy clara del hedonismo, la satisfacción de vivir tranquilos y disfrutar de la vida, el gusto de compartir con la naturaleza un espacio que identifica con el ámbito mediterráneo. Las mujeres que aparecen desnudas en distintas posiciones están en situación de disfrute y contemplación de la naturaleza. Técnica puntillista. “PUERTO DE COLLIOURE” – ANDRE DERAIN (1905)

Hecha con la técnica del puntillismo. Hecha en Coulliore, donde Derain conoce a Matisse y donde se ve influenciado tanto por el personaje como por el movimiento que estaba comenzando.

“LAS DOS BARCAZAS” – ANDRE DERAIN (1905)

inspirada en Van Gogh. Perspectiva alta, buscando un enfoque diferente como Degas, con un color mucho más poderoso. Colores amarillos y verdosos del agua transmiten la irrealidad.

“RESTAURANT DE LA MACHINE A BOUGIVAL” – MAURICE DE VLAMINCK

intensidad cromática que hace difícil la asimilación con un paisaje natural. Era el más violento de los Fauves. Su lugar de residencia constituía su universo y le proporcionaban suficientes motivos para crear sus paisajes incandescentes.

“LOS ÁRBOLES ROJOS” – MAURICE DE VLAMINCK (1906)

Juego con los colores complementarios. La superficie de la tela queda fragmentada por el equilibrado reparto de las verticales rojas y amarillas de los troncos proyectados hacia delante y sólidamente en el murete de su base. Gusto por la intensidad. Cromatismo extremo, provocación absoluta.

“14 DE JULIO EN LE HAVRE” – ALBERT MARQUET

Toma el asunto de la obra inacaba de Van Gogh, y donde también se hace latente la huella del Impresionismo en el que da uso de la luz y la sensación del movimiento de las banderas y adornos de la calle, pero aplicando una gama más amplia de colores y contrastes.

los reflejos y las transparencias proporcionan una desintegración de la escena, así como una simultaneidad y las diferentes perspectivas donde todo, queda fusionado a los ojos del transeúnte. Los colores se vuelven más intensos y provocativos, la síntesis entre la luz y el color es ambiciosa.

Se centra en el mundo de los jardines y los escaparates de la gran ciudad, convirtiéndolos en iconos de la ciudad. “SIN TITULO” – KANDINSKY (1910)

Considerada la primera obra abstracta, es una abstracción directa. Colores y líneas distribuidos en la obra de una forma arbitraria. Con las formas y el color crea algo que a él le puede transmitir alguna emoción. Ilustra el camino más directo y arriesgado, en el que se pone al descubierto su inclinación personal por las formas abstractas. Sus propias obras se inscriben en el reino inagotable de lo posible como constelaciones pictóricas.

“AUTORRETRATO TIRÁNDOSE DE LA MEJILLA” – EGON SCHIELE (1910)

Una de las poses favoritas del pintor para representarse era medio cuerpo y con las manos en primer plano. Lo demuestra en los múltiples autorretratos, tanto pictóricos como fotográficos. Las manos eran la herramienta y tenía tanto protagonismo como el artista.

“GRANDES CABALLOS AZULES” – FRANZ

MARC (1911)

composición con formas redondeas que se mezclan con el paisaje y entrelazados de un modo casi circular. Abandono de la profundidad espacial naturalista, así como una sustitución de los tonos locales por la fuerza expresiva y simbólica del azul, amarillo o del rojo. Los caballos se vuelven un tanto irreales y se transfiguran a través de unos colores cada vez más puros. Pintura antinaturalista. Busca transmitir una fuerza mayor con los colores. “EL ABRAZO” – EGON SCHIELE (1917)

Posiblemente sea esta, una de las telas más apreciadas y divulgadas del pintor. Pocos artistas han sabido dotar de tanta ternura y pasión a dos amantes. En esta obra, Schiele supera abiertamente a su maestro Klimt. Nada es decorativo. Los cuerpos yacen en una modesta sábana blanca y transmiten los sentimientos del momento.

“LAS SEÑORITAS DE AVIGNON” – PABLO PICASSO (1907)

Esta será una obra maestra de Picasso porque marca un antes y un después en la historia del arte. Se convierte en el punto de partida del arte contemporáneo. Hay toda una serie de influencias anteriores, estas mujeres salen de una serie de trabajos como Las bañistas de Cezanne, o La alegría de vivir de Matisse. Todo esta violentamente geometrizado, a base de triángulos, con agudos esquinamientos y no es fácil determinar en todos los casos los límites entre l fondo y las figuras.

La escena tiene lugar en el interior de un prostíbulo; esto no se deduce mirando simplemente el cuadro sino por el conocimiento que se tiene de la historia de esta obra desde que Picasso la mostró en privado a un grupo de amigos. Aparecen cinco mujeres desnudas y en el centro, en la zona de abajo se muestra un bodegón compuesto por algunas frutas. De las cinco mujeres hay tres que tienen unas caras especiales, como si en realidad fueran máscaras pintadas sobre el rostro. Los colores oscilan entre el rosa, ocre, azul y blanco.

“NATURALEZA MUERTA CON SILLA DE REJILLA”

– PABLO PICASSO (1912)

en esta obra de Picasso estamos viendo un cuadro sintético, por las letras, por las texturas, la forma ovalada, recortables. Es un collage. Lo que hace Picasso es recortar un hule donde tiene reproducido ese dibujo y lo pega. Y la soga de alrededor es una soga real, es un movimiento completamente extra pictórico. Concibe a la hora de explicarla de dos maneras. La parte superior es una descomposición a la manera cubista pero donde introduce elementos propios de esta fase como es la palabra JOU de journal. La introducción en las obras cubistas de textos más o menos enigmáticos. En la parte inferior aparece un pequeño trozo de plástico pintado pegado en la superficie. Cualquier elemento ajeno a la pintura puede formar parte de ella. “EL CASTILLO DE LA-ROCHE-GUYÓN” – GEORGE BRAQUE (1910)

hay varias versiones en diferentes museos. Se ve muy bien la técnica del passages. Crean un gran amasijo de formas. La Rouche Guyón.

La sensación de bajo relieve se logra gracias a planos violentados y las facetas que disuelven los volúmenes arquitectónicos en su singularidad, introduciendo una gran fragmentación y las perspectivas arbitrarias. Todo esto reanuda en beneficio de la fusión entre arquitectura y el espacio que lo envuelve.

“LA GUITARRA” – PABLO PICASSO (1913)

[NO INFO]

“DESNUDO BAJANDO UNA ESCALERA I” – MARCE DUCHAMP (1911)

La imagen se repite muchas veces de forma simultánea provocando movimiento en la obra.

La figura cinética de Marcel, la que se centra en la figuración mecánica del movimiento, está representada en esta obra. Experimenta la “desmultiplicación” del movimiento.

“EL LEÑADOR” – KAZIMIR MALEVICH (1912)

Se reconoce la figura hecha con formas cilíndricas. Interés por la composición. La figurara es el principal motivo de la obra, y ocupa un lugar predominante. Hay un claro interés por la composición, gusto por usar tonalidades concretas.

“CABEZA DE MUJER” – PABLO PICASSO (1909)

Lleva los parámetros del arte cubista, a las formas tridimensionales. Crea una

múltiples puntos de vista en un mismo plano. Perspectivas combinadas en un mismo plano. Letras de plantilla que aparecen en este momento. Limitación de la gama cromática, aunque por un periodo muy corto. La gama cromática exaltadas de obras anteriores queda reducida a unos tonos mucho más sobrios, que entroncan más con la paleta cubista. Pero también influencia del simbolismo, porque integran un componente psicológico. Esta obra forma parte de un tríptico: los estados de ánimo, y la obra no pretende solo mostrar una realidad objetiva, que es un tren. Sino que detrás hay un intento por mostrar un estado de ánimo. Concretamente: momento anterior de la partida, el momento del adiós y el momento posterior a la partida. Es una de las tres obras. Pero introduce unos rasgos que le diferencian de estas dos corrientes, porque la composición sigue teniendo su carga dinámica, y lo apreciamos en esa diagonal que marca el tren que atraviesa la obra de un extremo a otro. Y se aprecia también en las formas de trazado circular descompuestas.

“DINAMISMO DEL AUTOMOVIL” – LUIGGI

RUSSOLO (1912)

El dinamismo de inspiración cronofotográfica era la piedra de toque de las innovaciones futuristas. Russolo utilizó los mismos métodos de figuración que sus compañeros de movimiento: la multiplicación de los perfiles de la figura para aludir al vector tiempo. La representación del movimiento relativo de la figura por este medio se tenía por un descubrimiento que revelaba las nuevas posibilidades vitalistas de la pintura. El torbellino es signo de la ciudad en esa poética que la interpreta como imago theatri.

“DANZA DE BAILE TABARÍN” – GINO SEVERENI

Ironía: Fragmentos naturalistas inesperados, utilizados a la manera de collage, introducen la sorpresa y la ironía, preludiando ya el espíritu dadá. Reduplicación y ruptura: Los rostros aparecen facetados, descomponiéndose, buscando sugerir el movimiento, pero, a la vez, conservando fragmentos naturalistas que implican la transmisión de estados de ánimo. Sugestión y valor plástico: al margen de su común valor sugestivo y de asociación de ideas, remitiendo a la música que llena el ambiente, aquí las palabras pintadas cumplen funciones diversas: VALSE, pintada con letras regulares situadas horizontalmente, contrarresta los ritmos verticales de la composición, poniendo un punto de reposo; POLKA, con las letras dislocadas, evoca el ritmo trepidante del local- Luz y color: las leyes de la perspectiva tradicional han sido abolidas. Planos de color traslúcidos, reminiscencias del orfismo, se interpenetran, creando una nueva realidad. El color, lírico y variado, remite a la alegría de la vida nocturna y, a la vez, marca un punto de separación del cubismo ortodoxo.

“FORMAS DE CONTINUIDAD EN EL ESPACIO” – UMBERTO

BOCCIONI (1913)

Boccioni se propuso la abolición de la línea finita y de la estatua cerrada. Entendía con ello que la forma escultórica no había de cerrarse sobre sí misma, sino desarrollarse en su periferia. El bloque plástico se dotaba de un impulso centrífugo en la medida en que trataba de dar síntesis a la actividad misma del objeto en movimiento, en este caso una figura que camina.

“LA MANO DEL VIOLINISTA” – GIACOMO BALLA (1913)

La idea del cuadro le apareció cuando estuvo decorando la casa de Löwnstein, que era un violinista aficionado, el estudio consistía en la mano de un violinista y el arco en movimiento, para conseguir esta sensación emplea unas líneas de colores que se sitúan unas paralelas a otras. Los colores que emplea son, amarillos, ocres y marrones, con trazos de turquesa, azul, naranja, violeta y rosa. El ritmo del violinista representa la concepción más madura de la idea de Boccioni sobre la relación del

objeto y el ambiente, y esto lo consigue fundiendo este objeto con el fondo. Utiliza la composición para crear la simulación de una secuencia de imágenes, y observar lo que realiza el violinista, provocando así que la pintura parezca que esté en movimiento. Después de este trabajo, La mano del violinista, da un enorme vuelco y genera su propio camino logrando concretar pictóricamente las literarias proclamas futuristas. Siempre destacó en su obra el movimiento, la multiplicación de las formas y el análisis de la luz.

“LAS NADADORAS” – CARLO CARRA (1910)

Los cuerpos se deslizan entre una red de líneas oscilantes, que evocan un simbolismo psicológico y se insinúan sus volúmenes sólidos. La sensación de movimiento queda resalta por las tensiones de los segmentos de las figuras y la repetición o reduplicación de los contornos.

“LOS FUNERALES DEL ANARQUISTA GALLI” – CARLOS CARRA (1911)

Intenta trasmitir a través de este desorden, la sensación de agitación que se produjo en esta escena. Aprovecha la excitación y la emoción despertadas por el mismo para reivindicar la fuerza regeneradora de las masas y colocar al espectador en el centro del cuadro. Consigue el movimiento en el cuadro, gracias a la duplicación y repetición de los contornos.

“LA TUMBA DE PAJAROS Y MARIPOSAS O RETRATO DE TRISTÁN TZARA” –

HANS ARP (1916-1917)

Relieve de madera pintada, donde la metáfora abstracta y fantástica se impone sobre cualquier parecido figurativo con el poeta. Si la obra de Hans Arp aparenta por momentos una cierta ingenuidad, ésta no es casual. El artista intentó por todos los medios de deshacerse de prejuicios y condicionamientos. Se trataba, como en el resto de los dadaístas, de hacer tabla rasa y empezar de cero. Esto llevó al artista a realizar obras abstractas en las que es posible dilucidar lo orgánico primigenio. Tristán Tzara, el retratado, fue uno de los miembros más importantes del movimiento y autor de varios manifiestos que expresan el sentir dadá.

“RETRATO DE ARP” – SOPHIE TAEUBER (1918-1920)

Tomando como base una escultura cilíndrica de madera que se asemeja a un soporte para colocar sombreros, la pinta con vivos colores y configuraciones circulares y organicistas; a primera vista se relacionaría con otras cabezas dadaístas, pero las líneas elegantes y suntuosas de sus formas, la textura lisa o la variedad de los colores mitigan los rasgos dadaístas en aras de lo decorativo, sin por ello eliminar la ambivalencia humorística entre el objeto de uso y el retrato metafórico.

“HIJA NACIDA SIN MADRE” – FRANCIS PICABIA

La máquina, un producto de la técnica, la gran protagonista de la civilización occidental del progreso, que había desembocado en la Gran Guerra, es uno de los motivos de Dadá y Picabia uno de los que más reflexionan (o juegan) con ella, aunque no el único. La postura dadaísta ante la mecanización creciente de la vida es ambigua. Se ha perdido el entusiasmo futurista y lo que queda son sentimientos complejos de