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TEMA-7 “EL EXPRESIONISMO”
1. INTRODUCCIÓN
En los primeros años de existencia de las Vanguardias Históricas (aquellas que surgen antes de la II Guerra Mundial), resulta interesante comprobar cómo fue el color el gran protagonista en los debates entre artistas, escritores y críticos de arte. Investigar sobre la naturaleza y sobre los efectos del color fue una de las vías más directas para hacer vanguardia, para alejarse del arte convencional y pronto cristalizaría en los primeros istmos: el Fauvismo y el Expresionismo, surgidos ambos hacia el año 1905. El Expresionismo se acerca de otra manera que el Fauvismo al color. Expresividad se puede aplicar a cualquier obra o periodo de la historia del arte como por ejemplo Munch, Goya... Es una acepción doble: nos remite a esas formas de trabajar y por otro lado un movimiento artístico. Hay diferenciar que Van Gogh es un artista expresivo pero no expresionista. Este movimiento surge en 1905 en Alemania, y durará hasta los años 20.
2. DEFINICIÓN Y CONCEPTOS GENERALES 2.1. Definición Para el vocablo Expresionismo existen dos acepciones diferentes. En términos relativos, se aplica a toda aquella obra de arte o tendencia que a lo largo de la historia pone énfasis en la expresividad del contenido o de la forma, relegando factores más o menos controlados, tradicionales o academicistas. Solo así se puede entender, por ejemplo, que se haya aplicado dicha etiqueta a obras de Rembrandt, Goya o Blake. En cambio, otra acepción, que es la que nos interesa aquí, describe el movimiento artístico que tuvo lugar en Centroeuropa a comienzos del siglo XX y que ejerció un magisterio directo en el Continente hasta los años treinta. A partir de 1914 la palabra se cargó de un significado germánico, y ahora hablamos de expresionismo para hacer referencia a un arte empeñado en una revolución estética y social en un momento y lugar concretos, la Alemania del siglo XX. 2.2. Influencias Se establece un paralelismo temporal entre los fauvistas y los expresionistas alemanes. En realidad, cuando los artistas franceses en 1905 están a punto de consolidar un estilo propio, los segundos se encuentran sumidos en esa fase formativa.
- Van Gogh: ejecución libre, personal, impulsiva, y pasional.
- Gauguin: exotismo y primitivismo. De gran influencia en los nazis y los fauvistas, por su trabajo con el color y la línea.
- Ensor: pintor de escenas macabras y sarcásticas llenas de simbolismo que tematizan la desconfianza en la humanidad.
- Munch: artista noruego pionero del expresionismo cuyos cuadros describen los sentimientos básicos humanos, como el miedo, el horror, la muerte, la soledad y la angustia. 2.3. Rasgos generales El gran reto del Expresionismo es que recoge experiencias de su mundo interior y debe armonizarlas con las impresiones que recibe del exterior, de la naturaleza. Para ellos el arte debe ser una consecuencia de las vivencias anteriores, sin superficialidad de las cosas, sino sobre todo a través del espíritu, lo que les va a hacer que sean más filosóficos, introspectivos. "Poética de evasión" que les lleva a concentrarse sólo en su arte alejándose del resto de la sociedad. Impresionismo es lo contrario a expresionismo. Otros puntos de partida de este movimiento es su rechazo a la burguesía triunfante. Los expresionistas se implicaron, primero de forma individual y después de manera social, en las realidades que les tocó vivir. Esas realidades no eran agradables por lo que rechaza lo negativo de la sociedad. Es un grupo joven, radical, y son gente que tiene mucho empuje y muchas ganas de cambiar las cosas. Los artistas rechazan el presente que les ha correspondido, y se enfrentan a él mediante la admiración por otras épocas y culturas. Así, no dudan en acudir a las raíces populares y nacionales del pueblo germánico para oponerse a la herencia clásica de Grecia y Roma que seguía vigente en las academias de Europa. Intentan romper con los conceptos de belleza. Rechazan la belleza, la armonía e idealismo. Se decantan por una imagen más grotesca, agresiva. Y para ello se van a servir de un recurso: la caricatura, donde intentan poner de manifiesto los elementos diferentes del rostro, sobre todo fijándose en los defectos. También el arte primitivo desempeñó un papel relevante en el nuevo lenguaje, como estaba sucediendo de manera simultánea en el Cubismo y en el Fauvismo. Dentro del movimiento nos vamos a encontrar varios focos y tendencias:
- Uno de los grupos surge en Dresde entre 1905 y 1910, donde se unen un conjunto de artistas llamando al grupo "El Puente". Este grupo se va a Berlín, y durante un tiempo van a realizar su labor hasta 1917, pero después, unida a la IGM, hay una nueva objetividad dentro del grupo.
- El segundo grupo es el llamado “El Jinete Azul” 1910-1914 que se desarrolla en Múnich.
Autorretrato (1914) y Cabeza de chica (1915) de Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976). Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) con Calle en Dresde (1908), clara influencia de Munch.
4. EXPRESIONISMO EN BERLÍN (1910-1912) Berlín era una ciudad grande a diferencia de Dresde, allí se podían conocer las novedades artísticas y literarias, la vanguardia internacional. Este fue un fermento eficaz, pero a la larga de efectos disgregadores. Fue Berlín donde acabó aquel estilo común a todos y donde cada uno encontró una caligrafía personal, aunque compartieran la inquietud y la melancolía.
Los artistas van a querer individualizarse y encontrar un estilo personal. Van a trabajar en distintas revistas (‘Der Sturm’, ‘Die Aktion’) donde supondrán un gran canal para sus obras. Aquí encontramos dos influencias nuevas: el cubismo y el futurismo, que ya estaban presentes en Francia e Inglaterra. Todo esto hace que cambie la estética. Las dos temáticas fundamentales son: la ciudad y la naturaleza. La ciudad para ellos es un foco de industrialización donde el ser humano se ha alienado, ilustra la vanidad, y la naturaleza es la antítesis de esta idea. Es la vuelta a lo auténtico, al verdadero ser de la naturaleza humana. Por eso cuando se fijan en la naturaleza, tiene un trasfondo esa idea: es la búsqueda del paraíso perdido, una unión con Dios, es una unidad entre el ser humano y el mundo natural. Todo esto se expresa a través del desnudo. Para ello se van a los Lagos de Moritzburg donde veranean con sus modelos. Gusto por convivir, disfrutar del entorno. Por ello encontramos a los artistas con las mismas temáticas: las tres gracias, desnudos. Desarrollan un método: "el desnudo del cuarto de hora" donde las modelos cada cuarto de hora debían cambiar para pintarla de varias posturas. En el expresionismo urbano: exageran las extremidades, los rostros, las caras... Espacio decadente y falso. Se contrasta con colores falsos. Aparecen plumas en sus vestidos porque son prostitutas. Banalidad, esnobismo y superficialidad. 4.1. Expresionismo en la naturaleza (1910-12) 4.1.1. Max PECHSTEIN (1881-1955) Es uno de los primeros que se embulle en esta estética. Es posible que sea el pintor más ligado a las escenas naturales y a la fusión del desnudo con las mismas, pero, aun así, en su pintura se aprecian ciertos cambios respecto a lo que venía haciendo en los años anteriores. Sus desnudos ya no se distinguen tanto por la vivacidad cromática espontánea cuanto por el modo en que los contornos de un cuerpo más plásticos se integran en los ritmos de los árboles y las colinas. Al aire libre, bañistas de Moritzburg (1910): no es importante el dibujo sino transmitir la idea. Sobre todo la intensidad del color, la fuerza emocional que transmite. Tres desnudos en un paisaje (1911): serían las tres gracias: no se puede vivir más a gusto que viviendo en la naturaleza. Sus volúmenes armoniosos, de enorme simplicidad formal, sólo se distinguen cromáticamente de lo que los rodea por sus gruesos trazos negros, pero más, que por la violencia de sus rojos, están impregnados por una calma y una voluptuosidad en un paisaje
Escenas en el mar: bañistas (1912) La obra más significativa es Día cristalino (1913), en esta obra está influenciada por el cubismo. Hace la lectura de la imagen a través de un cristal, como si fuera a través de las caras de un diamante, de las facetas que son esas caras del diamante. Un desnudo femenino, casi tallado, queda impregnado por el azul del agua y el firmamento, el verde de la vegetación y el amarillo-ocre de las rocas, mientras todo el resto se halla tamizado por las transparencias de unas formas prismáticas y cristalinas que se refractan en la límpidas y tranquilas aguas del lago. 4.1.4. Otto MUELLER (1874-1930) Tres desnudos en el bosque (1911) también convive con la naturaleza con tonos más bajos. No se cultiva la erótica provocadora o las deformaciones, ni se libera de los colores locales, sino que todo se sacrifica en aras de una armonía de tonos amarillentos, ocres y marrones envolventes y volúmenes bien definidos a través de gruesos trazos negros, con la naturaleza. Ajenos a los tonos violentos y complementarios de sus compañeros expresionistas o a las vibraciones lumínicas del impresionismo ambiental, todo transpira una espontaneidad y frescura naturalista que se acerca a la serenidad del movimiento clasicista de las Tres Gracias. Pareja de enamorados (1919), se hace famoso con estas obras ya que gustan mucho a la sociedad de la época. Mujer gitana (1930) también se encuentra dentro de esta serie. 4.1.5. Emil NOLDE (1867-1956)
Uno de los más destacados pintores expresionistas alemanes, cuyo crispado manejo del pincel, la utilización de colores vivos y estridentes y las figuras de rostros a modo de máscaras pretendían provocar en el espectador un shock visual y emocional. Estuvo muy influido por Van Gogh, Munch y Ensor. Las ansias de encontrar una vida no corrompida todavía por la civilización del hombre blanco y de beber en las fuentes primigenias que fluyen del arte “salvaje” fueron los móviles que le impulsaron a embarcarse en tal aventura. Busca un efecto salvaje, animal, donde introduce sus tradiciones más folclóricas como en La danza del becerro de oro (1910), el color amarillo invade la obra, búsqueda del primitivismo. Naturaleza muerta con bailarinas (1914) vuelve a incluir el primitivismo, juega con la escala, busca la irrealidad de los tamaños. Bailarina (1913) con unos pocos matices transmite la fuerza del baile, del rito de las culturas exóticas.
Otra característica en la obra: Calle con buscona de rojo (1914-1925), son personajes grotescos, que deambulan por la ciudad, reflejan los vicios de la ciudad. En el centro de la composición está la prostituta, convirtiéndose en la crítica. La composición está en forma de X donde el punto donde convergen las líneas es el bolso de la mujer. Esta obra pertenece a una serie de escenas callejeras berlinesas con prostitutas como protagonistas. Las mujeres, por lo general de un canon muy estilizado y siempre elegantemente vestidas, aparecen en primer plano caminando, a veces absortas y otras lanzando rápidas miradas. Únicamente sus grandes sombreros con plumas delatan su condición. Alrededor de ellas hay hombres, también vestidos elegantemente y tocados con sombrero. El alineamiento de estos y la repetición de sus actitudes le da un cierto aspecto de autómatas. Mujeres en la calle (1915) busca reflejar el prototipo de gente que vive en la ciudad. Plaza de Postdam (1914) arquitectura irreal, fuerte agitación. En esta obra predomina también la deformación expresionista subordinada a la irrupción de las líneas de fuerza. 4.2.2. Ludwig MEIDNER (1884-1966) Su visión de la ciudad es apocalíptica, que se descompone y se rompe, donde los edificios estallan, como en La casa de la esquina (1913) esta casa está descomponiéndose, rompiéndose. Como en otra obra: Ciudad apocalíptica (1913) representa a la ciudad como si fuera pecado. En la ciudad se vive con vicios, impera la hipocresía y Meidner rechaza esta forma de vivir de los personajes. Las pulsiones expresionistas de los contrastes cromáticos acentúan las cualidades emocionales y se ven reforzadas por los ritmos, la agitación febril, la tensión y la desintegración de las formas. Todo se desparrama y los ángulos rectos de las calles y sus arquitecturas huyen precipitadamente, las líneas de fuerza se interseccionan según perspectivas múltiples, mientras las casas se desmoronan, envueltas en llamas, como si estuvieran sacudidas por los efectos de un seísmo.
Ciudad en llamas (1913) en contraposición a Kirchner, trata el asunto desde fuera. 4.2.3. George GROSZ (1893-1959) Es otro de los artistas más impactantes del Expresionismo. Se centra en la ciudad desde el punto de vista negativo, pintando todo aquello que le produce repudio de la ciudad. Va a ser uno de los críticos más fuertes. Grosz nos ha dejado tres composiciones muy significativas esa fiebre o efervescencia incontenible que se desprenden de un “exceso de vivencia”, de un sentir crepuscular y de las palpitaciones de un corazón compasivo. Metrópolis (1916) nos muestra una ciudad bañada por la tonalidad roja (el tono rojo es el de la pasión), los seres que aparecen en el cuadro son seres que están corriendo, están violentados, y vemos como la ciudad se convulsiona, los habitantes son un amasijo de figuras, máscaras. Hay elementos que nos recuerdan a la modernidad: la arquitectura, la farola, los luminosos, la publicidad, el hotel... Nos describe una ciudad moderna que disfruta de todos los avances.
- Homenaje a las vanguardias históricas: detalles cubistas en algunas arquitecturas del primer término, las casas son bloques geométricos y rotundos, como el primer cubismo de Picasso y Braque.
- Función crítica del arte: en el lienzo se desarrolla una dura crítica a la ciudad alienada, cuyos habitantes están dominados por las prisas. Las figuras se confunden en un mar de asfalto y adquieren el aspecto de autómatas.
- Ecos expresionistas: formas desgarradas, deformes, que acompañan al pintor durante su carrera. También la paleta de color que emplea procede de esa tradición del expresionismo.
escena, en la celebración de los propios funerales como acto final de la decadencia.
5. EXPRESIONISMO EN MUNICH: EL JINETE AZUL, “DER BLAUE REITER” (1910-1914) Liderado por Kandisky y Klee. Abre nuevas expectativas, algunos artistas tenían inquietudes parecidas a las del El Puente, por un lado, mover la anquilosada situación alemana y atraer a todos los elementos renovadores, y por otro lado, hacer del arte la expresión de necesidad anterior. Nace en Munich, con una intención de asociación que sirvan para difundir sus proyectos a través de la Nueva Asociación de Artistas (NKV), y a través de los medios como el Almanaque, y exposiciones, conferencias y publicaciones. El jinete azul es el emblema, tanto a kandisky como a Klee le gustaban los animales, y para ellos el azul transmitía novedad, ya que cada color tenía un valor y una significación. 5.1. Diferencias entre El Puente y los Jinetes Azules El puente y el jinete tiene muchos puntos en común, pero otros muchos que los diferencia y los hacen distintos:
- Los artistas de El Puente eran autodidactas, por el contrario los de El Jinete, eran mucho más inteligentes y reflexivos. Estos artistas pretenden captar lo que hay en el fondo de la realidad, la esencia espiritual, y dotar de una base teórica solida a la pintura que realizan.
- En El Puente, se sentían llenos de ganas de vivir y de crear una armonía con la naturaleza. Por el contrario Los Jinetes creen en la necesidad de buscar la verdad interior, una realidad que se sitúa más allá. Los del puente eran salvajes, plasmaban sus instintos en el lienzo o en la madera y escapaban de un mundo para ir en busca de otro más primitivo. En cambio los del jinete adopta aptitudes más elitistas y piensan que lo único que se puede hacer con los instintos es purificarlos y dejar salir lo espiritual de la naturaleza, liberándolo de las capas de materialidad que lo ocultan.
- Entre los miembros del El Puente había unidad de estilo, muchas veces era difícil asegurar quien era el autor. En El Jinete Azul, no existió nunca esa identidad, cada uno mantuvo su modo de hacer.
- Los temas son muchos más variados a diferencia que en el puente que se centraban en la ciudad y la naturaleza. Pero a pesar de estas diferencias ambos tenían una actitud inconformista contra la sociedad de su tiempo. Oposición declarada al impresionismo, el
positivismo como base de la actitud vital, interés por llevar sus propios negocios y una apertura a todo tipo de arte. 5.2. El Almanaque Der Blaue Reiter es el nombre de un cuadro de Kandinsky de 1903, y el nombre también de un Almanaque que aparecería en mayo de 1912, aunque se venía preparando desde abril del año anterior. En este Almanaque, verdadero manifiesto del grupo, había ilustraciones de Pechstein, Kubin, Le Fauconnier y un personaje crucial para el movimiento, el músico Arnold Schöenberg. 5.3. Wassily KANDINSKY (1866-1944) Fue el pionero de la pintura abstracta. Para él, el paisaje se convierte en objeto de reflexión, lo que le permitió experimentar con la forma y el color como medio de expresar tanto los aspectos representativos como los subjetivos y emocionales. En muchas de sus obras se produce la ruptura definitiva con los medios de representación clásicos: la perspectiva es sustituida por un juego dinámico e imaginario de líneas diagonales. De igual manera, las formas de las casas, de los árboles, de las personas, se desvanece progresivamente, quedando reducido a un juego de colores elementales. Hacia 1912, empieza a crear planos pictóricos por confrontación de colores y evita hacer un núcleo central, distribuyendo por la tela los puntos de tensión y huyendo del decorativismo, y creando así paisajes de colores. Su evolución ira en la línea de una geometrización creciente, de líneas, círculos cuadrados y triángulos, cada uno de los cuales tiene una significación particular para él, igual que los colores. La transición hacia la abstracción supone para Kandinsky un cambio espiritual. Aborda los efectos del lenguaje de los colores y las formas. Para alcanzar estos objetivos, pueden seguirse dos caminos: uno más directo y difícil, y otro intermedio, en donde se entrecruzan lo figurativo y lo abstracto, o lo que es lo mismo, lo que se guía por los efectos del color y de la forma con independencia de los objetos, o por los efectos del color y la forma propia de los objetos. Sin título (1910): es una abstracción directa. Colores y líneas distribuidos en la obra de una forma arbitraria. Con las formas y el color crea algo que a él le puede transmitir alguna emoción. Ilustra el camino más directo y arriesgado, en el que se pone al descubierto su inclinación personal por las formas abstractas.
Improvisación 26- Remo (1912) Improvisación soñada (1913): trabaja con la materia. 5.3.3. Composiciones Composición VII (1913). La variedad de formas, dividida en numerosos pequeños fragmentos de color, empuja hacía la esquina superior e incluso más allá de los márgenes. El margen inferior e izquierdo está formado por superficies mayores, moduladas de color. De este modo, la composición adquiere una fuerte orientación diagonal, que divide al cuadro en una forma superior nerviosa y en otra inferior, tranquila, Esta orientación de movimientos en diagonales se encuentra ya en numerosos estudios previos. La mayoría de los bocetos son estudios de la composición, pero entre ellos se encuentran también óleos autónomos, además de detalles de motivos individuales. Pintura con borde blanco (1913). Durante cinco meses hizo un estudio tras otro, utilizando lápiz, pluma, tinta, acuarela y óleo. Tras 16 bocetos encontró un aliado inesperado que resolvía la composición: un borde blanco, ondulado, parecido a una ola espumosa. La radiografía reveló una obra bajo el lienzo del boceto al óleo. El estudio de este único óleo previo a la obra definitiva, que los especialistas han radiografiado, revela incluso una obra desconocida bajo el mismo lienzo, perteneciente a la también pintora y amante de Kandinsky, Gabriel Munter. Que se sepa, es el único cuadro que el artista pintó sobre otro. 5.4. Franz MARC (1880-1916) Siente fascinación por el mundo de los animales, los cuales son bellos, puros y verdaderos. Desconfía del ser humano, solo encuentra lo original y verdadero en el mundo animal, especialmente en el caballo, que para él significa nobleza, fidelidad…
Grandes caballos azules (1911): composición con formas redondeas que se mezclan con el paisaje y entrelazados de un modo casi circular. Abandono de la profundidad espacial naturalista, así como una sustitución de los tonos locales por la fuerza expresiva y simbólica del azul, amarillo o del rojo. Los caballos se vuelven un tanto irreales y se transfiguran a través de unos colores cada vez más puros. Pintura antinaturalista. Busca transmitir una fuerza mayor con los colores. El sueño (1912). Situación irreal. Simboliza la presencia de la humanidad. Es un sueño donde se mezcla el mundo animal con el humano. Todo está desproporcionado, no hay perspectiva, los animales son de colores diversos. Sueño congelado, cargado de irrealidad. Tirol (1914). El viaje al Tirol que llevó a cabo Franz Marc con su mujer durante la primavera de 1913 produjo como resultado toda una serie de cuadros importantes, entre los que se cuentan, en particular los dos pasajes alegóricos El pobre país Tirol y Tirol. De nuevo Marc recurre al mundo cristalino de colores que para él son un signo de espiritualización y purificación. Pero, a diferencia de cuadros anteriores, aquí se han introducido ciertos elementos de paisaje que parecen formar un extraño contraste con la prometedora utopía. El país Tirol se agacha bajo las emanaciones del color o bien se rompe en fragmentos a lo largo de los rayos de las facetas. Un árbol que se cae hacía la izquierda divide claramente el cuadro y parece como la guadaña que quiere segar todas las vidas. La impresión apocalíptica del cuadro queda subrayada por otro detalle más que Marc introdujo posteriormente, después de retirar la obra del " Primer Salón Alemán de Otoño " de 1913. Mientras que la primera versión aún tenía un sol en el centro, ahora Marc representa a la Virgen María como Señora apocalíptica sobre media luna, rodeada de estrellas cuya extinción hace referencia a la inminente catástrofe. La idea de un "sacrificio de
aunque los contraste nada tengan que ver con ella y sí, en cambio, con las teorías de Delaunay.
- El segundo grupo está formado por aquellas en las que se aprecia una influencia más acusada de la sistemática cromática y las formas circulares de Delaunay, si bien siguen subordinadas a las perspectivas naturalistas. Jóvenes bañistas con la ciudad al fondo (1913). Después de un viaje a Túnez en 1914 realiza una serie de obras entre las que se encuentra Paisaje con vacas y camellos (1914), que parecen surgir de modo espontáneo ante la vivencia inmediata de los objetos, dando lugar a unas armoniosas composiciones de gran simplicidad y vivificadas por una luminosidad deslumbrante, así como por un intenso cromatismo. Rasgos todos que unidos a un reencuentro fauvista y el ornamento, caracterizarán a los óleos con motivos orientales. 5.5.2. Figuras de lo moderno En paralelo con los jardines y los parques, se dejaba seducir por ciertas figuras de lo moderno, como son los escaparates de las tiendas de moda, tema que había sido objeto de un concurso en 1909 y sobre el cual se reflexionaba también en el Werkbund. La serie de Macke capta tanto la fascinación que el escaparate ejerce, en cuanto puesta en escena de la mercancía, como el transeúnte solitario que se siente atraído por esta atmósfera de ostentación y por ese espejo de sugerencias mágico-estéticas. El gran escaparate iluminado (1912) o Sombrerería (1914), los reflejos y las transparencias propician una desintegración de la escena, así como una simultaneidad y las diferentes perspectivas, donde todo, incluida la calle, queda fusionado a los ojos del absorto transeúnte. Los colores se vuelven más intensos y provocativos, la síntesis entre la luz y el color es ambiciosa, y todo delata, en definitiva, la sombra de las ventanas y formas circulares de Delaunay.
5.6. Paul KLEE (1879-1940) El color le sirve de excusa. A través del color es capaz de crear objetos. Hace formas con colores distintos que se van uniendo y nos dan ese aspecto geometrizado. En cada una de esas cuadriculas aparecen los objetos. Ante las puertas de Kairuán (1914). Casas rojas y amarillas de Túnez (1914). Alfombra del recuerdo (1914). Convierte la obra en un amasijo de signos. Cruces, aspas, cuadrados, formas circulares que se van distribuyendo por toda la composición, en ocasiones en orden y en otras sin él. Une ambas abstracciones, lírica y geométrica. 5.7. Alexej VON JAWLENSKY (1864-1941) El color no tiene un significado especial ni místico, sino que sirve para desvelar el alma de las cosas, para ver lo que está oculto y la armonía entre ellos está en la base de su obra. En los primeros años de la década de 1910, a la que pertenece esta obra, comenzó su interés por la representación de rostros bajo el impacto que le habían producido en su juventud los iconos rusos. Como casi todos los artistas expresionistas, Jawlensky estaba más interesado en la representación de tipos humanos que en capturar un determinado parecido físico, más propio del retrato tradicional. Por otra parte, su tratamiento de la figura humana fue variando a lo largo del tiempo y su inicial expresionismo evolucionaría hacia formas cada vez más simplificadas, que desembocarían en un tipo de retratos casi abstractos, pintados con apenas unos cuantos planos geométricos de color. El velo rojo (1912). Jawlensky representa una figura de mujer de medio cuerpo, ligeramente de perfil, con sus formas y facciones delineadas con fuertes líneas negras, que nos evidencian su interés por transmitir la máxima expresividad. La influencia de los iconos es evidente tanto en los colores estridentes como en la simplificación formal, que también nos recuerda a las representaciones medievales de la Madonna. Naturaleza muerta con florero y jarra (1909). Es perceptible el modelo matissiano, pero las diferencias son notables. Mientras en el francés todo es
