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Historia de la fotografía ,
El término cámara deriva de camera, que en latín significa ‘habitación’ o ‘cámara’. La cámara oscura original era una habitación cuya única fuente de luz era un minúsculo orificio en una de las paredes. La luz que penetraba en ella por aquel orifício proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta. Aunque la imagen así formada resultaba invertida y borrosa, los artistas utilizaron esta técnica, mucho antes de que se inventase la película, para esbozar escenas proyectadas por la cámara. Con el transcurso de los siglos la cámara oscura evolucionó y se convirtió en una pequeña caja manejable y al orificio se le instaló una lente óptica para conseguir una imagen más clara y definida.
300 a.c.
Aristóteles utiliza la cámara oscura para estudiar los eclipses de sol.
Siglo XVII
Leonardo Da Vinci se da cuenta que las imágenes recibidas en el interior de la habitación son de tamaño más reducido e invertido, conservando su propia forma y colores.
Siglo XVIII
La sensibilidad a la luz de ciertos compuestos de plata, particularmente el nitrato y el cloruro de plata, era ya conocida antes de que los científicos británicos Thomas Wedgwood y Humphry Davy comenzaran sus experimentos a finales del siglo XVIII para obtener imágenes fotográficas. Consiguieron producir imágenes de cuadros, siluetas de hojas y perfiles humanos utilizando papel recubierto de cloruro de plata. Estas fotos no eran permanentes, ya que después de exponerlas a la luz, toda la superficie del papel se ennegrecía, con lo cual nunca pudieron llegar a conseguir el fijado de las imágenes.
Cámara oscura de finales del siglo XVIII. Diseñada para reproducciones de paisajes, arquitectura, etc...
Siglo XIX
Este es el siglo del nacimiento de la fotografía, exactamente en el año 1816, que es cuando el físico francés Nicéphore Niépce consigue una imagen mediante la utilización de la cámara oscura y un procedimiento fotoquímico. Niépce bautiza a su invento con el nombre de heliograbados, pero no es hasta el año 1831 cuando el pintor francés Louis Jacques Mandé Daguerre realizó fotografías en planchas recubiertas con una capa sensible a la luz de yoduro de plata. Después de exponer la plancha durante varios minutos. Daguerre empleó vapores de mercurio para revelar la imagen fotográfica positiva.
Estas fotos no eran permanentes porque las planchas se ennegrecían gradualmente y la imagen acababa desapareciendo. En las primeras fotografías permanentes conseguidas por Daguerre, la plancha de revelado se recubría con una disolución concentrada de sal común. Este proceso de fijado, descubierto por el inventor británico William Henry Fox Talbot , hacía que las partículas no expuestas de yoduro de plata resultaran insensibles a la luz, con lo que se evitaba el ennegrecimiento total de la plancha. Con el método de Daguerre se obtenía una imagen única en la plancha de plata por cada exposición.
Mientras Daguerre perfeccionaba su sistema, Talbot desarrolló un procedimiento fotográfico que consistía en utilizar un papel negativo a partir del cual podía obtener un número ilimitado de copias. Talbot descubrió que el papel recubierto con yoduro de plata resultaba más sensible a la luz si antes de su exposición se sumergía en una disolución de nitrato de plata y ácido gálico, disolución que podía ser utilizada también para el revelado de papel después de la exposición. Una vez finalizado el revelado, la imagen negativa se sumergía en tiosulfato sódico o hiposulfito sódico para hacerla permanente. El método de Talbot, llamado calotipo, requería exposiciones de unos 30 segundos para conseguir una imagen adecuada en el negativo. Tanto Daguerre como Talbot hicieron públicos sus métodos en
- Ese mismo año John Eilliam Herschel da el nombre de " fotografías " a las imágenes fijas.
En un plazo de tres años el tiempo de exposición en ambos procedimientos quedó reducido a pocos segundos.
Título: Punto de vista desde las ventanas del Gras
"Punto de vista", así es como llama Niépce a las imágenes
obtenidas del natural para distinguir las "heliografías".
Esta es la primera fotografía que se le conoce. Año 1826
En el procedimiento del calotipo la estructura granular de los negativos aparecía en la copia final. En 1847, el físico francés Claude Félix Abel Niépce de Saint-Victor concibió un método que utilizaba un negativo de plancha o placa de cristal. Ésta, recubierta con bromuro de potasio en suspensión de albúmina, se sumergía en una solución de nitrato de plata antes de su exposición. Los negativos de estas características daban una excelente definición de imagen, aunque requerían largas exposiciones.
para los tan complicados procedimientos del siglo anterior. En 1907 se pusieron a disposición del público en general los primeros materiales comerciales de película en color, unas placas de cristal llamadas Autochromes Lumière en honor a sus creadores, los franceses Auguste y Louis Lumière. En esta época las fotografías en color se tomaban con cámaras de tres exposiciones.
En la década siguiente, el perfeccionamiento de los sistemas fotomecánicos utilizados en la imprenta generó una gran demanda de fotógrafos para ilustrar textos en periódicos y revistas. Esta demanda creó un nuevo campo comercial para la fotografía, el publicitario. Los avances tecnológicos, que simplificaban materiales y aparatos fotográficos, contribuyeron a la proliferación de la fotografía como un entretenimiento o dedicación profesional para un gran número de personas.
Esta es la denominada cámara Mamut, la cámara fotográfica más grande del mundo. Se construyo en los Estados Unidos en el año 1900, y su peso era aproximadamente de unos 450 kilos. El tamaño de las placas de cristal eran de 130 X 240 cm.
La cámara de 35 mm, que requería película pequeña y que estaba, en un principio, diseñada para el cine, se introdujo en Alemania en 1925. Gracias a su pequeño tamaño y a su bajo coste se hizo popular entre los fotógrafos profesionales y los aficionados. Durante este periodo, los primeros utilizaban polvos finos de magnesio como fuente de luz artificial. Pulverizados sobre un soporte que se prendía con un detonador, producían un destello de luz brillante y una nube de humo cáustico. A partir de 1930, la lámpara de flash sustituyó al polvo de magnesio como fuente de luz.
Con la aparición de la película de color Kodachrome en 1935 y la de Agfacolor en 1936, con las que se conseguían trasparencias o diapositivas en color, se generalizó el uso de la película en color. La película Kodacolor, introducida en 1941, contribuyó a dar impulso a su popularización.
Muchas innovaciones fotográficas, que aparecieron para su empleo en el campo militar durante la II Guerra Mundial, fueron puestas a disposición del público en general al final de la guerra. Entre éstas figuran nuevos productos químicos para el revelado y fijado de la película. El perfeccionamiento de los ordenadores facilitó, en gran medida, la resolución de problemas matemáticos en el diseño de las lentes. Aparecieron en el mercado muchas nuevas lentes que incluían las de tipo intercambiable para las cámaras de aquella época. En 1947, la cámara Polaroid Land , basada en el sistema fotográfico descubierto por el físico estadounidense Edwin Herbert Land, añadió a la fotografía de aficionados el atractivo de conseguir fotos totalmente reveladas pocos minutos después de haberlas tomado.
En el decenio siguiente los nuevos procedimientos industriales permitieron incrementar enormemente la velocidad y la sensibilidad a la luz de las películas en color y en blanco y negro. La velocidad de estas últimas se elevó desde un máximo de 100 ISO hasta otro teórico de 5.000 ISO, mientras que en las de color se multiplicó por diez. Esta década quedó también marcada por la introducción de dispositivos electrónicos, llamados amplificadores de luz, que intensificaban la luz débil y hacían posible registrar incluso la tenue luz procedente de estrellas muy lejanas. Dichos avances en los dispositivos mecánicos consiguieron elevar sistemáticamente el nivel técnico de la fotografía para aficionados y profesionales.
En la década de 1960 se introdujo la película Itek RS, que permitía utilizar productos químicos más baratos, como el zinc, el sulfuro de cadmio y el óxido de titanio, en lugar de los caros compuestos de plata. La nueva técnica llamada fotopolimerización hizo posible la producción de copias por contacto sobre papel normal no sensibilizado_._
Gardner y Timothy O’Sullivan documentaron la triste realidad de la guerra de Secesión. Después de la contienda, Gardner y O’Sullivan fotografiaron el Oeste de Estados Unidos junto con Carleton E. Watkins, Eadweard Muybridge, William Henry Jackson y Edward Sheriff Curtis. Las claras y detalladas fotos de estos artistas mostraron una imagen imborrable de la naturaleza salvaje.
México se convirtió en el punto de mira de fotógrafos franceses y estadounidenses, debido a las relaciones políticas y de proximidad con sus respectivos países, y al redescubrimiento de las civilizaciones azteca y maya. El francés Désiré Charnay realizó interesantes fotografías de las ruinas mayas en 1857, además de dejar un detallado relato de sus descubrimientos arqueológicos y experiencias.
El trabajo de los fotógrafos británicos del siglo XIX encierra vistas de otros lugares y de tierras exóticas. Cubrieron distancias increíbles cargados con el pesado equipo del momento para captar escenas y personas. En 1860, Francis Bedford fotografió el Oriente Próximo. Su compatriota Samuel Bourne tomó unas 900 fotos del Himalaya en tres viajes realizados entre 1863 y 1866, y en 1860 Francis Frith trabajó en Egipto. Las fotos de este último sobre lugares y monumentos, muchos de los cuales están hoy destruidos o dispersos, constituyen un testimonio útil todavía para los arqueólogos.
Las fotos estereoscópicas que obtuvieron estos fotógrafos viajeros, con cámaras de doble objetivo, supusieron una forma popular de entretenimiento casero en el siglo XIX, cuando colocadas sobre un soporte especial podían verse en tres dimensiones.
Con la creación de la plancha negativa seca por Charles Bennett en 1878, el trabajo de los fotógrafos viajeros fue mucho menos arduo. En lugar de tener que revelar la plancha en el momento, aún húmeda, el fotógrafo podía guardarla y revelarla más tarde en cualquier otro lugar.
En años recientes se ha reanudado el interés por estas fotografías y han sido el tema de varias exposiciones y libros.
Documentación social
En lugar de captar la vida en otras partes del mundo, algunos fotógrafos del siglo XIX se limitaron a documentar las condiciones de su propio entorno. De esta manera, el fotógrafo británico John Thomson plasmó la vida cotidiana de la clase trabajadora londinense alrededor de 1870 en un volumen de fotos titulado Vida en las calles de Londres (1877). El reportero estadounidense de origen danés Jacob August Riis realizó de 1887 a 1892 una serie de fotografías de los barrios bajos de Nueva York recogidas en dos volúmenes fotográficos: Cómo vive la otra mitad (1890) e Hijos de la pobreza (1892). Entre 1905 y 1910 Lewis Wickes Hine, sociólogo estadounidense responsable de las leyes laborales para niños, captó también en sus fotos a los oprimidos de Estados Unidos: trabajadores de las industrias siderometalúrgicas, mineros, inmigrantes europeos y, en especial, trabajadores infantiles. En Brasil, Marc Ferrez plasmó en sus fotografías la vida rural y las pequeñas comunidades indias. En Perú, el fotógrafo Martín Chambi recoge en su obra un retrato de la sociedad de su país y en especial de los pueblos indígenas.
Las fotos del francés Eugène Atget se sitúan a medio camino entre el documento social y la fotografía artística, ya que su excelente composición y expresión de la visión personal van más allá del mero testimonio. Atget, quizás uno de los más prolíficos documentalistas de esta época, obtuvo entre 1898 y 1927 una enorme cantidad de escenas poéticas de la vida cotidiana de su querido París y sus alrededores. El cuidado y la publicación de su obra se deben a los esfuerzos de otra hábil documentalista de la vida urbana, Berenice Abbott.
Durante la Gran Depresión, la Farm Security Administration contrató a un grupo de fotógrafos para documentar aquellas zonas del país más duramente castigadas por la
catástrofe. Los fotógrafos Walker Evans, Russell Lee, Dorothea Lange, Ben Shahn y Arthur Rothstein, entre otros, proporcionaron testimonios gráficos sobre las condiciones de las zonas rurales afectadas por la pobreza en Estados Unidos. El resultado fue una serie de fotografías de trabajadores emigrantes, aparceros, y de sus casas, colegios, iglesias y pertenencias. Fue tan convincente como evidencia que como arte. La contribución de Evans, junto con el texto del escritor James Agee, fueron publicados separadamente bajo el título Elogiemos ahora a hombres famosos (1941), considerado como un clásico en su campo. Periodismo gráfico El periodismo gráfico difiere de cualquier otra tarea fotográfica documental en que su propósito es contar una historia concreta en términos visuales. Los periodistas gráficos trabajan para periódicos, revistas, agencias de noticias y otras publicaciones que cubren sucesos en zonas que abarcan desde los deportes, las artes y la política. Uno de los primeros fue el periodista o reportero gráfico francés Henri Cartier-Bresson , quien desde 1930 se dedicó a documentar lo que él llamaba el "instante decisivo". Sostenía que la dinámica de cualquier situación dada alcanza en algún momento su punto álgido, instante que se corresponde con la imagen más significativa. Cartier-Bresson, maestro en esta técnica, poseía la sensibilidad para apretar el disparador en el momento oportuno. Los avances tecnológicos de la década de los treinta, en concreto las mejoras en las cámaras pequeñas como la Leica, así como en la sensibilidad de la película, facilitaron aquella técnica instantánea. Muchas de las imágenes de Cartier-Bresson tienen tanta fuerza en su concepción como en lo que transmiten y son consideradas a la vez trabajo artístico, documental y periodismo gráfico. Brassaï, otro periodista gráfico francés nacido en Hungría, se dedicó con ahínco a captar los efímeros momentos expresivos, que en su caso mostraban el lado más provocativo de la noche parisina. Sus fotos se recopilaron y publicaron en París de noche (1933). El corresponsal de guerra estadounidense Robert Capa comenzó su carrera con fotografías de la Guerra Civil española; al igual que Cartier-Bresson, plasmó tanto escenas bélicas como la situación de la población civil. Su fotografía de un miliciano herido dio la vuelta al mundo como testimonio del horror de la guerra. Capa también cubrió el desembarco de las tropas estadounidenses en Europa el día D durante la II Guerra Mundial y la guerra de Indochina, donde halló la muerte en 1954. Otra fotógrafa, la italiana Tina Modotti, también estuvo en España durante la Guerra Civil como miembro del Socorro Rojo. Asimismo, el español Agustín Centelles realizó una importante labor documental durante la guerra, tomando fotografías tanto del frente como de la retaguardia, entre ellas las de los bombardeos de la población civil. En México, Agustín Víctor Casasola recogió en su obra conmovedoras imágenes de la Revolución Mexicana y de Pancho Villa. Más recientemente, el fotógrafo británico Donald Mc Cullin ha realizado unos trabajos en los que recoge imágenes de los efectos devastadores de la guerra, que se recopilaron en dos volúmenes bajo los títulos La destrucción de los negocios (1971) y ¿Hay alguien que se dé cuenta? (1973).
Fotografía artística
Los trabajos pioneros de Daguerre y de Talbot condujeron a dos tipos distintos de fotografía. El daguerrotipo positivo, apreciado por su claridad y detalle, fue utilizado en especial para retratos de familia como sustituto del mucho más caro retrato pintado. Más tarde, el daguerrotipo fue suplantado en popularidad por la carte de visite, que utilizaba placas de cristal en lugar de láminas de hierro. Por otro lado, el procedimiento del calotipo de Talbot era menos preciso en los detalles, aunque tenía la ventaja de que producía un negativo del que se podían obtener el número de copias deseadas. A pesar de que el calotipo se asoció inicialmente a la fotografía paisajista, desde 1843 hasta 1848 esta técnica fue utilizada por el pintor escocés David Octavius Hill y su colaborador fotográfico Robert Adamson para hacer retratos.
La fotografía como forma de arte alternativa
Desde la década de 1860 hasta la de 1890, la fotografía fue concebida como una alternativa al dibujo y a la pintura. Las primeras normas de crítica aplicadas a ella fueron, por tanto, aquellas que se empleaban para juzgar el arte, y se aceptó la idea de que la cámara podía ser utilizada por artistas, ya que ésta podía captar los detalles con mayor rapidez y fidelidad que el ojo y la mano. En otras palabras, la fotografía se contempló como una ayuda para el arte, como lo hicieron Hill y Adamson. De hecho, alrededor de 1870 se aceptó la práctica de hacer posar a los sujetos en el estudio, para después retocar y matizar las fotos con el fin de que pareciesen pinturas.
Durante la segunda mitad del siglo XIX el fotógrafo sueco Oscar Gustave Rejlander y el británico Henry Peach Robinson descubrieron el método de crear una copia a partir de varios negativos diferentes. Robinson, que comenzó su carrera como artista, basó sus imágenes descriptivas en apuntes iniciales a lápiz. Su influencia como fotógrafo artístico fue muy grande. Por ejemplo, algunos de los trabajos de su compatriota Julia Margaret Cameron estaban compuestos y representaban escenas semejantes a obras pictóricas de la época.
La fotografía en sí misma
Los estudios retratistas de Cameron plasmaban a sus amigos, miembros de los círculos científicos y literarios británicos. Consistían en primeros planos con iluminación intensa, para revelar toda la fuerza del carácter de los personajes. Otro ejemplo de ese tipo de fotografía es el trabajo del caricaturista francés Gaspard Félix Tournachon, que se convirtió en fotógrafo bajo el nombre profesional de Nadar. Sus cartes de visite (fotos montadas del tamaño de tarjetas de visita) son una serie de retratos simples y mordaces de la intelectualidad parisina. Muestran el poder de observación de Nadar cuando disparaba su cámara con luz difusa contra fondos lisos para realzar los detalles.
El trabajo del fotógrafo británico Eadweard Muybridge es un ejemplo de la influencia del arte en la fotografía. Sus series de personas y animales en movimiento revelaron a artistas y científicos detalles fisiológicos jamás observados. El pintor estadounidense Thomas Eakins también experimentó con este tipo de fotografía, aunque la utilizó principalmente para la pintura de figuras.
El fotógrafo aficionado británico Peter Henry Emerson cuestionó el uso de la fotografía como sustituto de las artes visuales, incitando a otros colegas hacia la naturaleza como fuente de inspiración y limitando las manipulaciones de los propios procesos fotográficos. Su libro Fotografía naturalista para estudiantes de arte (1899) se basaba en su creencia de que la fotografía es un arte en sí mismo e independiente de la pintura. Modificó después esta declaración y defendió que la mera reproducción de la naturaleza no es un arte. Otros
escritos de Emerson, que diferenciaban la fotografía artística de la que se hace sin propósitos estéticos, terminaron de definir después el aspecto artístico de la fotografía.
Photo-Secession
Emerson, como jurado de un concurso fotográfico para aficionados en 1887, concedió un premio a Alfred Stieglitz, fotógrafo estadounidense que estudiaba entonces en el extranjero y cuyo trabajo adoptaba los puntos de vista de Emerson. En 1890, Stieglitz regresó a Estados Unidos y realizó una serie de sencillas fotografías sobre Nueva York en diferentes épocas del año y condiciones atmosféricas. En 1902 fundó el movimiento Photo- Secession , que adoptaría la fotografía como una forma de arte independiente. Algunos de los miembros de este grupo fueron Gertrude Käsebier, Edward Steichen y Clarence H. White, entre otros. Camera Work fue la revista oficial del grupo. En sus últimos números publicó algunos trabajos que representaban la ruptura con los temas tradicionales y el reconocimiento del valor estético de los objetos cotidianos. Después de que los miembros se disgregaran, Stieglitz continuó apadrinando nuevos talentos mediante exposiciones en la Galería 291 de su propiedad, en el 291 de la Quinta Avenida de Nueva York. Entre los fotógrafos estadounidenses que exhibieron sus trabajos en ella se encuentran Paul Strand, Edward Weston, Ansel Easton Adams e Imogen Cunningham.
Fotografía manipulada
La fotografía, no obstante, no se ha liberado por completo de la influencia de la pintura. Durante los años veinte, en Europa, las ideas inconformistas del movimiento Dadá encontraron su expresión en las obras del húngaro László Moholy-Nagy y del estadounidense Man Ray, que empleaban la técnica de la manipulación. Para lograr sus fotogramas o rayografías, trabajaban de forma totalmente espontánea, tomaban imágenes abstractas disponiendo los objetos sobre superficies sensibles a la luz. También experimentaron con fotografías solarizadas, método que consiste en reexponer una foto a la luz durante el proceso de revelado, que da como resultado un cambio total o parcial de los tonos blancos y negros, exagera las siluetas o contornos. En España destaca el ejemplo del vasco Nicolás de Lekuona. En su obra se refleja la influencia de las vanguardias artísticas del momento, a través de numerosos fotomontajes y encuadres basculados o en picado. Así como la fotografía había liberado a la pintura de su papel tradicional, los nuevos principios adoptados de la pintura surrealista, el Dadá y el collage permitieron a la fotografía artística utilizar técnicas manipuladas.
Fotografía directa
Al mismo tiempo, no obstante, existía un grupo de fotógrafos estadounidenses que, siguiendo las teorías de Stieglitz, continuaron con la fotografía directa, es decir, no manipulada. En los años treinta varios fotógrafos californianos crearon un grupo informal al que llamaron f/64 (f/64 es la abertura del diafragma que proporciona una gran profundidad de campo). Los miembros de f/64, Weston, Adams y Cunningham, entre otros, compartían la opinión de que los fotógrafos debían explotar las propias e inherentes características de la cámara para conseguir una imagen que captara los detalles lejanos con una nitidez igual a la de los objetos cercanos. Estos artistas tomaron imágenes directas de formas naturales, personas y paisajes.
Últimas tendencias
Desde 1950, han ido apareciendo diversas tendencias a medida que la distinción entre la fotografía documental y la artística se hacía menos clara. Algunos fotógrafos se inclinaron hacia la fotografía introspectiva mientras que otros lo hicieron hacia el paisajismo o el documento social.
" Miliciano herido de muerte, 1936 "
Desde el 1941 hasta el 1946 trabajó como corresponsal de guerra de la prestigiosa revista Life cubriendo la guerra civil española, la 2ª guerra Mundial y la guerra de Indochina (Vietnam). Robert Capa murió en esta última guerra al pisar una mina.
En 1946 se nacionalizó estadounidense y al año siguiente junto a Cartier-Bresson, David Saymour y George Rodger fundó la Agencia Magnum de la que fue presidente durante tres años. Esta organización fue la primera agencia mundial de fotógrafos independientes, y es un verdadero banco que guarda en miles de imágenes fotográficas los hechos más importantes ocurridos en el mundo desde la II Guerra Mundial.
Robert Capa, recibió numerosas condecoraciones y homenajes por su fotografía atrevida e intrépida, ya que para el tenía mucha más importancia el drama, el momento, el instante que el captaba en sus tomas que no el aspecto técnico o la calidad de la imagen. En 1966 se creó la Fundación en Memoria de Bischof, Capa y Seymour, que fue la base para la creación en 1974 del Centro Internacional de Fotografía, fundada por su hermano Cornell.
CARTIER-BRESSON, Henri
CARTIER-BRESSON, Henri (1908-2004) Nació en Chanteloup, Seine et Marne, Francia. Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un
conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.
Detrás de Gare Saint-Lazare (1932)
Calle Mouffetard (1954)
En 1937 empezó a trabajar para varias revistas y periódicos como reportero gráfico. Fue llamado a filas en 1940, para la Unidad de cine y fotografía del ejército francés, durante la II Guerra Mundial le detuvieron los alemanes durante 35 meses. Después de tres intentos escapó de la prisión de Wuttemberg dirigiéndose a París, allí trabajó para la Resistencia en
- Organizó la filmación y fotografió la Ocupación y la Liberación de París.
En 1945 dirigió, para la oficina de información bélica de Estado Unidos, el documental Le
retour (El retorno). Volvió a Estados Unidos en 1946, donde conoció y fotografió a
numerosos escritores y artistas como William Faulkner, Alfred Stieglitz o Saul Steinberg.
Destacar como anécdota que en este año asistió a la exposición que el MOMA (Museo de
Arte Moderno de Nueva York) le había organizado después de creerle muerto en la guerra.
En 1947 junto a Capa, Saymour y Rodger fundaron la Agencia Mágnum y durante veinte
años se recorrió todo el mundo siendo considerado uno de los reporteros más importantes
de su época. Cartier documentó actos tan importantes como el funeral de Gandhi, la Guerra
Civil en China, entre otros... Su primer libro fue publicado en 1952 titulado Images à la
Sauvette. En 1955, por invitación expresa del Museo de Louvre de París, fue el primer
fotógrafo que expuso su obra allí. Abandonó Mágnum en 1966 volviendo al dibujo y la
pintura, aunque siguió con la fotografía. Para él "La fotografía es, en un mismo instante, el
reconocimiento simultáneo de la significación de un hecho y de la organización rigurosa de
las formas, percibidas visualmente, que expresan y significan ese hecho". Gracias a las
exposiciones del Centro Internacional de Fotografía a partir del 1979 sus imágenes han
recorrido todo el mundo. Algunas de sus colecciones son: The Decisive Moment (1952), The
World of Henri Cartier-Bresson (1968), Henri Cartier-Bresson (1980), Henri Cartier-Bresson:
The Early Work publicado por Peter Glassi en Nueva York (1987).
Muere a los 95 años de edad el día 3 de Agosto del 2004 en su residencia "Le Claux" al norte de Marsella-Francia.
EASTMAN, George
EASTMAN, George (1854-1932), inventor y filántropo estadounidense, trabajó la primera parte de su vida como empleado de banca, estudiando en sus horas libres los procesos fotográficos. En 1879 patentó en Inglaterra una máquina que aplicaba el gelatino-bromuro de forma homogénea, sobre las placas de cristal. Pero no fue hasta el año 1884 en el que patentó la primera película en forma de carrete que empezó a ser práctica.
En 1888 perfeccionó la cámara Kodak, esta fue la primera cámara pensada para película en forma de carrete. En 1892, fundó la compañía Eastman Kodak Company, en Rochester (Nueva York). En 1889 el rollo de papel fue sustituido por uno de celuloide, con él nació el carrete de película para fotografía y su utilización en el desarrollo del cine. En 1895 se fabricó la primera cámara que se podía cargar y descargar la película a plena luz. Cabe destacar que el año 1935 se lanzó la película Kodachrome y en el año 1946 después de la Segunda Guerra Mundial.
George Eastman dedico gran parte de su vida a la divulgación de la fotografía, lo cual le llevo a crear la gran multinacional firma Kodak. También fue uno de los filántropos más destacados de su época, entregando más de 75 millones de dólares a diversos proyectos. Entre ellos a la: educación medicinal, fundación de la Escuela Eastman de Música, y a colegios afro-americanos entre otros. En 1932, decidió quitarse la vida dejando una nota en la que ponía:
" Mi trabajo está hecho, ¿por qué esperar? "
NIÉPCE, Joseph Nicéphore
NIÉPCE, Joseph-Nicéphore (1765-1833) fue el primero en conseguir fijar una imagen. Esto sucedió en el 1826/27 cuando logró fijar una imagen permanente del patio de su casa. Para realizar esta fotografía utilizo una plancha de peltre recubierto de Betún de Judea, exponiendo la plancha a la luz quedando la imagen invisible; las partes del barniz afectadas por la luz se volvían insolubles o solubles,
dependiendo de la luz recibida.
Después de la exposición la placa se bañaba en un disolvente de aceite esencial de lavanda y de aceite de petróleo blanco, disgregándose las partes de barniz no afectadas por la luz. Se lavaba con agua pudiendo apreciar la imagen compuesta por la capa de betún para los claros y las sombras por la superficie de la placa plateada.
En 1829 se asoció con Daguerre, en esta sociedad consiguieron el perfeccionamiento de la cámara oscura. Existen también cinco cámaras de madera de nogal en las que pusieron un diafragma de vidrio, dispositivos de báscula y fuelle.
El 5 de Julio de 1833, Niépce muere después de sufrir un ataque de apoplejía dos días antes.
DAGUERRE, Louis Jacques
Mandé
DAGUERRE, Louis Jacques Mandé (1787-1851), nacido en Francia, estudió arquitectura, y se dedicó a la pintura y a la fotografía. Creador del daguerrotipo, fue famoso por su Diorama, que consistía en un amplio decorado de varios planos recortados y con una iluminación especial, que producía un efecto de perspectiva al espectador.
En el año 1829 colaboró con el físico francés Nicéphore Niépce, entre ellos dos surgieron las primeras fotografías de la historia, consiguiéndolas en el año 1837 desarrollando un método adecuado para fijar imágenes, mediante una solución de cloruro de sodio.
Al morir Niépce (1837), Daguerre perfeccionó el daguerrotipo, del cual se conseguía una imagen a partir de una capa sensible de nitrato de plata, la cual se extendía en una base caliente de sal común, revelada con vapor de mercurio. La innovación de Daguerre consistió en sumergir la plancha en la solución, esto hacia que quedara fijada.
En 1839 Daguerre se vio obligado a ceder los procedimientos secretos de pintura y física del Diorama y el daguerrotipo al estado francés, a causa del incendio de su "Diorama". La divulgación de su invento le llevo a la fama mundial, con nombramiento de academias de todos los países y concesiones de condecoraciones francesas y extranjeras.
Daguerre ayudado de su cuñado consiguen sacar al mercado la cámara llamada Daguerréotype, la cual era numerada y llevaba la firma de Daguerre. El procedimiento del Daguerréotype, tuvo tanto éxito, que fue traducido a los principales idiomas.
Resumen
En el presente estudio se contara la historia de la fotografía con el fin de encontrar en que punto de la historia esta dejo de ser un mero instrumento y adquirió un valor estético y popular. Empezaremos con los principios de la fotografía en Francia, hablando sobre cómo fue inventada, cuáles fueron sus primeros usos y los primeros fotógrafos. Se seguirá la historia de la fotografía mencionando su expansión a fuera de Europa, el inicio del fotoperiodismo y sus profesionales y la decadencia de la fotografía por el florecimiento de la televisión. También hablaremos de la fotografía actual, o sea, la fotografía digital y los nuevos géneros fotográficos. Por último se discutirá sobre la polémica acerca de si la fotografía puede ser considerada un arte.
Introducción
Leonardo Da Vinci fue quien empezó a dar las bases a la fotografía, inventando una máquina capaz de copiar la realidad, la cámara oscura, en los finales del siglo XV y principios del XVI. En el Renacimiento también se hizo otra aproximación a la fotografía, se invento un espejo para enderezar la imagen y colocarla sobre un plano horizontal, la cámara lúcida. Esta permite ver al modelo y calcarlo a tamaño natural para que se pueda copiar.
La fotografía nace en Francia tres siglos después, en el momento de la revolución industrial, favorecida por las innovaciones técnicas del siglo XIX. En sus inicios es usada principalmente por la burguesía, que acostumbraba tener retratos para mostrar status y ascensión social.
Después de más de un siglo de evolución y perfeccionamientos, en 1990 nace la fotografía digital con la primera cámara de este tipo, producida por Kodak. Desde ahí empezó la era digital de la fotografía, que hoy es algo muy popular y ya hace parte del cotidiano.
La fotografía se inicio como medio de auto representación y al poco tiempo se convirtió en una industria y se infiltró por todas partes. Como medio de reproducción, la fotografía ha igualado la obra de arte volviéndola accesible a todos. Al mismo tiempo ha cambiado nuestra visión del arte, usada como medio de expresión artística creativa. Es algo más que una simple copia de la naturaleza y de la realidad, por el contrario, las toma y las transforma. Pero ¿en qué momentos de la historia la fotografía se ve la transición de esta de un instrumento para la burguesía a un producto masivo y con un valor estético? A lo largo de este estudio se podrá presenciar el cambio, el cual no es tan explicito. Es un tema muy relevante en nuestra época, ya que la fotografía se volvió una gran forma de arte y algo que nos permite registrar nuestra historia como personas y como sociedad. Además, los fotógrafos llegan a ser artistas de tal valor como los pintores, escultores, escritores, etc.
Capítulo 1.
Historia de la fotografía
1.1 Principios de la fotografía "Toda invención está condicionada, en parte por una serie de experiencias y conocimientos anteriores y en parte por las necesidades de la sociedad. Añadamos la parte de genialidad personal y, a menudo, de acierto fortuito. Así fue como, en 1824, Nicéphore Niépce inventó la fotografía."[1] La fotografía fue inventada porque ya se estaba tornando una necesidad en la sociedad y en el mundo. Niépce pasó años buscando socios que aportaran fondos. A los comerciantes no les importaba y las personas que si les interesaba no querían arriesgar su dinero en algo que todavía no era muy concreto. Niépce murió en 1833 en plena miseria y desconocido.
Quien se quedo con el merito fue Daguerre, un pintor y hombre de negocios. Daguerre lo que hizo fue perfeccionar a través del diorama, el procedimiento de Niépce. Él hizo un contrato con el hijo de Niépce, Isidore, que había recibido de su padre la propiedad del invento. Nicéphore Niépce nació en 1769 en Francia en una familia noble. Niépce debido a su situación social y familiar, hacía muchos
experimentos e investigaciones. En esa época la ciencia estaba muy de moda en la burguesía, la química particularmente. Con la revolución de 1789 Niépce se retiró a las tierras de la familia, así como la mayoría de la clase noble. Niépce empezó a dedicarse cada vez más a sus investigaciones y de ahí empezó la fotografía. Lo que hizo fue primorear y agregarle más pasos a la litografía. El primer resultado decisivo lo hubo en 1824.
Leer más: http://www.monografias.com/trabajos69/historia-fotografia/historia- fotografia.shtml#ixzz30pbNcXy
La primera foto del mundo, por Joseph - Nicéphore Niépce en 1826 [2] La fotografía no surgió de la nada, su invención tiene antecedentes que se fueron perfeccionando hasta el procedimiento inventado por Niépce. Uno de los precursores de la fotografía es la litografía que como ya dije antes fue primoreada por Niépce hasta llegar a la fotografía. Niépce murió en plena miseria y su invento, a lo que había dedicado gran parte de su vida y de su fortuna, acabo no teniendo el debido reconocimiento por parte de las autoridades y la sociedad francesa. Eso que surgió en Paris, que estaba apareciendo en todos los medios públicos y llamando la atención de todos a pesar de ser la fotografía, no le decían fotografía sino daguerrotipo. El nuevo invento no era accesible a las masas y eso hacía que su interés aumentara cada vez más pero como vamos a ver más adelante los precios de los aparatos empiezan a bajar y ser más accesible. El proceso Daguerre resultaba bastante incomodo, para tener el resultado se tardaba más o menos media hora y a veces hasta tenían que llevarse tiendas y laboratorios ambulantes. La daguerrotipia tenía un inconveniente fundamental: no se podían hacer otras copias. Otra cosa era que los primeros aparatos, con todos sus accesorios pesaban a lo mucho cincuenta kilos.
Ya en el año 1842, los aparatos habían disminuido a su tercia parte aproximadamente, ya se consideraban "portátiles". El precio de los aparatos bajó a la mitad. Este fue uno de los puntos cruciales para que la fotografía se volviera algo más popular y masivo.
