Constructivismo, Bauhaus y Estilo Industrial: Análisis Comparativo - Prof. Ramos Perales, Monografías, Ensayos de Historia

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¿QUÉ DIFERENCIA HAY ENTRE

CONSTRUCTIVISMO, BAUHAUS Y

ESTILO INDUSTRIAL?

dentro del mundo del arte

La industrialización que se originó en Inglaterra y luego se extendió por toda Europa no solo tuvo un gran impacto económico, sino que además generó: ♦ Enormes transformaciones sociales con el surgimiento de nuevas clases sociales: El antiguo agricultor pasa a ser un obrero industrial, con una paga y horario establecido y la antigua aristocracia terrateniente se convierte en la burguesía industrial, que basó su poder en la fortuna y no en el origen familiar. ♦ Problemas de sobrepoblación, las ciudades no estaban preparadas para acoger a los que llegaron para trabajar en las industrias. Este desplazamiento trajo como consecuencia la escasez de viviendas. Por lo tanto obligó a los nuevos trabajadores a compartir espacios y a vivir en hacinamiento con todos los problemas que ello conlleva: ausencia de privacidad, estrés, mayor riesgo de transmisión de enfermedades, aumento en la frecuencia de accidentes, promiscuidad, etc. ♦ Si a esto le sumamos la falta de una legislación que protegiera a los trabajadores en cuanto a salarios (que eran miserables) y horarios de trabajo (más de catorce horas diarias) nos encontramos con un caos social, una nueva forma de pobreza, ante una industrialización que prometía grandes cambios y mejoras de todo tipo. A estos problemas de los trabajadores: la mala calidad de vida; la pobreza que, como forma irónica se agudizó a pesar de tener un empleo/salario; el duro trabajo y los peligros laborales que se enfrentan a diario, a todo esto se le llamó la «Cuestión social» El movimiento del Constructivismo y la escuela Bauhaus surgen como respuesta a los problemas sociales que se originan por la revolución industrial y que a su vez, se relacionan con el estilo industrial. Para más contexto sobre esto he dejado unos apunes en el blog: Diferencia entre revolución industrial y el estilo industrial. Antes de ver las respuestas del estos movimientos, debo señalar algunos acontecimientos de ese período de la historia:

Contexto histórico-político

Al llegar al siglo XX la sociedad continúa evolucionando y surgen nuevos conceptos del movimiento, del tiempo, del sonido y de la manera de ver las cosas. Entonces el cubismo nos muestra esa nueva visión, rompe con la perspectiva tradicional y representa todas las partes de un objeto en un mismo plano. Se reproduce lo que se sabe del objeto, no existe un punto de vista único, los detalles se suprimen. Sin embargo, el movimiento sólo está sugerido y el sonido aún no está planteado. Surgen también el Constructivismo, De Stijl, el Neoplasticismo y la Bauhaus. Son movimientos paralelos que se influencian mutuamente, aunque cada uno hará aportes y modificaciones en torno a conceptos del tiempo y espacio para crear figuras dinámicas, con carácter abstracto, formas geométricas y líneas inclinadas.

Los movimientos artísticos

Constructivismo

El arte constructivista es un movimiento artístico y arquitectónico que nace en Rusia en 1914 que se hace especialmente presente después de la Revolución de Octubre ya que la coyuntura política del momento necesitaba que las nuevas artes reflejaran el cambio de la sociedad y la arquitectura cobra un rol protagónico. Comparte los principios del cubismo arriba mencionado, le agrega formas pesadas y figuras geométricas con alusiones a elementos que simbolizaran el progreso (según las ideas socialistas). En 1920, mediante un decreto firmado por Vladímir Lenin, se estableció en Moscú los «Talleres de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica» (la Vjutemás) una escuela estatal de arte y técnica que tendría como función formar artistas para la industria. Edificio que ocupó Vjutemás Los talleres buscaban: «preparar maestros artistas de las más altas calificaciones para la industria, constructores y administradores de la educación técnico- profesional» y se establece que los estudiantes tendrían una «educación obligatoria en la literatura política y en los fundamentos de la visión del mundo comunista en todos los cursos». Naum Gabo señalaría más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más a la discusión política e ideológica que a la creación artística.

Los métodos de enseñanza fueron funcionales e imaginativos, reflejando un interés en la psicología de la Gestalt: «El todo es más que la suma de sus partes» El cubo de Necker^ y la^ Copa de Rubin , dos ejemplos de percepción multiestable La escuela Vjutemás se convirtió en el centro del constructivismo en Moscú. En 1921 la Vjutemás inició una rama arquitectónica dirigida por Nikolai Ladovsky en donde surgieron tres centros principales: ♦ El «Taller académico», bajo la dirección de Alexei Shchusew. ♦ Los «Talleres reunidos de izquierda», constituidos por Nikolai Ladovski, Vladímir Krinsky y Nikolái Dokucháiev. Estos talleres se centran en el desarrollo de la percepción espacial, restando importancia a las enseñanzas clásicas, obviando transmitir a sus alumnos los órdenes clásicos para evitar que produjeran copias y variaciones del arte clásico, alegando que los viejos sistemas estaban desacreditados siguiendo el manifiesto de Ornamento y Delito de Adolf Loos (que critica el ornamento en objetos útiles), a la vez que proponían generar un arte partiendo de nuevos elementos. Otra característica distintiva fue la incorporación de maquetas de trabajo en detrimento del trabajo gráfico bidimensional. ♦ El departamento de «Arquitectura experimental» o «Romanticismo simbólico» conocidos por su enfoque individualista, bajo la dirección de Konstantín Mélnikov e Iliá Gólosov, quienes en 1923 redactaron las consignas de la Nueva Academia. En ella se continúa la polémica con los otros departamentos de la misma escuela y la dialéctica entre lo viejo y lo nuevo, la forma y la imitación, la ausencia y la decadencia, el principio y el final. Una de las cosas que puntualizan en las consignas, al hablar de la enseñanza del arte clásico: […] La verdadera marca de la NUEVA arquitectura no es sólo la reutilización de formas, sino que se basa en y a través de la reutilización de las gradaciones perceptuales establecidas de la VIEJA arquitectura […] La Vjutemás disolvió en 1924 este departamento de arquitectura. Mélnikov dejó la enseñanza en la Vjutemás, sin embargo en el diseño tuvo un éxito indiscutible.

Los nuevos arquitectos, aunque defendían un modo de vida colectivo, abogaban por una mayor libertad individual. Las viviendas ya contaban con una serie de servicios y suministros colectivos y estos arquitectos creían que cada persona tenía que tener su espacio individual para pasar tiempo solo o con las personas más próximas. Como primer prototipo de este nuevo paradigma, el arquitecto Ginsburg diseñó en Moscú, entre 1928 y 1932, el Edificio Narkomfin (abreviatura de Comisariado del Pueblo para las Finanzas) que luego se convertiría en un prototipo de los modernos bloques de apartamentos y urbanizaciones para toda Europa. Los planos pueden consultarse en la wiki: Edificio Narkomfin. Entre 1930 y 1950, hubo diversos concursos públicos organizados por el estado soviético para cambiarle la cara a Moscú con el objetivo de plasmar las ideas socialistas en edificios monumentales, que representaran la grandeza del proletariado y el socialismo, aunque muchos de los proyectos nunca llegaron a concretarse. Casa comunal del Instituto Textil Apartamentos Gosstrakh ♦ Los constructivistas: Con un concepto de arquitectura radicalmente funcional y tecnicista. Destacaron algunos proyectos de vivienda colectiva, como la Casa Comunal del Instituto Textil, de Ivan Nikolaev. Los apartamentos Gosstrakh en Moscú de Guínzburg.

Edificio del Narkomfin (1928-1930), de Moiséi Guínzburg e Ignati Milinis Moiséi Guínzburg, líder del movimiento en materia de arquitectura, escribió un manifiesto llamado Estilo y época, donde plantea tres ideas centrales que debían cumplir las obras edilicias del constructivismo: ♦ El papel catalizador de la arquitectura y del entorno. ♦ Que sea construido para el cambio social. ♦ La necesidad de un método organizado por el cual el proyectista pueda responder lógicamente y deje la intuición de lado. Como dato curioso y paradójico, este edificio emblemático de esta nueva postura se convirtió en el hogar de empleados que ocupaban cargos importantes, aunque originalmente estaba destinado alojar a los trabajadores de Narkomfin. En la actualidad se encuentra en un estado lamentable.

Golpea a los blancos con la cuña roja. El Lissitzky, 1919 Boceto de Aleksandra Ekster. 1924. Colección Lobánov-Rostovsky Aleksandra Ekster, pintora y diseñadora vinculada al suprematismo, constructivismo y al cubofuturismo (fusión de los elementos del futurismo y cubismo analítico. Principal escuela de pintura y escultura de los futuristas rusos) Ekster trabajó en las cooperativas artesanas campesinas; fundó un taller de enseñanza y producción en Kiev (1918–1920) También durante este período fue una de las principales diseñadores escénicas del Teatro de Cámara de Alexander Tairov. En 1919, junto con los otros artistas de vanguardia .decoró, con un estilo abstracto, las calles y las plazas de Kiev y Odesa para las Festividades de la Revolución. En 1921, se convirtió en directora del curso elemental Color en la Vjutemás. El Lissitzky, es uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo. Diseñador, fotógrafo, tipógrafo y arquitecto, una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa. Su póster más conocido: Golpea a los blancos con la cuña roja. También contribuyó al desarrollo del suprematismo (movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales, en particular, el cuadrado y el círculo) Diseñó numerosas propagandas para la Unión Soviética, una de las últimas fue para exaltar los esfuerzos rusos en la II Guerra Mundial, titulado Davaite pobolshe tánkov! («¡Dadnos más tanques!»)

Más allá de la propaganda política las técnicas de producción y recursos estilísticos de El Lissitzky, así como la de otros representantes del constructivismo, del grupo De Stijl y el neoplasticismo, influyeron en la Bauhaus y en el diseño gráfico del siglo XX.

Neoplasticismo

El Neoplasticismo es un movimiento que se inició en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También se ha denominado constructivismo neerlandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y especialmente al cubismo y al futurismo. Este movimiento también influenció a la obra de Pieter Oud, Walter Gropius, Van Der Rohe, Le Corbusier. Mondrian pasó de la pintura del paisaje tradicional a un estilo simbólico, para luego eliminar todo indicio de los elementos figurativos. Evolucionó del cubismo hacia una abstracción geométrica pura y jamás aceptó la línea diagonal en sus trazados. Composición de Mondrian de 1917

Ahora bien esta búsqueda de un arte puro de relaciones visuales permaneció como una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo XX. La tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferente. Y volviendo al tema de la industrialización y los problemas de los trabajadores, encontramos que durante el siglo XX en medio de los procesos de democratización, el movimiento obrero logra que se reconozcan sus derechos y su integración a la participación social, pero la nueva forma de pobreza sigue arrastrando antiguos problemas de convivencia. Entonces surgen otras respuestas artísticas a través de la escuela Bauhaus. Es una escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en Weimar, Alemania, en 1919 por Walter Gropius y cerrada por el partido nazi (1933) debido a que la ideología Bauhaus era vista como judío-socialista. Muchos de los integrantes de la Bauhaus, entre ellos el mismo Walter Gropius, se refugiaron en Estados Unidos, en donde se desarrolló hasta la Guerra Fría, una especie de «continuación de la Bauhaus». En el momento de su fundación los objetivos de la escuela fueron, según lo expresó Gropius: «La recuperación de los métodos artesanales en la actividad constructiva, elevar la potencia artesana al mismo nivel que las Bellas Artes e intentar comercializar los productos que, integrados en la producción industrial, se convertirían en objetos de consumo asequibles para el gran público» ya que una de sus metas era la de independizarse y comenzar a vender los productos elaborados en la escuela, para dejar de depender del estado que hasta ese momento era quien los subsidiaba. Silla roja y azul diseñada por Gerrit Rietveld en 1917.

Escuela de la Bauhaus

Cabe recordar que uno de los objetivos de los artistas del neoplasticismo y del grupo De Stijl era la integración de las artes y que los constructivistas, al igual que los dos anteriores, se inspiraron en movimientos como el cubismo. Por lo tanto la Bauhaus se alimenta de todos ellos y logra combinar de manera perfecta a todas las artes con un solo objetivo: la creación de la obra en relación a su función. Walter Adolph Georg Gropius buscó la unión entre el uso y la estética. Se planteó el problema de la edificación en relación con el sistema industrial y con la producción en serie, llegando a considerar el edificio como un producto directo de la industria. La primera guerra mundial interrumpió su actividad al llamarlo al frente. Y durante esos años comprendió que la arquitectura iba a desempeñar un papel importante en el problema social que la posguerra plantearía y que esta debía fundirse con la estética. Fundó, junto con Konrad Wachsmann (en 1943), una empresa de edificaciones prefabricadas. El nombre Bauhaus se deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, «construcción» y Haus, «casa»; pero a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la escuela no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su Walter Gropius (1883-1969), fundador y director de la Escuela de la Bauhaus (1919-1928) existencia. Sin embargo sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico, estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela.

Recordemos que el estilo industrial es una tendencia estética en el diseño de interiores que parte de la utilización de antiguas fábricas y espacios industriales como viviendas. (Cómo nace y cómo se define →aquí) Usa ladrillos, sistemas de construcción y tuberías a la vista, pisos de concreto, grandes ventanas, también incorporan madera desgastada, accesorios de iluminación industrial y concreto para crear una sensación de inacabado y darle al espacio característica de «almacén» (en el caso de hacerlo en un espacio diferente a la fábrica). Ahora bien, recordemos que en los períodos anteriores ya los artistas se habían planteado el problema de la vivienda y de las artes: ♦ La arquitectura neoplasticista y el grupo De Stijl, tenían como requisito principal un diseño preferiblemente sin paredes internas. ♦La Bauhaus suma los aportes de los movimientos anteriores y logra combinar de manera perfecta a todas las artes con un solo objetivo: la creación de la obra en relación a su función. Si tomamos en cuenta que en 1937 se crea la primera escuela de diseño industrial en Estados Unidos, la New Bauhaus, es de suponer que los artistas pioneros en estas nuevas viviendas tuvieran conocimientos de estos principios y que los adaptaran a sus necesidades de vivienda/talleres. Lo hicieron tan bien, que pronto fueron copiados para hacer de estos espacios diversos comercios como galerías de arte, restaurantes y viviendas para personas con altos ingresos. En la actualidad, el concepto de estilo industrial es más amplio y también se puede ver en el uso de materiales inesperados que son utilizados para la construcción, como son los contenedores de envío que ahora se emplean para construir hogares, espacios comerciales, centros de datos modulares, clínicas médicas móviles, etc.

Estilo Industrial

Es indudable que estos movimientos, grupos, escuela, marcaron y cambiaron de manera definitiva a nuestra vida cotidiana. Ratificando que el arte/artista refleja, transmite o advierte en todas las épocas con un mensaje que a veces no está muy claro para sus contemporáneos, pero que al quedar la obra puede ser motivo de reflexión para las generaciones posteriores.

A manera de conclusión

Urban Rigger, el alojamiento estudiantil flotante que revoluciona Copenhague Es habitual estar cómodos en una silla que encaja con el espacio del salón, aunque ésta no sea de «marca» y utilizar un utensilio de cocina bonito y cómodo, y esto es gracias a la Bauhaus. También es normal hoy en día las publicidades a gran formato, llenas de colores y formas geométricas. El arte en las calles (esculturas vivientes, happening, graffitis, etc.) Todo esto fruto de una respuesta artística a un cambio social y económico. Si miramos atrás vemos que todos estos aportes han impactado considerable en nuestras vidas y han contribuido en la percepción que tenemos de la realidad. Hoy disfrutamos y vemos como «normales» vivir en un apartamento o piso con espacios individuales, aunque seamos de clase obrera, como el que diseñó Ginsburg. Los espacios abiertos dentro de las viviendas y los grandes ventanales, algunos materiales «inusuales» de construcción siguen siendo de vanguardia. El arte se ha vuelto práctico, atrás quedaron la búsqueda de la belleza, la estética y el carácter mágico religioso de sus inicios. No busca exclusivamente un reflejo, ni análisis, ni trasmite una expresión de la época como el realismo, cubismo o romanticismo, por ejemplo, sino que refleja la diversidad de perspectivas tan propias del posmodernismo. El arte debe autofinanciarse (como la Bauhaus buscó no depender del estado para sostenerse, el artista ya no depende de un mecenas para sobrevivir) por lo que su arte debe ser útil y sobre todo consumible. Mas allá de la arquitectura, del diseño industrial, gráfico, la publicidad y la decoración (que tiene fines prácticos evidentes) el resto de las artes tiene como fin o vida útil el entretenimiento: única forma de ser rentable, consumible y disfrutable.