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Laura Pérez Santamaría | 3º Historia del Arte

HISTORIA DEL CINE Y

OTRAS ARTES

AUDIOVISUALES DESDE

máxima rentabilidad al trabajo de cada persona, para ello se establece un equipo directivo y una organización muy jerarquizada, en la que los trabajadores estaban con el estudio una gran cantidad de tiempo. tanto técnicos como actores de Hollywood (problemas: Contratos larguísimos, de unos 7 años, con disponibilidad casi absoluta).  Ahora ya no es así, ya no hay grandes estudios de Hollywood.

LOS PRODUCTORES

De carácter financiero y organizativo, dentro de los límites que marcan los presupuestos. Pueden ser varios, un productor ejecutivo, que decide los temas, compra los derechos y fija el proyecto, el jefe de producción es el que lleva a cabo el proyecto, el productor asociado, un productor independiente, que crea un proyecto y se lo ofrece al estudio. En el cine europeo hay productores delegados, ejecutivos, otros que tienen que vincularse con otros mecanismos como las televisiones, que muchas veces financian parte de la película.

El guion condiciona mucho la película, puede ser una historia creada para el cine o una adaptación de un relato previo, una novela, un relato, un cuento, etc.

EL GUIÓN :

Es el documento que contiene todos los elementos que componen la película, todo lo que tiene que describir los movimientos y sirve también para buscar la financiación porque el hipotético financiero se sirve del guion, no obstan va desde la sinapsis argumental, el tratamiento o guion literario, la primera estructura dramática, desarrolla los apuntes narrativos pero es mucho más larga porque escribe todos los aspectos de la película, detallando la ambientación o la caracterización de los personajes, Sin detalles o especificaciones técnicas, el guion técnico incorpora todas las indicaciones técnicas de cada uno de los planos describiéndolas, la banda sonora el objetivo para cada secuencia, el tiempo, los escenarios y ambientaciones, las condiciones y los diálogos.

• El desarrollo se habla de planificación o de coupage : Método de análisis fílmico que consiste en desglosar las secuencias de un film en planos para posteriormente poder analizarlas con más detalle. Este documento de papel es utilizado por el equipo técnico como instrumento de trabajo y les es muy útil para visualizar de manera rápida la estructura y la continuidad de la obra fílmica acabada. Los análisis de films suelen acompañarse por mini capturas fotográficas que ilustran visualmente al detalle cada uno de los planos. Dichas imágenes van acompañadas por el nombre de clasificación de plano, la angulación, la composición, la iluminación, las transiciones, etc. Son muchos los elementos técnicos a destacar y dependiendo del análisis el decoupage determina que sea más o menos completo.

• El storyboard es un libro con ilustraciones en forma de viñetas que se corresponden con la planificación total de la película, suele ser un instrumento muy utilizado recientemente, es un apoyo muy visual. Sirve como guía al director; no obstante, él puede desglosar y segmentar su filmación sin seguir estrictamente el orden lógico de la trama.
• El guion clásico de Hollywood se basaba en una serie de personajes principales que monopolizaban la acción, con un planteamiento, un nudo y un desenlace, lo habitual es que al final todas las situaciones abiertas queden cerradas al final. No es algo cerrado, puede sufrir variaciones.

Casablanca , Michael Curtiz, Warner, (1942).

Basada en una obra de teatro previa, los hermanos Epstein son los primeros guionistas encargados. Esta película presentó desde su comienzo una serie de problemas: Querían ambientarla en la época de la II Guerra Mundial, por lo que debían aprovechar la situación política existente y terminarla antes de que esta situación llegase a su fin. Además, Humphrey Bogart exige un tiempo determinado para el rodaje. Así, la película se empezó a rodar íntegramente en estudio sin tener el guión acabado. Howard Koch se encargaría del guión e iría preparándolo las noches antes de los rodajes, pero un nuevo problema surgió: El tratamiento del personaje de Ingrid Bergman, y el final de la película. No sabían cómo tratar el personaje de Isla y llegaron al entendimiento de que Ingrid trabajara “entre dos aguas”, manteniendo su enamoramiento tanto por su marido como por Rick. El final esperado es que Rick e Isla acaben juntos, pero la autocensura no iba a permitir ese final ya que ella estaba felizmente casada con su marido (gran salto moral). Otra opción sería matar a Rick, que moriría como un héroe y se salva moralmente a Isla, pero el público no iba a aceptarlo. La última opción era matar a Laszlo, pero siendo el personaje que apoya la recesión francesa, la película se contradiría. De modo que el verdadero final, Rick deja a Isla.

Casablanca a pesar de considerarse el ejemplo por excelencia del cine clásico, es un ejemplo de guion atormentado, parte de una obra de teatro, paso por varios guionistas y cuando se acudió al rodaje de la película, a pesar de que lo normal era tener ya el guión cerrado, en este caso no era así y muchas veces los actores recibían el guion por la mañana y los personajes se iban escribiendo día a día y evolucionando con ellos.

T E M A 2 : L A A P A R I C I Ó N D E L C I N E

S O N O R O

Lo que sucede con el cine sonoro no es que acaba un sistema, sino que se profundiza y perfecciona. El cine silente nunca había existido como tal, todas tenían acompañamiento (como los explica o las orquestas) y se rodaban habladas, solamente que no existía el medio técnico para grabar y sincronizar el sonido.

AVANCES DE CARÁCTER TÉCNICO PARA EL CINE SONORO

A finales de los años 20 tienen lugar una serie de avances de carácter técnico que tienden a la consecución del cine con sonido sincronizado (cine sonoro). Los principales problemas eran que la sincronía se podía conseguir en una serie de imágenes, corta, pero era muy difícil de mantener a lo largo de toda una película; y el otro problema era el tema de la amplificación de ese sonido grabado. La muy escasa duración de los discos que se empleaban para grabar el sonido, cilindros de fonógrafo o discos de gramófono, eran la causa de que la sincronía fuera en una serie corta de imágenes. Estos fueron los primeros artefactos que se utilizaron para grabar y sincronizar el sonido.

Es Edison el primero que empieza a investigar en estos asuntos, en 1895, había probado sistemas de sonido sincronizado y fue el primero en lidiar con los problemas de sincronía y amplificación. En Francia, Gaumont , desarrolló un sistema llamado cronophone que era un proyector de cine unido a dos fonógrafos, pero no se pudo mantener la sincronía y el sonido era hueco, falso, no era verosímil. Edison volvió a la carga en 1913 con un aparato llamado kinetophone que también intentaba esa sincronía, mejoraba la calidad del sonido pero los proyeccionistas eran incapaces de mantener la sincronía, no había amplificación suficiente, y el sonido seguía siendo metálico. Otros personajes investigaron estos problemas, pero entre ellos destaca un pionero de la radio llamado Lee De Forest , que inventa el fonofilm , el cual suponía un avance revolucionario en todas estas investigaciones porque resolvía el problema de la sincronía: Conectó el sonido directamente a la película y no a aun aparato externo. Pero no conseguía bastante amplificación y no tuvo salida comercial.

LA ATT Y LA WARNER BROTHERS

El desarrollo de un sistema de sonorización eficaz llega con una empresa americana, la ATT. Esta empresa instituyó una industria subsidiaria, la Western Electric, porque entonces estaba interesada en mejorar la transmisión telefónica a larga distancia, por lo que desarrollaron un micrófono y amplificador (sonido eléctrico). La aplicación lógica de este invento era el cine sonoro.

Cuando la ATT lo planteó a algunas empresas de cine, como la Paramount, no se mostraron interesadas, salvo una pequeña productora, la Warner Brothers , que en 1925 firmó con la ATT un contrato para el desarrollo del cine sonoro. La Warner Brothers, pequeña empresa en expansión, necesitaba ampliar su mercado pero las otras empresas dominaban el mercado. La Warner vio con el cine sonoro una parcela inexplorada del mercado e intentó que el público viera en principio los números musicales más comerciales (Broadway) y famosos grabados con el nuevo sistema de la ATT y que le iban a salir más baratos que verlos en vivo. Simultáneamente la Warner siguió trabajando en películas de cine silente. Poco a poco vio que eso tenía éxito y empezó a desarrollar acompañamientos orquestales en la película, sincronizados, que fueron muy bien recibidos por el público y era más económico.

El cine sonoro tal como lo conocemos hoy con diálogos y efectos no parece que estuviera en los primeros planteamientos de la Warner. La Warner ve que el negocio puede funcionar y crea una empresa, la Vitaphone Corporation , con el fin de desarrollar películas sonoras con el sistema de la ATT. Dado que era el primer estudio que entraba al cine sonoro, contrató a todas las estrellas de Broadway, bodevil, estrellas de éxito de musicales… e incluso contrató a la Orquesta Sinfónica de Nueva York para que pusiera música a sus películas más ambiciosas.

En la época del 1926 - 27, la Vitaphone presentó un primer espectáculo que, entre otras cosas tenía, la intervención de William H. Hays (código de censura) felicitando a la Warner por estas novedades, aparecía la Filarmónica de Nueva York interpretando a Wagner y otras seis grabaciones más entre las cuales aparecían ópera, concertistas y para mantener el tono serio tan solo aparece un cómico de vaudeville. El estreno se presentó a través de una gran campaña en los medios de comunicación y decidieron que la estrella del programa fuese la última superproducción de la Warner: “Don Juan”, una película concebida silente pero a la que se le había incorporado sonido sincronizado. Esos espectáculos tuvieron el éxito de la novedad, el público saludó como una novedad la sonorización y para la productora supuso un ahorro, dado que los espectáculos que entonces se grababan con el sonido sincronizado podían suponer un coste de unos 40.000 dólares a la semana y aquí, con un rodaje de unas horas, se distribuía en cualquier cine y era más económico.

La gran difusión del invento fue un problema para la Warner, los exhibidores eran reacios, ya que no estaban dispuestos a instalar equipos sonoros si no veían rentabilidad. En 1929 ya había un centenar de salas con esos aparatos. La ATT creía que el ritmo con el que se estaban sonorizando las salas no eran suficientes y perdían dinero, por ello decide quitarle a la Warner la patente y abrirla a otras empresas. La Warner siguió su expansión, en 1927 estrenaba mensualmente una película sonorizada y un paquete. A partir de ese año, comenzó a incurrir secuencias musicales rodadas con Vitaphone en sus largometrajes silentes.

“ El cantor de jazz ”, de 1927, fue el primer largometraje híbrido, protagonizado por Al Johnson, perteneciente a Broadway, que, en las partes musicales, se le ve cantar

número de reencuadres y la cámara se mueve cada vez más, además de que se utilizan mejor los travellings y panorámicas.

Con la llegada del cine sonoro es necesario hacer lo que Bordwell denomina como equivalentes funcionales: Adaptar el viejo sistema a la nueva tecnología sin que se variara sustancialmente sus planteamientos. Este hecho va a exigir un periodo de transición. En esta transición va a haber periodos de ensayos, caminos que no se conocen, callejones sin salida y calles que llevan a un desarrollo del cine sonoro.

El cine silente constaba de condicionantes expresivos que fueron más fuertes cuando llego el cine sonoro, ya que en sus primeros años estaban determinados por la imperfección técnica de los primeros aparatos captadores de sonido, se debía así hablar cerca del micrófono, por lo que no se podía mover el micrófono ni la cámara. En esta etapa de transición se hacen menos planos, son planos congelados, los actores se movían muy poco porque tenían que estar cerca del lugar donde estaba el micrófono… etc. Este es un momento de retraimiento en el sistema expresivo. Además, se impone el silencio en los platós de los estudios y existe una última limitación: Si no podía haber ruido, tampoco podía sonar la cámara, por lo que había que encerrarla en una cápsula insonorizada. Al cerrarlas, las cámaras apenas se pueden mover por lo que los planos son congelados. La motorización de la cámara va a introducir los 24 fotogramas por segundo.

En la etapa de montaje es donde se inserta el sonido al sistema narrativo. Entre 1929 y 1931, aparece el rodaje de cámaras múltiples : Filmación de varias cámaras, donde la secuencia queda determinada desde varios puntos de vista, con varios aparatos que funcionaban al mismo tiempo para mantener la fluidez del montaje a través del raccord. Con este sistema la banda sonora se convertía en el recurso básico para hacer el montaje. A partir de 1929 se desarrolló el sonido fotográfico de doble banda, que permitía grabar la imagen y el sonido en bandas distintas. Esta técnica fue evolucionando para permitir que la banda sonora pudiese cambiarse y montarse al mismo tiempo que la imagen.

Este tipo de rodaje creó una deficiencia: La iluminación clásica no valía para rodar bien para todas las cámaras, por lo que se deben eliminar los focos bajos y solamente haya iluminación cenital, esto hace que se produzca una iluminación homogénea y que todos los actores tengan la misma iluminación, incluidas las estrellas. Este problema de iluminación hace que se reduzca la capacidad expresiva de la fotografía.

A partir de 1931 se deja de utilizar el sistema de cámaras múltiples pero queda en la industria algo que luego va a tener mucha eficacia: El plano master , un plano general que rodaba toda la escena de frente y que servía al montador para cubrir el montaje si no funcionan los demás planos, era como una imagen de reserva. Algunos directores como John Ford se resisten a utilizar ese tipo de plano para mantener el control total de su película y que el productor no la manipulase.

El ritmo del cine sonoro estuvo determinado desde el principio por los diálogos. Esto podía provocar algunas distorsiones cuando se pasara de los diálogos a la acción por lo que la solución para asegurar la continuidad era impulsar los movimientos de cámara, los reencuadres, travellings, panorámicas… etc.

Según Bordwell las diferencias de estilo visual entre cine silente y cine sonoro van a ser consecuencia de las aspiraciones del cine sonoro por adaptarse al sistema silente y va a seguir desarrollando los mecanismos narrativos de montaje característicos del cine clásico. De este modo, utilizando recursos como las tomas largas, los reencuadres, los movimientos de cámara, se va a asegurar la continuidad del sistema clásico y se va a transmitir al sistema sonoro sus características principales: Norma, causalidad, protagonistas individuales, ocultación del artificio, narración clara, comprensible, universo habitable y más creíble todavía,… consigue evolucionar en la misma línea para hacerse emocionalmente más atractivo.

EL CAMBIO EN LOS OFICIOS

Aparecen contratados decenas de profesionales del teatro (sabían hablar), escritores para diálogos (autores de teatro y novelistas) y aparecen también directores de escena (teatrales) y todo esto va a suponer que algunos de los profesionales que trabajaban en el medio, dejasen de hacerlo, porque sus contratos se rescinden. Además, aparecen las películas en versiones idiomáticas diferentes (la misma película cambiando los actores e incluso el director se rueda la mima película en paralelo a las rodadas en inglés, siendo la más famosa la versión de Drácula), aparece el doblaje , y se crean departamentos de idiomas (francés, español, alemán) en Hollywood.

En medio de un interés comercial hay una oposición como Chaplin o René Claire. Es interesante el desarrollo teórico que efectúan los soviéticos: “ Manifiesto del cine asincrónico ”. Defienden un uso antinaturalista del sonido respecto a la imagen y creían que así se salvaba la libertad del montaje. Teorizan una ruptura de la continuidad espacio-tiempo sonoro, la asincronía con la imagen seria una aportación creativa.

Con el cine sonoro se va a relevar la autentica profundización del sistema clásico que va a ver cómo se puede avanzar en la creación del universo habitable gracias al sonido.

Tras superar los problemas iniciales el cine sonoro se revela como la confirmación del modelo clásico, que le incorpora mayor verismo.

él se pueden concentrar los recursos financieros con el fin de que es estudio se identifique muchas veces con un genero, creando una marca. Cada estudio tenía una forma particular de hacer películas, como los musicales de la Metro, que eran los mas visuales, atractivos y vistosos y los que atraían al más público, la Universal desarrolla un tipo de películas de terror, de miedo, de fantasía (Drácula, frankenstein, la momia), la Hamer en Inglaterra tendrá una vocación similar; la Warner y su interés por el cine negro, con un determinado componente social y de thriller.

Otro aspecto que también es interesante es que identifica a cierta estrellas con ciertos géneros, como Bella Lugosi o Fred Ateire, Humphrey Bogart, Clark Gable que ayudan a distinguir la película e identificarla con un genero, hay que tener en cuenta que el estudia va modelando la figura de la estrella hasta que se convierte en un icono apreciado por el público, susceptible de generar una rentabilidad, con contratos muy largos, de 7 años, donde se iba cambiando la imagen de la estrella hasta que acababa generando una figura atractiva para el público.

El género como narración: se caracteriza por el elevado grado de especialización que tiene que tener su aspecto narrativo, algunos géneros como es western, no solo es tremendamente especifico, sino que se reduce solamente a 25 años de frontera o el cine de gánsteres que se ambienta únicamente en los años 30 en NY y Chicago. Aunque sea muy especifico el western es extraordinariamente fértil, estaba funcionando de forma subterránea en películas que desde el punto de vista narrativo está presente en películas que no adscribimos a ese género.

Los géneros cinematográficos tienen una serie de elementos constantes que pueden identificarse con el desarrollo narrativo, esto da pie a que los personajes no solo se comportan de forma similar en todas las películas, sino que además también desde el punto de vista de la imagen también tienen convencionalismos.

Hay una evolución en el concepto de género, antes del cine sonoro los géneros eran menos numerosos, estaban menos identificable, excepto siempre uno de ello, el western, era un cine despreciable por el público, una producción de segunda fila, esa vitalidad e los géneros de los años 30-40 se va manteniendo y el cine de género perfectamente modificado se presta a este modo de producción, si ya tenemos un sistema básico tenemos que ir a un punto para comenzar la producción de películas. La concepción de género debe vincularse al cine clásico, no mucho más allá de los años 50.

EL WESTERN

El género western es el más antiguo y estereotipado, el más popular y prolífico, es el más americano. A la obra de hablar de sus estrellas, una encuesta dio como actor más popular a John Wayne, salvo contadas excepciones solía ser minusvalorado, por lo que no fue tratado por directores de prestigio durante prácticamente todos los años 30, John Ford no rodo ni uno solo entre 1926 y 1939, cuando rueda “ La diligencia ”, la película que devuelve al genero el aprecio y el prestigio y que abre la puerta para una

serie de películas ya de serie A que permiten además ver con claridad una seria de películas mucho más características de ese género. Hasta la llegada de Ford eran películas generalmente complementarias de otras de serie A y con mucha frecuencia en forma de seriales, con capítulos. La película “ Cautivos del mal ” , que cuenta la vida de un productor de cine y como se hacían los westerns de consumo, a ese director se le ve con un equipo con el que rodaba una película rápidamente, como producción de consumo.

Hay algunos títulos ambiciosos como La gran jornada, Billy el niño o Cimarrón, que permite conseguir un Oscar, pero pese a ello fue una película deficitaria, lo que ayudo a que las productoras no se animasen.

Entre 1931-40 se rodaron en torno a un millar de películas, que rara vez suelen durar más de una hora, películas de serie B en torno a una estrella menor, con una personalidad que no solía variar, muchas veces no variaba ni su nombre, muchos de ellos eran vaqueros cantantes, Rob Rogers por ejemplo.

El ritmo de producción era muy intenso un actor rodaba en torno a 8 o 9 películas al año, los famosos seriales, de escaso interés, con una posición dramática reiterada. Cuando Ford rueda La diligencia lo que podían ser situaciones conocidas adquieren una mejor intensidad dramática y una mayor verosimilitud, los personajes son más cercanos y humanos, hace que el género madure y gane en épica, que impregna todas las películas de Ford.

El forastero , 1940, Willer, entre los nómadas y sedentarios, madura el personaje.

Durante los años 40 el género alcanza sus mejores obras, como Murieron con las botas puestas , Oxbow, de William Willer o Río rojo de Howard howks, en los años 50 deriva hacia otros aspectos temáticos, e incluso hacia otros temas, introspección psicológica, reflexión sobre el problema indio, sexo. En la obra de Ford y Willer hay coherencia y reflexión, a ello se una Anthony Man, que hace películas en las que el ambiente puede tener tanto protagonismo como el personaje, Horizontes lejanos, Tierras lejanas.

Suele decirse que hay un aspecto prioritario, que es el enfrentamiento entre la civilización y la barbarie, los colonos y los indios, hay una frontera cada vez más ambigua entre ambos mundos, que tiene que ver con el desarrollo de la frontera americana, en este espacio siempre tiene un espacio un tanto indefinido porque es un personaje con un pasado, no sabemos ni de dónde viene ni a donde va. La película que mejor define ese proceso es Raíces profundas , que introduce a Shane, un personaje bajito, rubio, para el que hay que bajar la cámara, va a no se sabe donde pero entre medias se mete en medio de los agricultores y ganaderos y se ve obligado a recuperar sus atributos cuando llega el ángel de la muerte a acabar con los agricultores. En Único testigo , de Harrison Ford.

o Los 7 samuráis (Bichos), Los tres padrinos (Ace age) y Bailando con lobos (Avatar) tienen su correspondiente adaptación en la actualidad.

LOS PERSONAJES

Suelen ser tipos, pero su tratamiento les proporciona vida, con un elaborado trabajo con los actores, que crean gestos reconocibles y abandonan esa visión constreñida y se conviertan en personas cercanas al público, lo que hace que sean reconocibles, con complejidad e introducir mayor eficacia en la emoción. Va dando densidad dramática, lo que permite la empatía.

EL ENTORNO

El personaje siempre unido al entorno, que permite comprender su comportamiento y le proporciona mayor presencia en la narración, sobre todo en los westerns consigue crear un paisaje ahistorico que adquiere carta expresiva, lo que significa que el paisaje no tiene mucho que ver con la historia que cuenta, no es una ambientación deliberadamente histórica, sino cinematográfica,. Imágenes convencionales para introducir nuevas historias.

LA COMUNIDAD Y EL RITO

Suele decirse que es el director producto de una minoría, los emigrantes irlandeses, un grupo aislado, con una gran coherencia interna, con sus propios ritos, lugares y oficios, pero este mundo de Ford es un mundo que tiene unas características particulares, que son una forma particularmente entretenida de enfrentarse a la vida, la importancia de la familia, de la comunidad que necesita apoyarse. Para ello suele hacer énfasis en los ritos, como aniversarios, celebraciones, recuerdo a los fallecidos, unidos al concepto de familia, con unas tradiciones que dan arraigo a los personajes, incluso personajes que no son nativos, pero que se reconocen como norteamericanos, en una comunidad en la que todos son una familia, mediante ceremonias que los unen a todos y van cosiendo las relaciones entre personajes y dando verosimilitud a la trama.

Es muy importante el recuerdo a los fallecidos, sus personajes hablan con los muertos constantemente y en sus películas siempre hay una persona ausente a la que se recuerda de forma particularmente emotiva. Los que no están forman parte también de la historia.

EL HÉROE

Sus héroes no son los característicos del cine clásico, sino complejos, marginados, fuera de la comunidad, obligados a hacer algo para esa comunidad, aunque no se les reconozca, son muy complejos, que por el hecho de estar en la frontera están a ambos lados del bien y del mal y en muchos casos personas con un gran sentido del valor, lo que les dota de una angustia moral por tener que hacer cosas que no quieren hacer, lo que hace que los finales felices sean escasos ( El hombre que mato a Liberty

Balance y Centauros del desierto ). Hace lo que tiene que hacer en la sombra, es desconocido.

LA FORMA

La composición plástica es uno de los elementos más definitorios de Ford, sus planos son siempre miradas poéticas que además muestran una densidad apabullante (nadie era capaz de mostrar tantas cosas en un solo plano), se supone q trabajaba las escenas antes de las tomas, y aunque no la tuviera estudiada cono una mirada se podía preparar. Hacía mucho trabajo preparatorio y hacía las tomas imprescindibles para que no se pudiese manipular luego la película. Sus películas tienen un final trágico, aunque incluso hay ciertas situaciones relajadas. A finales de los 40 evoluciona a un estilo relajado, con un gran sentido pictórico, donde aparece el plano general con cierta frecuencia y durante cierta extensión sin que nada se resienta, un sentido compositivo que recupera David Lynn.

PELÍCULAS

 La patrulla perdida , (1932):

Advertía sobre una forma distinta, relato claustrofóbico, una patrulla sitiada por uno beduinos, un sentido de la amenaza sin concreción, casi abstracta, los personajes van desapareciendo, pocos medios y gran funcionalidad dramática.

 La diligencia, ( 1939) :

Redescubrimiento del western, desde el 1926 no había abordado ningún western, señala el inicio del western adulto y maduro, donde crecen los personajes. Tiene una interpretación personal del director, vemos a un autentico autor, con un mundo personal y una manera peculiar de mostrarlo. Se basa en un relato de Haycox y del relato Bola de sebo. El guionista fue Dan Nichols, el relato resulta demasiado trivial para las productoras, que no estaban interesadas en una historia normal y menos con formato de western. Ford intenta que se haga con arreglo a como la concibe, por lo que rechaza la espectacularización de la película que le ofrece una productora. Propone unos personajes más o menos desconocidos, como John Wayne , se convierte en estrella de aquí en adelante. Reparto muy acertado, en ese acierto reside gran parte del éxito de la película. Héroe de pasado atormentado que se ve enfrentado a su destino y en este caso sale victorioso.

Intenta tratar el asunto de la desintegración del núcleo familiar, un núcleo que se resiste a ser destruido y simultáneamente al valle que se resiste a ser destruido. Narración infantil de un niño que muestra una familia con imposibilidad de mantenerse unida cuando no hay dinero, algunos tienen que emigrar, la hija debe casarse con el rico del pueblo, algunos mueren por la mina y hace que la familia numerosa inicial se fracture, con la imposibilidad de mantener las tradiciones y la aparición de un nuevo mundo.

El tono nostálgico que aparece a la principio se va oscureciendo hasta un tono desolador en algunas escenas, como en la de la muerte del hijo mayor, casado y con un hijo pequeño, con una gran sensibilidad muestra a la familia hablando hacia fuera y la mujer hace el parlamento diciendo que le echa de menos. El hijo pequeño no quiere estudiar para irse a vivir con la viuda del hermano.

Tras acabar la película se alista en la marina, donde es jefe de la sección cinematográfica, donde realiza una serie de documentales, incluso unas imágenes de un escuadrón de bomberos que no llega a comercializarse porque todos mueren y lo envía los familiares.

 Pasión de los fuertes , (1946)

Henry Fonda como Wayer, a quien Ford conoció. El pistolero tuberculoso, un episodio histórico que convierte en autentica épica. Va escribiendo el oeste con recursos duros, muy expresivos como en la diligencia pero ahora con mayor carga épica, grandes paisajes, tono más esteticista y acorde con el tono más reflexivo del personaje protagonista, personajes ambiguos, con muchas zonas grises, por eso el tono trágico vuelve a triunfar y el héroe acepta su destino errante y se va a la frontera. Se comprende la ciudad a través de las ceremonias, los enlaces, el baile, fundamental para la pareja (juego de miradas). Todo este dramatismo hace que tenga un tono trágico desde el principio. Una evocación lejana de personajes ausentes.

Trilogía de la caballería: Fort apache (1948), La legión invencible (1949) y Rio grande (1950)

En el 47 forma una Argosi pictures con la que realiza El fugitivo y luego la trilogía de la caballería y El hombre tranquilo.

Con esa productora intenta realizar películas personales y darle al western un tono épico del que según el hasta entonces carecía, las tres dirigidas a estudiar la historia de la caballería, en el periodo de la guerras indias. Con intención de dar épica a la caballería, para ello repite una serie de personajes que dan la sensación de una cierta continuidad, como los capitanes. Situaciones y lugares comunes, parten de relatos donde James Warner Beller que va a colaborar con Ford y el pintor Remington

 Fort apache ( 1948 )

Es la historia del general Caster que fue masacrado por los indios, que eran mucho más numerosos, el séptimo de caballería. La primera vez que se hace posible que cuando la realidad se hace leyenda lo que hay que contar es la leyenda (el hombre que mato a Liberty Balance). Está cargada de enfrentamientos personales y un discurso ambiguo, critica a determinadas perdonas del ejercito, y los indios con cierta dignidad, no hay desprecio

 La legión invencible ( 1949 )

Arranca con el 7º de caballería, situación complicada para el ejército norteamericano, armado con el ejercito, da la sensación de ser más madura, solida, trágica, presencia de personajes que no existen, desesperanza con respecto al ejercito, aunque también hay otros momento más relajados. Utilización del color como novedad, tono rojizo y cálido. Se inspira en la pintura de la época de Remington para dar color a la imagen.

 Rio grande , (1950)

La épica vuelve a estar presente, una familia maltrecha con un coronel mas desesperanzado, su esposa lo abandona. La llegada de la mujer va aparejada con la llegada del ejército. El tema militar en un 21 plano más que en otras películas, se trata sobre todo las miradas. El trabajo de los actores primeros planos más largos, más diálogos, relación muy resentida. La vida cotidiana. El oficial llega a desobedecer órdenes y va a México a perseguir a los apaches y los indios están en un plano más espectral. La presencia de la caballería, cuando vuelve el regimiento la llegada se rueda desde los ojos e las mujeres, para ver si sus familiares llegan a salvo.

 El hombre tranquilo , (1952)

Ford intenta hacer una peli distinta del western y asociándose con republicanos, hace un poema musical y pictórico que describe un pueblo idílico, un universo atractivo que narra el retorno de un antiguo boxeador norteamericano que vuelve a su Irlanda natal y su romance con Mary Kate y la difícil integración en la comunidad por tener que respetar las tradiciones, un conflicto con tono de humor y con unos personajes en el filo de la credibilidad. Todo es creíble y nos sumergimos en su mundo sin problema.