¡Descarga HISTORIA DEL TEATRO PROGRAMA y más Apuntes en PDF de Comunicación Audiovisual solo en Docsity!
Tema 0 Introducción CÓDIGOS DEL ESPECTÁCULO
ESCENOGRAFÍA: es un signo continuo, es decir los elementos que componen una escenografía normalmente están presentes juntos en el escenario y suelen permanecer durante un tiempo más o menos largo en escena. La escenografía representa el marco o el cuadro de la acción en dos sentidos: por un lado determina la forma del espacio escénico y por otro da informaciones no sólo sobre el ambiente en el que se desarrolla la acción presente sino también puede informar sobre los hechos anteriores, sobre lo que ha ocurrido e incluso anunciar lo que puede ocurrir. Por ejemplo, escenografía castillo derruido, banquete después de fiesta, ataúd
La escenografía hay que interpretarla en su relación funcional con el contexto del espectáculo, cualquier escenografía por muy realista que sea hay que interpretarla entendiendo la función que se le da en la acción, durante la obra.
Podemos hablar, resumiendo, de varios tipos de escenografía. CONCRETA ABSTRACTA METAFÓRICA SIMBÓLICA METONÍMICA
Podemos definir como concreta un tipo de escenografía en la que cada uno de los elementos y su totalidad tienen autónomamente el significado que se le da en la acción. Es decir que una silla en el escenario es reconocida por el público como una silla y como tal es usada por el actor.
Abstracto sería cuando los objetos están cargados de significados que no le son propios por definición. (Por ejemplo esa misma silla no se utiliza por los actores para sentarse sino sólo como símbolo del descanso al que aspiran).
Estos dos tipos de escenografías no tienen porqué estar tan separadas y pueden mezclarse. Por ejemplo una escenografía muy realista de una casa burguesa puede significar opresión.
Escenografía metafórica cuando los elementos constitutivos de la escenografía se utilizan con una función distinta de la que les es propia. Una cama se vuelve barco
Cuando los elementos se utilizan para representar ideas o valores universales podemos definirla simbólica. Bandera la paz
Metonímicas serían las estructura escenográficas en las que un elemento es capaz de hacer ver una totalidad (por ejemplo con un árbol presuponemos el bosque). Todos estos conceptos pueden mezclarse se puede hablar de una escenografía concreta y metonímica, etc...
En cuanto a las formas de realización del aparato escénico podemos distinguir: PICTÓRICA CONSTRUCTIVA MÓVIL FIJA
Por pictórica entendemos ese tipo de escenografía que no podemos esperar que sea usada durante la acción. El grado máximo sería un telón cerrado y pintado sin nada que tenga que ver con la acción (de negro, o de otro color); un grado intermedio podría ser los telones pintados en el la Edad de Oro en los teatros en los que se pintaba por ejemplo unos árboles; Y el grado máximo una escenografía con una perspectiva, por ejemplo. La constructiva o tridimensional se usa durante la acción para lo que representan, es decir una puerta para pasar, un río para bañarse (no tienen porqué ser realistas, el río puede ser un pañuelo azul o una gasa). Las dos técnicas pueden mezclarse, por ejemplo fachadas pintadas pero con ventanas que se abren. En cuanto a fija o móvil es lo que dicen y lo único es que moverla se puede hacer a la vista de los espectadores o de forma oculta.
En cuanto a las modalidades de representación de los ambientes diferentes a lo largo de un espectáculo pueden ser
ESCENAS SUCESIVAS, cambiando el ambiente cambia también el cuadro escenográfico ya sea a vista de los espectadores o no
ESCENAS MÚLTIPLES los diversos ambientes o lugares están presentes al mismo tiempo en el escenario desde el inicio de la representación.
ESTRUCTURA ESCENOGRÁFICA NO CAMBIA los distintos ambientes son descritos por la acción o por la palabra como en el teatro isabelino. Hoy en día se juega con cine y fotografía…
ILUMINACIÓN
La luz es una parte fundamental de los espectáculos teatrales, incluso antes de las innovaciones técnicas que la aparición del gas o de la electricidad. ¿Cuáles son los objetivos fundamentales de la iluminación teatral? Fundamentalmente son cuatro independientemente del tipo de montaje que queramos hacer: En primer lugar, la obvia, iluminar, conseguir una visibilidad. Esto es importante especialmente para las caras de los actores cuyos gestos pueden no apreciarse con una mala iluminación. La cantidad y la intensidad de la luz para conseguir esto depende de la totalidad, es decir si los actores llevan trajes claros, si venimos de una escena oscura, si hay sólo un punto de luz, etc... Por eso tiene que pensarse en conjunto, porque el ojo humano tiene que ir adaptándose poco a poco a cada una de las circunstancias. El segundo objetivo es el de revelar las formas. Los actuales teatros, a los que vamos normalmente, tienden a hacer que todo parezca plano, casi como un cuadro, tienden a perderse la profundidad aunque se pueda corregir con la escenografía. Pero en realidad es la luz lo que va a conseguir restituir la tridimensionalidad de los actores y de las formas. En tercer lugar la selectividad. En el cine o televisión el director usa la cámara para seleccionar las partes de la realidad que quiere mostrar, en el teatro el espectador ve todo, tiene siempre toda el área de acción en su campo visual. Una de las tareas de a luz es la de guiar la atención hacia la zona del escenario o hacia el actor que en ese momento cobra protagonismo. Lo más obvio es iluminar selectivamente sólo el área interesada dejando en la oscuridad el resto del espacio, pero también se puede dar mayor luminosidad a esa parte respecto al escenario sin ser tan drástico, de esta forma el espectador se fija en esa zona pero no de forma brusca, lo hace casi sin darse cuenta. Por último y lo más importante para nosotros es la capacidad de crear atmósferas , es decir el de llegar a influenciar el estado emotivo a través de la creación de una
moda del pasado o para crear trajes que se inspiren en esa moda, mientras que los vestidos teatrales hasta el siglo XIX prácticamente no respondían a criterios de de realismo. EN general se vestían con la ropa de su época, se optaba más por un criterio estético que no histórico. El vestido perdía su función teatral y se convertía más en una pasarela de moda. Es a finales del siglo XVIII cuando un actor Joseph Talma decide empezar una investigación sobre los vestidos de época y representa vestido de romano una obra en contraposición a sus compañeros todavía ataviados con pelucas (tipo siglo XVIII). Mientras que cada uno de los actores se preocupaba de su propio vestido y no era la compañía ni había una dirección general no se podía pedir demasiado al vestuario. Desde que se coordina con los demás aspectos artísticos vuelve a asumir unas funciones más teatrales. Hoy en día en un espectáculo teatral cada actor llevará un traje que le hará reconocible y dará pistas sobre su papel. La forma o el color pueden ser fundamentales porque existe ya en la tradición occidental una simbología de los colores. Por ejemplo: el personaje negativo viste de color oscuro, la mujer pasional de rojo, el personaje puro de blanco, etc... En cuanto a las formas de enfrentarse a un vestuario se pueden tomar distintas actitudes: Vestuario histórico : reconstruir históricamente el ambiente y reproducir los vestidos tal y como se cree que eran en la época en la que transcurre la obra. Vestuario contemporáneo : reelaborar nuestros vestidos normales pero artísticamente primando un color sobre otro. EL GESTO Sobre el gesto sólo decir que a diferencia de la escenografía, la iluminación o el vestuario el gesto no es que tenga una específica dimensión teatral, no existen gestos con características específicamente teatrales aunque es obvio que siempre han formado parte del teatro. Qué debemos analizar en una obra teatral de los gestos? Se supone que son el conjunto de los movimientos del actor pero que no tienen carácter traslativo, es decir que no comportan el movimiento del actor de un lado a otro y que no se refieren a los movimientos de la cara que serían de la mímica. Obviamente forman parte de la construcción del personaje y pueden tener una función comunicadora en la obra fundamental: no es lo mismo que los gestos contradigan a la palabra o que lo acompañen porque nos están hablando de una psicología del personaje completamente diferente.
Por ejemplo cómo se saludan los personajes. El saludo es una señal de unión personal que pretende transmitir a los demás que les deseamos lo mejor o, al menos, no les deseamos ningún daño. Por esto, el no saludar o no devolver el saludo demuestra hostilidad, personal o social. Retirar el saludo a alguien es una forma de agresión. Las diferentes formas de saludo (beso, apretón de manos, inclinación de cabeza, simple mirada...) vienen condicionadas por la relación personal o la distancia física entre las personas (amor, familiaridad, amistad, cercanía, relación profesional, simple gesto de cortesía, etc.), pero lo que no debe faltar es un gesto amable que refuerce el saludo.
El saludo en las reuniones sociales se organiza en cuatro fases de exhibición: Exhibición de incomodidad : Hacemos cosas que no son cómodas, como muestra de respeto hacia los demás y para demostrar que nos esforzamos por él: nos vestimos con mejores prendas y con más cuidado que el resto de los días, incluso de etiqueta; podemos desplazarnos a buscar al invitado; en casa, salimos a recibirlo a la puerta, etc. La mínima incomodidad sería esperar sentado hasta que aparece el invitado y entonces levantarse para saludarlo. Exhibición lejana : Con diferentes gestos, mostramos que hemos visto a quien vamos a saludar e, incluso, los “presaludamos”: sonreír, levantar las cejas, mover la cabeza, gesticular con la mano, intento de abrazar, una voz.
Exhibición cercana : Se caracteriza por el contacto corporal (abrazo, beso, apretón de manos, llanto de emoción, etc), el contacto visual y la sonrisa. Su intensidad depende de la relación personal anterior, el tiempo de separación, los acontecimientos ocurridos desde entonces (la muerte de un familiar, una enfermedad o el matrimonio de uno de los que saluda), el lugar de encuentro, las costumbres culturales, etc.
Exhibición servicial : El anfitrión sirve personalmente o de forma vicaria al invitado: recoge su abrigo, le acerca una silla, le ofrece una bebida, etc.
La forma de exhibir el saludo no sólo depende del ámbito cultural en que nos hemos educado, sino también del carácter de cada persona. Por ello pueden surgir conflictos o malos entendidos.
En el teatro los saludos son la primera idea que nos formamos de la relación existente entre dos personajes, es algo que no siempre está explícito en el texto teatral pero que los actores suelen incorporar instintiva o meditadamente.
LA MIMICA
La mímica es el conjunto de movimientos de la cara y la cultura occidental actual considera que son los movimientos más expresivos y los que mejor revelan las sensaciones y los sentimientos del sujeto. Simplemente vamos a distinguir cinco casos en la lectura del significado de los gestos:
A) Gestos como expresión pura. Son gestos sintomáticos o convencionales que
informan del estado de ánimo del sujeto. Un ejemplo: me río porque estoy contento (sintomático) o porque quiero que veas que estoy contento (convencional)
B) Gestos en los que la expresión convencional contiene una referencia Me río
para que tú sepas que me caes bien y que estoy de acuerdo con lo que dices.
C) Doble significado Me río por educación pero en mi sonrisa se ve la tristeza. El
doble significado es obviamente el más difícil, porque en este caso el gesto sintomático expresa lo contrario No es alegría sino tristeza.
D) Gestos puramente referenciales. Indican algo o a alguien o lo representan
(arquear las cejas y los ojos para señalar)
E) Mímica abstracta No tienen un significado concreto.
COREOGRAFÍA y PROXEMIA
La coreografía es el conjunto de movimientos de traslación de un actor o de un objeto en el contexto de un espacio escénico. Podemos distinguir varios tipos de movimientos desde el punto de vista del análisis: los funcionales (movimientos entendidos como un fin práctico); expresivos (movimientos hechos para explicar un estado de ánimo mediante el movimiento); los simbólicos (movimientos cuyos significados los dicta las convenciones) y los formales que no tienen un significado específico. Más enjundia tiene la proxemia que es el estudio de la distancia entre sujetos en una relación social. Se pueden identificar cuatro:
)1 distancia íntima: de 0 a 45 cm. Hay un contacto físico directo, como en
una lucha.
cultura a cultura y de lengua a lengua, en España, por ejemplo, interrumpimos enseguida las pausas son muy breves). Las que están dentro de un mismo diálogo se pueden analizar por su frecuencia, por su posición (si es lógica o no) y por su duración. En el segundo lugar sólo se pueden analizar por su duración: desde unas pausas largas en un diálogo entre dos personajes que razonan hasta las breves en un duelo dialéctico. La pausa crea suspense y enfatiza la palabra a la que precede, algo que se puede conseguir también con un cambio de registro o de intensidad. Ejemplo: distintos significados de una misma frase haciendo pausa en la palabra subrayada: Hoy (y no mañana) ven a cenar con tu hermano Hoy ven a cenar (y no a comer) con tu hermano Hoy ven a cenar con tu hermano (y no solo)
Por último hay que tener en cuenta también las dimensiones del teatro, o si se utilizan micrófonos y efectos sonoros para la voz.
LA MÚSICA y LOS RUIDOS
La música, los ruidos y la palabra son la columna sonora de un espectáculo teatral. En el contexto teatral los ruidos son siempre indicios, signos de la causa que los produce. Cuando la causa que los produce no es visible o entendible sirve para producir tensión. Pueden ser un buen recurso para representar lo que no se ve, o para anticipar algo (puertas, portazos, sonidos de ejércitos)
La música de un espectáculo debe analizarse teniendo en cuenta la cantidad de su presencia, si es continua si se limita a algunos momentos, etc.. Centrándonos sólo en el teatro (y dejando otros tipos de espectáculos tipo concierto, oratorio, opera o ballet). Distinguimos:
1) Leitmotiv: un motivo conductor, breve, puede servir para reconocer situaciones,
personajes o símbolos.
2) Bella Melodía: Predomina sobre los otros elementos es previsible y fácil de
recordar.
3) Música decorativa: sirve para llenar los silencios, las caídas de tensión o
situaciones especiales.
4) Música ilustrativa: describe la situación que se ve (tipo un paisaje).
5) Música geográfica e histórica: sirve para la identificación de un lugar o un
periodo.
6) Música de atmósfera: música de preparación para determinadas situaciones
7) Música que crea tensión: normalmente suele ser el crescendo orquestal
LA SINTÁXIS
Todos estos elementos que hemos visto se conjugan entre sí para construir un lenguaje que podemos leer. No tienen que estar todos presentes y básicamente se pueden conjugar de tres formas: REDUNDANCIA COMPLEMENTAREIDAD OPOSICIÓN Por ejemplo la escenografía y el traje: el traje puede estar en una relación anacrónica con la escenografía (oposición), puede estar en perfecta conexión (REDUNDANCIA) o puede aportar informaciones que la escenografía no da (COMPLEMENTAREIDAD) En el caso de un personaje, por ejemplo:
Si dice palabras de amor en tono frío (es decir analizamos gesto/palabra) existe oposición pero también complementariedad, ya que el gesto aporta algo más de lo que sabíamos por la palabra ya que por ello sabemos que el personaje miente; si el personaje tiene gestos refinados, traje elegante, mímica contenida por ejemplo todos los aspectos tienden a la redundancia.
El tiempo en la obra dramática es un elemento que por definición tiene unas limitaciones claras que vienen definidas por el mismo género. DESDE EL MOMENTO QUE SE REPRESENTA ES PRESENTE, LOS DIÁLOGOS DE LOS PERSONAJES SON SIEMPRE PRESENTES Y COMO NO HAY NARRADOR NO PUEDE HABER PASADO REPRESENTADO EN ESCENA NO PUEDE HABER MÁS Q EL TIEMPO PRESENTE DEL PERSONAJE, NO PUEDE HABER OPOSICIÓN ENTRE PASADO DEL NARRADOR Y PRESENTE DEL PERSONAJE
-NO QUIERE DECIR QUE NO HAYA PASADO PORQUE HAY PERSONAJE CUYO
PRESENTE NO SE ENTIENDE SIN SU PASADO.
(Se puede “narrar” el pasado por medio de un personaje que en un monólogo cuenta a otro personaje el pasado para que lo sepa el espectador, es un recurso fácil pero que se considera poco teatral y en cualquier caso sería desde el presente. SE MIDE SIEMPRE EN RELACIÓN A UN PERSONAJE Y PUEDE SER
El tiempo puede ser LINEAL (SUCESIVO O REGRESIVO) CIRCULAR SIMULTÁNEO
PARTIENDO DE AQUÍ SE PUEDE ANALIZAR EL TIEMPO BAJO TRES PUNTOS DE
VISTA:
EL TIEMPO DE LA HISTORIA: el tiempo de la fábula el pasado de los personajes y su presente que hacen que la historia tenga sentido. EL TIEMPO DE LAS PALABRAS, el del discurso el que está en los diálogos de los personajes y nos hacen tomar conciencia EL TIEMPO DE LA REPRESENTACIÓN: silencios, espacios en blanco, etc.. suele estar marcado por cada cultura, unas dos horas con intermedio.
El tiempo de la historia y el de las palabras se puede analizar conjuntamente en el texto literario y da lugar a interpretaciones simbólicas fundamentales. Por ejemplo en Edipo rey el tiempo de la historia es vital, se sigue la vida de Edipo desde su nacimiento, su infancia en el destierro, vuelta al país, muerte del padre, matrimonio con la madre, vida familiar tranquila con el nacimiento de los hijos. El tiempo del discurso en cambio no es lineal: no empieza con el nacimiento, a través de los diálogos desde su madurez Edipo va reconstruyendo ese pasado. El tiempo de la historia sería lineal del pasado al futuro mientras que el del discurso sería lineal pero regresivo, Edipo va conociendo ese pasado poco a poco y va desde el presente hacia el pasado. El tiempo en este caso estaría marcado por el CONOCIMIENTO, el pasado se va introduciendo así por medio de personajes a los que se les pregunta, pero no para que el espectador se entere, sino porque el propio Edipo lo desconoce.
El tiempo de la representación el tiempo en el que se representa no suele coincidir con el de la historia, casi nunca lo que se representa son dos horas de la vida de un personaje. Un experimento es LA MADRUGADA de Buero Vallejo que son dos actos de 45 minutos con un intermedio de 15 minutos, de 4,15 a 5 de la madrugada y de 5,15 a 6 hay un reloj en escena que va marcando la hora. En los 15 minutos de descanso los personajes van a tomar un café y el público descansa. Simultaneidad tiempo espectador y personajes…. FALSO
