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EL INICIO DE LAS VANGUARDIAS: IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO
Introducción Podemos decir que empieza a partir de 1863, con la primera exposición no oficial. Y es que las Vanguardias empiezan cuando se producen los primeros cambios en la producción, distribución y consumo de las obras de Arte. Producción : Antes había un encargante (mecenas o no) y el artista se sometía al encargo. Esto cambia en 1874. A partir del Impresionismo el artista crea la obra por su cuenta , libremente, sin encargos. Pero esto es así porque también se ha alterado el proceso de distribución. Distribución : Antes el artista se formaba en las Academias, siguiendo unas normas oficialistas y se consagraban por los jurados oficiales. Pero esto cambia a partir de 1863. Unos pintores rechazados, que no han pasado por los salones oficiales, exponen por su cuenta en los salones que ellos mismos llamaron de Los rechazados. Así conseguían independencia frente al poder académico y estatal. En este grupo estaba Courbet, Manet y otros. Ellos inician este nuevo proceso que cuaja ya en el Impresionismo. Ellos hacen las exposiciones por su cuenta, rompiendo con el antiguo sistema de distribución y generando otro nuevo: Los marchans y las Galerías de Arte : el profesional entendido que se dedica a comprar y vender cuadros. Este sistema al principio no funcionó y los pintores pasaron hambre (típico pintor bohemio y pobre) pero a principios del siglo XX los Marchans y las Galerías tomaron el papel de las Academias: ahora la Galería crea la moda, orienta a los pintores. La capital del Arte pasa de Roma a París a partir del Impresionismo. Sigue habiendo un Arte Oficial con capital en Roma pero el nuevo Arte de vanguardia tiene su capital en París hasta 1945 cuando se traspasa a New York hasta hoy. Consumo : El público que compra arte era educado y elitista y no sintoniza con los escándalos que se producen a partir de 1874. El público no entiende las nuevas vanguardias y sigue prefiriendo el Arte Oficial. Por eso casi todos los nombres de las vanguardias son peyorativos y este desprecio del público es la señal que tienen los artistas para reconocer que su arte es bueno. Por eso el escándalo y la sorpresa se institucionaliza en las vanguardias. Si no hay escándalo es que no hay novedad y sin novedad no hay vanguardia o es que es mala. Se busca una nueva proposición dentro de una línea general que es la independencia del arte , la carrera hacia el arte puro. Todas estas vanguardias se integran en una línea general: se intenta romper el sistema de representación basado en la perspectiva lineal y sustituirlo por otro nuevo, autónomo y que no se deje dominar por la realidad. Esto son las vanguardias, nuevas propuestas para representar la naturaleza de forma diferente pero cada vez más autónomas de la realidad. Para los impresionistas la realidad no existe por sí misma sino que es conforme la vemos y no siempre es igual. La realidad cambia y el ojo la ve de diferentes formas. Como conclusión: hay que ver las vanguardias como diferentes aportaciones a una evolución general. Los Impresionistas rompen por primera vez con la realidad convencional, demuestran que no hacía falta representarla tal y como es, que se podía cambiar y alterar en función de la expresión artística. Ellos inician el camino que acaba en el arte autónomo, ya totalmente separado de la realidad y de la figuración: el arte abstracto.
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1 IMPRESIONISMO
1.1 Introducción. Ultimo concepto general donde participa la música, filosofía, literatura y arte, pero es la pintura la que le da nombre (del cuadro Impresión. Sol naciente ). Por la pintura se descubren sensaciones visuales, ópticas y fugaces que influyen en el resto de las artes.Este momento artístico responde a una época de prisa, de ritmo fugaz marcado por la Revolución Industrial. Se rompe con el sentido clásico de una Arte desarrollado desde el Renacimiento y marca el inicio del arte contemporáneo. Cronología: Siglo XIX - el primer cuarto es Neoclásico, el segundo cuarto es romanticismo, el tercer cuarto es realismo y naturalismo y el último cuarto en Impresionismo. La primera reunión de Impresionistas es en 1874 y su fin se da en el primer decenio del nuevo siglo. Pero diez años antes de 1874 ya había un grupo no homogéneo con estos planteamientos. Para el teórico del Arte Gombrich es la tercera revolución: 1830: romanticismo, 1848: realismo y 1870 impresionismo. Movimiento científico: se profundiza en el estudio del color. Chevreul descubre los colores primarios y binarios, la ley de los contrastes simultáneos y los contrastes sucesivos. Así los pintores funden ciencia (pleno positivismo) y libertad creadora. La fotografía estimula a los pintores, ya no tienen por qué narrar la realidad y se lanzan así a nuevos descubrimientos: explorar sensaciones que no capta la fotografía. Antecedentes pictóricos. Nunca son lejanos. Si el Barroco planteó el problema de la luz en los interiores, el Impresionismo plantea el problema de la luz en exteriores., en la calle. Paisajistas ingleses y holandeses: Constable y Turner , planteaban el paisaje como un problema de luz, efectos de color en la naturaleza, nubes., vapores, humos y brumas, con diferentes densidades y en transformación. Escuela española: Velázquez busca la atmósfera transparente y cambiante pero en interiores, a veces en exteriores y con diferentes calidades lumínicas como en Villa Medicis. También Goya intenta capturar los matices cambiantes de las cosas. Los dos influyen mucho. Las estampas japonesas : en el siglo XVIII aparecen innovaciones sobre este arte milenario. Aparece una pintura fresca, sin academicismos y sin retórica y de gran maestría técnica. Escuela de Barbizón : es el precedente paisajista más próximo. Plantea el problema del aire libre con Rousseau y Millet y comienza a dinamizar la visión que acabará en el Impresionismo. El Realismo : destaca las formas, la masa y textura de las cosas y, sobre esa base, el Impresionismo parte para superarlo, transmitiendo lo que el ojo no transmite, la vibración óptica que se olvida de los cuerpos sólidos. Así creyendo que perfeccionaban el realismo lo destruyeron.
Javier Valiente pág. 4 una gama cromática con contrastes acusados. Otras obras son La estación de Lázaro , La catedral de Rouen (pag.365 libro VV.) , Estanque con ninfas de clara influencia japonesa. Comentario de Impresión, sol naciente (pag.364 libro VV.) RENOIR: se dedica más a los hombres que al paisaje. Prefiere los temas callejeros y la burguesía que luego comprará sus cuadros es su tema favorito, en paseos, boulevares: El Molino de la Galette (pag.366 libro VV.) , La Grenouvillere, Muchacha con corona de flores , Estanque de ninfas , etc. DEGÁS : Realiza sólidas figuras con gran importancia del dibujo (por su influencia italiana) Su problema es retener el movimiento fugaz de una escena, paralizar un fotograma con la distorsión propia del ojo humano. Influido por el japonesismo, utiliza a menudo el punto de vista fotográfico, por ejemplo en La repetición y En las carreras. PISARRO : amigo de todo el grupo, lo mantendrá unido en momentos difíciles. Su pintura varía desde Degás a Monet y sus obras más representativas son Camino a Louyeciennes y Mujer en el huerto donde se compendian todos los componentes de la pintura impresionista. SISLEY : amigo de Renoir, deriva hacia Monet y llega a ser divisionista como en su Inundación en Port Marly. Todo el grupo tiene principios comunes: el arte anterior estaba mal iluminado, el tema no importaba sino la luz que permite verlo y el color que permite realizarlo, todos quieren ilustrar lo pasajero y lo efímero y juntos soportan la crítica y el éxito, pero esto no impide las discrepancias internas en algunos puntos de vista y la independencia de cada artista con respecto al grupo.
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2 POSTIMPRESIONISMO.
Puede parecer sorprendente el hecho de que en tan corto espacio de tiempo, apenas un cuarto de siglo, se hayan producido tantas evoluciones e involuciones en el terreno del arte, sobre todo teniendo en cuenta que hasta la segunda mitad del siglo XIX, los grandes periodos (Románico, Gótico, Renacimiento, Barroco...) abarcaban cientos de años. La respuesta está en la actitud audaz de los impresionistas que, al romper con todo academicismo, sientan precedente y sitúan a la libertad y a la espontaneidad a la cabeza de los valores plásticos. El nuevo estilo asociaba la técnica a la creación artística y a la contemplación de la naturaleza, al tiempo que rechazaba del impresionismo el culto a lo fugaz, proponiendo como alternativa el análisis de lo perenne. Recuperan la importancia del dibujo, también de la luz, pero también de la expresividad de las cosas o personas iluminadas. Los artistas son cuatro pintores que aportan sus soluciones personales: Cézanne, Gauguin, Van Gogh y Toulouse-Lautrec. CARACTERISTICAS El postimpresionismo era tanto una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Estos nuevos impresionistas tienen una visión particular de su pintura, que les aleja del impresionismo clásico. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos , una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real , pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. El color se hace representativo y subjetivo , no objetivo. Se representa el color con que se ve el alma de las cosas. Aunque a menudo exponían juntos, no se trataba de un movimiento cohesionado. Trabajan en áreas geográficas distantes entre sí, Van Gogh en Arlés, Cézanne en Aix-en-Provence. Sus formas más exageradas y el uso del color, estructura y líneas prepararon el terreno para los estilos que seguirían más adelante del siglo XX, como el fauvismo o el cubismo. La realidad se interpreta según la visión personal del genio creador Con el postimpresionismo se creó un nuevo tipo de artista, el genio individual que vive de su arte, la personalidad creadora que plasma su psicología en el cuadro, gracias a su trazo singular, al color personal, y a la recuperación de las formas y las estructuras, pero con una nueva lectura. Los pintores huyen de París buscando el primitivismo del arte, aunque esta ciudad sigue siendo el centro del arte mundial. PAUL CÉZANNE ( 1839 - 1906) Cuando Cézanne fijó su residencia definitivamente en Provenza, a principios de 1880, se independizó de los impresionistas, centrados en París, y demostró su preferencia por el sur, su país natal y su paisaje. El aislamiento y la concentración, así como la singularidad de su búsqueda, podrían señalarse como los responsables de la increíble evolución que sufrió su estilo. Intuye la limitación que supone ceñirse sólo a la captación de la luz, por lo que emprende una serie de búsquedas espaciales que, más tarde, darán lugar a cubismo. Formado con el grupo impresionista y decepcionado por la mala acogida del público, se retira a Provenza y allí, su deseo de ser fiel a la Naturaleza,
Javier Valiente pág. 8 simples rodeados por un trazo más oscuro lo que se conoce como “ cloisonnisme ”. Entre sus obras destacamos: El Cristo amarillo es una de las obras más famosas de Gauguin realizada durante el otoño de 1889. En plena madurez, Gaugin decide abandonar a su familia y su carrera para dedicarse en cuerpo y alma al oficio de pintor. En Visión después del sermón vemos una serie de figuras de mujeres bretonas con sus características cofias, orando, mientras al fondo vemos la visión que tienen las devotas tras el sermón, donde aparece Jacob luchando con el ángel. Rehúsa manejar la perspectiva tradicional, por lo que consigue un efecto de figuras planas. Los colores son colores puros, sin mezclar, que reafirman el efecto de la plenitud. El contorno de las figuras empieza a estar muy delimitado, siguiendo un estilo típico de estos momentos llamado Cloisonnisme , inspirado en la realización de esmaltes y de vidrieras, rellenando esos contornos con colores muy vivos. Comentario de Visión después del sermón (pag.372 libro VV.) Un viaje a Tahití le descubre un cierto primitivismo artístico. Se instala en Patu Iwa, una de las islas marquesas donde se desarrolla la parte de su producción denominada tahitiana y caracterizada por un fuerte colorido, un cierto dibujo Naif o primitivista y sobre todo un uso aleatorio del color que influirá notablemente en los Fauvistas. Gauguín cambia la luz por el color, figuras grandes y en calma, muy bien contorneadas, sin perspectiva ni modelado, a base de colores planos. “Hoy no iremos al mercado/ Ta Matete” de Paul Gauguin (pag.373 libro VV.).
VINCENT VAN GOGH. VAN GOGH (1853-1890).
Pintor holandés. En las décadas finales del siglo XIX, el impresionismo marcó el inicio de una profunda renovación de las artes plásticas que tendría continuidad en la sucesión de “ismos”o corrientes del arte contemporáneo. Algunos de los mejores maestros de este periodo, sin embargo, no pueden encasillarse en ninguna escuela, y abrieron por sí solos nuevos caminos; entre ellos, el holandés Van Gogh ocupa una posición señera. Encarnación del artista torturado e incomprendido, Van Gogh no llegó a vender más que uno de aquellos centenares de cuadros suyos que actualmente alcanzan desorbitadas cotizaciones en las subastas. El reconocimiento de su obra no Autorretrato de 1890.
Javier Valiente pág. 9 empezó hasta un año después de su muerte, a raíz de una exposición retrospectiva organizada por el Salón de los Independientes; en nuestros días, Van Gogh es considerado unánimemente uno de los grandes genios de la pintura moderna. Su producción ejerció una influencia decisiva en todo el arte del siglo XX, especialmente en el fauvismo y el expresionismo; y tras más de un siglo de experimentos artísticos, la pincelada tosca y atormentada del artista holandés, alimentada por el vigor de su pasión interior, conserva toda su fascinante fuerza emotiva. Vincent van Gogh era el mayor de los seis hijos de un pastor protestante, y mantuvo con su hermano Theo, cuatro años menor que él, una relación que sería determinante en su existencia y en su trayectoria artística. La correspondencia que ambos intercambiaron a lo largo de sus vidas testimonia la intimidad de esta relación y las pasiones y angustias humanas y creativas que atormentaron a Van Gogh en sus últimos años. Como consecuencia de haber recibido una educación totalmente religiosa, dedicará la vida entera a la búsqueda de lo absoluto, en un primer momento por la predicación a los mineros y mediante el estudio de la teología y de la sublimación a través de la obra de Arte. Durante un viaje a París conoce a Gauguin y a Toulouse-Lautrec, entusiasmándose por su pintura. En 1808 abandona París para instalarse en Arles. Poco después surgen graves desavenencias entre él y Gauguin, con quien solía reunirse a pintar, que culminarán con el conocido episodio en el que Van Gogh acaba por cortarse una oreja con una navaja de afeitar. Desde ese momento comenzará a ser el “loco de pelo rojo" hasta el 27 de julio de 1890 en que se suicida disparándose una bala en el pecho. Autorretrato con la oreja cortada y pipa (1889) LA OBRA DE VAN GOGH Menos de diez años de dedicación a la pintura bastaron para otorgar a Van Gogh un lugar entre los genios de la historia del arte, y es difícil imaginar cuál hubiera sido su aportación de no haber truncado él mismo su trayectoria. Debe decirse, sin embargo, que su dedicación fue tan breve como ardiente: componen su legado más de ochocientos cuadros, además de numerosos dibujos y aguafuertes 1ª ETAPA Van Gogh retrató con rudeza en estas primeras obras el sufrimiento de los trabajadores humildes sometidos a considerables esfuerzos físicos y sus miserables condiciones de vida.
Javier Valiente pág. 11 Van Gogh, instalado en Arlés ocho meses antes de la llegada de Gauguin, había encontrado su propio estilo más allá del impresionismo y del divisionismo. Las divergencias y enfrentamientos entre ambos artistas fueron múltiples. Gauguin rechazaba los empastes que Van Gogh utilizaba porque le parecían desordenados; se veía a sí mismo como un primitivo refinado, mientras que consideraba a Vincent un artista impulsivo y romántico. En el plano artístico, su estancia de poco más de un año en Arlés se tradujo en unos doscientos lienzos. ”La habitación de Van Gogh en Arlés”(1889, Museo de Orsay, París) es uno de los más célebres. Representa el dormitorio del pintor, tema que trató en varias ocasiones con el deseo de expresar la idea de un "completo descanso" a través únicamente del uso de colores claros y empastados. En él, con una extrema concisión, el pintor mostró el ambiente de la pieza, amueblada con suma sencillez con una cama, una mesa, dos sillas, un espejo, varios cuadros y dos dibujos. Una de las versiones de este lienzo fue acabada por Van Gogh en 1889, durante su estancia en el asilo de Saint-Rémy-de-Provence. De la estancia en Arlés hay que destacar también otras obras famosísimas: “Los girasoles” (1888, National Gallery, Londres) formaba parte de una serie destinada a decorar el estudio donde trabajaban juntos Van Gogh y Gauguin; en algunos de los lienzos las flores están colocadas sobre un fondo azul, pero en éste todo está pintado en distintas gamas de amarillo, color que en el artista se asocia a la luz del sol y a la felicidad. Pintó también paisajes, naturalezas muertas y retratos, así como sus conocidos lienzos de campos de trigo luminosos y resplandecientes bajo un cielo azul intenso. Cuando a principios de diciembre de 1888 Gauguin realizó un retrato de Vincent,Van Gogh pintando girasoles (1888, Museo Vincent van Gogh, Ámsterdam), Van Gogh creyó ver representada su propia locura. Después, con el lance turbulento de la mutilación de la oreja (nunca del todo esclarecido) terminó una tempestuosa convivencia de dos meses y, con ella, la utopía de crear una comunidad de artistas en el sur de Francia. Todo ello lo sumió en una gravísima crisis mental que acabaría con su internamiento en un hospital.
Javier Valiente pág. 12 Van Gogh sufriría desde entonces varias crisis nerviosas, aunque sólo ocasionalmente afectaron a su acelerado ritmo de trabajo; estuvo internado, primero, en el sanatorio mental de Saint-Rémy, y luego, bajo la atención del doctor Gachet, en Auvers-sur-Oise. En los varios cuadros que dedicó a su médico (como el Retrato del doctor Gachet, 1890 , Museo de Orsay, París) subraya su pasividad y melancolía en un gesto plenamente romántico. Las obras de este período final acusan un fuerte contraste y reflejan su íntima desdicha y los tormentos interiores que le afligían; el tratamiento formal, nervioso y desasosegado hasta el paroxismo, las pinceladas gruesas y ondulantes y los bruscos colores de su paleta expresan su zozobra. También en esta última etapa abundan las obras maestras; a ella pertenecen sus mejores autorretratos, entre los que sobresale el” Autorretrato ”de 1890 (Museo de Orsay, París), que regaló al doctor Gachet. El predominio de los tonos azules contrasta con los rojos y naranjas del pelo y el rostro; azules son también los ojos, cuya mirada fija y penetrante atrae inmediatamente la atención del espectador. En cierta ocasión escribió a su hermano Theo: "Se ha dicho - y estoy dispuesto a creerlo- que no es fácil conocerse uno mismo, ni tampoco pintarse uno mismo". El cuadro es uno de los resultados culminantes del laborioso ejercicio de introspección a que se sometió Van Gogh. En” Cipreses ” (1889, Metropolitan Museum, Nueva York), esos infamados árboles que simbolizaron siempre la hospitalidad se yerguen como dos llamaradas desde una espesura de matas bajas, diabólicamente inquietas contra un luminoso cielo azul arremolinado de nubes blancas. Las pinceladas son espesas, se arraciman y se superponen en torbellino, y el conjunto del paisaje queda traspasado por una turbadora ansiedad. Una proyección aún más intensa de su estado de ánimo en el paisaje se encuentra en ” Noche estrellada ”(1889, MOMA, Nueva York), donde las ondulaciones sacuden una visionaria representación del cielo, reflejo de una abrumadora angustia interior. La fuerza de tales obras ha valido al artista la consideración de genial precursor del expresionismo. No siempre fue sombrío el ánimo de Van Gogh en esta fase final. De hecho, muchas de las cartas a Theo de los últimos meses están iluminadas por una alta y feliz embriaguez creadora, por el gozo de una liberación artística finalmente alcanzada en íntima comunión con la libre naturaleza. La desazón interior convivía con una pasión creativa inextinguible y con su exacerbada sensibilidad por la belleza, y tal tensión está en la base de muchas
Javier Valiente pág. 14 La COMPOSICIÓN : Los colores llamativos y las líneas en espiral del cielo y del ciprés reproducen la inestabilidad de su estado de ánimo y la necesidad de descargar esta frustración que le inundaba por dentro. Todo esto forma parte de una estructura que también llama la atención; el cuadro se divide claramente en dos partes , el cielo estrellado y el pueblo, presidido por la larga aguja que forma la torre de la iglesia. Pero el gran ciprés que hay en primer plano rompe esta división, elevándose ondulante hasta arriba del todo de la obra. Incluso las montañas serpentean y parecen unirse con el cielo. La línea del horizonte está baja, dando el protagonismo al cielo. La presencia imponente del ciprés a la izquierda queda equilibrada por la de la luna, a la derecha. El cielo agitado por estrellas incandescentes como fuertes llamaradas contrasta con el pueblo inmutable y sereno dormido bajo ellas. El contraste entre la claridad y movimiento del cielo, con la quietud y oscuridad del pueblo nos indica el poder de la naturaleza frente al hombre. El pueblo, cuya serenidad contrasta con la virulencia del cielo, está representado con trazos rectos y breves, con lo cual se acentúa la oposición con las curvas que dominan la parte superior del cuadro. De la misma manera, las pequeñas luces de las casas son, al contrario que los astros, cuadradas y poco brillantes. La luz no se manifiesta sino en las formas de la luna y las estrellas como sólidas irradiaciones. De este modo, Van Gogh deja claro que el tema que supedita la obra está representado en el cielo y no en la tierra. Este predominio ha sido representado por el artista también en la elección y distribución de colores - azul, morado y amarillo, frecuentes en las obras realizadas por el artista durante la temporada estival de 1889-, aplicando los más vivos en el cielo y utilizando tonos sombríos en el poblado. El COLOR : El color morado junto a su complementario, el amarillo realzan la fuerza visionaria. Un negro ciprés de dignas proporciones aplaca en primer plano la llamarada y equilibra los ritmos vertical – horizontal. Los tonos que Van Gogh utiliza son comunes a todas las obras de esta primavera del 89: malvas, morados y amarillos que muestran el estado de ánimo eufórico del artista. El aura luminosa que envuelve la Luna, hace que ésta se confunda con un Sol. PINCELADA Y CONTORNO : La pincelada de Vincent en esta etapa seguía siendo pastosa y alargada, pero ya había evolucionado hacia grandes espirales y remolinos, que intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. Son pinceladas serpenteantes, arremolinadas, largas y espasmódicas, intensas como su alma agitada. Los contornos, en la parte inferior, están marcados con una línea negra gruesa, como era característico también en la obra de su compañero Gauguin. Las únicas líneas rectas son las de los tejados de las casas al fondo. SIMBOLOGÍA : Representa la pequeñez del ser humano frente a las fuerzas de la naturaleza. La agitación es de espasmo. Hay una visión doble de sol y luna. El ámbito humano queda aplastado por el movimiento de la bóveda celeste. Los astros están a punto de chocar, nos hallamos ante un eminente fin del mundo, ante el mayor de los cataclismos. Por el significado podría enlazar el Romanticismo , en línea de un Friedrich, también sirve de puente de unión con el Expresionismo posterior que participa de la concepción del universo incidiendo en la pequeñez del hombre.
Javier Valiente pág. 15 Henri Marie Raymond de TOULOUSE-LAUTREC ; Albi, Francia, 1864 - Malromé, id., 1901) Pintor, dibujante y cartelista francés. Es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Nació en el seno de una familia aristocrática. Sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le impidieron alcanzar una estatura normal. Medía aproximadamente metro y medio de estatura y tenía una cabeza desproporcionadamente grande, lo cual le daba un aspecto deforme. Pero llevó su condición física con estoicismo y su deformidad no le impidió relacionarse y mantener una vida social normal. Baile en el Moulin Rouge(1890) Desde que en 1889 se construye el Moulin Rouge, se convierte en su más asiduo visitante y cronista de primer orden. Entre el alcohol y la bohemia, estudia las características psicológicas de las bailarinas y las mujeres de vida dudosa. Pero donde verdaderamente revoluciona la técnica es en el campo del grabado, donde las siluetas se deforman y se cubren de tonos tan inhabituales como el azul o el violeta. Con toques de Seurat y poses de Degás, las estampas en colores de Lautrec, logradas transcripciones de las estampas japonesas-ukiyo e-, son el precedente inmediato del modernismo, así como del diseño gráfico actual. ( El Moulin Rouge ) Hombre muy responsable de su trabajo, acudía puntualmente al taller o al estudio todas las mañanas, lo cual no le impidió llevar una vida disoluta, en el ambiente bohemio de Montmartre , donde frecuentó cafés cantantes, teatros, prostíbulos y salas de baile. Estos ambientes constituyen, de hecho, lo más peculiar de su creación artística, en la que bailarinas de cancán y personajes de circo son los protagonistas más entrañables. Además de cuadros llenos de vivacidad y movimiento, realizó innumerables apuntes y dibujos rápidos, así como unos treinta carteles publicitarios de cabarés y productos comerciales. Para los carteles, Toulouse-Lautrec creó un tipo de figura estilizada y adoptó unas tonalidades que ejercieron una influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo. Murió prematuramente, a los treinta y seis años, y las creaciones de su última época, tras una grave crisis de salud, están imbuidas de tintes sombríos Cartel para el recital del cantautor Aristide Bruant en el Ambassadeurs (1892)
